MOLESKINE ® LITERARIO

Atención para futuros editores: Los contratos editoriales de Mario Bellatin son más específicos que las exigencias de David Bowie para sus conciertos (y ya ni digamos de Madonna). Por ejemplo, en un contrato firmado con Almadia para la edición de La jornada de la mona se añadió la cláusula 16: "Se le dará parte de su pago en la mercancía de un perro xoloixcuintle, puro, perteneciente a la estirpe de perros del pintor francisco toledo....." Cuando el perro llegó por mensajería, al ver que tenía una oreja caída y la otra puntiaguda no se le ocurrió mejor idea que ponerle de nombre "Oreja de perro".

Y es así que ahora existe un perro llamado Oreja de perro a quien no conozco pero espero pronto conocer. Nada, ni la gripe porcina, me impedirán ir a México a ver a Mario, a Perezvon y el querido Oreja de perro.

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Aunque no gozan del prestigio ni de la bibliografía interminable que tienen as historias padres/hijos, las historias entre hermanos también tienen lo suyo. Basta pensar en la anécdota bíblica de Caín y Abel o en Los Siete contra Tebas para darnos cuenta de que el tema tiene bastante tela para cortar. Esas historias, además, se han replicado en una gran cantidad de poemas y novelas (se me ocurre ahora Al este del Paraíso de John Steinbeck, pero es solo lo primero que pesco al vuelo). Por eso es tan interesanta el volumen Brothers que se ha publicado en EE.UU. con 26 historias entre hermanos, escritas por igual número de autores. Dice Paper Cuts:

At the end of his essay “A Brother’s Story,” Tobias Wolff writes, “The good luck of having a brother is partly the luck of having stories to tell.” Andrew Blauner includes “A Brother’s Story” in his new anthology, “Brothers: 26 Stories of Love and Rivalry,” along with pieces by the other Wolff son (Geoffrey), Richard Ford, John Edgar Wideman, Pete Hamill, Phillip Lopate, David Sedaris, Dominick Dunne, Jim Shepard, David Kaczynski (brother of the Unabomber), the Cheever boys (Benjamin and Fred) and the Rich kids (Nathaniel and Simon), among others.

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La Feria del Libro de Madrid fue inaugurada hoy en el tradicional parque del Retiro. Las casetas han abierto sus ventanas y, presumiblemente, como otras veces, los sistemas de crédito no están funcionando bien. Qué tentación estar ahí, comprar novedades, comprar cuadernos moleskine, atisbar qué escritores famosos están firmando libros, averiguar quién habla hoy. Encontrarse con amigos y ver qué ha comprado él, qué he comprado yo, y acordarme a último ninuto del libro que realmente quería comprar porque lo reseñó Fresán, Monmany o Giralt y correr a buscarlo. Pero, en fin, ahora estoy en Lima y no hay mayor dolor que acordarse del tiempo feliz en la miseria. El suplemento "El Cultural" ha tenido la buena idea de preguntarle a editores y libreros qué piensan que tiene y qué le falta a la Feria en tiempos de crisis económica, con menos stands y muchas menos ofertas. Aquí las respuestas de los editores:

Jorge Herralde (Anagrama): “El modelo estuvo superado hace unos años, pero con la nueva junta y el replanteamiento general mejoró muchísimo. Esto se ha reflejado en las ventas de libros en las últimas convocatorias. Ya se eliminaron las casetas intrusas y las churrerías. Habría que incrementar más los actos culturales”.

Jaume Vallcorba (El Acantilado): “Creo que la Feria de Madrid se ha consolidado como una feria de referencia, por lo que no considero ni que su modelo esté superado ni que haya que eliminar nada”. Vallcorba también apuesta por desarrollar más actividades culturales y por todo “aquello que ayudara a hacer crecer el interés por la Feria y los libros”.

Xavi Azpeitia (451 editores): “Bueno: una feria, además de un mercado, es una fiesta y, de momento, yo veo caras muy largas. Si el modelo tiende hacia la fiesta sobrevivirá: variedad, importancia de lo pe- queño, pero también de lo grande, mezcla, falta de distinción de clases, apertura, pereza, ligoteo y embriaguez... Esos son los elementos que hacen que uno salga de feria, aunque también hacer negocio o comprar. Si se olvidan, es mejor no montar tanto jaleo. Hacemos un congreso de libreros y editores y nos aburrimos hasta hartarnos”. Y continúa Azpeitia, tan serio como socarrón, con sus propuestas: “Yo aplazaría las discusiones estériles entre editores y libreros (tanto las que hay entre ambos gremios como las internas). También creo que habría que buscar el modo de que no predominaran, para el visitante, los mostradores de novedades repetidas en cada caseta, y fomentar los libros que no son estricta novedad (no por nada: nunca eliminaría novedades o best sellers, pero la variedad es fundamental y de momento no parece que la haya). También quitaría la cerveza en vaso de plástico de los chiringuitos, o acercaría la barra del Martín a la Feria”.

Joaquín Palau (RBA): “Los madrileños acuden masivamente cada año a la feria, pasean, miran, hojean libros, los tocan, dudan entre este o aquel o ninguno. Es un acontecimiento multitudinario, alegre, popular y muy de Madrid. Son los vecinos quienes decidirán si el modelo aún sirve o ya no. Ni el calor sofocante ni el chaparrón veraniego son gobernables por el hombre, o sea que no se me ocurre nada esencial que valga la pena modificar. Más lavabos. Y tal vez mejorar la megafonía: llevo 20 felicísimos años visitando la Feria, y apostaría un libro a que esa voz ha sido siempre la misma o muy parecida, en forma y fondo”.

Sigrid Kraus (Salamandra): “Es una tradición maravillosa que siempre se puede mejorar y tiene que evidentementeadaptarse a los nuevos tiempos, pero creo que es muy bueno para todos. Tal vez habría que quitar algunas casetas institucionales y dotar los actos de mayor atractivo”.

Por otra parte, una buenísima idea es la de unir la Feria del Libro de Madrid al Facebook. Aún no sucede, pero podría ocurrir y sería genial:

“Parece necesario”, [opinan Manuel Gil y Francisco Javier Jiménez, autores de uno de los blogs más interesantes sobre el mundo editorial: Paradigma libro], “reinventar la Feria teniendo en cuenta las nuevas tecnologías. Hace falta una estrategia de márketing a la altura de los tiempos: se hace necesaria una proyección en las redes sociales, verdaderos protagonistas de la difusión de la lectura. El boca-oreja se ha instalado en la Red, y la blogosfera es un nuevo agente cultural al que no se debe dar la espalda. ¿Para cuándo tendrá la FLM su perfil en Facebook y su blog con contenidos propios? Dejemos de satanizar la Red: Internet ayuda a vender más libros... en papel. Y hace falta debate y reflexión sobre la evolución del sector, los nuevos hábitos de consumo, la generación Google, los nuevos soportes, el marketing 2.0, las redes sociales, el papel del editor en el paradigma digital, el futuro de las librerías en entornos digitales, etc.”

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Para los fanáticos de Haruki Murakami, como muchos de mis amigos, nunca será suficiente. Si ya con libros gruesos como Crónica del pájaro que da cuerda al mundo o Kafka en la orilla quedaron extasiados (y mucho menos con las obras breves), con la nueva novela que aparece en Japón esta semana, 1Q84, quedarán absolutamente satisfechos: son 1,000 páginas de una novela típicamente Murakami. Provecho (aunque deberán esperar un tiempo para disfrutarla). La revista Ñ anticipa su trama:

1Q84, la nueva novela del autor de Tokio Blues (Norwegian Wood) y Kafka en la orilla, es un éxito antes de salir a la venta en todo el país pues la editorial Shinchosha ha preparado una tirada de 580.000 ejemplares. El misterio que rodea la obra, de la que poco más se sabe que su título suena en japonés como "1984" y se desarrolla en Tokio, parece haber ayudado en parte a la expectación despertada en Japón, donde el escritor no es tan influyente como fuera de sus fronteras. (...) En el caso de 1Q84, la editorial no sabe cuándo será traducida a otros idiomas y no ha querido adelantar su trama, pero los blogs literarios de sus seguidores japoneses en Internet adelantan algunos detalles. Trataría de la historia de una asesina y un profesor, ambos de unos 30 años y cuyas vidas se entrecruzan en el Tokio de 1984, año elegido por Murakami en homenaje a George Orwell. El escritor japonés reveló recientemente, en una de las escasas entrevistas que concede, que 1Q84 trata del "miedo" y que es su obra más ambiciosa."Es mi novela más voluminosa, espero que sea importante en mi vida y en la de los lectores", dijo en marzo pasado a la agencia Efe, para agregar que con ella quiere "mirar al pasado, pero sin dejar de ver el futuro". Un año antes, explicaba a sus fans japoneses, a través de la agencia local Kyodo, que tenía la corazonada de que iba a ser "una buena novela" y "un importante trabajo para mí". Murakami habrá publicado con 1Q84 un total de doce novelas largas, además de numerosos relatos y ensayos, entre ellos uno reciente dedicado a una de las actividades que realiza a diario: correr ("What I talk about when I talk about running"). Es también fanático de la natación y el tenis. (...) La posibilidad de contar con la presencia del autor en alguno de los actos de promoción de su ambiciosa 1Q84, no obstante, es "extremadamente cercana al cero por ciento", precisaron fuentes de la editorial

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"Una escritura casi perfecta" dijo el jurado de la narradora canadiense Alice Munro, quien ganó hace unos días la tercera edición del super prestigioso premio Man Booker Internacional que consagra una trayectoria literaria. Entre los nominados estaban Mario Vargas Llosa, VS Naipaul, Joyce Carol Oates, E.L. Doctorow y Antonio Tabucchi. Dice la nota:

Mario Vargas Llosa, Joyce Carol Oates, Antonio Tabucchi y V.S. Naipaul eran algunos de los 14 candidatos que aspiranban al Man Booker International Prize 2009 Pero el jurado decidió otorgárselo a la canadiense Alice Munro en mérito a su "escritura prácticamente perfecta". Creado en 2005 y dotado de 85 mil dólares, el galardón se entrega cada dos años a un escritor cuya producción literaria esté escrita o haya sido traducida al inglés. En su primera edición lo fue galardonado el albanés Ismail Kadaré, y en 2007 le correspondió al nigeriano Chinua Achebe (...) Alice Munro (1931) creció en Wingham, Ontario, y estudió en la Universidad de Ontario occidental. En 1950 publicó su primera narración y desde entonces no ha dejado de cosechar éxitos y recibir premios en reconocimiento a su obra, entre ellos el Governor General Literary's, el Giller Prize, el premio Rea de narrativa breve, el Lannan Literary Award, el W.H. Smith Award, el premio nacional del Círculo de Críticos de los Estados Unidos. Su trayectoria también ha merecido la Medal of Honor for Literature del National Arts Club de los Estados Unidos y el Commonwealth Writers Prize. Entre sus obras destacan El amor de una mujer generosa, La vista desde Castle Rock, Secreto a voces, Odio, amistad, noviazgo, amor, matrimonio y Escapada (que llevará al cine la directora Jane Campion). Sus cuentos aparecen regularmente en publicaciones como The New Yorker, The Athlantic Monthly, Grand Street, Mademoiselle y The Paris Review.

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Malos tiempos para la libertad de opinión de los escritores. Mario Vargas Llosa ha sido hostilizado en el aeropuerto de Caracas en su ingreso para presidir un conversatorio sobre la libertad (sin embargo, lo positivo es que hoy se informó que Vargas Llosa aceptó la invitación de Hugo Chávez para debatir libremente). A Sergio Ramírez un grupo de fanáticos afines al gobernante Frente Sandinista de Liberación Nacional (FSLN) le impidieron presentar en su país la novela El cielo llora por mí. Y ahora, en Italia, José Saramago también es víctima de la intolerancia:

La editorial Einaudi, propiedad del primer ministro italiano, Silvio Berlusconi, ha vetado el último libro del premio Nobel de Literatura de 1998, José Saramago, por recoger críticas contra Il Cavaliere. Según publica el diario Corriere della Sera, los responsables de la editorial han decidido no publicar el libro de Saramago porque su autor califica a Berlusconi de "delincuente" en uno de sus ensayos. El premio Nobel, de 87 años, ha hecho varias referencias a Silvio Berlusconi en su libro, denominado El Cuaderno (publicado en España por Alfaguara), que recoge una recopilación de textos que Saramago ha publicado en su blog en los últimos seis meses. La editorial italiana no publicará el libro por el artículo llamado Berlusconi & Cía, en el que el autor portugués escribe: "Realmente, en la tierra de la mafia y de la camorra ¿qué importancia puede tener el hecho probado de que el primer ministro sea un delincuente?". Saramago prosigue: "En una tierra en que la justicia nunca ha gozado de buena reputación ¿qué más da que el primer ministro consiga que se aprueben leyes a medida de sus intereses, protegiéndose contra cualquier tentativa de castigo a sus desmanes y abusos de autoridad". El diario italiano entrevista a Saramago como consecuencia de este suceso. A la pregunta del periódico de si considera, realmente, un delincuente a Berlusconi, el escritor responde: "Desde luego, sabrá que Berlusconi tiene una mentalidad mafiosa".

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Gracias al blog "En Minúscula" de Ezequiel Martínez me entero de que Invisible, la nueva novela de Paul Auster, estará en venta en EEUU en noviembre de este año. La pregunta es: ¿Cuándo estará en Anagrama? Lo más probable es que paralelamente a EEUU. Si no antes. Dice Ezquiel:

Aunque él dice que "no es para nada autobiográfica", la próxima novela de Paul Auster arranca en 1967 en Nueva York, y su protagonista es Adam Walker, un joven aspirante a escritor, estudiante de la Universidad de Columbia. Cualquier semejanza con Paul Auster, entonces, sería pura conincidencia.La novela se llama Invisible y según anuncia su editorial, estará a la venta entre los últimos días de octubre y los primeros de noviembre de este año. La revista Granta adelanta un fragmento de la novela y su editor en los Estados Unidos, John Freeman, le realizó una videoentrevista al escritor en su casa de Brooklyn. Ahí Auster cuenta parte de la trama de la historia de este joven que vive intensamente esos años, y donde la sexualidad es mucho más explícita que en sus novelas anteriores. También habla de sus métodos de trabajo, de sus rutinas y del misterio de las ideas hechas ficción.

Ezequiel en su blog enlaza un adelanto de la novela (vía Granta) y una entrevista al autor.

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José Watanabe, queridísimo y extrañado amigo, el mejor poeta peruano de las últimas décadas para este blogger repentinamente conmovido al recordar la ausencia de Wata, ha sido reseñado por Pedro B. Rey en el suplemento ADN Cultura. Es a raíz de la publicación de La piedra alada en la editorial Pre-Textos. Todos, todos los elogios se los merece Wata. "Una sabiduría que domina el humor" dice Rey. Como si lo hubiera conocido. Como si a él también lo llamara en la madrugada para preguntarle si estaba despierto. Como si cada vez que ocurría un accidente aéreo se hubiese comunicado con él porque compartir un pánico le divertía. Como si también se hubiera metido en el cubículo gélido de una isla de edición para hablar de cualquier cosa, de todo, porque Wata sabía todo sobre todo. Te extraño, amigo. Dice la reseña:

Watanabe, que murió demasiado temprano, hace dos años, es un caso singular dentro de la última poesía latinoamericana. Nació en Laredo, un misérrimo pueblo del noroeste peruano, de madre andina y un padre japonés que lo introdujo en el arte del haiku. La familia era pobrísima, pero un golpe de suerte (la justicia poética existe: los padres ganaron la lotería), le permitió el traslado a la cercana Trujillo y luego a Lima, donde el futuro poeta comenzó estudios de arquitectura. La poesía funda su mito en aquellos orígenes. Por un lado, está el pueblo y la naturaleza que lo circunda. Ese territorio de la infancia aparece y reaparece en la colección, no como nostalgia, sino como espacio que permite que proliferen la memoria y la imaginación. En el pueblo "la vida/ transcurre como una lenta ceremonia/ y el tiempo es más mesurado"; la hambruna puede ser "una especie de inocencia" y los problemas de próstata encontrar un arcaico tratamiento ad hoc . (...) Los poemas de La piedra alada no condescienden nunca al exotismo. Las estrategias sutiles del haiku repercuten en un terreno ajeno al de las formas (los textos son, en comparación con la brevedad oriental, extensos). Actúan, en realidad, sobre la conducta de los versos: la voz parece siempre a punto de capturar, en su red de mariposas, un instante luminoso e irrepetible. Esa armonía (en la que "se muere/ por la disonancia de un pie en falso") encuentra su mejor complemento en el humor. Como Kobayashi Issa, el más irreverente de los vagabundos del haiku, Watanabe conoce el liberador poder terrenal que se oculta en la ironía. Valga el ejemplo de "Fábula", una lacónica obrita maestra: el poeta observa una yegua espigada que orina sobre un sapo y piensa en la ley compensatoria de la magia ("más feo el sapo/ más bello y deslumbrante el príncipe"), pero cuando la yegua se va, moviendo las ancas como una muchacha, no se produce ninguno de nuestros milagros humanos: el sapo "se quedó solo/ y soportando su fealdad inmutable/ y ahora meada".

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Lo que puede hacer la ambición y la envidia. Las ganas de marcar un hito en la Universidad de Oxford y ser la primera mujer en presidir la Cátedra de Poesía de esa universidad hizo que Ruth Padel, la rival de Derek Walcott en esa elección, jugara sucio. Como era imposible que ella pudiera vencer a un poeta extraordinario y premio Nobel como Derek, decidió desenterrar una historia aún no aclarada de denuncia de acoso sexual contra Walcott ocurrida décadas atrás. Aunque Padel negó ser la autora de los anónimos que inundaron Oxford, y que hicieron abandonar la carrera al autor de Omeros, sí aceptó haber enviado emails al respecto a algunos medios de comunicación para levantar la noticia. Resultado: Padel ha tenido que renunciar al cargo que obtuvo solo por una semana. Según ella, lo hizo sin mala intención. Patético. Dice la nota:

La primera mujer en presidir el departamento de poesía de la Universidad de Oxford ha anunciado que se retira hoy martes tras recibir denuncias de que ha participado en una campaña para desacreditar a un rival para el puesto. Ruth Padel, una poeta galardonada que ha impartido clases en Oxford y Cambridge, fue elegida profesor de poesía de Oxford sólo 10 días después de que su principal rival, el Nobel de literatura de 1992, Derek Walcott, se retirara. Padel, de 63 años, negó tener nada que ver con los envíos, pero admitió haber hablado con periodistas acerca de Walcott. Estaba previsto que Padel diera una conferencia de prensa esta mañana para anunciar su renuncia, pero antes de ese anuncio algunos periódicos han publicadp extractos de su declaración de dimisión. En ella niega haber participado en cualquier campaña de desprestigio en contra de Walcott, de 79 años, pero dice que lamenta haber compartido información sobre él con los reporteros. "Yo, ingenuamente, - y en retrospectiva imprudentemente - transmití a dos periodistas, que creía que estaban cubriendo la elección de manera responsable, una información que ya estaba en el dominio público ", según citaba la BBC. "Quiero hacer lo mejor para la universidad y entiendo que la opinión allí está dividida. Por lo tanto, renunciar a la presidencia de Poesía. Espero que ahora se curen las heridas y deseo al próximo profesor todo lo mejor. "

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La revista virtual El Hablador, luego de un receso, vuelve con fuerza en su número 16. Los platos fuertes, sin duda, son el Dossier dedicado a la traducción literaria y las entrevistas a escritores extranjeros, entre ellos el colombiano Jorge Franco, el argentino Alan Pauls y el chileno Alejandro Zambra. De este último, además, se publica un breve texto titulado "Fiestas Patrias" en el que recuerda su viaje al Perú en julio del año pasado. Una estupenda crónica que recuerda lo absurdo de las peleas entre Perú y Chile. Por eso, aunque esté pintada de cualquier color y me despierte en la madrugada arañando en la guitarra "El gato triste y azul", cuando viaje a Santiago me quedaré en la casa de Alejandro. Y cuando él venga a Lima se quedará en la mía, aunque no haya ceniceros. Dice Zambra:

Compro un diario cualquiera, tienen tantos: no se descarta un alza de combustibles, el FMI recomienda al Perú que baje la inflación, Eva Ayllón prepara un nuevo show. También hay decenas de noticias para mí crípticas que leo con atención, como resolviendo grandes misterios: interrogarán al “Doc” por caso Cuatro Suyos, colombiano Vargas puede vestirse de celeste, la “misilera” está condenada. Me quedo con la historia de una mujer de Trujillo que pintó la fachada de su casa con los colores de la bandera chilena. El motivo del gesto fue, según ella, que durante quince años mantuvo una relación con un chileno. Era un homenaje y no una afrenta, pero los vecinos reclamaron ante lo que consideraron, sobre todo en vísperas de fiestas patrias, una provocación, y el jaleo fue tal que tuvo que ir el alcalde a pedirle que cubriera la estrella solitaria con pintura azul. La historia no ha terminado pues los vecinos ahora piden que la mujer cubra el azul con rojo: que convierta la bandera chilena en bandera peruana. Hay un agravante curioso: en el lugar funciona un expendio de bebidas alcohólicas que la enamorada ha bautizado botillería, como en Chile, y no licorería, como en Perú. La foto muestra a la mujer sonriendo y agitando una banderita peruana en señal de arrepentimiento. En el fondo se ve una casa pequeña ya sin la estrella pero con los colores chilenos en perfecta proporción. Es una fachada impensable en Barranco, pienso, a modo de chiste incierto. Cierro el diario, busco banderas peruanas y encuentro quince, dieciséis. (...) Las conclusiones del viaje son, como siempre, medio raras: que me gusta mucho Lima, que me gusta el sonido de la palabra huachafo, y que me parece excelente que la gente, por amor, pinte las casas con los colores de otro país. Aunque la fachada quede un poco fea, claro.

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Con un discurso (muy elogiado) en el que se refiere al exilio y el abandono de la necesidad de retratarse a sí misma de la literatura latinoamericana, Andrés Neuman recogió ayer el Premio Alfaguara de Novela por El viajero del siglo. Ese es el primer paso de lo que será la gira por España y América Latina que lo traerá en julio, para enorme alegría de este blogger, a Lima. En "El País" comentan así el discurso de recepción:

Nacido en Buenos Aires en 1977 pero afincado en Granada desde los 14 años, Neuman recibió el premio en presencia de la Ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde y de manos de Ignacio Polanco, presidente del grupo PRISA (empresa editorial de EL PAÍS). En su discurso, el escritor reveló que fue El viaje de invierno, de Franz Schubert, la primera inspiración para su novela, dedicada a su madre, violinista, fallecida durante la redacción del libro. El escritor hispanoargentino apeló a su condición de inmigrante en Europa e hijo de descendientes de inmigrantes europeos en América para hablar del cosmopolitismo y la falta de prejuicios de su generación: "La literatura en español puede aspirar, al igual que otras grandes literaturas (como la norteamericana) u otras lenguas (como el francés o el alemán), a simbolizar cualquier espacio, a ser una metonimia del mundo. Puede que, desde los años 90, la sensación de muchos nuevos autores sea esa: el desprejuicio territorial. Esto lo han reflejado situando sus historias en lugares remotos, o bien proyectando una mirada extranjera sobre lugares teóricamente propios". La gran calidad del discurso del poeta y narrador (ganador del premio Hiperión de poesía y finalistas del Herralde y el Primavera de narrativa) fue el objeto de la mayoría de los comentarios del aperitivo que siguió a la entrega del cheque y de la escultura de Martín Chirino que acredita a Neuman como ganador del Alfaguara de este año

Si no les basta con el resumen, también en El País han publicado el íntegro del discurso del hispano-argentino-b39 Andrés. ¡Ya te espero con un cevichito, querido Andrés! Eso sí, ni pienses que te voy a acompañar a comprar boxers. Calvin Klein Para eso está Halfon.

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En el suplemento "Radar" de Página12 han recordado noblemente al fallecido Mario Benedetti un grupo de escritores y periodistas argentinos. ¿Quién era este escritor tan conocido y, al mismo tiempo, tan olvidado por sus lectores? Un escritor cuyos versos simples y honestos lo mismo podían despertar sentimientos purísimos y profundos o creas algunas caricaturas, como los personajes de Eliseo Subiela. Juan Pablo Bertazza dice:

Benedetti –sería injusto negarlo– es casi una mala palabra para la actual poesía, a tal punto que pocos, muy pocos osarían tomarlo en cuenta. Y eso puede deberse a varias razones: tal vez su inventario poético terminó devorándose al resto de su obra, tal vez su poesía envejeció mal, tal vez no se pueda ser tan popular y de culto al mismo tiempo. Lo indudable es que en el mayor porcentaje del Benedetti poeta hay un Benedetti letrista. Lo curioso es cómo todos los otros Benedettis fueron muriendo a manos del Benedetti de Poemas de la oficina o Sólo mientras tanto, a manos de poemas que le gustaban a nuestros malos maestros de literatura, a manos de poemas que inundan las orillas de la red: el Benedetti periodista, el Benedetti militante de izquierda, el Benedetti crítico de cine, el Benedetti humorista, el Benedetti exiliado y desexiliado, el Benedetti narrador que despabiló al cuento uruguayo con las luces de neón de la ciudad, el kafkiano Benedetti de La tregua, el Benedetti maldito de ese conmovedor relato que es “Sábado de gloria”, donde Benedetti reza a Dios “una oración aplastante, llena de escrúpulos, brutal, una oración a mano armada” para que no se la lleve a su compañera. Todos esos Benedettis que, ahora, paradójicamente, quizás renazcan.

Guillermo Saccomanno dice:

Onetti, bastante escéptico en materia erótica, no se lo tomaba muy en serio. Lo juzgaba con una sobradora misericordia. Hace unos años, entrevistado en un documental sobre Benedetti, Gelman declaraba que gracias a esta poesía sencilla muchos lectores pudieron quizás conocer más tarde una poesía mayor. Para rabieta del elitismo, los poemas de Benedetti fueron canciones. Y volaron por el mundo. Quienes lo leían y cantaban sus letras no eran lectores de Mallarmé y Pound, pero encontraron en Benedetti una voz que los representaba y expresaba lo que muchos no sabían cómo decir. ¿No es acaso esa la función de la poesía: decir lo que no se sabe cómo nombrar? Convengamos, no ha sido poco el mérito de este poeta que supo alcanzar esos lectores que una supuesta alta cultura menosprecia. Tal vez el “poeta menor” –como lo habría calificado un Borges presumido– no lo sea tanto. Tal vez no se reduzca su gloria a ser “un nombre en el índice de una antología”.

El editor de Emecé, Alberto Díaz, recuerda:

Borges decía que la muerte mejora cualquier biografía; en el caso de Mario la muerte no mejora su biografía, ya que su biografía siempre fue impecable: coherente en el compromiso político y en el pacto con sus lectores, a quienes nunca defraudó. Su vida privada y pública conformaban una sólida unidad sin fisuras, ni claudicaciones. Su calidad humana y sencillez son reconocidas por todos aquellos que tuvimos la oportunidad de tratarlo. Con él crecimos y soñamos millones de lectores en todo el mundo y hoy lloramos su pérdida. Trabajador incansable, la muerte lo sorprendió trabajando en un nuevo libro de poesía, Biografía para encontrarme. Como diría Machado “fue un hombre en el mejor sentido de la palabra, un hombre bueno”.

Además, aparece una entrevista a Mario Benedetti por María Esther Gillio.

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Ricardo Sumalavia está desde hace una semana en Lima y ya le ha pasado todo lo que tenía que pasarle: desde una falsa alarma de gripe AN1N1 hasta una intoxicación por comer conchitas a la parmesana. Además, ha tomado mucha Inca Kola; ha dictado cursos y asistido a encuentros; ha viajado en taxi tico, micro y combi asesina; lo han estafado en una cuenta y él ha dejado un reluciente centavito de propina como nos enseñó Calderón Fajardo; se ha reencontrado con familiares, alumnos y amigos; ha caminado por el acantilado conversando de literatura y buscando un chifa; ha visto una puesta de sol con sus hermanos en plena parrillada cerca al mar del Callao; se ha perdido por las callejuelas del centro de Lima como un personaje de su admirado Vila Matas; ha extrañado a Carmen, Vero y Andrea escuchando al Zambo Cavero en un auto y su madre le ha llevado el desayuno, con "sangrecita" y pan francés, a la cama. Pero ya le quedan poco días y se prodigará por varios lados. El jueves, por ejemolo, tendremos en la Universidad Católica (a las 12:30) un conversatorio que nos conducirá de nuevo al "alma mater, como cuando estudiábamos juntos literatura y nos la pasábamos sentados en la cafetería de letras, o cuando dictábamos en el CEO y nos la pasábamos sentados en la cafetería de letras.

Ya les contaré de eso con más detalles luego. Por lo pronto, este post es solo para darle una bienvenida tardía a este extraordinario escritor y amigo. Y para comentarles que el libro de nuestro hombre en Burdeos, Ricardo Sumalavia, Que la tierra te sea leve (Bruguera) ya está en Lima.

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La Feria del Libro de Madrid tiene como País Invitado de Honor a Francia. Sí, esa misma Francia que fue dada por muerta por al anglofílica Times hace un año y que, desde entonces, no solo ha dado grandes escritores sino incluso un Premio Nobel. Como canta Maelo: "Las tumbas son pa´los muertos, y de muerto no tengo ná". El colombiano Juan Gabriel Vásquez afina la puntería para explicar lo que podría ser un signo evidente de la literatura francesa contemporánea: la mirada hacia fuera. Así lo explica:

Le Clézio se ha pasado la vida de un continente a otro; Enard [autor de Zona] ha vivido varios años en países árabes y ahora vive en Barcelona. No es más que una banal coincidencia biográfica, por supuesto, pero uno tiene que pensar si esas novelas abiertas al mundo, con un punto de apoyo en varias culturas y con influencias de varias lenguas, no estarán causando un efecto interesante en lo que se escribe y se lee en Francia. Las benévolas, del norteamericano Jonathan Littell,que acaba de publicar Lo seco y lo húmedo, es parte de la actual literatura francesa tanto como La piedra de la paciencia, del afgano Atiq Rahimi, y tanto como La mujer que esperaba, del ruso Andréi Makine, y tanto como Marcas de nacimiento, de Nancy Huston, una canadiense que escribe en francés o en inglés indistintamente: cuatro novelas recientes donde la lengua francesa muta y se contamina (es decir, vuelve a la vida). "Una de las fuentes del genio francés está en su aptitud para incorporar a los outsiders", dice Don Morrison en la conversación que he citado al principio. Se refiere a los marginales de la cultura, tipo impresionistas o surrealistas, pero podría referirse a todos estos novelistas que, por razones biográficas o lingüísticas o imaginativas, viven en más de un ambiente al mismo tiempo. No puede ser una simple contingencia que varias de las más interesantes novelas francesas que se han publicado en estos meses sean encarnaciones de esa mirada hacia fuera: Una novela rusa, de Emmanuel Carrère, es la historia de un hombre (llamado, bueno, Emmanuel Carrère: son las convenciones de la autoficción) que investiga la desaparición de su abuelo en 1944 y acaba por descubrir algo mucho más terrible; Dora Bruder, de Modiano, es la historia de una joven desaparecida durante la guerra que obliga al novelista/investigador a reevaluar su relación con la memoria y las vidas ajenas; Nacida de las tinieblas, de Anne-Marie Garat, es parte de un voraz fresco del siglo XX; Ravel, de Jean Echenoz, es la historia del compositor distorsionada por la voz personalísima y el talante lúdico del novelista (si ustedes han leído Al piano o Me voy, saben a qué me refiero). De manera que no: la novela francesa no ha muerto. "¿Dónde está el Zola de hoy?", se pregunta Don Morrison. "¿Dónde están los Balzac y los Hugo contemporáneos?". Yo diría que la pregunta correcta no es dónde están, sino cómo se actualizan, en qué formas puede la novela francesa meterse en el mundo desde una sensibilidad contemporánea. Y los nombres están ahí. Y fíjense ustedes, los hay incluso que nacieron en Francia.

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Salvador Luis está en Lima, aunque encontrarse con él es más difícil que conseguir una Audiencia con el Papa o con los Jonas Brothers, y desde aquí lanza a órbita el número 34 de su revista virtual Los Noveles. Poesía y ficción, como siempre (destaca un texto de la peruana Margarita Saona) y, por supuesto, las columnas de sus invitados oficiales. Entre ellos, Rebeca Yanke, mi favorita, que esta vez está dedicada a la escritora Elvira Navarro. Va así:

Dice de sí misma que es tímida y lenta, y esto termina de sostener que Enrique Vila-Matas diga que su obra recuerda a Satie. Si también se recuerda que el escritor catalán suele decir que él es Erik Satie, como todo el mundo, se llega velozmente, felizmente, a la siguiente conclusión: estamos entrando en una fiesta. Lo que Enrique Vila-Matas no sabe, porque Elvira Navarro es (o era) una mujer un tanto tímida, es que el día que escribió sobre ella en El País era su cumpleaños, el de ella, el de Erik Satie; el de todos. La festejada narra su asombro con pocas palabras, las resume en un gesto, en la boca una O, mayúscula. Hay que contarle una anécdota para que no se sienta sola en la sorpresa, para que recuerde que forma parte, por derecho propio, del Club Secreto de Perec. En una entrevista salvaje, Vila-Matas contó su primer encuentro con Roberto Bolaño, cuando el chileno ya era uno de los suyos pero aún no se habían conocido. La O de Bolaño fue aún mayor, porque dijo: Ostia, Vila-Matas. La causa de todo lo bello al final siempre es la misma: un desconcierto inquietante y hermoso hacia el Adentro. Así describe Elvira su intrahistoria invernal: “Conecté con sentimientos fuertes”.

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Y si Gunter Grass sigue escribiendo en una Olivetti, su compañero de ruta literaria (pero no ideológica), Mario Vargas Llosa, sin llegar a ese extremo, también desconfía del futuro cibernético. En Colombia sostuvo que "Internet empobrecerá la literatura":

“Yo creo que la gran amenaza son las máquinas que pueden acabar con el libro. No sabemos qué va a pasar con ese desafío para la literatura que es la pantalla”, señaló el autor de Conversación en La Catedral, La fiesta del chivo, entre otras novelas, a El Tiempo.En la misma entrevista el escritor se preguntó si la Internet “¿aniquilará al libro? ¿Coexistirán?”, y responde que “eso está por decidirse, y muy pronto”. A continuación subrayó que su apuesta “es por que el libro sobreviva” y explicó que “no es que esté en contra de la red, pero si la literatura se hace solo para las pantallas se empobrecerá, porque la pantalla hace que pierda profundidad y riesgo”, afirmó Vargas Llosa.Según el escritor, “la tecnología imprime a la literatura una cierta superficialidad”, aunque reconoce que “la correspondencia se había acabado casi y ahora con Internet resucitó, pero es una caricatura de lo anterior, que se hacía con gran cuidado”, enfatizó. El papel, matizó, “infunde un respeto casi religioso al escritor”, por cuanto, agregó, “en la pantalla se escribe informalmente, no infunde respeto”, pues “uno se queda pasmado de la indigencia gramatical de los textos hechos para Internet”. La pantalla, enfatizó, “incita al facilismo, a la frivolidad y el rigor desaparece”.

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La autobiografía de Gunter Grass Pelando la cebolla llegó con enorme escándalo dada su confesión de haber pertenecido, cuando adolescente, a las tristemente célebres SS. La segunda parte de su autobiografía no llegan con ese escándalo pero tampoco pasarán desapercibida. Su título en alemán: Die Box: La caja. Parten desde 1956, donde nos dejó instalados la primera parte.

Ahora, Grass sentó a sus ocho hijos (de cuatro matrimonios) en una mesa, en diversas sesiones, les puso un grabador para que hablen de su vida-infancia y se fue. Pero, igual, es el centro. Lo que resulta es un relato en el que el padre pretende verse a sí mismo a partir de los testimonios de sus hijos. Hijos "desestructurados", que han vivido separados, con continuos cambios de casas, a merced del patriarca egoísta. Grass, que lleva años instalado en la autobiografía sin escribir unas verdaderas memorias sino tejiendo una mezcla de recuerdos y ficción, ofrece en Die Box una nueva entrega de eso. No hay allí un fresco de la vida alemana entre los sesenta y los noventa, como se dijo en algún momento, sino que las referencias al exterior son meras pinceladas. Tampoco hay un diálogo entre hermanos con un hilo argumental que sostenga un sólido retrato íntimo.

Sin embargo, lo que más me llamó la atención de la nota es la confesión de Grass de que no escribe en computadora, sigue usando su Olivetti. Asu.

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Y mientras todo el mundo celebra el triunfo en Cannes de Michel Haeneke, en la tranquila Gales se lleva a cabo el Hay Festival en la ciudad de Hay on Wye. La crisis económica es el tema principal que ronda las conversaciones en esta ocasión.

¿Crisis, qué crisis? Encorajados por un sol anómalo, el público ha respondido como nunca acudiendo a una treintena de carpas en un prado infinito, que hasta el día 31 acogerá la friolera de 358 actividades. Durante el primer fin de semana, sólo el sábado se adquirieron cerca de 19.500 entradas y si bien los organizadores preveían mantenerse al final en los 120.000 visitantes, las cifras podrían incrementarse un 20% este año. "La situación financiera hace que la gente se plantee viajar menos y Hay quizá haya sido una gran alternativa", elucubra una portavoz del festival. En cualquier caso, amén de butacas y césped, el que el viejo invitado Bill Clinton calificó como "el Woodstock de la mente" ofrece sobre todo una oferta muy tentadora: actividades imaginativas, intervención del público y grandes nombres. Este año, sin ser estelar, se asomarán Desmond Tutu, Sting, Sara Watters, Eric Hobsbwam, Jane Birkin, Niall Ferguson y Cornelia Funke. (...) El Hay Festival tiene duende porque si no no se explica que casi 300 personas pagaran ayer mismo seis libras por escuchar la insoluble discusión entre el historiador Paul Preston e Ignacio Martínez de Pisón (único autor español este año) sobre si quién mató a José Robles (traductor y amigo de John Dos Passos) fueron los servicios secretos españoles por quintacolumnista (tesis Preston, en su libro Idealistas bajo las bajas, recién publicado en Inglaterra) o quizá fueran los soviéticos (tesis de Pisón en Desenterrar a los muertos, que acaba de aparecer en inglés). O que a las 9 de la mañana del domingo casi 200 personas oyeran a 15 autores galeses de menos de 30 años, aún sin libro: atención a James Smythe, Susie Wild y Tyler Keevil. O que Jane Birkin recordara su infancia ante otras 300 personas antes de un concierto. Richard Booth fue el hayano visionario que impulsó el reino de los libros: su legado son un pueblo con 41 tiendas con libros de segunda mano, sólo una con más de 200.000 títulos. Hoy está muy alejado del Hay Festival, que nació en 1988, 11 años después de su idea. Dice que todo se ha vuelto muy mercantilista. Correcto. En el entorno del festival hay tenderetes que venden desde caramelos a matrículas en escuelas privadas. Pero el festival es una entidad sin ánimo de lucro con 12 personas trabajando al año. "Reinvertimos todo lo que ganamos y procuramos generar beneficios sociales claros", articula Andy Fryers, uno de los coordinadores del festival. Por eso, a su Hay galés, al que realizan en Cartagena de Indias y los dos de España (Segovia y Granada), se añadirá el 30 de julio el de Storymoja en Nairobi (Kenia), mientras estudian expandirse por India y China. Para Fryers está claro: "Tenemos un conocimiento sobre festivales y lo exportamos".

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Ayer 20 de mayo se cumplieron 400 años desde que los Sonetos de William Shakespeare fueran publicados. Una nota en Paper Cuts se pregunta: "What is new, or even fairly new, or at least not too well known, to say about this work? What is there to say to commemorate this occasion that Shakespeare scholars, editors and biographers have not said and re-said?" En The Times también comentan el aniversario resaltando su vigencia. En Moleskine Literario nos aunamos a la celebración dedicándoles a los lectores uno de los más bellos sonetos de William Shakespeare:

XXXI

Thy bosom is endeared with all hearts,

Which I by lacking have supposed dead;

And there reigns Love, and all Love's loving parts,

And all those friends which I thought buried.

How many a holy and obsequious tear

Hath dear religious love stol'n from mine eye,

As interest of the dead, which now appear

But things remov'd that hidden in thee lie!

Thou art the grave where buried love doth live,

Hung with the trophies of my lovers gone,

Who all their parts of me to thee did give,

That due of many now is thine alone:

Their images I lov'd, I view in thee,

And thou (all they) hast all the all of me.

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A los 23 años, cumpliéndose el centenario del nacimiento de Arthur Rimbaud en 1954, un joven e incipiente escritor austriaco llamado Thomas Bernhard escribió un artículo dedicado al poeta adolescente. En ese temprano ensayo ya se perfilaban algunas de las obsesiones del narrador. La nota en el ABC dice:

Es un texto del austríaco, del que no se tenía noticia y que ha recuperado el semanario Die Zeit. El atormentado dramaturgo reflexiona sobre el carácter precoz y vivencial de quien, a su edad, había escrito sus “Iluminaciones” y apenas ya escribiría más. En él “está todo lo que le falta a los contemporáneos: belleza y reverencia, en el sentido más profundo de la palabra". (...) El ensayo que ve la luz lo leyó el austríaco por el centenario del poeta simbolista, en Salzburgo, donde vivía con sus abuelos a causa de su inestable familia. El que sería prolífico autor de “La partida de caza” o el “Malogrado” maldice ya, como hará toda su vida, el mundillo cultural burocratizado y a la sombra del poder. Pero, como raramente hará después, aprovecha para introducir sus ideas sobre la literatura y, con una vis vitalista, insiste en que los monumentos del simbolismo que dejó Rimbaud, no son para admirarlos sino “para vivirlos” y celebra la precocidad y la vida aventurera de quien cambió la literatura por el mercadeo y el tráfico de armas. La vida del francés habría sido "tan violenta, tan abismal y sin embargo tan religiosa como la vida de un santo", escribe no sin religiosidad quien luego desgarraría en sus obras la tradición cristiana. Admira el “carácter religioso” de la experiencia de “mirar a la cara al mundo como hizo Rimbaud, profundamente y en el centro”. Bernhard disputa las burlas sobre la Iglesia, por más que “se pueda llamar malos a los malos curas”, pero “también se debe alabar el brillo y la bondad de Dios como lo hizo Rimbaud desde el principio hasta el final con una violencia elemental”. Pero al contrario de quien, asqueado de la literatura y su salvaje existencia con Verlaine, abandonó tan pronto la pluma, Bernhard iba a ser un autor muy prolífico, si bien aquejado también de salud, pasado e inadaptación social.

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Luego del éxito que ha tenido en España la publicación de quien, hoy por hoy, se ha convertido en el más importante escritor chino de la actualidad, Mo Yan, ahora aparece su novela más ambiciosa (y miren que son ambiciosas y extensas las otras) titulada La vida y la muerte me están desgastando (Kailas). José María Guelbenzu le hace la reseña:

La vida y la muerte me están desgastando es una novela-río en la que se cuenta la historia de Ximen Nao, un terrateniente que es ejecutado por el régimen comunista y se pasa dos años en el infierno antes de ser devuelto a la Tierra por el señor del inframundo, Yama. Regresa a su aldea reencarnado en un burro. A partir de aquí (estamos en 1950) asistirá al triunfo del comunismo en China, a la Revolución Cultural, a la muerte de Mao y, finalmente, tras reencarnarse sucesivamente durante todo ese tiempo en cerdo, buey, perro y mono, recuperará al fin su forma humana como el niño de cabeza grande Lan Qiansui. Al principio, un sirviente de Yama le ofrece morir si no quiere enfrentarse a su destino, pero él lo rechaza: "Quiero conservar mi sufrimiento, mis preocupaciones y mi hostilidad. De lo contrario, no tendría sentido regresar a mi mundo". Su actitud es la de un resistente que en su condición animal asiste al desarrollo de la vida en la pequeña aldea remota sacudida por las convulsiones y transformaciones de un maoísmo interpretado por unos rústicos; el periplo de Ximen reencarnado se convierte en un microcosmos de la vida china en la segunda mitad del siglo además de una fábula de la resistencia ante el igualitarismo autoritario. El relato contiene los ingredientes de la tradición narrativa china admirablemente mezclada con la tradición occidental. Es un mundo fantástico el que se despliega ante los ojos del lector, pero un mundo fantástico en el cual la fantasía transcurre por los caminos de la narración realista, lo que origina un contraste singular y fascinante. El imaginario chino está lleno de imágenes prodigiosas que, como en el mundo de la mitología, enhebra hechos portentosos con actitudes cotidianas y Mo Yan ha aprovechado esta característica para elaborar una ficción de una flexibilidad y delicadeza extraordinarias. No es un ejemplo de lo que Carpentier llamó "lo real maravilloso" -aunque el autor reconoce su interés por autores como García Márquez- sino un relato que parte de una espiritualidad oriental para adentrarse en la realidad a través de lo simbólico. A ello hay que añadir un refinado sentido del humor que desemboca en sátira con frecuencia y que, incluso en sus momentos más crudos, no se deja llevar por el facilismo ni por el trazo grueso. (...) Como es costumbre en la tradición china, el relato está plagado de anécdotas que continuamente se desvían del caudal central para regresar a él como afluentes cargados de agua nueva y las más de setecientas páginas fluyen llenas de inteligencia. Gran escritura que nos abre un mundo a la vez tan lejos y tan cerca de nuestro mundo occidental, un libro para pensar, disfrutar y descubrir la mirada de una cultura distinta y fascinante. -

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El poeta colombiano Juan Manuel Roca, con su poemario Biblia de Pobres, ganó el Premio Casa de América de Poesía que se otorgó hoy en Madrid. Dice la nota:

El jurado, presidido por Gioconda Belli, destacó el dominio formal del colombiano, así como la "sólida estructura de su obra y la variedad de registros a la hora de acercarse desde la mirada lírica a la realidad". El premio se falló el pasado 16 de mayo en Granada, si bien no fue anunciado hasta hoy. Además de poeta, Roca (Medellín, 1946) es narrador, ensayista, crítico de arte y periodista y cuenta con numerosos galardones, entre ellos el Premio Nacional de Poesía Ministerio de Cultura de su país.Sus poemas han sido traducidos al inglés, ruso, japonés y griego, así como al rumano, portugués, italiano y alemán.E ntre sus obras poéticas cabe citar Memoria del agua (1973), Pavana con el diablo (1990), Un violín para Chagall (2003 y 2004) y Testamentos (2008), entre otras muchas.

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Aprovechando la aparición de Sables y utopías, visiones de América Latina (Aguilar) audaz recopilación de ensayos escritos desde 1960 por Mario Vargas Llosa hecha por Carlos Granés, Perú 21 aprovechó para entrevistar al autor. Realmente, no tiene desperdicio la conversación de Vargas Llosa con José Gabriel Chueca y Gonzalo Pajares. Para empezar, se refiere con respeto al desaparecido Mario Benedetti:

Fuimos muy amigos. Lo conocí en los 60. Le tuve siempre afecto y admiración, aunque discrepé profundamente con él por razones políticas. No solo me pareció siempre un buen escritor sino un intelectual honesto, un hombre siempre coherente entre sus convicciones y su conducta, a diferencia de otras personas, sobre todo en el campo intelectual, que usaron mucho sus convicciones para medrar. No fue un intelectual barato.

Luego, habla sobre la novela basada en Roger Casement que está terminando de corregir y que posiblemente se publique en el 2010. Dice:

Creo que la búsqueda de la novela total está siempre ahí, en todo escritor, consciente o inconscientemente. A diferencia de un género como la poesía, que es el ideal de perfección, que puede ser condensado en un texto muy breve, la novela que ocurre en el tiempo lo empuja a uno hacia la totalidad; aunque, por supuesto, ninguna novela la alcanza. Pero, además, ese ideal se ajusta a una temática. Hay historias que requieren de un formato más pequeño; por ejemplo, Travesuras de la niña mala. En cambio, la novela sobre Flora Tristán y Gauguin (El paraíso en la otra esquina) o la de Trujillo (La fiesta del Chivo) están más dentro de las que escribí en los años 60, que buscan más visiblemente esa totalidad. Quizá también es el caso de la novela que estoy escribiendo ahora. (...) lo de Roger (Casement) lo conocí a través de lecturas y, luego, hice investigaciones; aunque he vivido la dictadura como todo latinoamericano, no he vivido una como la de Trujillo. Creo que todos los novelistas usan su experiencia, su memoria, como materia prima para la imaginación. Pero también creo que la memoria solo puede ser un punto de partida porque, si uno no tiene libertad para manipular el recuerdo con entera libertad, transformándolo en algo distinto, entonces no hace literatura; hace un documento muy personal, íntimo, que puede tener interés como documento, pero que no es una obra de creación. La literatura consiste en crear un mundo independiente del creador, capaz de parecer autosuficiente, de romper completamente ese cordón umbilical con quien lo creó.

Cuando le preguntan si alguna vez trataría el tema de la violencia política, como otros autores peruanos contemporáneos, contestó con enormísima lucidez:

Ya no me atrevo a hacer este tipo de pronósticos. De repente te encuentras con un tema tan estimulante que te empuja a hacer algo que nunca pensaste hacer. Tengo muchos proyectos –espero tener tiempo de realizarlos todos– y siempre estoy abierto a lo sorpresivo. Es tan bonito encontrar de pronto algo que te estimula mucho. Por ejemplo, la novela que estoy escribiendo. Nunca hubiera pensado escribir algo sobre Casement, un personaje vinculado al independentismo de Irlanda, al Congo y, sin embargo, me encontré con él y, poco a poco, me fui embarcando. Eso demuestra que uno no elige sus temas con toda serenidad. En cierta forma, los temas lo eligen a uno. De pronto, un tema tiene que ver con cosas íntimas que te remueven. No parece que fuera un acto completamente racional. Es como enamorarse.

También se refirió a la literatura actual, que le parece frívola en general:

Eso creo que es verdad [que la literatura actual carece de ambiciones], y creo que responde a la cultura de nuestro tiempo. La civilización de nuestro tiempo busca fundamentalmente el entretenimiento y la diversión. Es muy frívola. Es lógico que tenga tanto éxito una literatura leve, amena, ligera, a veces brillante, pero una que no busca complicar la existencia a nadie ni dar dolores de cabeza sino divertir. Hay magníficos escritores light. Pero creo que esa es una presión que la civilización de nuestro tiempo ejerce sobre la literatura y la cultura. Hay excepciones, y creo que son las más interesantes.

Finalmente, habla sobre las obras póstumas y las viudas literarias, incluyendo sus propias disposiciones para el momento fatal. Otra vez lúcido:

Hay viudas y viudas –y, también, viudos y viudos–. No he leído el libro de Cortázar, pero no tengo duda de que esa edición es absolutamente respetable porque la ha hecho Aurora Bernárdez, una mujer extraordinaria. Es una de las mujeres más inteligentes que he conocido y una de las lectoras más lúcidas. Yo siempre creí que Aurora había decidido no escribir porque quería que en esa pareja hubiera un solo escritor. Pero, cuando oía conversar a Julio Cortázar y a Aurora, era difícil decir quién era más inteligente, quién decía cosas más brillantes, quién había leído más y quién había leído mejor. Para mí, es uno de los espectáculos de inteligencia que más me ha sorprendido en la vida. Tanto que yo bromeaba alguna vez diciendo que ellos ensayaban antes sus conversaciones. Esa selección estoy seguro que está hecha con rigor y respeto, desde luego, por Cortázar y por la literatura. Hay viudas o viudos que explotan de una manera ya innoble publicando cosas que el autor jamás hubiera permitido que se publicaran. A mí me parece una inmoralidad publicar algo que no contribuye a la imagen del escritor sino que, más bien, la empobrece. Eso es criticable. Pero que se publiquen inéditos, si son interesantes, en buena hora. (...) [en cuanto a mí] Espero no dejar inéditos. Se publicarán cartas mías, pero he sido tan mal corresponsal… es el único género que no he cultivado (ríe). De manera que nunca verán muchas para publicar. Además, la mayor parte de mis cartas la escriben las secretarias.

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En una entrevista en el diario español ADN.es sobre las estrategias de mercado para el libro en la actualidad, aparece una mención muy inspiradora a este Moleskine Literario. Inspiradora y, debo decir, escalofriante. No sabía que me consideraban un creador de opinión. Qué bueno que me divierto tanto haciendo este blog, si no sería una carga demasiado pesada y frustrante como lo fue mi programa "Vano Oficio". Muchas gracias por la mención y, como diría Edgar Vivar en un capítulo del Chapulín antes de que le caiga el porrazo: "Para eso estamos". Dice la nota:

Creadores de opinión

"Antes salir en un suplemento literario te garantizaba 3.000 ejemplares, ahora como mucho 150. Te dará todo el prestigio del mundo, pero una recomendación explícita en un blog de referencia vale más", afirma Sábat. Moleskine Literario, del escritor peruano Iván Thays, es un referente para editores -Jorge Herralde lo consulta a diario- y una guía para lectores. "Buscamos creadores de opinión, expresa Sábat, que puedan crear tendencia, que tengan auténtica difusión social, como podría ser ahora mismo Ferran Adrià".

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La novela de Nathan Englander, Ministerio de casos especiales, finalmente ha sido editada por Mondadori. Una novela que transcurre en el mundo judío de Buenos Aires, ni más ni menos. La obra, al parecer, no defrauda las expectativas que se crearon luego de su extraordinario ingreso literario con una colección de cuentos titulada Para el alivio de insoportables impulsos (Debate), pero "todo está exactamente donde tiene que estar" dice Fresán con un poco de pena. La reseña en ABCD las letras:

La novela se lee muy bien, tiene grandes momentos y -tal vez ésa sea la única pero atendible crítica que se le puede hacer- todo está exactamente donde tiene que estar. Incluyendo ciertos destellos -que ya brillaban en sus relatos- de algo que muchos apresuradamente tildarán de realismo mágico, pero que en realidad conecta directamente con rituales mucho más antiguos. Y es justo ahí donde algún lector -mi caso- sentirá incomodidad ante cierta compulsión alegórica de la novela. Es decir: ¿hacía falta que el sufrido protagonista se llame Kaddish, que su trabajo pase por encargarse de borrar los nombres de las lápidas de judíos muertos y poco honorables (hacerlos, sí, desaparecer) para que no haya conexión con sus parientes vivos, y que Kaddish sea, literalmente, un hijo de puta educado en una sinagoga regentada por rufianes y prostitutas? ¿Causan realmente gracia episodios como el del cirujano plástico Julio Mazursky, que, en pago por sus servicios lapidantes, ofrece «corregir» las narices de Kaddish y de su esposa Lilian? ¿Es necesario que Englander haga tantos guiños a Gogol? Y, sí, se entiende: de lo que aquí se habla es de la pérdida de la identidad primero (en la mitad «cómica» del libro) y después (en su muy dramática y trágica segunda parte) de la pérdida de todo aquello que hace a un ser humano digno. Al final, lo que queda es la desesperación de Lilian buscando a su rebelde y desaparecido hijo, Pato, por gubernamentales pasillos donde se susurra acerca de «casos especiales» y, claro, no encontrándolo en ningún lugar. Y su razón va perdiéndose, erosionada por tanto ruego a tanto funcionario de lo que no en vano se llamó a sí mismo, kafkianamente, el Proceso. Quizás esta ficción con argentinos -contada aquí con tanta elegancia- no sorprenda demasiado a nativos a los que, por las peores razones y motivos, ya poco y nada les sorprende. Al menos, al porteño que firma esta reseña. En cambio, para cualquier turista que se pasee por estas tristezas, todo lo que se cuenta aquí resultará -con justicia y por injusticia- apasionante. En una entrevista, Englander afirmó: «Me fascinan los argentinos porque todos ellos han sido formados por la política de una manera muy profunda». Tal vez, pienso, Englander quiso decir deformados.

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En una vieja casa a espaldas de los jardines de Luxemburgo, "Babelia" entrevista al excelente escritor Patrick Modiano, a quien describen como "muy alto, muy amable, algo torpe y muy tímido". Luego de unos años en el olvido, Anagrama recuperó a este extraordinario -aunque Edmundo y Diego se rebelen- narrador francés autor de novelas breves como En el café de la juventud perdida, Calle de las tiendas oscuras, Dora Bruder y la imperdible Un pedigrí . Ahora algunas editoriales que lo tenían antes fichado, como Seix Barral, y nuevas como Pre Textos se animan a seguir a Modiano. Aquí algunas respuestas del tímido y nostálgico Modiano:

(...) muchas de sus novelas se desarrollan en esa parte de París, el XVI, cerca de Trocadero, que no tiene nada de especial. ¿Por qué?
Por eso, porque no tiene nada de especial. Muchos lo consideran un típico barrio burgués. Pero no es así del todo. Tiene una parte de barrio anónimo, banal, sin monumentos históricos, donde uno puede imaginarse cosas. En otros barrios parisinos te sientes bloqueado por la historia. En Trocadero y sus alrededores uno puede observar las calles y la gente que las habita de una manera un poco onírica. Es un barrio donde, en determinadas calles, la gente desaparecía mucho. Como le he dicho, yo lo he comprobado con las guías de teléfonos. Hay una suerte de movilidad extraña. Es un barrio burgués, pero tiene su lado extraño... Luego están mis propios recuerdos de infancia y adolescencia...Todo es un poco confuso. Yo no conozco Madrid, pero estoy seguro de que en Madrid debe de haber barrios así...

¿Por qué las direcciones y los números de los portales son tan precisos?
El París de mis novelas, más que un París de hace décadas, es un París interior, casi onírico, que nace de las cosas que me impresionaron cuando yo era un adolescente. Y para que ese lado onírico se desarrolle, es preciso que las direcciones sean exactas. Puede que el edificio que se describe sea banal, no importante, pero sí que su ubicación en la novela sea perfecta. Es como un cuadro de Magritte: los objetos, aunque de carácter onírico, están dibujados de forma muy nítida.

¿Y ha cambiado mucho París desde su adolescencia?
El centro no ha cambiado tanto porque no se pueden destruir los edificios históricos. Pero en los barrios periféricos sí se han demolido muchas manzanas. Además, cuando yo era adolescente, existía en París una suerte de... fantástica mezcla de la sociedad. Por ejemplo, en el barrio de Les Halles, cuando aún existía el mercado, a partir de medianoche, con los camiones que iban y venían, o el barrio de la prensa, alrededor del Boulevard Reaomur, había una especie de sociedad fantástica y atrayente, todo estaba muy animado, no sé cómo decirlo. Incluso Los Campos Elíseos, o en Pigalle. Ahora es diferente. Y eso me ha marcado.

¿Y su barrio, Saint-Germain-des-Près?
Ha cambiado muchísimo desde mi infancia. Aparte de los dos cafés, Les Deux Magots y Le Flore, era un barrio muy provinciano, por así decir. Había una mezcla muy extraña. Por una parte, era un barrio muy tranquilo, con personas mayores sentadas en la plaza, y por otra, había cafés modernos y lugares donde se tocaba jazz. Me acuerdo, cuando yo iba a la escuela, que estaba en la Rue Dauphine, de que a veces pasábamos por una tienda a comprar bombones y veíamos a Picasso o a Giacometti. Todo mezclado, no se perdía el lado provinciano.

En Pedigrí, una suerte de autobiografía, habla de esa época, y sobre todo de sus padres, él atareado con negocios extraños, ella actriz de segunda, viajera, que le abandonaban con frecuencia...
Todo es real. Es una autobiografía un poco especial. Quería hablar de cosas que me hicieron daño y que me resultaban extrañas. En otras autobiografías se habla de cosas íntimas con las que uno está de acuerdo, con las que te reconoces. Yo, por el contrario, quería liberarme de cosas que me hicieron daño. Quería desembarazarme de todo eso que yo no elegí, que no me concernía del todo y que me hizo daño...

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¿Existe la "posteridad invisible"? La posteridad de Antonio Porchia parace responder que "sí". Porchia y sus brevísimos textos, resumidos bajo el simple título de "Voces" (que en Argentina, supongo, tiene un doble significado), han influido a generaciones de poetas extraordinarios de Argentina -el mejor de todos, Roberto Juarroz- y sin embargo apenas es posible encontrar poemarios suyos. Una editorial cordobesa acaba de publicar un compendio de Voces y eso es un buen pretexto para que el escritor Guillermo Saccomanno escriba un dedicado perfil del invisible Antonio Porchia en "Radar". Antes de que vuelva a la invisibilidad, dejo el enlace y un largo párrafo (lleno de su poesía, además) que pinta bien al maestro:

"Lo que hice o no hice, creo que pasó. Y lo que haré o no haré, creo que también pasó”, escribió alguna vez el Viejo, y seguro que al Viejo le corresponde la mayúscula, el Viejo al que todos llaman Don Antonio. Cuando alguien viene a visitarlo a su casa de la calle Malaver, en Olivos, Don Antonio agarra la bolsa de los mandados y va hasta el almacén. Ahora, en la vejez, otra vez contando el centavo como cuando tenía diecisiete años y recién había bajado del barco. Trabajaba día y noche entonces. “Un poco más de pan en mis primeros años y mi todo hubiera sido todo lo que es todo en todos mis años”, escribió. No es ninguna excepción, en este país y no sólo, un poeta que termina en la pobreza o tirado en una cama de hospital. Pero el Viejo tiene aguante: “La pobreza ajena me basta para sentirme pobre; la mía no me basta”, dice en una de sus anotaciones. A pesar de todo, se las arregla para volver del almacén con vino, queso, salame y pan. Así agasaja a sus visitantes. La humildad en que vive, más que pobreza es austeridad. Es decir, dignidad. Su casa tiene cuadros que forman una cotizadísima pinacoteca: Pettoruti, Quinquela, Victorica, Castagnino, Soldi, Butler y Forner. Pero no está dispuesto a venderlos. De todos los libros que tiene, hay dos que están siempre a mano: La Divina Comedia y Jerusalén Liberada. Quienes lo visitan son, por lo general, jóvenes. “Saber morir cuesta la vida”, les enseña. Aunque el Viejo no es de muchas palabras, quienes vienen a verlo sienten que están consultando un oráculo. A los que aprecia suele regalarles una anotación. Una de sus “voces”, así las llama. “La verdad tiene muy pocos amigos y los muy pocos amigos que tiene son suicidas.” Que no se llame aforismo a estas voces, se enoja. “Hablo pensando que no debería hablar: así hablo.” Se indigna cuando lo tratan de aforista. Lo suyo es una poesía de visión metafísica. “Habla con su propia palabra sólo la herida.” Esas voces que escucha, dice, no son una alucinación. Más que autor se piensa intérprete de esas ideas. El Viejo tiene clara la dialéctica entre el uno y el todo. Contra las corrientes poéticas de su tiempo, está en otra cosa. Y en otra parte. Como cuando escribe: “Eramos yo y el mar. Y el mar estaba solo y solo yo. Uno de los dos faltaba”. Siempre estuvo en otra parte. Y en otra. Sin entrar en ninguna: “No, no entro. Porque si entro no hay nadie”. Aunque vienen a verlo, él elige, como lo hizo en toda su vida, permanecer al margen del ambiente literario. El Viejo escribió: “En plena luz no somos ni una sombra”. Y tanto más se aleja ahora que su nombre, su apellido especialmente, se ha convertido en un mito: Porchia. Hace unas noches Dal Masetto me comentó que en los ’60, al entrar a una librería, un amigo le señaló: “Ahí va uno de los poetas más grandes de la Argentina”. El joven Dal Masetto lo miró. El Viejo tenía todo el aspecto de uno de esos italianos inmigrantes, rudos, curtidos por el trabajo áspero. Podía ser un maestro mayor de obra. En verdad, lo era. Era maestro y era mayor. También tenía una obra. La diferencia entre un arquitecto y un maestro mayor de obra consiste en que el primero puede levantar un edificio y el segundo, no más de tres pisos. Esa diferencia encubre otra más profunda. Los delirios constructivos de un arquitecto suelen ser tentaciones de la vanidad. Y derrumbarse. El segundo construye no más de tres pisos, pero el plantado es firme. Y difícilmente se vendrá abajo. La obra del Viejo tiene esta virtud: es una obra medida, enemiga de lo decorativo. “En mi silencio sólo falta mi voz”, escribe. Y, a medida que pasan los años, con su aura de escritor secreto, resiste los embates del tiempo y los istmos. Es sabido: nada atrasa tanto como la vanguardia. La vanguardia es museo. Aunque esta cuestión al Viejo no le importa: “Hombres y cosas, suben, bajan, se alejan, se acercan. Todo es una comedia de distancias”.

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El domingo pasado, aparecí en el programa de TV "Panorama" hablando de Lolita de Vladímir Nabokov y de las nínfulas en general. Fue a raíz de la historia de Silvio Berlusconi, a punto de divorciarse por tener supuestamente una amante de 18 años (es decir, bastante mayor para Lolita). La relación entre el libro de Nabokov y la historia de Berlusconi me pareció divertida pero un poco tirada de los cabellos; sin embargo, el reportero no fue el único que los relacionó. Ahora, desde España, Umberto Eco coincidió con él:

El escritor y semiólogo italiano Umberto Eco dijo hoy en Madrid que al primer ministro italiano, Silvio Berlusconi, no le regalaría ningún libro porque "él mismo ha dicho que no lee", pero "vistas sus últimas noticias –añadió– sí le regalaría Lolita", de Nabokov. Eco, que recibió hoy en Madrid la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes, uno de los intelectuales más reconocidos de los últimos tiempos, mantuvo hoy un encuentro con la prensa horas antes de recibir la distinción (...) A la pregunta de qué es lo que pasa con los italianos, que mantienen en el poder a Berlusconi, el autor de El nombre de la rosa contestó: "No pasa nada, los italianos están todos así". "Primero (los italianos) apoyaron al fascismo. Lo abandonamos cuando ya había un millón de ciudadanos muertos. Luego aguantamos cincuenta años de democracia cristiana, y ahora se vota a un personaje que cuenta chistes y se muestra como un caudillo. Ahora hace falta que Berlusconi haga morir a un millón de italianos, pero yo estoy viejo para ver eso, y si esto sucede me exiliaría en España", dijo Eco haciendo gala de buen humor.

En la conferencia de prensa, Umberto Eco también defendió con entusiasmo el formato de papel contra el digital: "Si tuviera que dejar un mensaje de futuro para la Humanidad, lo haría en un libro en papel y no en un disquete electrónico" Muy inteligente porque en unos años nadie sabrá lo que es un disquete. Ahora mismo ya no sé bien qué es esa cosa. Hay mejores medios de almacenamiento digital, señor Eco. Actualícese.

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Con honores de héroe nacional, y una infinita pena, ha sido despedido Mario Benedetti. En Uruguay se decretó duelo nacional y se ofició un velorio multitudianario encabezado por el propio Presidente Tabaré Vázquez en la sede del Parlamento uruguayo. En la Revista Ñ se comentan algunos detalles del velorio:

La gente que en la víspera llegó a la capilla ardiente armada en el imponente Salón de los Pasos Perdidos del recinto de la Asamblea General, entre los que se destacó la presencia de jóvenes, muchos jóvenes, con los que tenía una muy buena comunicación, debió en algún momento hacer una cola de casi dos cuadras, para despedir al escritor. Al ingresar por la puerta derecha del salón, había muchas personas que se detuvieron ante un libro dispuesto para que el que quisiera pudiera expresar por escrito sus sentimientos, en estas horas de tanto dolor. A las 6 ya se habían completado doce de esos libros. Mucha gente ingresó con flores, lapiceras, o algún otro elemento que luego dejaron, a manera de ofrenda, al pie del cajón. Diseminadas también a los costados de los sectores de ingreso y egreso del salón, se podían ver las más de cincuenta coronas, de las más diversas procedencias. Entre ellas se destacaban las de variados sectores políticos y agrupaciones sociales, como la organización Madres y familiares de detenidos desaparecidos o la Coordinadora Nacional por la anulación de la ley de Caducidad. También se destacaron las coronas enviadas por Hugo Chávez, la Embajada argentina y la de España, y también la de algunos artistas como Joaquín Sabina y Ana María Picchio, quien a principios de los 70 fuera una de las protagonistas de la adaptación al cine que Sergio Renán hiciera de la novela La tregua, de Benedetti.

Por otra parte, se habló de la creación de una Fundación que llevará su nombre, un honor que -según su amigo y agente literario- Guillermo Schavelzon, el poeta jamás hubiera aceptado en vida por modestia. Se sabe que quedan dos libros inéditos que Benedetti estaba corrigiendo y serán publicados por la nueva Fundación.

Una de las primeras labores de la fundación será cuidar de la publicación de los textos que Benedetti dejó terminados e inéditos: un libro de poemas y otro de textos breves. El primero, Biografía para encontrarme, consta de 66 poemas y el escritor de Paso de los Toros se lo entregó hace meses a Jesús García Sánchez, responsable de Visor, la editorial española de sus poemas "desde hace 15 libros". En 1991 publicaron juntos Las soledades de Babel y desde entonces Benedetti comentaba y discutía con él cada nuevo poemario. De aquellas charlas salían las versiones definitivas. También los poemas excluidos, de los que más de 200 quedaron en manos de García Sánchez. ¿Se publicarán? "Biografía para encontrarme saldrá en septiembre. El resto, no. Lo desechado por Mario, desechado queda", dice el editor, que acaba de publicar Inventario Cuatro, un nuevo tomo de su poesía reunida. "Se lo envié urgente pero no ha llegado a verlo", cuenta García Sánchez, que destaca la confianza que siempre hubo entre ambos: "Ni contrato tengo". Schavelzon es de la misma opinión respecto a los inéditos: "Tiene una obra tan grande que no es necesario hurgar en los cajones. Tampoco creo que aparezcan cómodas llenas de inéditos". El agente del escritor descarta, además, que éste dejara una novela inédita: "Hace siete años dijo que la novela era ya un género que le excedía. Y desde hace dos no escribía más que textos breves". Son los que dieron lugar a un título como Vivir adrede, publicado por Alfaguara en 2007. Y los que se forman el libro inédito que Benedetti dejó terminado pero sin título.

Diversas personalidades han comentado la muerte y dejado algunas frases de despedida para don Mario. Aquí algunas de ellas:

"Ha conseguido que su voz sea la de muchos y que millones de personas nos hallamos reconocido en sus versos y en su lucha".
José Luis Rodríguez Zapatero - Presidente del gobierno español

"A Mario Benedetti lo vi una vez jugando al fútbol, parecía un bailarín y no le quitaban la pelota".
Hermenegildo Sábat - artista plástico

"Vivo con la pena de perder un amigo que no voy a poder volver a ver; cuando regrese a Montevideo no lo voy a encontrar".
Joan Manuel Serrat - Cantautor español

"Benedetti fue poeta, fue novelista, fue ensayista y, sobre todas las cosas, fue un hombre bueno".
Juan Gelman - poeta

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Cuando se estrene la película "Los hombres que no amaban a las mujeres", en la primera novela de la trilogía Millenium del sueco Stieg Larsson , su protagonista Lisbeth Salander tendrá movimiento, voz y rostro. Pero al menos en esto último la cosa no será tan fácil. Los lectores en castellano de la saga ya se acostumbraron a la silustraciones de Gino Rubert para Destino y piensan que la mujer que él retrata (basada en una ex novia) es la única Salander posible. Los lectores tendrán que escoger entre la lánguida mujer de Rubert y la seria Noomi Rapace. Claro, siempre queda la tercera opción, la más sensata: la imaginación. Dice la nota en Ñ:

La tercera parte de la serie Millennium - nombre de la revista donde trabaja el periodista Mikel Blomkvist, el otro gran protagonista llegará a las librerías nacionales a finales de junio y la portada, que se acaba de completar hace escasos días, se basa también en otra ilustración de Gino Rubert. Una mujer que acaricia su larga cabellera como si fuese un arpa, sentada en el borde de una casa abierta al espectador... es la portada de La reina en el palacio de las corrientes de aire. Silvia Sesé, editora de Destino (España), es la responsable del encargo y está especialmente satisfecha de la elección. Gino Rubert ha creado desde hace años un universo propio, donde la placidez aparente esconde un mundo tan oculto como intrigante. Son muchos los lectores que han identificado automáticamente el personaje femenino de las novelas y la chica que aparece en las portadas de las ediciones castellanas (y las catalanas de Columna). Incluso cuando han aparecido las primeras entrevistas y carteles con la actriz sueca Noomi Rapace - o Norén, su apellido real-muchos fans se han sentido decepcionados. Pese a su caracterización, a los piercings y los tatuajes, la guapa actriz sueca no acaba de dar la talla de esa chica punk, huraña, andrógina, fumadora compulsiva y violenta. Gino Rubert reconoce que nunca sus obras habían llegado a tanto público y al mismo tiempo se sorprende de que tantas personas realicen esta identificación. "Lo curioso - afirma el artista-es que todo empezó en noviembre del 2007, cuando estando en Córdoba (Argentina) me llamó mi ex novia, que es quien aparece con su cara en estas imágenes. Ella le dio el contacto a la editora Silvia Sesé, que conocía ya mi obra, e hicimos los primeros tratos por e-mail" (...) ¿Cuál es la causa de esta identificación entre Lisbeth Salander y la chica de Gino Rubert? Para Silvia Sesé es que ambas forman parte de esa inquietante escenografía que surge de la obra del autor. "Conocía la obra de Gino, porque antes trabajé en el Círculo de Lectores y allí ya le pedimos que ilustrase Salomé de Oscar Wilde. Para los libros de Larsson queríamos una portada de autor, que fuese desafiante, con cierto morbo, que fuese de calidad para ser recordada", añade Sesé. Y ahí estaban esos retratos de mujeres de Gino Rubert, artista nacido en México (1969), hijo del filósofo Xavier Rubert de Ventós y la psicoanalista mexicana Magda Català, que han sido expuestos en los últimos años en Zurich, Frankfurt, Tokio y Nueva York.

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Un armario lleno de sombra (Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores) es el título de las memorias del poeta Antonio Gamoneda que fueron presentadas ayer. En "El País" comentan estas memorias a manera de abcdario de temas importantes. Aquí algunas entradas:

EL PADRE. El relato de la muerte del padre del poeta es uno de los momentos más crudos de Un armario lleno de sombra. Había sufrido un ictus cerebral y pidió a su esposa que le inyectase una dosis de morfina, a la que había sido adicto durante años. Así lo recoge el libro: "Mi padre ordenó a mi madre que le inyectase una concreta dosis de Pantopón. Hubo un breve diálogo que mi madre me repitió siempre con las mismas palabras: "No, Antonio, puede hacerte daño, no". Y la contestación de mi padre: "Prepárate entonces para verme sufrir". Amelia no dijo nada más; extrajo la solución y le inyectó. Pronto mi padre entró en un sueño del que ya no despertaría".

AUTORRETRATO. "Estas memorias son el duro reencuentro con el pequeño canalla que yo mismo fui. Ahora que ya no soy pequeño. No sé si canalla".

LAS MUERTES. "En mi infancia pesó mucho la orfandad. Mi madre, quizás si mucha sabiduría, me la hacía presente con frecuencia. Además, nací a la conciencia dentro de ese espacio de muerte que era la Guerra Civil. Fue algo biográficamente terrible, pero lo más terrible es que todo aquello fuera contemplado con normalidad".

LA MADRE. Así relata Gamoneda la muerte de su madre, ya anciana, en las primeras páginas del libro: "Murió suavemente, dejando caer con cuidado la cabeza sobre la clavícula izquierda. Estábamos en la galería y el sol se retiraba ya del frontón blanco de las casas vecinas. Yo estaba dándole de comer".

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Táctica y estrategia

Mi táctica es
mirarte
aprender como sos
quererte como sos.

mi táctica
es hablarte
y escucharte
construir con palabras
un puente indestructible .

mi táctica
es quedarme en tu recuerdo
no sé cómo ni sé
con qué pretexto
pero quedarme en vos .

mi táctica
es ser franco
y saber que sos franca
y que no nos vendamos
simulacros
para que entre los dos
no haya telón
ni abismos.

mi estrategia es
en cambio
más profunda y más simple
mi estrategia
es que un día cualquiera
no sé cómo ni sé con qué pretexto
por fin me necesites.

Mario Benedetti

En homenaje a don Mario y dedicado a Karla, quien todos los días me enseña que no necesitamos de pretextos, tácticas ni estrategias para estar felices.

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Úrsula Le Guin, la insospechada heredera de la ciencia ficción en inglés, la autora viva más leída del género, pensaba cuando era una chiquilla que la ciencia ficción era cursi. Tal como lo leen. Solo los tarados y Dios no cambian, dicen. La entrevista en la Revista Ñ:

"Cuando tenía unos 11 años," recuerda, "mi hermano y yo comprábamos los relatos de Astounding Stories. Nos burlábamos mucho de ellos. Éramos chicos bastante pedantes". Más tarde, al llegar a los 30, un amigo le habló de Cordwainer Smith y Theodore Sturgeon. "Pensé: 'Miren esto. Podría ser divertido'". Desde fines de los 60 hasta comienzos de los 70, Le Guin trabajó en una veta inspirada por su interés en los experimentos mentales y la preocupación taoísta por el equilibrio. El fermento de la guerra de Vietnam y el caso Watergate, del feminismo y los derechos civiles, estimularon su imaginación: tomó esas inquietudes y las ubicó en otros planetas y otros siglos. Todos los libros de ese período contienen potentes imágenes que revelan la importancia de Le Guin para el movimiento ambientalista. Su primera novela de éxito fue Un mago de Terramar, un relato sobre la llegada a la mayoría de edad de un joven brujo. Después, vinieron dos obras maestras indiscutidas de la ciencia ficción: La mano izquierda de la oscuridad y Los desposeídos."Sigo la receta de Tolkien para la creación de fantasy," dice Le Guin, desde su living. "Uno está construyendo un mundo con palabras, y lo único que lo va a mantener unido es su coherencia interna."

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No sé si habrá sido la campaña iniciada por Moleskine Literario "Regálenle libros de Anagrama a Carlos Fuentes en Navidad" o si, finalmente, el boomer mexicano ha descubierto que "no sólo de Crack vive el hombre" y hay otras drogas igual de potentes, pero la cosa es que Fuentes acaba de escribir extensa y muy elogiosamente sobre la novela de Alvaro Enrigue Vidas perpendiculares (Angrama) y en este blog todos estamos muy felices por lo que consideramos una batalla ganada. Tampoco sé si felicitar a Alvaro por los elogios o a Carlos Fuentes por el fin de su miopía. Probablemente, a los dos. Dice la nota en "Babelia":

La excelente novela de Álvaro Enrigue Vidas perpendiculares pertenece a una -a muchas- tradiciones y hace gala de todas ellas. La situación inmediata oculta las tradiciones mediatizadas. Estamos en Lagos de Moreno, Jalisco, donde don Eusebio es panadero y casado con Mercedes, madre de Jerónimo, que será el centro de la narración. En Lagos se vive "entre la misa y las vacas" y se cree implícitamente en "la hegemonía cultural jalisciense". Capturado en "los parámetros del catolicismo militante mexicano de provincia", Jerónimo habla muy poco y pasa por retrasado. En realidad, posee el don del recuerdo. Su secreto es su memoria. A partir de ello, de manera en apariencia sucesiva, Jerónimo nos conduce a sus múltiples "pasados". Ha sido un cazamonjes asesino, padrote y explotador de putas en el Nápoles español del siglo XVII. Ha sido una muchacha griega en la Palestina del siglo cero. Ha sido un brahmán hindú en un tiempo perdido. Y ha sido, sobre todo, vástago anónimo de una tribu sin nombre en la aurora del tiempo. Vienen a la mente del lector antecedentes tan célebres como el Orlando de Virginia Woolf, donde el personaje del título recorre el tiempo histórico cambiando de sexo en las distintas épocas que van de un Londres congelado y revivido por la música de Handel, a Constantinopla, a Inglaterra entre las dos guerras mundiales. Orlando traza un devenir, al cabo, lineal -del pasado al presente- en el que cambian el tiempo histórico y el sexo del personaje. En Vidas perpendiculares, en cambio, no viajamos del pasado -o los pasados- de Jerónimo a su presente jalisciense. Los "pasados" de Jerónimo no se suceden. Sólo suceden, uno al lado del otro, no en progresión, sino en simultaneidad temporal. Ésta es no sólo la diferencia, sino la gran apuesta de Enrigue y es la apuesta de la novela a partir de Joyce. Trascender la narración sucesiva por la narración simultánea. Darle a la novela la misma instantaneidad que a la pintura, trátese de Velázquez, que nos da el cuadro inmediato de Las meninas, o de Picasso, que lo descompone en sus partes para ir de la narrativa al hecho de narrar: todo se descompone, todo se multiplica (...) Creo que esto es importante para leer Vidas perpendiculares, porque Enrigue da un paso de más. Su novela pertenece al universo cuántico de Max Planck más que al universo relativista de Albert Einstein: un mundo de campos coexistentes en constante interacción y cuyas partículas son creadas o destruidas en el mismo acto. Saber esto no es indispensable, desde luego, para leer y disfrutar las Vidas perpendiculares de Enrigue. El talento narrativo del autor trasciende sus posibles orígenes teóricos para entregarnos el sentido -o, mejor, los sentidos- de cada época simultánea a la vida del joven Jerónimo en Guadalajara, en una escuela jesuita de Estados Unidos y en una ciudad de México admirable -y novedosamente- presentada en su hora mejor, la más desolada, y en su hora más desolada, "triste como un boliviano". (...) Creo que la estrategia narrativa de este inteligentísimo autor culmina en unas páginas de un poder arrasante -tormenta, terremoto- en las que el narrador ha perdido -o aun no tiene- su identidad, sino que es parte de la gran jauría pre-histórica, la manada de la aurora de los tiempos, la tribu del origen que corre por el cerro del lobo, mitad animales, mitad hombres, siguiendo con instinto a la vez obediente y feroz al jefe, al único que consiente imitación...

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Como no podía ser de otro modo, un homenaje de Daniel Mordzinski a Mario Benedetti en Moleskine Literario.

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Las oficinas de Montevideo han cerrado antes de las cinco. Los feos dejan de mirar su noche por la ventana. Los amantes no susurran más a la izquierda del roble. Adiós, don Mario. Ya me despedí antes de ud., con pena y gratitud, cuando dejé la adolescencia, pero ahora la despedida es triste, solitaria y final. Un gran amigo suyo también quiere despedirse de ud. y me honra que lo haga a través de Moleskine Literario. Aquí le dejo sus conmovedoras palabras:

Mi querido Mario,

Hace ya 44 años que nos conocimos, jugando al pin-pon en un hotel en La Habana. Durante este largo tiempo anduvimos juntos, como tu editor en Argentina, en México y en España, luego como tu agente, y siempre como lector y como tu amigo. ¡Cómo extrañaré los 14 de septiembre de cada año, el día en que jugábamos a ver quién era el primero en llamar al otro para desearle feliz cumpleaños!. Tu vida ha sido una enseñanza de amistad y de ética; tu invariable posición frente a la vida y a la política ha sido un modelo para mí y para cientos de miles de lectores, que te seguimos queriendo, te seguimos leyendo y para quienes seguirás siendo siempre un
ejemplo de humildad y coherencia intelectual. Me siento tan orgulloso de la amistad y la confianza que me otorgaste... Mario, ¡cómo te echaré de menos! El mundo, hoy más que nunca, necesita de gente como ti. Desde ahora, todos estaremos mucho más huérfanos.

Con todo mi cariño y mucha tristeza, te despido con un gran abrazo.

Willie Schavelzon

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Alguna vez Alfredo Bryce Echenique dijo, citando a algún otro escritor, que también escribía para que lo quieran más. Definitivamente, leer a un autor admirable es una forma de aprender a querer a alguien. Yo aprendí a querer tempranamente, siendo un adolescente, a Bryce Echenique gracias a su novela Un mundo para Julius. Pero lo quise aún más, con una admiración rendida y definitiva, cuando leí La vida exagerada de Martín Romaña. Martín Romaña para mí es uno de los personajes más entrañables e inolvidables que ha dado la literatura latinoamericana. Por eso es tan significativo saber que en el reciente número de "Cuadernos Hispanoamericanos" Alfredo Bryce Echenique ha tenido la amabilidad de hablar de mi novela con tanta genorosamente en una reseña titulada "Un vuelco notable". Para mí, es como si Julius me invitara a su cumpleaños o Martín Romaña me invitase un trago para hablar intermitentemente de Octavia de Cádiz. Un auténtico honor.

Dejo en la sección de notas la reseña completa. Aquí unos fragmentos:

Hoy, en una lejana playa del sur de Lima, acabo de leerme de un tirón Un lugar llamado Oreja de Perro, y hasta minutos antes de escribir estas líneas he releído una y otra vez numerosas páginas y párrafos de este libro tan parco como insólitamente elocuente, que no sólo marca una ruptura casi total con la obra anterior de Thays, sino que además está escrito en una clave absolutamente autobiográfica que poco o nada tiene que ver, por ejemplo, con El viaje interior, por citar tan sólo una de sus anteriores novelas. La nueva novela de Iván Thays es el relato frío, seco, y aterradoramente conmovedor de una tragedia personal: la muerte de un niño de tan sólo tres años de edad y la consiguiente separación de sus jóvenes padres, como consecuencia de tanto y tamaño dolor.

De este escenario hecho añicos partirá un joven periodista a vivir su duelo en Oreja de Perro, un muy alejado poblacho ayacuchano en el que aún continúan ardiendo las atroces huellas de la guerra senderista, con todas sus consecuencias de miedo y de dolor. Reina un silencio a gritos por todas partes en este lugar olvidado de la mano de Dios, donde lo peor de todo es precisamente esta manera del silencio que nos lleva, cómo no, al genial relato de Juan Rulfo titulado “Luvina”, en el que logramos escuchar nada menos que el ruido del silencio con sus aterradores, macabras voces.

(...)

La asombrosa parquedad con que Ivan Thays nos cuenta una tragedia particular sobrepuesta a otra colectiva es sin duda el más grande logro de esta novela perturbadora. La precisión y concisión del vocabulario, la sabia distribución de las escasas pero altamente significativas reiteraciones, la asombrosa rigidez con la que asistimos al absurdo y patético deambular de un alma en pena por una geografía difunta, poblada por vidas rotas, en lo más íntimo y en lo más perceptible, son otros tantos logros de un escritor que en esta novela memorable realmente nos asombra por la limpia y perfecta ejecución de un salto triple mortal y sin red.

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Un autor por conocer: William Styron. Cuando la muerte lo cogió, no por sorpresa, Styron era un nombre que muchos podían reconocer pero pocos podrían afirmar haberlo leído. No era un top ten, definitivamente. Sin embargo, su calidad exigía más atención. Las editoriales lo han comprendido así -quiero creer- y han empezado a publicar libros suyos inhallables. Uno de ellos, que llega por Norma y Belacqua, es Esa visible oscuridad. Una historia íntima y autobiográfica sobre la depresión, el agujero. Rodrigo Fresán, enorme lector de Styron, dice en Letras Libres:

Esa visible oscuridad: memoria de la locura –casi inconseguible en nuestro idioma desde hace años, pieza que comenzó como artículo para el mensuario Vanity Fair en diciembre de 1989 y posteriormente fue expandido hasta convertirse en bestseller y manual de consulta galardonado con el National Magazine Award– es, de acuerdo, la memoir de una temporada en el infierno de la depresión. La casi inexpresable crónica del “verano de mi decadencia” narrado desde la oscura noche del “momento de la revelación” en París cuando todo comienza a derrumbarse hasta el día de febrero en la isla de Martha’s Vineyard en que “supe que había emergido a la luz”. Entre un extremo y otro Styron procura averiguar no sólo cómo se metió en ese pozo sino acaso lo más importante: cómo y cuándo y para qué lo cavó. (...) Styron se pensaba como un escritor enrolado no en un determinado territorio sino en un Gran Tema: el eterno combate entre el Bien frente al Mal. Toda su obra se componía, en buena parte, de variaciones sobre este asunto que, en su caso, no buscaba la Gran Novela Americana sino el hallazgo de la Gran Novela a Secas creciendo, según sus propias palabras, sobre “la catastrófica propensión de los humanos a dominarse los unos a los otros”. Cabe pensar también que la desagradable sorpresa de haber sido finalmente alcanzado por aquello que tantas veces imaginó para otros es lo que dota a Esa visible oscuridad de una prosa casi clínica, sin adornos. No se encontrarán aquí las líricas epifanías como destellos en las tinieblas de los depresivos Diarios de John Cheever o los humores negros de Kurt Vonnegut tragando somníferos con resultados más bien risibles. Y mucho menos se contemplarán aquí los malabarismos formales presentes en las patologías vanguardistas de jóvenes deprimidos como Rick Moody en El velo negro o David Foster Wallace en la apenas codificada autobiografía de sus ficciones. Tampoco hay aquí ningún coqueteo con el solipsismo zen de Holden Caulfield o Seymour Glass. Styron parece mucho más cerca de las secas palabras casi finales de Hemingway (“Ya no me sale”) que de todo gesto artístico. Aquí, a Styron sólo le interesa informarnos –con las palabras justas– de cómo fue que entró y salió y sobrevivió para contarlo. “Mi cerebro, esclavo de sus descontroladas hormonas, había llegado a ser menos un órgano de pensamiento que un instrumento para el registro, minuto a minuto, de los distintos grados de su propio sufrimiento”. Éste es un libro muy triste con un final apenas feliz. Por más que la biografía ya citada de West cerrara con una breve nota donde se nos informaba que “Styron continúa dando sus paseos diarios con paso firme y, a los 72 años, sigue siendo innovador y productivo”, el escritor ya no publicó nada más que artículos sueltos, algún cuento, ninguna gran novela. En la última página, Styron evoca a Dante y casi se disculpa a la vez que insinúa un ya no me pidan más de lo que he dado, que lo que ahora quiere es descansar en paz bajo las estrellas: “Para aquellos que han vivido en la selva oscura de la depresión, y conocen su inexplicable agonía, su regreso del abismo no es diferente del ascenso del poeta, recorriendo más y más arriba, el camino de salida de las negras profundidades del infierno para finalmente emerger a lo que él llama ‘el brillante mundo’. Allí, quien haya recobrado la salud, ha recobrado casi siempre el don de la serenidad y la alegría, y tal vez ésta sea recompensa suficiente por haber soportado la desesperación más allá de la desesperación” Sea.

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Afincado en Nueva York desde 1979, el autor de la perturbadora Spider, el británico Patrick MCGrath conversa con "Babelia" sobre su nueva novela, Trauma (Mondadori), la primera que sucede exclusivamente en su ciudad adoptiva Nueva York (el 11-S, desde luego, no podía estar ausente). Aunque por el título (similar a su primera novela Locura) uno podría afirmar que no cambia quien solo muda de lugar y no de costumbre. Aquí algunas preguntas:

¿Llegó la hora de escribir sobre Nueva York?

Bueno, después de tantos años aquí me he ido desplazando paulatinamente hacia la reflexión sobre la ciudad que conozco y quiero. Quería escribir una historia de Nueva York.

¿Qué caracteriza esas historias?

En ellas están el look del lugar, las complicadas relaciones humanas que se establecen, el carácter de la arquitectura, la sofisticación de los neoyorquinos y la mezcla.

Soldados veteranos, una mujer objeto de abusos y un homicida involuntario son algunos de los pacientes traumados que Charlie trata. ¿Es la violencia la única raíz del trauma?

A los traumatizados podríamos clasificarlos en tres tipos. Por un lado están los soldados que han sido expuestos a una violencia muy explícita. Luego están las mujeres que han sufrido palizas o han sido violadas y, por último, están los niños que han sido objetos de abusos.

¿Por qué se fijó en este tema?

Me interesó a raíz del 11-S. Hubo gente que sufrió un trauma al ver las imágenes en televisión y otros que lo vivieron en directo y no lo padecieron. Pero Nueva York se convirtió en una ciudad traumatizada. En un principio, con esta novela quería hablar de esa experiencia del horror profundo.

Los problemas psiquiátricos son una constante en su ficción.

Sí, mi imaginación siempre ha girado en torno a estos temas. He tratado la locura, la esquizofrenia y las obsesiones. Siempre me gustó el género de terror: Drácula, Frankenstein y las novelas góticas. Cuando crecí y me hice escritor me interesó menos el terror en sí y más los personajes, su experiencia de pesadilla, el horror mental de la gente trastornada. El terror como resultado de la desintegración de la personalidad.

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No solo de fútbol vive el hombre (lamentablemente). Un suelto de la revista Ñ:

El escritor colombiano Gabriel García Márquez asistió, junto a su hijo Rodrigo al partido de las semifinales de la costa oeste de la NBA entre los Lakers de Los Angeles y los Rockets de Houston, que se disputó el martes último en el Staples Center de Los Angeles (EEUU). El juego lo ganaron los Lakers, en una gran demostración en la que por momentos pareció que el equipo estuvo inspirado por el "realismo mágico" de Gabo.

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En el año 2006 el colombiano Evelio Rosero ganó el II Premio Tusquets con la novela Los ejércitos. Traducida al inglés, la novela acaba de ganar el premio del diario "The Independent" al mejor libro traducido en el 2008. Por si fuera poco, se impuso sobre libros realmente notables como eran "Los informantes" de Juan Gabriel Vásquez, "The Siege", del albanés Ismail Kadaré, "Beijing Coma", de Ma Jian (China), "Voiceover", de Celine Curiol (Francia) y "Friendly Fire", de A B Yehoshua (Israel). Dice la nota en el ADN.es:

El colombiano Evelio Rosero obtuvo hoy el premio del diario "The Independent" al mejor libro de ficción traducido al inglés durante el último año por su novela "Los Ejércitos", publicada en Gran Bretaña por la editorial Maclehose bajo el título de "The Armies". Rosero (Bogotá 1958) es el primer escritor colombiano en ganar este galardón, dotado con 10.000 libras (15.142 dólares), que viene a sumarse al II Premio Tusquets de novela, que logró en 2006 por la misma obra, y al Nacional de Literatura de su país. Boyd Tonkin, jefe de la sección de literatura de "The Independent" y presidente del jurado, comentó acerca de "Los Ejércitos" que se trata de "una novela de amor, guerra y dolor elaborada con suma belleza" y "contada con dulzura". "No sólo lamenta la tragedia del pueblo colombiano - dijo Tonkin- sino que celebra al mismo las universales pero siempre frágiles virtudes de la vida cotidiana y habla de sucesos terribles con una precisión y una humanidad que se ganan el afecto y el respeto del lector". En declaraciones a EFE desde Colombia, Rosero expresó su satisfacción por el galardón "sobre todo si se tiene en cuenta -dijo- que se escogió entre 126 obras, traducidas de veintiséis idiomas". "Todo ello me conforta ahora -agregó- sobre todo cuando me encuentro metido de lleno en la incertidumbre de otra novela. Me anima a seguir escribiendo". Preguntado por su próxima obra, explicó que se trata de una "novela de índole histórica: la guerra de la independencia en el sur de Colombia" y agregó que está "indagando en la vida y el hecho de los llamados 'próceres' de la independencia, empezando por el más oscuro de todos: Simón Bolívar". (...) Una de las características del premio "The Independent" es que el autor comparte su importe con el traductor. En este caso se trata de Anne McLean, que ha vertido al inglés a a autores españoles y latinoamericanos como Carmen Martín Gaite, Julio Cortázar, Tomás Eloy Martínez, Ignacio Martínez de Pisón y Javier Cercas, cuya obra "Soldados de Salamina", le valió al autor y a su traductora ese mismo galardón en 2004.

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Hanif Kureishi se dejó entrevistar, en un café de Sheperd´s Bush, por Rachel Donadio para el NYT a raíz de su nueva novela Algo que contarte. Esta esperadísima novela (que ha tenido tantas puyas como loas en Inglaterra), la más ambiciosa después de El Álbum Negro y El Buda de los suburbios según dicen, se centra en la vida, las amistades y la familia de un psicoanalista anglo-paquistaní llamado Jamal. Yo espero que, más que ambiciosa, de directamente al blanco como dio Intimidad. El ADN Cultura reproduce en castellano esta larga entrevista. Aquí algunas escenas de la entrevista:

Durante nuestra conversación en un café de Sheperd´s Bush, Kureishi describe la novela como "una crítica de la noción de placer ilimitado", un reexamen de la revolución sexual. "¿Es esto lo que pensamos que seríamos en los años 60, cuando bailábamos con flores en el pelo y deseábamos una vida más erótica y más sexual?", dice, mientras bebe su té con pimienta. "Si la sociedad ya no te instala los valores, tu felicidad y tu placer dependen completamente de ti; tú tienes que trabajar y ganarte tus propios valores morales." Esto, apunta, tiene que ver con "una queja común de Occidente contra el islamismo radical: ¿Por qué tienen que seguir preguntándole a Dios? Bueno, es mucho más difícil crear tus propios valores morales que recibirlos impuestos por otra gente o por el sistema". Las cosas eran "miserables" antes de la revolución sexual, dice Kureishi, pero ahora "nos hemos movido de la represión a la no represión", que viene con sus propias dificultades. En la visión de Kureishi, el islamismo radical y la sexualidad radical intersectan. "Se producen una a la otra, de alguna forma", dice. (...) Después de desayunar en el café, convenzo a Kureishi de que me deje ver su casa y estudio. Antes, él me había dicho que a "la señora" no le gustan los periodistas, pero al ver a Proudlove, una mujer de ojos verdes que nos recibe en la entrada, queda claro que es Kureishi el que protege su privacidad. En el living, dominado por un juego de tambores, impresiona la mezcla de libros en el estante: algunas novelas de Henry James, la biografía de Bertrand Russell escrita por Carolina Moorehead, Situaciones de Sartre junto a Entre creyentes de Naipaul, ambos al lado de Deseo sexual: una filosofía moral de lo erótico de Roger Scruton. Definitivamente, esos libros son guías en la tierra de Kureishi. El escritor trabaja en un amplio estudio arriba, sus paredes cubiertas con imágenes: una foto de un joven John Lennon, un póster de una pintura de William Blake, una pintura al estilo de Matisse de Monique. Hay muchos CDs en el escritorio -Prince, Jeff Buckley, la banda de sonido de Trainspotting - y algunas fotos de los hijos de Kureishi. Sobre el escritorio también noto una pequeña imagen en blanco y negro: un hombre de rodillas, su cara firmemente plantada entre las piernas de una mujer desnuda. Y es que los libros de Kureishi son extremadamente sexuales. Casi en cada página, hay alguien que da sexo oral o está siendo azotado o penetrado (o pensando en eso). En los años 70, Kureishi hasta escribió pornografía literaria bajo el seudónimo de Antonia French. Le pregunto por su interés en el tema. "Cuando yo era un muchacho y quería entrar en contacto con algo sexy o sucio, leía un libro", dice Kureishi. "¿Puedes imaginar a Harold Robbins, Henry Miller, el Marqués de Sade o D. H. Lawrence como apoyo sexual?". Hoy, la literatura pornográfica es un arte perdido, dice, pero las imágenes sucias están disponibles en todas partes. "La pregunta es: ¿Qué más necesita la gente para sentirse viva?" (...) En Londres, Kureishi y yo caminamos alrededor del mercado de Sheperd´s Bush, donde tiendas tradicionales están siendo reemplazadas por carniceros africanos que venden colas de cerdo, tripas y batatas. En un puesto, Kureishi ordenó un falafel para llevar a su casa de almuerzo, "con salsa extrapicante, jefe". Le pregunto sobre los bombardeos del 7 de julio de 2005, los que mataron a 52 personas e hirieron a más de 700 en el sistema de transporte de Londres. "Todo el mundo esperaba que ocurriera", dice.

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La edición de Zoetrope: All-Story dedicada a América Latina, una antología de cuentistas elegidos por Daniel Alarcón y Diego Trelles para la revista de Francis Ford Copolla, es la punta del iceberg de una revalorización de la literatura latinoamericana en el mundo. Al menos así lo piensa Winston Manrique en "Babelia" quien cita otros casos de triunfos latinoamericanos en EE.UU. como los de Roberto Bolaño y Junot Díaz. Dice:

Las miradas vuelven a buscar el continente. Pero no encontrarán el tan profetizado nuevo boom, sino el redescubrimiento pausado y normalizado de un territorio narrativo cuyo talento y calidad de temas y estilos nada tienen que envidiar a lo creado en otros países o continentes. Alejados del tópico tropical que ha circunscrito América Latina a cercas y mojones macondianos, los diez narradores elegidos por Zoetrope se expresan a través de lo mejor que tienen: sus voces creativas en cuentos. Historias. No hay palabras ni declaraciones por parte de ellos. Sólo literatura. (...) No se trata de una lista de los mejores escritores latinoamericanos. Sólo una muestra de la diversidad del actual mapa humano y literario que puebla el continente. De su vocación universal, cosmopolita y multicultural. Sanín, Hasbún, Menéndez, Pron, Bortagaray, Zambra, Ungar, Estrada, Stigger, Zupcic. Nacidos al sur y al norte de la línea del Ecuador, estos autores han bebido de toda la literatura universal, y parecen estar más allá de nacionalismos. Pueden admirar tanto a Jorge Luis Borges como a Toni Morrison, releer a Homero como a Vargas Llosa, reconocer la innovación de Cervantes como de García Márquez, o aprender de León Tolstói como de Alice Munro. Y con influencias tan variadas como la música, el cine o las artes en general. Unos viven en sus países, otros fuera de ellos y alguno en periplo constante. La posibilidad de que estos diez talentos sean leídos en inglés en Zoetrope significa no sólo su puesta en un escenario global o "la entrada al mercado norteamericano", según Daniel Alarcón, sino también la visibilización de la creación plural que brinda un continente. Nostalgia y nostalgias; miedos e incertidumbres; amor, ilusiones o desconciertos; ritmos pausados, ritmos sincopados, ritmos veloces, ritmos propios; historias compactas o fragmentadas, traslúcidas o inquietantes; vidas reales o simuladas, dubitativas; escritores que tratan con sus palabras de describir o comprender el entorno, pero sobre todo de contar, compartir, narraciones colindantes con escrituras clásicas o arriesgadas.

Para Manrique, una arista más de ese éxito fue el interés que despertó en el Hay Festival la presencia latinoamericana en la literatura mundial, que concluyó en ese inovidable evento (al menos para mí, y no solo por cuestiones literarias) Bogotá39:

Este renovado interés por la actual literatura latinoamericana tiene su origen en Bogotá 39, el evento organizado por el Hay Festival en agosto de 2007 que reunió a 39 escritores menores de 40 años en la capital colombiana. Allí se verificó ese vigor literario, pero también se confirmó que para que su literatura se difunda o sea reconocida aún debe pasar por España, que sirve de gran altavoz y avalador. Otro impulso para esta edición especial de la revista de Coppola fue el libro El futuro no es nuestro, editado por Diego Trelles, que reúne veinte relatos de jóvenes escritores latinoamericanos. Zoetrope ha abierto otra ventana a través de la cual si alguien se asoma un poco más podrá ver a otros escritores a cuya vigencia ha contribuido su publicación en España, entre ellos, Jorge Volpi, Santiago Roncagliolo, Guadalupe Nettel, Mario Bellatin, Iván Thays, Edmundo Paz Soldán, Andrés Neuman, Juan Gabriel Vásquez, Wendy Guerra, Gonzalo Garcés o Karla Suárez, varios de ellos con algunos premios. Un panorama al que podrían sumarse otros que, aunque también editados en España, podrían dárseles un poco más de impulso, como Leonardo Valencia, Eduardo Halfon, Álvaro Enrigue o el mismo Daniel Alarcón.

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Ya estuvo bueno, ¿no? A pesar de ser absuelto en el 2005, un nuevo juicio se le viene encima por las mismas declaraciones sobre el genocidio armenio al nobel turco Orhan Pamuk. Sucede que un sujeto a vuelto a acusarlo de lo mismo ("insulto contra la identidad turca") ante el Tribunal Supremo. No tienen paz.

Un tribunal turco puede juzgar nuevamente al Premio Nobel turco Orhan Pamuk por unas declaraciones en 2005 en las que se refería al "genocidio" armenio, a pesar de que ya fue absuelto de ellas por otra instancia, informó la prensa local. El caso contra el famoso novelista turco ha vuelto a saltar en los medios después de que un ciudadano recurriese ante el Tribunal Supremo la sentencia de un juzgado de Estambul que absolvió a Pamuk del delito de "insulto contra la identidad turca", recogido en el artículo 301 del Código Penal. El proceso contra Pamuk tuvo lugar en 2005 a raíz de unas declaraciones del escritor a una publicación suiza en las que afirmó: "Treinta mil kurdos y un millón de armenios han sido asesinados en Turquía. Nadie se atreve a mencionarlo. Por eso yo lo digo". Tras las presiones recibidas por la Unión Europea, el Gobierno turco accedió a enmendar el artículo 301 el pasado año y, gracias a ello, Pamuk no será juzgado de nuevo, a menos que el ministro de Justicia dé su visto bueno al proceso. (...) Este asunto se ve agravado por la facilidad para llevar ante los tribunales a intelectuales, escritores y periodistas por parte de ciudadanos, asociaciones o fiscales de ideología conservadora y nacionalista. Por ejemplo, la popular página web de vídeos YouTube permanece cerrada desde hace un año por la queja de un ciudadano turco y, recientemente, un pequeño partido ultranacionalista exigió que el motor de búsqueda de Internet Google fuese también bloqueado, pero su petición fue desestimada.

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Como todos recuerdan, en El Principito se comenta un episodio en el cual el narrador se pierde con su avión durante unos días en el desierto, y es entonces que se encuentra con el pequeño personaje. Ese episodio, manuscrito y contado de manera autobiográfica por el mismo Antoine de Saint Exúpery, ha sido exhibido por la galería Sotheby´s en París. Tiene un valor de 400,000 dólares. Dice la nota:

En ese manuscrito, Saint-Exupéry relata el accidente de avión que lo tuvo cuatro días desaparecido en el desierto, episodio en el que se inspiró para crear su obra más conocida, El Principito, y que después se convertiría en el capítulo central de Tierra de hombres.El relato, que saldrá a subasta en junio, nunca ha sido publicado en su integridad, ya que fue abreviado tanto para los artículos del periódico con el que colaboraba el autor como para su novela. Se destacan especialmente un primer capítulo inédito sobre los preparativos de la ruta, algunos pasajes que fueron suprimidos para la edición posterior, así como las múltiples tachaduras, notas y borrones del manuscrito."Son detalles que ponen locos a los coleccionistas", explicó Frédérique Parent, experta en la obra que se subastará.

Completan la muestra otros recuerdos del creador de El Principito que no están en venta, como unos guantes, una chaqueta de piloto o el brazalete que encontró un pescador en Marsella en 1998.

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Un dato -con dardo malicioso- del blog la Papelera de Juan Palomo:

Aunque hasta el próximo 28 de mayo no se hará oficial, me cuentan que Les Princes nubiens, la versión francesa de Los príncipes nubios de Juan Bonilla, premio Biblioteca Breve en 2003, es el flamante ganador del Prix littéraire des Jeunes européens 2009, en dura liza con La Désobéissance de la inglesa Naomi Alderman (1974); Tchatche ou crève, de la polaca Dorota Maslowska (1983); Je suis une vieille coco, del rumano Dan Lungu (1969); Entre le chaperon rouge et le loup, c´est fini, de la sueca Katarina Mazetti (1944) y Battements d´ailes, de la italiana Milena Agus (1959). Vaya mi enhorabuena al poeta y narrador gaditano, aunque no deje de resultar sorprendente que también en la UE consideren “jóvenes” a autores que, como Agus, rondan la cincuentena, cuando no la superan cumplidamente, como Mazetti. Ay qué vieja estás, Europa.

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Un recodo en el río es el título de la primera novela del premio Nóbel indio V.S. Naipaul, que acaba de ser traducida y editada en España por Mondadori. Mercedes Monmany la califica en una reseña en ABCD las letras como "una de las más brillantes, potentes y críticas novelas producidas sobre el espinoso y siempre difícil de encarar tema del caos de la descolonización". Pero no es la única novedad de Naipaul en España. También acaba de editarse una colección de ensayos suyos bajo el título El escritor y los suyos (Debate). Monmany también dedica unas líneas de su reseña a los ensayos:

(...) el estupendo ensayo El escritor y los suyos. Maneras de mirar y de sentir es la última obra publicada por este autor. En ella, mezclándolo sin cesar con retazos de su autobiografía -la de un joven nacido en la periferia de un gran Imperio que abandona, gracias a una beca, su isla de origen y sus raíces, para encontrar «su camino como escritor» en Londres, un mundo en el que muchas veces siente que no hay sitio para él-, habla de Derek Walcott, Evelyn Waugh, Graham Greene, Aldous Huxley, Flaubert, su admirado Maupassant, su a menudo criticado Gandhi, o de esa insólita y fiel amistad que lo unió al escritor Anthony Powell, protagonista del espléndido capítulo «Una manera inglesa de mirar». En estas páginas, Naipaul siempre regresará al principio de todo. A «un sentimiento que ha durado toda mi vida»; a una manera de mirar y sentir determinada fuertemente por una presencia y figura esencial en su vida: su padre, periodista y escritor de relatos sobre la vida india local y autónoma de Trinidad. Alguien que hizo nacer en él la pasión por narrar, gracias a unos relatos que «me deslumbraban y me conmovían profundamente».

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Premiado (y consumista como siempre) Andrés Neuman, apurada Izara García (Hay Festival) y relajado Guillermo Altares ("Babelia") rumbo a la presentación. Foto: Daniel Mordzinski

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Jean Francoise Fogel recoge en su blog una lista publicada en The Guardian -fanáticos en hacer listas, como se sabe- sobre los 10 mejores libros sobre el exilio. Fogel dice además: "(...) lo que más me interesa es la ausencia, lógica, de autores de América Latina. Pasaron años y años exiliados en Europa o en EE. UU. por razones políticas, pero en sus obras, de hecho, no se apartaron de sus países. Propongo una ley: a pesar de vivir en el exilio los autores latinos tienen poco talento literario para el destierro". La lista es la siguiente:

1. El americano tranquilo de Graham Greene

2. A Woman of Bangkok de Jack Reynolds

3. El cuarteto de Alejandría de Lawrence Durrell

4. The Discovery of Tahiti (El descubrimiento de Tahiti) de George Robertson

5. Cuando partí una mañana de verano de Laurie Lee

6. El caballero del salón de Somerset Maugham

7. Thomas Cook European Railway Timetable (horarios del ferrocaril)

8. Habla, memoria de Vladimir Nabokov

9. Bajo el volcán de Malcolm Lowry

10. París era una fiesta de Ernest Hemingway

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Una noticia ha dado la vuelta al mundo literario: El gobierno de Franco ejerció poder para censurar, cambiando palabras, la adaptación de las novelas de Hemingway en Hollywood, espcíficamente aquellas que se refieren a la Guerra Civil española como Por quién doblan las campanas. Obviamente, los mansos que estaban entonces a cargo de la industria cinematográfica le hicieron caso a las pataletas del dictaror. Dice la nota en El País:

La censura franquista tildó a Ernest Hemingway y sus obras como "una amenaza a la moral conservadora de España" y llegó a condicionar la adaptación de sus libros al cine por la industria estadouidense, ha afirmado hoy a Efe Douglas Laprade, profesor de la Universidad de Texas. Laprade, que interviene hoy en Málaga en un encuentro internacional sobre Hemingway, ha publicado tres libros en los que ha recopilado los documentos de la censura acerca del escritor y las cartas de los embajadores y cónsules españoles en Estados Unidos que intentaron suprimir la producción de películas norteamericanas basadas en sus obras. Así, en 1942 el cónsul de España en Los Ángeles escribió en una carta al ministro español de Asuntos Exteriores que estaba revisando el guión de Por quién doblan las campanas, en el que se cambió la palabra "rebeldes" por "nacionales", mientras que "leales" se sustituyó por "republicanos". "La industria del cine estadounidense fue cómplice de Franco en la censura a Hemingway", porque en 1942 "todo el mundo estaba contra Hitler, EEUU no quería tener otro enemigo en Franco y había que complacerle", según Laprade, que ha destacado que del guión original de la citada película se suprimió una escena "en la que los falangistas violaban a la protagonista, María".

Pero lo más divertido de la nota, sin duda, es la esquizofrenía censora franquista:

"El Ministerio de Información y Turismo era esquizofrénico, porque por un lado hacía la censura y por otro lado promovía el turismo. El mismo ministro que censuraba a Hemingway colocó una estatua suya junto a la plaza de toros de Pamplona por haber propagado las fiestas de la ciudad", ha añadido Laprade.

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La Cámara Peruana del libro ha decidido ofrecer un premio de Novela Breve. Se ofrece 10,000 solaes y la publicación del libro. Hasta el 15 de julio hay oportunidad para dejar sus manuscritos, y en agosto se dará al ganador en la fecha final de la FIL 2009.

Las bases las he dejado en la sección de notas de Moleskine Literario.

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Sí, Mariana, sí ocurre. Y dudo que los indignados argentinos sean peores que los peruanos. Esto le leí en "Gritos y susurros" de ADN Cultura:

Eugenia Zicavo presentó en la librería Eterna Cadencia una mesa integrada por Mariana Enríquez, Mónica López Ocón y Esteban Schmidt, reunidos con motivo de la aparición de un nuevo número de la revista literaria La mujer de mi vida . Entre los asistentes estaban Claudia Piñeiro, Esther Cross, Juan Martini y Marcelo Figueras. Como la edición de la publicación está dedicada a los "indignados", los panelistas no tuvieron mejor idea que bucear entre los comentarios que los lectores dejan en diarios y blogs. Así, Enríquez leyó una selección desopilante de comentarios insultantes y reaccionarios que pueblan el ciberespacio local. Curiosa, se preguntó si lo mismo pasaba entre los comentaristas cibernéticos del extranjero. Y leyó ejemplos de diarios españoles y estadounidenses que demostraron que la raza de los indignados es universal. Sin embargo, coincidieron en que los comentaristas argentinosson los más iracundos y, por qué no, los más groseros.

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Victoria: Who are you George Costanza?
George: I'm the opposite of every guy you've ever met.

Seinfeld. Temporada 5. Episodio 22

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Junot Díaz arrasó en Buenos Aires, invitado por la Feria del Libro de esa ciudad. Ahí habló de Argentina, de Borges y confesó también que de niño era boxeador. Junot de buen humor suelto en plaza, totalmente, como cuando lo conocí en México -país del que también habló generosamente-. Dice la entrevista en Radar (Página12):

Díaz estaba feliz de haber pasado un fin de semana en Buenos Aires. Venía cansadísimo de Tokio, donde un amigo acababa de tener un hijo, con una lista de cosas de cuero “pa’ las amigas” y ganas de comprar libros. “Argentina es gran parte de la cultura latina”, dice para explicar por qué pide que le recomienden autores. “Todo el mundo que lee tiene que empezar por Borges. Es que Argentina, y México, son muestra cultura universal, los que nos envían su literatura.” “O sea, todo lo contrario a Nueva Jersey ¿sabes? Mira, hay un artista de landscape art que escribió un libro diciendo que hay lugares que son un somewhere y otros que son elsewhere, lugares que son un lugar y otros que no, que son cualquier parte. Buenos Aires es un lugar. Nueva York es un lugar, México ciertamente. Pero mi New Jersey no pasa de un elsewhere. Fíjate que el Oscar Wao vive a una milla de Nueva York, en un buen día hasta se ven los edificios, y nunca, nunca va a la ciudad... Es lo menos cool que hay, pero a mí me interesan los arrabales porque son como los monstruos, de ahí se ve otra cosa.” El mismo punto de vista explica que Oscar Wao sea un escritor de “óperas espaciales” que nadie quiere publicar y que su nivel de conocimiento de la cultura pop sea erudito. Díaz se ríe y confiesa que entre amigos “yo soy el nerd de las películas, el que se sabe todo el cast y eso. Por eso ni se mosquean que yo sea escritor. Escribir es una vaina loca... de niño yo era boxeador”.

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Bajo el título de La viuda embarazada, Martin Amis prepara su retorno a la literatura inglesa. En el Hay Festival de Granada leyó los fragmentos de esa novela ("la historia de un trauma sexual") ambientada en un castillo de Italia y, según dice la nota en la revista Ñ, está protagonizada por un grupo de jóvenes estadounidenses y británicos en la época de la revolución sexual de los setenta. El erotismo es la clave:

La viuda embarazada contiene más erotismo que algunas otras obras de este escritor, y Amis reconoce que es "muy difícil" escribir sobre las relaciones sexuales. "El acto sexual llena el mundo de gente, pero es indescriptible. No hay ninguna actividad humana que lo sea tanto, salvo los sueños", comentó, para citar a continuación la frase de Henry James: "cuenta un sueño y perderás un lector"."Sí podemos contar retazos de sueños. Casi todo Kafka es un sueño. Pero nadie puede escribir bien sobre sexo; lo han intentado hasta la saciedad sin lograrlo", aseguró.

Por otra parte, también explicó en Granada una sexy teoría sobre la ficción que le gustaría mucho a Carrie Bradshaw:

El autor de libros como La casa de los encuentros o Experiencia tiene muy claro que la vida real encaja mal con la ficción, y la mejor metáfora que se le ocurre para explicar la relación entre una y otra es "el zapato de taco alto" que tanto gusta a las mujeres. "Eso es la ficción. ¿Qué podía parecerse menos a un pie que ese tipo de zapato tan estilizado? La ficción es el zapato, y la vida real es el pie, la parte más fea de cualquier cuerpo", dijo Martin Amis, al que le gusta sazonar sus razonamientos con ironía.

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"Sin pelos en la lengua" así dice la nota en El País con respecto al checo Milan Kundera quien, luego de cuatro años de ausencia, regresa a las librerías de España por su vieja editoria Tusquets. No una obra de ficción, por cierto, sino con Un encuentro, ensayos literarios que incluyen una alabanza a Cien años de soledad.

Traducido por la editora Beatriz de Moura, el libro presenta reflexiones sobre Bacon, de cuyos retratos dice Kundera que "cuestionan los límites del yo"; y sobre Beckett, a quien sitúa cerca de Bacon y acerca de cuyas ideas se pregunta si "terminaron por matar su creación". Dostoievski, Céline, Philip Roth, Kafka, Juan Goytisolo, Carlos Fuentes; Curzio Malaparte y su novela La piel, de la que dice que "capta en toda su autenticidad la nueva Europa, tal como salió de la segunda guerra mundial, desfilan por estas páginas. De Cien años de Soledad, de Gabriel García Márquez, escribe que es el fin de la gran novela. "Tengo la impresión de que esta novela, que es una apoteosis del arte de la novela, es a la vez un adiós dirigido a la era de la novela". También Kundera deduce que los protagonistas de las grandes novelas no tienen hijos. "Apenas un uno por ciento de la población no tiene hijos, pero al menos un cincuenta por ciento de los grandes personajes novelescos salen de la novela sin haberse reproducido". "Ni Pantagruel, ni Don Quijote tuvieron descendencia. Ni Valmont, ni la marquesa de Merteuil..., ni Werther. Todos los protagonistas de Stendhal carecen de hijos, al igual que muchos de Balzac y Dostoyevski. Y, en el siglo que acaba de terminar, Marcel Proust y todos los grandes personajes de Musil", escribe Kundera.

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La Universidad de Oxford iba a preciarse de tener entre sus docentes al premio Nóbel 1992, el extraordinario poeta antillano Derek Walcott. Sin embargo, cual novela escrita por JM Coetzee, antes de su ingreso empezó una campaña de samaritanos que advirtieron que el poeta tenía una denuncia por acoso sexual, 20 años antes, en la Universidad de Harvard. Walcott ha renunciado a su candidatura. Dice la nota:

El premio Nobel Derek Walcott no será catedrático de poesía en Oxford. El antillano, nacido en la isla Santa Lucía, que recibió el máximo galardón de las letras en 1992, retiró ayer su candidatura a ocupar el citado puesto, tras conocerse la existencia de una campaña de desprestigio que saca a relucir un presunto acoso sexual a una alumna de Harvard hace dos décadas. Los 200 académicos que debían elegirle para el puesto -era el candidato favorito- han recibido un dossier que incluye extractos del libro The lecherous professor: Sexual harassment on campus (El profesor libidinoso: Acoso sexual en el campus), en el que se narran con detalle las citadas alegaciones de su antigua pupila. "Nunca he comentado lo que ocurrió hace 20 años y nunca he dado mi versión de lo que sucedió. Y así seguirá siendo", declaró Walcott, de 79 años, al diario británico Evening Standard.

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Como una extraña y antipática manera de celebrar el Día de las Madres, BookFinder Journal ha elaborado la lista de las 10 peores madres de la literatura universal. Antipática y extraña es también mi decisión de publicar esa lista en Moleskine Literario. Pero no se crean que soy tan descreído. Hoy, que la madre de mi hijo está desayunando con él y mi madre está acompañando a mi padre en el hospital, yo, en mi casa, abro el libro El libro de mi madre de Albert Cohen y leo. Un enorme abrazo a todas. Aquí la lista en orden descendente:

10. Jeanettes Mother from Oranges Are Not the Only Fruit by Jeanette Winterson
The main character is a young girl named Jeanette, who is adopted into a fundamentalist religious community. As Jeanette grows up she discovers that she is a lesbian and finds love and happiness with another local girl. When her psychotic mother finds out she publicly condemns the girl in front of their church/town and proceeds to tie the girl down and attempt two lengthy exorcisms, one via a 14 hour beating and another 36 hours locked in a parlor without food.

9. Sarah from Little Children by Tom Perrotta
Sarah joins the ranks of the litany of literary mothers who neglect their children to focus the self gratification of an affair. While defiantly not the only woman in literature to commit this motherly sin she is getting singled out, I can only have ten on the list.

8. Gertrude from Hamlet by Shakespeare
The fact that she marries her brother in law, who killed her husband, is proof that she`s nuts but what really makes Gertrude a certifiable psycho is that despite all the adultery and killing she tries a little too hard to show compassion to Hamlet giving the kid a serious Oedipus complex.

7. Jocasta from Oedipus the King by Sophocles
Speaking of Oedipus... Everyone in this story is too stupid and selfish for words and Jocasta is no exception. Too proud to kill her child to protect her kingdom, too stupid to not sleep with someone who is half her age when the gods have proclaimed she will commit incest, and soulless enough not to track down who killed her husband; she and the rest of her family are the perfect pawns to entertain the Greek gods.

6. Sophie Portnoy from Portnoy`s Complaint by Philip Roth
Alexander Portnoy is a deranged neurotic mess who, unable to enjoy sex, continues to seek release with more bizarre and deviant acts. To Find the root of Alexander`s issues one doesn’t have to look to far beyond his smothering, flirting, fussing mother who wouldn’t even let him use the bathroom without overseeing what he had accomplished.

5. The mother/stepmother in Hansel and Gretel by Brothers Grimm
She convinces her woodcutter husband to leave their kids out in the forest to die. The children display intelligence and cunning to make it back to the house when the woman gets her husband to trudge them off even deeper into the forest. Child labor would even have been a more motherly option, I mean it was practically fashionable in the 19th century. Abandonment = bad mothering, at least she snuffs it in the end.

4. Norma Bates from Psycho by Robert Bloch
While most of her emotional abuse and tirades about the evils of women and sex go on behind the scenes in this novel, the emotionally crippled murderous fruits of her labor take center stage. Norma Bates defines the role of the psychotic mother in fiction

3. Margaret White from Carrie by Stephen King
Mother of Carrie White, Margaret was religious fanatic who believed nearly everything was sin and became physically and emotionally abusive to her daughter in an effort to get her to conform to her devout lifestyle, usually by locking her in a closet until she prayed for forgiveness. That kind of mother would send anyone into a telekinetic fury.

2. Petal from The Shipping News by E. Annie Proulx
She leaves her husband shortly after his parents commit suicide and runs off with her lover, but not before selling her daughters to a black market adoption agency... her only redeeming quality is that she gets killed off in a car crash so early in the book.

1. Corinne Dollanganger from Flowers in the Attic by V.C. Andrews
After Marrying her father’s half-brother Corinne Dollanganger is widowed, and forced to return to her astringed family home with her four children. Her mother agrees to her moving back on the condition that Corinne hides the (illegitimate) children from Malcolm, her husband and Corinne’s father, until he dies. Instead of working it out on her own she stuffs the children into an attic for years where they are generally ignored and become malnourished, delusional, incestuous and develop every social abnormality in the book. Oh yeah she also tries to kill them off.

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Dran Dreper, el protagonista de la serie Mad Men, podría ser un personaje creado por algunos mad men literarios (en este caso, sin la doble acepción "Hombres de Madison" y "Hombres locos" sino solo quedándose con la segunda). Al menos así lo cree Rodrigo Fresán quien se aprovecha de la serie -que va por su segunda temporada- para hacer semblanzas de algunos mad men culurales norteamericanos: John Cheever, Richard Yates, John O´Hara, John Upidke, Miles Davis. Dejo aquí, por ser extraordinarias, las semblanzas de John Cheever y de Richard Yates. Y -como me sucede con todas las recomendaciones de Fresán- voy corriendo a buscar la primera temporada de Mad Men, que no he visto:

JOHN CHEEVER
Era alguien que se ocupaba de contar las historias de hombres como Dan Draper. Hombres enloquecidos por la idea de que, se supone, tienen todo para ser felices y sin embargo hay algo que falla en el teóricamente perfecto producto de sus vidas. Eso que algún publicista tan astuto como Draper bautizó como el Sueño Americano pero que cada vez se confundía y se fundía más con la pesadilla del insomnio. “No nací en una verdadera clase social, y desde muy pronto tomé la decisión de infiltrarme en la clase media como un espía para poder atacar desde una posición ventajosa, sólo que a veces me parece que he olvidado y tomo mis disfraces demasiado en serio”, escribió Cheever en una entrada de sus Diarios. Y, de algún modo, todavía sigue allí. Nunca se ha ido y siempre vuelve: John Cheever (1912-1982) entró en marzo, por fin, en la canónica Library of America coincidiendo con la publicación de una nueva biografía firmada por Blake Bailey, que ya había publicado un perfecto y demoledor retrato de Richard Yates en el 2003: Tragic Honesty: The Life and Work of Richard Yates. Pero a no confundirse: para los antihéroes de Cheever —-para los nadadores, los maridos rurales o los hermanos siempre en discordia— existe, siempre, la posibilidad cierta de una redención epifánica con resabios de antiguas y divinas mitologías. Dan Draper, creo, no goza de ese privilegio.

RICHARD YATES
Y, mucho menos, los muy tristes personajes del tristísimo Richard Yates (1926-1992), a quien tan poco han comprendido el director Sam Mendes y la actriz Kate Winslet y el actor Leonardo Di Caprio. Entro a ver ilusionado la adaptación fílmica de Revolutionary Road y a los diez minutos comprendo que hay algo —mucho— que no funciona. La adaptación de Mendes es, paradójicamente, tan mal teatro como la obrita amateur con que arranca la película. Lo que en las novelas de Yates es una prosa seca y de dientes apretados aquí se convierte en alarido melodramático y, claro, Di Caprio está condenado a lucir, siempre, como si se hubiera puesto la ropa de su padre y jugara a ser mayor. Di Caprio es, apenas, un hombrecito loquito; y no puedo evitar imaginarme lo bien que habría estado alguien como Edward Norton —o, ya que estamos, Jon Hamm— en el rol de Frank Wheeler. Winslet no hace mal lo suyo pero, otra vez, la misma incómoda sensación que uno ya tuvo en Titanic: la de ver a una mujer aprovechándose de un niño. Tal vez deban filmar juntos —Winslet sería una magnífica Mrs. Robinson y Di Caprio un perfecto Benjamin Braddock— una remake de El graduado, otra de hombres locos. Así que salgo del cine y entro en una librería y no puedo resistirme a la flamante edición conjunta de las novelas Revolutionary Road (1961) y The Easter Parade (1976, mi favorita entre las suyas) y el legendario volumen de relatos Eleven Kinds of Loneliness (1962) que le ha dedicado la Everyman’s Library al ahora súbitamente hot y cool Yates. Las dos primeras han sido recientemente publicadas por Alfaguara con los títulos de Vía revolucionaria y Las hermanas Grimes, el tercero fue publicado hace unos años por Emecé Argentina, y yo ya tengo todos por separado. Pero hay un placer raro en comprarse libros que ya se tienen. Y el prólogo de Richard Price justifica la inversión. Allí se lee: “El territorio de Yates se ubica ligeramente al Sur de Cheever, al Oeste del de O’Hara, al Este de Carver y al norte de Tobias Wolff y Richard Ford”. Price cuenta cómo conoció al entonces perdedor y olvidado Yates y lo define así: “Se nutría de rencores, era una incubadora de desaires. Sus dioses personales eran Hemingway y Fitzgerald. Estaba amargado. Tenía todo el derecho del mundo para estar amargado. Estaba realmente amargado”.

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Una grata sorpresa de fin de semana me he llevado al descubrir que la revista española Qué Leer menciona en su sección "Mundo Web", dedicada a recomendar páginas de internet, a Moleskine Literario. Pero no solo la breve mención es muy grata sino la forma en que nos recomiendan: no como una advertencia sino como algo obvio, que todos saben o deberían saber. "Moleskine de lujo" dicen. Un verdadero honor. Eso sí, me quedé impactado por mi foto. Por la camisa roja sospecho que fue tomada en el Encuentro en Sevilla, 1993, pero ¿quién es ese sujeto pelucón, despeinado, de cara larga y flaca? Ya no sé. Dice la nota:

Moleskine de lujo

No es nuestra intención descubrir la sopa de ajo. Simplemente les recordamos que, desde hace cuatro años, el escritor peruano Iván Thays escribe un magnífico blog dedicado a la actualidad cultural y literaria: notasmoleskine.blogspot.com

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El Hay Festival de Granada se inició hoy. Daniel Mordzinski ya me advirtió que está allá, así que espero algunas fotos exclusivas para Moleskine Literario como me las ha prometido. La estrella de esta vez: el premio Nóbel Orhan Pamuk. Así lo comenta El Cultural:

El programa del sábado consta la visita de mayor relumbrón de la cita primaveral granadina. El novelista turco Orhan Pamuk charlará en el Palacio de Carlos V (20.30 h.) con Peter Florence, director del Hay Festival, sobre sus novelas, su trabajo como ensayista y profesor de literatura, así como del impacto del Nobel en su carrera literaria. Otro de los participantes ilustres de la jornada será Juan Gabriel Vásquez. El escritor colombiano tendrá como interlocutora a Kiran Desai, autora india ganadora del Man Booker Prize 2006 con el Legado de la pérdida. La charla entre ambos (17.30 h.) girará en torno a las preocupaciones y temáticas presentes en la obra del primero y las experiencias personales que se ocultan tras su prosa. Adonis será otro de los protagonistas el sábado. El poeta sirio, especialmente apegado a Andalucía, hablará sobre la importancia de la poesía en la tradición cultural de Oriente Medio, muy presente en su último libro, Sufismo y Surrealismo. El domingo Martin Amis le llega el turno a Martin Amis. El autor de Expiación y Dinero, acompañado, al igual que Pamuk, por Peter Florence, disertará sobre su dilatada experiencia como escritor. Durante este último día, en el que se clausura el festival, intervendrán en los diversos foros de discusión habilitados en el Hay Alhambra otros novelistas nacionales: Julián Ríos, David Trueba...

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Apareció en el mercado el Amazon Kindle en su tercera versión (Kindle DX), con más poder de almacenamiento y mayor tamaño en la pantalla. Los demás creadores de libros digitales se ponen las pilas. Esto está recién comenzando y yo estoy muy entusiasmado:

¿El futuro de la lectura estará dominado por las pantallas? Aunque aún no puede predecirse qué pasará con el papel y los libros tradicionales, lo que sí está en puerta es la guerra entre fabricantes de dispositivos electrónicos para e-books. Y más viva que nunca. Amazon acaba de dar la estocada final a sus competidores con el lanzamiento del nuevo Kindle: pantalla de 26,4 cm por 18,2 cm y menos 1 cm de ancho. Sólo 530 gramos de peso. La tercera generación de este lector de libros y contenidos digitales no sólo tiene un mayor tamaño, sino una mayor capacidad de almacenamiento: 3.500 libros frente a los 1.500 de su hermano mayor el Kindle 2. Durante toda la semana, se esperaba que la empresa presentara formalmente hoy al Kindle DX –ese es su nombre- pero el sitio de ventas online dio un paso más y lo puso a disposición del público a través de un sistema de reservas por 489 dólares. Quienes encarguen este lector digital, cuya batería se recarga cada 4 días, deberán esperar a que llegue el verano boreal para tenerlo.

Sin embargo, para mí esta noticia despierta una especial ilusión porque al fin va a suceder lo que yo estaba esperando tanto: Apple se mete en la carrera de los ebooks. Ahora sí me animo por uno. Seguro será estupendo en diseño y el tamaño será el adecuada, aunque se desacargue al toque como el iPhone (que me vuelve loco, tengo que recargarlo todos los días es absurdo). Dice la nota:

Mientras, los reportes sobre la entrada de Apple a este mercado han puesto a temblar a los fabricantes. No en vano, la empresa de la manzanita supo revolucionar el mundo de los celulares con la llegada del iPhone y todo indica que su tableta de lectura –si llega al mercado- pondrá en jaque al resto. Otros que se han puesto a trabajar en estos dispositivos son Onyx International (Boox); Endless Ideas (BeBook 2), Wizpac (Txrt) y Samsung que prometió sacar a la venta en junio su "Papyrus".

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En la espera del Premio Nobel, que sin duda un día llegará (más tarde que temprano, como siempre sucede), el gran narrador italiano Claudio Magris ha recibido una distinción en España, país donde se le admira casi tanto como en la misma Italia: Orden de las Artes y las Letras de España. Dice la nota:

El Consejo de Ministros ha concedido hoy la Orden de las Artes y las Letras de España al escritor italiano Claudio Magris como reconocimiento a su trayectoria profesional y su contribución a la difusión internacional de nuestra cultura. Nacido en Trieste (Italia) en 1939, Claudio Magris es un prestigioso germanista, ensayista, narrador y traductor, y una de las figuras mayores de la literatura italiana y europea contemporánea. Autor muy reconocido en nuestro país, gracias a las novelas El Danubio y Microcosmos, entre otras, mantiene una estrecha relación de amistad con España, donde participa asiduamente en la vida cultural española, impartiendo su magisterio en cursos y conferencias en diversas instituciones culturales y académicas, como los Cursos del Verano de la Complutense de Madrid o la de Santiago de Compostela, según ha informado en un comunicado el Ministerio de Cultura. Además de numerosos reconocimientos internacionales, en España ha obtenido la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid en el año 2003 y el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en el 2004. Esta distinción, de carácter honorífico, fue creada por el Ministerio de Cultura el pasado mes de julio, con el fin de reconocer la labor de personas o instituciones que con sus obras o su participación activa en diversos ámbitos de la creación artística o literaria, contribuyan sustancialmente a la difusión internacional de nuestra cultura.

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El poeta mexicana José Emilio Pacheco ganó ayer el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, el galardón más importante que se otorga a un poeta de habla castellana después del Cervantes. Los 42.000 euros los usará para ir al médico porque ya tiene 70 años, declaró. Dice la nota:

Ayer, Jaime Siles, uno de los jurados del premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, dijo que el galardonado de este año ha logrado, después de Octavio Paz, crear un "ámbito y un espacio poético propio". A pesar de todo ello, José Emilio Pacheco asume con modestia y honesta sorpresa la noticia del reconocimiento que antes recayó en Gonzalo Rojas y Antonio Gamoneda, entre otros. "No me considero un maestro; prefiero aprender", señala el autor. "Es como un regalo, coincide con que el 30 de junio cumpliré 70 años, me parece íntimamente agradable que coincida con ello", señala Pacheco, vía telefónica, a EL PAÍS. Y que coincida, agrega, con que después de varios años de no publicar salgan tres volúmenes suyos a la luz. Uno es de poemas en verso, Como la lluvia; otro de poemas en prosa, La edad de las tinieblas; y una recopilación de las versiones poéticas de la que ya salió un adelanto, que es la versión de El cantar de los cantares, publicada en España por Visor. "Estamos ante un hombre que les habla a los hombres en un lenguaje carente de artificios o de excesiva filigrana y verdaderamente empleado por ellos, comunicándoles un propósito que espontáneamente rebosa sentimientos poderosos", escribió Pura López Colomé de él en la revista Letras libres de mayo del 2008 (...) "Se caracteriza por tener una poesía de enorme exactitud, de enorme cultura, de enorme atención a los fenómenos inmediatos, donde configura una visión del mundo escéptica y a la vez afectiva. Ejemplo de eso es su poema sobre la patria, Alta traición", subraya uno de los editores del suplemento literario del diario Reforma, Sergio González Rodríguez, quien agrega: "Tiene una gran capacidad de conmoverse ante la tragedia ajena, una gran sensibilidad ante lo que ocurre a la comunidad que lo rodea, para luego darle un sentido poético a esa realidad".

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"¡Cómo! ¿No estaba muerto?" Eso fue lo que dijeron los editores argentinos de Eloísa Cartonera cuando, luego de publicar el relato "El Príncipe" descubirieron que su autor, el peruano Osvaldo Reynoso, aún vivía. Así fue el ingreso de Osvaldo en Argentina, que llega a su punto culminante con la edición en el sello El Andariego de su primera novela En octubre no hay milagros y la nota de tapa que Mariana Enriquez le dedica en Radar Libros. Los elogios no cesan para este "Marxista Rabioso", como lo califica Mariana:

Lima es narrada por Reynoso con el estilo que después los críticos llamarían “realismo urbano”, pero que es bastante más: pasajes de un apasionado lirismo se contraponen con diálogos en la más cerrada jerga limeña juvenil y le siguen pasajes secos, narrativos, de belleza austera. Reynoso exhibe su virtuosismo en cualquier registro, pero jamás parece ostentoso o arrogante. Y esto es porque En octubre no hay milagros está claramente atravesada por la ideología del autor, por la política: Oswaldo Reynoso se identifica como marxista –entonces y ahora–, y un año después de la publicación de En octubre no hay milagros formó el grupo Narración junto a Miguel Gutiérrez y Antonio Gálvez Ronceros(...) Sin embargo, Reynoso jamás resultó un escritor programático: su prosa es demasiado sofisticada, demasiado elegante y en ocasiones, en libros como El escarabajo y el hombre de 1970, casi experimental. Su trabajo con la lengua es obsesivo, y en su búsqueda obtiene pasajes de luminosa belleza. (...) Reynoso prefiere escaparle a las polémicas y continuar trabajando, no sólo en literatura –está escribiendo una novela provisoriamente llamada Huamanga, Huamanga– sino en el taller de narrativa que dicta en su propia casa del distrito limeño de Jesús María. Cuenta, lo sabe, con gran cantidad de fieles y de alumnos; sabe que a los 77 años, con su melena blanca, sigue siendo un escritor joven e incómodo; además, un escritor casi secreto, poco conocido fuera de su patria. “Creo sin vanidad que soy el best seller clandestino del Perú”, decía en una entrevista de 2006. “Mis libros se siguen vendiendo luego de más de cuarenta años, aunque nunca aparecen en la lista de los más vendidos. Es que yo vivo y escribo para el Perú: que mis libros tengan resonancia fuera del país es algo que no me interesa.”

En el completo recuento sobre la trayectoria de Reynoso, Mariana también comenta lo ocurrido hace unos años cuando, en la presentación de la antología narrativa Toda la sangre sobre el cuento de la violencia política peruana, antologada por Gustavo Faverón, y unas semanas después en una mesa redonda -en la que yo participé junto a Oswaldo- en la Feria del Libro de Santiago de Chile, Reynoso repitió insistentemente que lo ocurrido en el Perú no fue terrorismo sino una "guerra popular". Dice Enríquez:

En marzo de 2007 concedió una entrevista a El Hablador donde reivindicó su marxismo, la posición militante tomada en el primer número de la revista Narración, y se negó a opinar sobre Sendero Luminoso. Poco después, se refirió en público a los años de guerra interna como “guerra popular”, lo que le valió más enojos, acusaciones de “populismo intelectual” e irritaciones de críticos y escritores como Gustavo Faverón Patriau (profesor en el Bowdoin Collage de Maine, EE.UU.) e Iván Thays. Para muchos, Reynoso se victimiza: es un éxito de ventas y cuenta con presencia en los medios y, sin embargo, afirma ser discriminado. Para otros, como Lasso, Reynoso no tiene “el reconocimiento que se merece, ni el lugar que debería ocupar en el canon latinoamericano. Merece traducciones y ediciones en otros países; felizmente los argentinos son los primeros en darse cuenta”.

Por cierto que Oswaldo Reynoso nunca ha rehuído a las polémicas, como dice Enríquez, y eso lo prueba los textos virulentos que envió a Perú21 cuando la polémica andinos-criollos. Incluso habría que decir que es un instigador de las mismas. Por eso, no fue para mí una sorpresa que en Santiago de Chile hablase ambiguamente sobre Sendero Luminoso. Lo que sí me sorprendió fue que, obligado por los presentes a rectificarse, decidió insistir en el término "guerra popular" declarando: "fue una guerra porque murió gente, y popular porque murió gente del pueblo". Ni Cantinflas hubiera explicado mejor el marxismo.

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Junot Díaz se presentó en la Feria del Libro de Buenos Aires y demostró que, además de ser un excelente escritor, es tremendamente lúcido con respecto a los alcances de su comentadísima y premiada novela La maravillosa vida breve de Oscar Wao. Habló sobre todo del lenguaje, que es el mayor valor del libro. La Revista Ñ resume así su presentación en la Feria:

A sala llena, Junot desplegó sin tregua empatía y buen humor ante las preguntas de la periodista Patricia Kolesnicov y luego del público. Un desfile inagotable de bromas ácidas y agudas reflexiones. Ya de entrada disparó: "Cuando mis amigos me dicen 'tú capturaste la vaina dominicana', yo digo 'toma una página de esta novela y trata de leerla en público, sonarás como un pariguayo' (neologismo a partir del inglés, party watcher: 'el que mira las fiestas', sin participar)". La novela le tomó once años de trabajo y una escala en México D.F. para buscar inspiración después de tres años de desasosiego, en los que escribía y tiraba páginas a ritmo vertiginoso -"era mierda", dijo-. "Quería incluir la mezcla de los idiomas y la historia del Trujillato", contó el escritor, hijo de un militar defensor del dictador dominicano. "A veces, experiencias como las de la dictadura se entienden mejor con géneros alejados del realismo". Y puso el foco en el mix lingüístico. "En Estados Unidos por un lado se sostiene que solamente se puede hablar inglés; y por otro lado, hay un espacio enorme para que una comunidad de inmigrantes defienda y mantenga sus raíces. Quise explorar e iluminar cómo conviven el inglés y el español: es como una foto de lo que esta pasando en la comunidad dominicana. Y también una forma de recordar que no se puede reducir a nadie a una fórmula."

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No es la primera vez, ni será la última, que un escritor gritará a voz en cuello que un escritor muerto y casi olvidado es "más contemporáneo que nuestros contemporáneos" o algo por el estilo. Y esa frase tampoco es, necesariamente, una boutade. Puede ocurrir. Total, Gardel cada día canta mejor. Piglia habló con entusiasmo sobre Roberto Arlt en la Feria del Libro de Buenos Aires:

"Arlt es más actual que los escritores de hoy", lanzó un provocativo Ricardo Piglia durante la presentación de El paisaje en las nubes. Crónicas en el mundo (1937-1942), donde lo acompañaron la editora Rose Corral y el periodista Vicente Muleiro. Este volumen de 750 páginas contiene 236 crónicas que Roberto Arlt publicó en el diario El Mundo entre 1937 y 1942, que fueron tomadas por el diario mexicano "El Nacional" y que el Fondo de Cultura Económica recopila ahora. Corral, autora del prólogo y la edición de El paisaje de las nubes (título de la última crónica que escribió Arlt, publicada justo el día de su muerte), lo situó en el marco de toda la literatura latinoamericana (...) El novelista y crítico Ricardo Piglia habló de la persistencia de la pasión por Arlt, "pasión que conduce a la realización de este libro". Además, destacó que aunque hay negadores también hay una red de incondicionales de su obra. "Arlt es uno de los primeros autores que nos permiten entender que no hay un sólo modo de hacer literatura. Esa idea suele ser la de los que imponen moda a la literatura". Según Piglia, Arlt abre la noción de "cómo y con qué materiales es posible hacer literatura, qué quiere decir tener un estilo. Este inolvidable cronista, nos enseña qué relaciones hay entre el estilo literario y los estilos sociales: de qué manera un escritor trabaja con ellos".

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500 estrofas tiene el poema de JRR Tolkien dedicadas al mito nórdico de Sigfrido y Krimilda, la última obra póstuma del gran escritor de la saga El señor de los anilllos que se publicará. Pero antes de que los fanáticos se arrojen hacia el libro para buscar más claves, guiños y etc. el hijo del escritor poner un parche en un nota en The Guardian: "esta obra dará asco a sus seguidores" El anti-marketing total. Así lo comenta El País:

"Me atrevo a decir que la mera idea de largos poemas narrativos en verso repugnará de manera inmediata a una buena cantidad [de admiradores] y que no continuarán con la lectura", señala Christopher vía fax al rotativo británico, en una de sus contadas entrevistas. El texto está basado en la Edda poética, un florilegio de poemas medievales que constituyen una de las principales fuentes sobre mitología nórdica. El poema de Tolkien cuenta la historia de Sigfrido el Volsungo y la caída de los Nibelungos (que también adaptó el compositor alemán Richard Wagner en su ciclo del Anillo). Sigfrido mata al dragón Fafner, que guarda el tesoro de los nibelungos. Roba el oro y rescata a Brunilda una valquiria (divina sirvienta del dios Odín) que estaba presa en una roca rodeada por fuego. "Mi padre dejó un manuscrito completo. No había más que unas pocas páginas de escritos anteriores y cualquier otro borrador había desaparecido. El manuscrito presenta buena letra, sin correcciones. Obviamente estaba pensado como una copia final. Solo se le hicieron algunos cambios menores mucho después", afirma Tolkien hijo.

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Luis Freire no solo apunta al BCR, que ha ganado dos veces en los últimos años. Ayer ganó el gran premio de novela que organizó el diario El Comercio por sus 170 años de fundación. Con ello, Freire consiguió 60,000 soles (20,000 dólares) y el reconocimiento unánime de los asistentes a la cena de gala, que incluyo la felicitación de Mario Vargas Llosa y una escultura de Fernando de Szyslo. La novela ganadora se titula El perro sulfúrico y, al parecer, es la recuperación de la juventud del mismo autor. El jurado internacional (entre los que se cuentan José Miguel Oviedo, Alonso Cueto, Pablo de Santis y Juan Villoro desde México y con tapabocas) destacó el sentido del humor de la novela ganadora. Tratándose de Luis Freire, célebre humorista en diversos medios peruanos, no hay duda de que es así. Dice la primera página del diario:

(...) como en todo cumpleaños, no podía faltar un regalo inolvidable. Y fue “El perro sulfúrico”, la divertida y lúcida novela del escritor y periodista Luis Freire, el mejor presente. Acostumbrado a darnos a lo largo de los años las más lúcidas páginas de humor en diversos medios de prensa, Freire nos permite descubrir en su obra ganadora del Premio de Novela El Comercio una percepción de la historia peruana del último recodo del siglo XX desde el prisma de la sátira y la fantasía. Un humor crítico que corroe las superficies de la realidad para descubrir su esencia. Qué mejor manera de cumplir 170 años: riendo para mantenernos jóvenes.

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Mondadori ha publicado un nuevo libro de crítica literaria del que, sin duda, es uno de los más lúcidos lectores contemporáneos, además de un escritor excepcional: J.M. Coetzee. El libro se titula Mecanismos internos y en "El Cultural" comentan algunos de sus hallazgos:

Mecanismos internos es un prodigio de la crítica literaria, que completa Costas extrañas (Debate, 2004). Disponemos por fin de las piezas compuestas entre 2000 y 2005. En total, quince años de trabajo ensayístico que refleja el doloroso tránsito de la cultura europea por el siglo XX, sin ignorar los conflictos de la sociedad norteamericana y la crispada Suráfrica. Al internarse en The Misfits (1961), la notable película de John Huston basada en un guión de Arthur Miller, Coetzee se acerca a la atormentada intimidad de Marilyn Monroe. El personaje de Roslyn es el espacio concebido por Huston y Miller para que la actriz "pueda expresarse a sí misma", criatura rota e inadaptada que alcanza su cénit dramático en la escena donde baila alrededor de un árbol entre nubes de Nembutal. Robert Walser es otra de esas vidas malogradas que, según Coetzee, sólo adquieren grandeza en su propio fracaso existencial. Paul Celan pertenece al mismo linaje, un poeta que tal vez exige demasiado al lector porque soporta una carga excesiva como hombre. Bruno Schulz también sucumbiría en el largo pogromo de una Europa antisemita, pero sobrevivirán sus enigmáticos dibujos y sus cuentos, que expresan el paradójico destino del pueblo judío, abocado a una marginalidad esencial, donde la cultura europea ha constituido su identidad. Lo entendió perfectamente Walter Benjamin en el inacabado Libro de los Pasajes, donde el fragmento se muestra más esclarecedor que la obra finalizada. Hay un hilo invisible entre Tierras de poniente y Mecanismos internos: la voluntad de entregar la palabra al sufrimiento. Toda la obra de Coetzee responde a este imperativo, un absoluto moral que permite hablar a los que no son nada, a los que murieron en el olvido y ahora levantan la voz para recordarnos que existieron.

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Paolo Giordano, el último ganador del Premio Strega, construyó una metáfora que unía sus dos grandes pasiones: los números (es físico teórico) y el amor literario en La soledad de los números primos, su premiada novela, editada en España por Salamandra. El resultado pudo ser una porqueria o una obra bellísima. Y a juzgar por la admiración rendida de la exigente Mercedes Monmany, lo segundo es lo que ha ocurrido:

En el caso de Giordano, el centro de atención de su relato -la difícil etapa de crecimiento de dos inadaptados- está enfocado dentro de un ámbito intimista, psicológico y sociológico. La dureza del drama parece palpitar entre las cuatro paredes de un laboratorio que despliega bajo el microscopio sentimientos y sensibilidades reticentes a un fácil desglose. El relato en ningún momento pierde ese aire neutro, de observación clínica, minuciosa, escueta, dotada de un lirismo seco y petrificado que despoja al lenguaje, aún en sus momentos emocionalmente más atormentados y lacerantes, de todo victimismo. El resultado es una fábula delicada y sutil sobre el azar y la fragilidad de la existencia. Sobre el despiadado rechazo social, desde la misma escuela, hacia los diferentes, hacia los que no actúan, intercambian pautas, confidencias o experiencias similares con los de su entorno. Alice y Mattia, dos adolescentes traumatizados y hostigados por oscuros fantasmas de su infancia, arrastran secretos que los empujan a las mazmorras del aislamiento y los encierran en las cárceles invisibles del resentimiento, de la culpa y de un vago afán de venganza. (...) Verdugos de sí mismos, suicidas sin valor para abandonar una existencia que aborrecen e inhabilitados para el amor o el afecto, un día, en el patio del colegio, Alice y Mattia se encuentran. Los dos reconocen en el otro a un igual atrincherado en sus miedos y su soledad. Desde entonces, una fuerza o imán irreversible, indestructible, les hace iniciar una compleja relación que durará toda la vida, basada más en gestos y ausencias compartidas que en palabras. Una relación con la que de nuevo se castigarán por sombríos remordimientos y desgracias de un pasado que sólo ellos conocen y se han contado. Paolo Giordano enlaza su historia con una bella y cautivadora metáfora sobre los números primos, dentro de los cuales existen unos aún más especiales: los números primos gemelos, entre los que siempre se interpone un número par. Números «solitarios, sospechosos», «emparedados entre otros», como el 11 y el 13, o el 17 y el 19, que permanecen próximos, pero sin llegar a tocarse nunca. Como, en el fondo, Alice y Mattia.

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Se cumple el cincuentenario de la muerte de Boris Vian, el escritor niño francés, el narrador raro, el músico despabilado y el científico loco para el que nada fue suficiente. Y la celebración es por todo lo alto: Gallimard le permite ingresar al panteón de los inmortales publicándolo en La Pleiade. Dice la nota:

Francia celebra el 50 aniversario de la muerte de Boris Vian (1920–1959) con la frenética alegría de la familia que prepara gozosa la fiesta aniversario del más turbulento de los hijos, el único capaz de hacer reír, juntos, a padres, hermanos, abuelos, primos, amigos, vecinos, con su alegría contagiosa, sus chistes absurdos, su trompeta endiablada, sus incontables novias, sus máquinas delirantes, la belleza de los héroes que mueren jóvenes. Boris Vian fue, al mismo tiempo, un periodista escandaloso (que solo contaba mentiras), un poeta del absurdo, el dramaturgo subversivo, un novelista fuera de todas las escuelas, un legendario trompetista de jazz, un ingeniero que solo construyó poéticas máquinas inservibles, un nadador olímpico, un seductor empedernido, un noctámbulo profesional, un bebedor de primera, un charlatán de genio. n Medio siglo más tarde, Gallimard anuncia su entrada solemne en el Panteón de hombres ilustres de la colección de La Pleiade. Livre de Poche anuncia una treintena de reediciones. Valèrie-Marie Marchand y Nicole Bertolt le consagran sendas biografías monumentales. Y, a gran seductor, gran honor: dos de las mujeres más seductoras de Francia, Carla Bruni y Arielle Dombasle, acompañadas de otra gran señora, Ute Lemper, lanzarán un cd con una antología de canciones de Vian…

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Papeles inesperados es el pésimo título (no hay nada más esperado que los inéditos de un gran escritor) del libro que acaba de aparecer con material disperso y nunca antes editado de Julio Cortázar. ¿Publicar o no publicar? La justificación del editor es demasiado débil, coyuntural y absolutamente nada literaria. Así dice:

Los libros póstumos siempre plantean la pregunta de hasta dónde es correcto editar material que el autor no llegó a publicar en vida.

Ese va a ser seguro uno de los temas que se van a debatir ahora, y yo ya lo preví en el prólogo. Allí digo que en este caso el debate no tiene sentido, porque Cortázar le dio a Aurora muy claramente la potestad de decidir y de publicar. Unos años antes de morir, él hizo un viaje muy arriesgado a Nicaragua, y en ese entonces le dejó a ella una carta que decía: "En caso de que yo no regrese, puedes disponer de mis papeles y haz con ellos lo que consideres oportuno". Incluso algún texto repetitivo, o de un interés menor, como por ejemplo un discurso ante la tumba del general Guido –uno de los primeros discursos que se conservan de Cortázar–, que es tan ingenuo, largo, hiperretórico, que a Cortázar mismo no le hubiese gustado publicarlo, y Aurora dijo que eso quedaba afuera. Aquí no se da el caso de un Kafka desobedecido o no por Brod.

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La aristocrática, anacrónica y bastente ridícula -antes de que se cambiaran las reglas- costumbre británica de escoger al "Poeta Laureado del Reino" ha tenido una ligera variante este año: por primera vez, se eligió a una mujer. Carol Ann Duffy es la favorecida.

Carol Ann Duffy fue nombrada hoy poeta laureada de Gran Bretaña, un título honorífico que concede la corona británica desde 1668 y que hasta ahora nunca había recaído en una mujer. El Ministerio de Cultura hizo oficial el nombramiento de Duffy, de 53 años, que se convierte también en el primer autor escocés que recibe este título, que ocupará 10 años y por el que recibirá un salario simbólico de 5.750 libras anuales (8.575 dólares). El puesto honorífico de "poeta laureado" fue instituido por el rey Carlos II en 1668 y desde entonces ha reconocido la trayectoria de poetas como John Dryden, William Wordsworth, Alfred Tennyson, John Betjeman y Ted Hughes."Me siento honrada por recibir el título de poeta laureada, no sólo por recordar a algunos de los grandes poetas que lo han ostentado desde el siglo XVII, sino por algunos de los maravillosos poetas de hoy en día", dijo Duffy tras conocer la noticia. Originalmente, el poeta elegido debía escribir odas para conmemorar celebraciones como el cumpleaños de los monarcas y ocupaba el cargo de manera vitalicia, pero hoy en día es una distinción meramente honorífica. El ex primer ministro Tony Blair cambió las reglas tras la muerte de Hughes en 1998, de modo que el cargo dejó de ser vitalicio.

Al parecer, Duffy estaba desde hace años en el bolo para acceder al honor pero su tendencia sexual impidió que se le concediese. Ya se sabe. Blair siempre tan considerado con su reina.

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Yo amé a Alejandra Pizarnik. La amé como un amante adolescente, amores que flores de un día son. La amé y la olvidé. Escribí un libro de joven dedicado a ella (Las fotografías de Frances Farmer) y en una reedición, avergonzado por ese amor platónico a una poeta menor, borré todos los vestigios de la poeta que se vestía siempre con sobretodo, le pintaba los labios a sus muñecas y tomó una dosis exagerada, definitiva, de seconales a los 36 años. La reedición en España de La condesa sangrienta la regresa a las páginas de los diarios. Dice la nota:

Heredera de del surrealismo anticipado y truculento de Lautréamont y del hermetismo sentencioso de Antonio Porchia, la obra de Pizarnik es una reflexión radical sobre el sentido de las palabras y, a la vez, sobre el sentido de la propia vida. Su investigación sobre lo primero la llevó a publicar las prosas de La condesa sangrienta y siete libros de poemas, entre ellos obras maestras de la literatura del siglo XX en español como Árbol de Diana, Los trabajos y las noches, Extracción de la piedra de locura y El infierno musical. Su búsqueda de lo segundo -el sentido de la "lúgubre manía de vivir"- la llevó al suicidio. Y es precisamente La condesa sangrienta (Libros del Zorro Rojo), uno de sus textos más simbólicos, el que se publica ahora en España en un volumen con ilustraciones del dibujante Santiago Caruso. Se trata de una recreación de la vida de la aristócrata húngara Elisabeth (Erzsébet, en húngaro) Báthory (1560-1614), acusada de haber torturado y asesinado a más de 600 jóvenes.

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