MOLESKINE ® LITERARIO

De Arthur Miller sabemos que escribió varias obras de teatro inovidables, como Muerte de un viajante o Las brujas de Salem. Y, bueno, quién no sabe que logró casarse con Marilyn Monroe en lo que será recordado siempre como un momento cumbre de la mitología de cualquier escritor del mundo: el ¡sí se puede! más glorioso del siglo XX. Quienes hemos leído su autobiografía (más interesados por la relación con Marilyn, lo reconozco) conocemos de sus obras a favor de derechos sindicales y su posición anti-bélica. Lo que no sabíamos es que luego de separarse de Marilyn, casado con una fotógrafa y padre de Rebeca -ahora directora de cine y escritora- tuvo un hijo con síndrome de down al que apartó de su lado. Lo acaba de descubrir un reportaje en Vanity Fair que ha sido reproducido en todo el mundo. Ni una palabra más. A partir de ahora lo llamaremos Arthur Miller, el cretino.

Dice la nota en El País: "Según publica la revista Vanity Fair en su número de este mes, el autor de obras universales como Muerte de un viajante tuvo un hijo con síndrome de Down en 1966, fruto de su matrimonio con la fotógrafa Inge Morath, a la que conoció durante el rodaje de Vidas rebeldes cuando aún estaba casado con la protagonista de aquel filme, Marilyn Monroe. Morath tuvo primero una hija, Rebecca Miller, hoy una reconocida cineasta, y luego llegó Daniel, quien cuatro días después de nacer, y pese a la oposición de Inge Morath, sería depositado en un orfanato y eliminado por completo de la vida pública y privada del escritor. "Nunca se ha publicado una fotografía suya, pero quienes conocen a Daniel Miller dicen que se parece a su padre". Así arranca un extenso reportaje de investigación que por primera vez saca a la luz los detalles de la oscura relación entre el escritor y su hijo secreto. Rebecca Miller asegura que Daniel es hoy "parte de la familia", pero nunca lo fue mientras su padre estuvo vivo."

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Receta para vencer la temida página en blanco: La rueda de argumentos de Edgar Wallace. De algo debe servir porque Wallace escribió en vida 175 novelas, casi 25 libretos teatrales y algún guión de cine, además de ensayos, artículos, despachos, etc. En el diario ABC describen el sistema:

"El prolífico escritor inglés Edgar Wallace (1875-1932) tiene en su haber una curiosa anécdota entroncada directamente con la producción literaria que llevó a cabo. Ideó, construyó y patentó un artilugio llamado «The Edgar Wallace Plot Wheel» («La rueda de argumentos de Edgar Wallace»), consistente en dos círculos superpuestos. En el de abajo había escritas, no tan al azar como podría pensarse, una serie de líneas argumentales clásicas del género de novela de misterio. Véase, por ejemplo, «amnesia», «asesinato», «robo», «herencia», «accidente», «explosión», etcétera. El círculo superior, móvil, tenía una ventanita. Cuando el autor se quedaba atascado en alguna historia hacía girar la rueda. Cayera donde cayera, el bueno de Wallace seguía fielmente los dictados que le marcaba este particular oráculo de andar por casa.

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Una polémica muy fuerte se ha destado en Francia entre dos escritoras célebres: Camille Laurens y Marie Darrieussecq, ambas compañeras del mismo sello editorial POL. Resulta que Darrieussecq publicó hace poco una novela titulada Tom est mort ("Tom está muerto") en la que una madre describe paso a paso sus sentimientos en torno a la muerte de su hijo de diez años. Pues bien, la Laurens había publicado unos años antes un cuento titulado "Philippe" donde también describe la muerte de un hijo, sólo que era el suyo propio, un bebé de días de nacido. Cuando Laurens leyó la sinopsis de Tom est mort y luego la novela, no dudó de que se trataba de un plagio. Pero no de un plagio literal ni temático sino de un "plagio psíquico". Ella insiste que Darrieussecq se ha metido en su cerebro y lo ha saqueado, quitándole sus emociones y sentimientos, pues de otro modo no hubiera podido escribir esa novela pues a Marie no se le ha muerto nadie. Por su parte, Marie dice que el tema del proceso del duelo es universal y está en todo su derecho de tomarlo, sin necesidad de pedirle permiso a Camille. ¿Existirá el "plagio psíquico" a partir de ahora? ¿Ya nadie podrá escribir nada sin ser denunciado? El colmo de la payasada. En Le Monde, como en varios diarios de Francia, describen los hechos con detalley un poco de sorna. En Literary Saloon temen que los escritores norteamericanos empiecen demandas similares.

Dice Le Monde: "Elue entre-temps jury du prix Femina, Camille Laurens lit quelques jours plus tard Tom est mort, dit-elle, "dans un vertige de douleur, le sentiment d'une usurpation d'identité, la nausée d'assister par moments à une sorte de plagiat psychique". Elle rappelle ensuite une autre polémique, qui avait été lancée en 1998 par Marie NDiaye contre Marie Darrieussecq qui publiait alors son deuxième roman, Naissance des fantômes. La première accusait la seconde non de "plagiat" mais de "singerie" de ses propres romans. La querelle avait fait long feu. Estimant que l'écrivain - mieux que le critique ou l'éditeur - "sait ce qui lui appartient", Camille Laurens écrit : "J'ai eu le sentiment, en le lisant, que Tom est mort avait été écrit dans ma chambre, le cul sur ma chaise ou vautrée dans mon lit de douleur. Marie Darrieussecq s'est invitée chez moi, elle squatte." Pour étayer ses accusations, elle affirme avoir "aisément" reconnu des "passages de Philippe, mais aussi de Cet absent-là où (elle) évoque cet enfant perdu (...) : phrase ou idée, scène ou situation, mais aussi rythme, syntaxe, toujours un peu modifiés mais manifestement inspirés de mon épreuve personnelle et de l'écriture de cette épreuve." Parmi les quelques exemples qu'elle cite, celui-ci : "Je ne suis pas le corps, je suis la tombe." (Philippe) ; "Sa terre natale, moi. Moi, en tombe." (Tom est mort). "Je ne dis pas que le piratage soit constant, mais les occurrences suffisent à créer une tonalité, un climat littéraire et stylistique, sur lesquels je ne peux pas me tromper", conclut-elle sur ce point. Pour Camille Laurens, Tom est mort "pose la question de l'obscénité et du cynisme" dans la mesure où Marie Darrieussecq, n'a pas, comme elle, vécu directement le drame de la mort de son enfant. "Au bout du compte, mise à part l'émotion facile et prompte, quel est le projet d'un tel déploiement sur un "thème" aussi consensuel ?", s'interroge-t-elle, avant de dénoncer "l'ambiguïté de l'instance narrative" : "La mort, d'accord, mais pour de faux. La mort, c'est du roman !""

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Patricia de Souza está en Lima desde hace casi un mes, y seguirá entre nosostros un par de semanas más. Las razones para una visita tan prolongada son múltiples pero una de las más importantes es la publicación, en el sello San Marcos, de su novela inédita Ellos dos. La novela se presentará el viernes 14 de septiembre, a las 7:00 pm, en el ICPNA de Miraflores junto a otra de Luis Freyre titulada: César Vallejo se aburrió de seguir muerto en París. No puedo imaginar una pareja de autores más disparejos que ellos dos, justamente. Los comentarios estarán a cargo de Enrique Prochazca y Jorge Díaz Herrera. Suerte.

La contratapa de Ellos dos dice: "¿Cuando se termina una relación es para siempre? Ellos dos es la novela del duelo de la relación con O, y de otras relaciones, pero más que nada, de la pérdida de un hombre que es siempre aquel que está hecho a imagen y semejanza de uno solo, sin llegar a estar completo. La protagonista evoca ese pasado en el presente, casi como una celebración, la única forma de escapar de la dispersión que deja una separación. No es solamente la búsqueda de la armonía a través de momentos e instantes con O, el hombre, sino también la búsqueda de un origen, una huella que la deje menos desamparada. El desamparo de Ella, de O, es el de nosotros: En ese parque lleno de pinos, cedros del Líbano, pájaros carpinteros que perforaban el viento, yo no sabía adónde ir con mi relación con O, que parecía lejos de acabarse y avanzar delante de mí sin que pudiese alcanzarla. Y sin embargo no desesperaba, latía dentro de la propia desesperación formando una misma y sola cosa. La realidad es todavía peor."

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Cuando hace unos años el Perú fue Invitado de Honor a la Feria de Bogotá, una de mis frustraciones fue no poder estar presente en la fecha en que Antonio Lobo Antunes dio su conferencia de cierre de Feria. Este año pensé que lo vería en un evento literario, pero Cristina -organizadora del Hay Festival de Bogotá39- me comentó que creía que no asistiría a ningún conversatorio porque en marzo se le detectó cáncer. De inmediato recordé la entrevista de María Luisa Blanco, en la que mencionaba a su primera esposa recientemente muerta de cáncer con un enormísimo dolor, y también el título de una de sus mejores novelas: No entres tan deprisa en esta noche oscura. Hoy en La Jornada, a raíz de su cumpleaños 65, hacen una semblanza del escritor portugués y mencionan su enfermedad:

Dice la nota: "Podría haber sido el triunfo más destacado de su carrera literaria, ya de por sí exitosa, pero cuando António Lobo Antunes recibió en marzo de este año del premio Camoes, la distinción literaria más importante que se concede en lengua portuguesa, parece que la alegría fue opacada, pues en ese momento al escritor, que el sábado cumple 65 años, le diagnosticaron cáncer. Tras ser intervenido quirúrgicamente, desde el hospital, dijo a sus lectores mediante su columna de la revista Visão: “Nunca pensé que un día me iba a tocar a mí esto”. El, que había ejercido la medicina durante cuatro años, aseguró: “La enfermedad me ha cambiado completamente, pero no sé en qué dirección” (...) Tras enfermar él mismo de cáncer, habló abiertamente de su desesperación y miedos. “El cáncer arrebata a las que más he querido. ¿Y yo? ¿Me quiero? Sí. No. Sí. Sí”. Algunos críticos lo consideran un genio, pero otros lo encuentran egocéntrico y arrogante. A ello contribuyó que en 1997 se negase a participar en la delegación oficial de la Feria del Libro de Francfort. Entonces no quiso “compartir escenario con otros 30 autores”.

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En el blog de Jean Francoise Foguell me encuentro con esta mención al diccionario de Fabrice Gaignault titulado: Dictionnaire de littérature à l’usage des snobs et surtout de ceux qui ne le sont pas, un diccionario literario para uso de los snobs (y también de los que no lo son, pero quieren conocerlos). Foguel resume varios de los motivos por los que pasa el diccionario. Yo los dejo con uno de ellos que comparto en un 70% ¿Estaré en camino de convertirme en un snob? ¡Brincos diera!:

Odios. Ser es rechazar para un esnob y una lista de las diez novelas insoportables le ayuda a establecerse aparte: Bella del Señor de Albert Cohen, El extranjero de Albert Camus, El amante de Marguerite Duras, El principito de Antoine de Saint Exupery, La condición humana de André Malraux, Las uvas de la ira de John Steinbeck, El viejo y el mar de Ernest Hemingway, Nausea de Jean-Paul Sartre, La espuma de los días de Boris Vian y En la carretera de Jack Kerouac.

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Me envían los amigos de la editorial Periférica la carátula del segundo título de su colección Trotamundos, dedicado a dos autores peruanos: Sergio Galarza y Cucho Peñaloza y su libro de no ficción Los Rolling Stones en el Perú.

Dice la nota de prensa: "Un reportaje de “no ficción” que también es un ensayo y un tratado, y casi un travelogue. Una sorprendente quest en busca de los Rolling, la banda de rock más longeva de la historia, y una de las que más dinero y escándalos ha producido, a lo largo de ese país latinoamericano, mientras, como telón de fondo, se cuenta la historia del grupo disco a disco, escándalo a escándalo. Cuatro décadas de «exotismo» y evasión.Finales de la década de los sesenta. Muere Martin Luther King. Mayo del 68. En México se produce la matanza de Tlatelolco: decenas de estudiantes son asesinados por su propio gobierno en una manifestación. Dictaduras en Latinoamérica... Un año después, Mick Jagger llega a Perú en compañía de Keith Richards y Anita Pallenberg. ¿Qué buscan? En sus declaraciones al Sunday Express aseguran que «magia». ¿Es eso cierto?No sería el único viaje de Jagger a Perú, donde más tarde rodaría Fitzcarraldo, la famosa película de Werner Herzog, con Klaus Kinski y Claudia Cardinale.Este libro es la historia de una búsqueda: la de las huellas de los Sto­nes más allá del océano. En los hoteles del centro de Lima, en Cusco y en la selva amazónica, entre vedettes casi surrealistas y fans muy tenaces, entre indígenas amantes del aguardiente y top models con casa en Marbella. Y una excelente aproximación —todo un tratado— a la banda inglesa y a sus contradicciones. En definitiva, la historia de una pasión."

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Edmundo Paz Soldán estuvo en Lima para la FIL Lima antes de enrumbar, aprovechando su año sabático, a Madrid donde se encuentra actualmente. Es increíble cómo teniendo dos vidas tan distintas, cada vez que veo a Edmundo siento que continuamos la misma conversación y andamos en lo mismo: la literatura, la escritura, la vida familiar, las lecturas. Una lástima que, por unos pocos meses, no haya podido ser uno de los Bogotá39. Sin embargo, ha escrito sobre el evento en su blog "Río Fugitivo" opiniones muy interesantes. Les dejo el enlace.

Además, también ha publicado en Terra una reseña al libro que muchos escritores latinoamericanos estamos leyendo con admiración, algunos descubriéndolo recién y otros subrayando la buena impresión que nos dejaron sus cuentos anteriores: La fiesta vigilada, de Antonio José Ponte (editado por Anagrama).

Dice sobre el Bogotá39: "El modelo para seleccionar a esta generación es de la revista inglesa Granta, que desde hace un par de décadas lanza, de tanto en tanto, números dedicados a “Los mejores jóvenes novelistas ingleses”. Hay algunas diferencias: en la última selección enfocada en la literatura norteamericana, se define como escritor joven a alguien menor de 35 años --no de 39, como en el caso de Bogotá--, y, en el estilo directo de los anglosajones, se habla de “mejores escritores”. En el caso latinoamericano, hablamos de “más representativos”. De hecho, en la lista de Bogotá 39 hay un esfuerzo notable de inclusión: diecisiete países del continente están representados. Si vamos a ser justos, probablemente la mitad de la lista debía estar conformada por escritores de los países con mayor tradición literaria (Argentina, Cuba, México), pero el esfuerzo de inclusión tiene muchas cosas positivas; nos permitirá, por ejemplo, descubrir qué se está escribiendo en El Salvador o Paraguay, países que suelen pasar desapercibidos en un continente de compartimientos estancos en que los productos culturales no circulan con facilidad de un mercado a otro. "

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Apareció el número 14 de la revista virtual El Hablador que en esta ocasión esttá dedicado a los espacios entre la literatura y la cultura popular. En el blog de la revista pueden ver al detalle los artículos que presentan. A mí me llaman la atención tres de ellos en particular: la entrevista a Carlos Garayar a raíz de la publicación de su última novela en Alfaguara, El cielo sobre nosotros; una entrevista al agente literario especializado en escritores de Latinoamérica (y en tenerles una paciencia enorme) Guillermo Schavelzon; y un artículo-debate de Giancarlo Stagnaro sobre un encuentro de peruanistas en Santigo de Chile.

En el blog explican así el tema principal: "Después de una pausa de algunos meses más de la cuenta, invitamos a los lectores a pasearse por una nueva edición de la revista virtual El Hablador. En esta ocasión, además de las acostumbradas secciones de poesía, cuento, reseñas, dossier y estudios, estamos dedicando un especial a los vínculos entre literatura y cultura popular contemporánea, con particular énfasis en lo que se llama “literatura chicha”. ¿Por qué escoger este tema?, quizás se pregunten algunos. Hay muchas razones que han alimentado las discusiones de los miembros de la revista en estos días. Por un lado, siempre estuvo el interés de tocar temas que otras publicaciones no hacen. Y lo más llamativo de todo, en estos tiempos en que se suele echar vistazos más amplios a nuestro pasado reciente, es que muy pocas veces se ha tocado desde una perspectiva plural y crítica la emergencia de esta producción editorial marginal –al margen en todo caso del circuito literario “oficial” o universitario–, pero masiva. Por otro lado, nos llamaba la atención de que de un tiempo a esta parte, sobre todo desde el año 2000, estas producciones hayan pasado al centro, si se quiere, editorial. Es cierto que personajes de la farándula limeña –como Gisela Valcárcel, Beto Ortiz u Oswaldo Cattone, por mencionar a algunos– han publicado libros de carácter autobiográfico, siguiendo una corriente, al parecer, global. No obstante, dados los rasgos de un país como el Perú, con sus magros índices de lectura y limitaciones de la industria editorial, resulta atractiva la forma en que el libro es usado por estas figuras como un signo de legitimación cultural y mediática, pero que a su vez dicho signo sigue formando parte de la lógica de mercado."

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La joven poeta Andrea Cabel, reeditada por Mesa Redonda en su colección Taquicardia, conversa con Carlos Sotomayor en el diario Correo sobre la nueva versión de su primer poemario Las falsas actitudes del agua.

Dice: "Los poemas, hasta ahora inéditos, que integran el poemario (son siete, más una foto/poema), van de la mano con el resto de poemas, con la estructura misma, porque se integran a las partes originales. Y por otro lado, tanto el manejo del lenguaje como las temáticas, o incluso las sensaciones de estos nuevos, van bien con los textos originales. Siento que, en la medida de lo posible, ahora el libro está un poco más “completo”.

También dice: "El poemario fue creado con la intención de mantener una unidad, un hilo conductor que mantenga no sólo las temáticas, sino también las voces que se intercalan en los poemas fijos, sin perderse entre ellos. Me interesa que el libro sea un “todo” orgánico, capaz de mantenerse en pie por sí mismo. Siempre existe una intención de “orden” en los libros; aunque sea un orden subjetivo, personal, aleatorio, siempre existe."

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El poeta Alejandro Romualdo Valle es inaccesible. La última vez que se le vio (muy incómodo) fue en un homenaje en el Congreso de la República. Es experto en negarse a cualquier entrevista, incluso la de los jóvenes estudiantes y los fanáticos. Sin embargo, Pedro Escribano lo encontró de casualidad en la presentación de la revista Martín y consiguió una entrevista al vuelo (en taxi) que hoy publica La República.

Se refirió brevemente a la generación del 60, a la que pertenece: "(...) ellos se apegaron a la poesía anglasojana (...) La diferencia era ideológica. Nosotros escribíamos con el eco de César Vallejo, que leímos en la edición de Losada".

El poeta dice que ha dejado de escribir poesía: "Ahora me dedico a la pintura (...) mis trabajos son serigrafías. Yo siempre me he dedicado al arte. He elaborado un universo y cuando uno tiene un universo es como tener un alfabeto con el que puedes inventar palabras, crear".

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El encuentro Bogotá39 capturó la semana pasada la atención de la prensa. Obviamente, era raro tener a 39 escritores cautivos en un hotel, alimentados de huevos revueltos en el desayuno y bolsitas (pan con atún) de delivery en el almuerzo que se disfrutaba al vuelo en las carreteras bogotanas, hablando a un público que iba de escolares de seis años hasta jóvenes con intenciones alcohólicas y amantes de la salsa, desconcertados al oír la ópera que les endilgó Jorge Volpi en el bar de moda Punto G en un evento literario-musical.

Los fuegos de la prensa empezaron el artículo de Ana Roda (Coordinadora de Bogotá Capital Mundial del Libro) quien celebró en el suplemento "Lecturas" de El Tiempo la aparición de los 39 en su ciudad, y se atrevió a dar una lista accesitaria que incluía nombres notables como los de Rafael Gumucio, Trino Maldonado, Florencia Abbate, Lina Meruane, Luis Hernán Castaneda, Mariana Enríquez, Andrea Jeftanovic, Ezio Neyra, Ignacio Padilla, entre otros. Incluída la "escritora" Eloísa Cartonera que, esa sí, debió estar de todas maneras (y de paso que inviten a la joven Adriana Hidalgo). También en Colombia, la revista "Semana" siguió a varios escritores en diversas sedes y publicó un artículo titulado con absoluta justicia "A toda carrera" en que se menciona varias de las conferencias, se comentan algunas de las declaraciones e incluso se recomienda este blog para comprobar que hubo pachanga. A "Semana" también pertenece el suplemento Arcadia que erizó los pelos de todos los participantes (menos a los elogiados Alejandro Zambra y Daniel Alarcón, curiosamente los dos que parecen tener más problemas con los asuntos de peinado). La autora del artículo bomba fue la ex editora de Norma y crítica literaria Margarita Valencia, quien tituló a su nota "Los asesinos prudentes" . Me di un tiempo entre un bus y otro para contestar con unas líneas el artículo (está colgado en el Fotoblog) sin saber que esa misma noche me encontraría en una recepción con la autora de la nota y mantendríamos un estupendo diálogo sin roces, para enorme decepción de la guapa anfitriona de la fiesta que era la directora de Arcadia. Y, desde luego, el estupendo dossier de la revista Piedepágina (ya mencionado en Moleskine) que incluyó una serie de textos críticos.

Además de Colombia, en todos los países participantes e incluso en España se despertó cierto interés por el evento. En especial en Argentina, que envió a dos corresponsales (uno de Clarín y otra de La Nación) que eran estupendos amigos entre sí, y tan entrañables que se convirtieron en integrantes insustituibles de la troupé literaria. Susana Reinoso, la corresponsal de La Nación, dejó varios artículos al respecto, como uno dedicado a los narradores argentinos del evento y otro final en el que resumía algunas intervenciones titulado, apropiadamente, "La diversidad, un factor de unidad". También su colega Ezequiel Martínez, en Clarín, entrevistó a la delegación argentina (con foto de los tres en la ducha de Daniel Mordzinski) y comentó el comienzo y luego el fin de Bogotá39. Por otra parte, la "Revista de Libros" de Chile prefirió comentar el encuentro a través del libro que publicó Ediciones B en Colombia, una antología de cuentos de los 39 representantes. Dice la reseña de Javier Edwards: "Lo que muestran estos textos es la paradoja de la diversidad común, de la atomicidad compartida como una manera de dar al lugar indefinido materialmente, al menos los límites textuales que proporcionan relatos en los que cada narrador aborda la totalidad de lo narrable, bajo la forma específica de su ojo. En este sentido, los grandes temas presentes -que también lo están en otras escrituras-, los políticos, los sociales, los sentimentales, los psicológicos, los metafísicos, no están planteados sino como experiencias concretas y particulares, respecto de las cuales el autor o sus personajes no sacan corolario alguno, dejando que el lector, si cabe, haga su ejercicio, deduzca, interprete, colabore en el armado final de una historia capaz de mostrar un lugar particular y su límite". Mientras tanto, en España un corresponsal de "El País", Winston Manrique, publicó una nota sobre el inicio del encuentro donde anuncia: "La cita de los 39 escritores menores de 39 ha roto moldes y desmitificado leyendas. Más de la mitad no vive en sus países de origen, están agradecidos al boom, muchos no se conocían y han estudiado de todo y en todas partes. La elección de esa barrera de edad se parece bastante a lo que ocurre con los precios acabados en 9 o en 99: "Se trata de un límite simbólico de la edad a la que se puede considerar joven a una generación de escritores", explica la directora del festival, Cristina Fuentes". Asimismo recoge las declaraciones de los autores presentes que viven en el exilio como Guadalupe Nettel, Daniel Alarcón, Karla Suárez, Slakvo Zupcik y Antonio Ungar.

Finalmente, aunque sin enviados especiales por supuesto, en el Perú aparecieron diversas notas al respecto levantadas de las agencias de noticias. Por ejemplo, se publicaron notas al respecto en el diario El Comercio, en La República y en El Peruano.

Por otra parte, obviamento vuelvo a invitarlos a ese ejercicio de nostalgia que es ver las fotos del Bogotá39 en mi Fotoblog. La nostalgia dura en promedio una semana así que apúrense.

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Anotación en el cuaderno de compras: Evocación de Matthias Stimmberg (publicado por Interzona) del joven cineasta mexicano Alain-Paul Mallard, a quien en el ADN Cultura de La Nación comparan con Salvador Elizondo y los "happenings de la crueldad" de Mario Bellatin. ¿Cómo resistirse?

Dice la nota: "Escrito en primera persona, en breves fragmentos que coquetean con un lirismo irónico, el libro de Allain-Paul Mallard (el único que este joven escritor y cineasta mexicano ha publicado hasta la fecha) parece garrapateado en los márgenes amarillentos de una vieja edición de Los cuadernos de Malte Laurids Brigge (la célebre "autobiografía" de Rainer Maria Rilke), no solo porque narra la vida de un atormentado poeta imaginario (Matthias Stimmberg) y transcurre en un ambiente alemán, sino también porque pertenece a un género híbrido, que oscila entre la nouvelle y el cuento, la poesía y la reflexión aforística. Al igual que Juan Jesús, el pintor malogrado que protagoniza el relato de Villoro, Matthias Stimmberg es también un perdedor, aunque mucho más consciente de la comedia social y la impostura literaria que representa su derrota. De ahí que pueda declararse abiertamente como un misántropo y dejar asentados, en una nota apócrifa que cierra el libro, su "indiferencia reptílica ante los dilemas morales de nuestro tiempo" y su "apoliticismo reaccionario".

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Uno de los premios más prestigiosos y antiguos de Gran Bretaña, que se entrega en la Universidad de Edimburgo, el James Tait Black, declaró como ganador este año al verdaderamente huraño (lo que no le impidió aparacer en una entrevista grabada en el show de Oprah Winfrey) Cormac McCarthy y su nueva, y muy exitosa, novela The Road. Se impuso sobre nombres como el de Sarah Waters, Chimamanda Ngozi Adichie, Alice Munro, James Lasdun y el debutante Ray Robinson. La noticia la dio The Guardian.

Dice la nota: "The American author Cormac McCarthy, long revered for the hardbitten poetry of his novels, has won the UK's oldest and most literary of book awards. The 74-year-old, was awarded the James Tait Black memorial prize, worth £10,000, for his bleak vision of a post-apocalyptic America, The Road. The book won a Pulitzer, the US's pre-eminent literary prizes, earlier this year, and is being widely noised as a strong Nobel contender. The novel describes the journey of a father and son who are heading south in a world where a disaster has occurred, reducing nature to a nuclear-grey winter and humans to savage, scavenging cannibals. While the landscape is scorched and some of the set-piece encounters almost Beckettian, the nightmare vision is leavened by McCarthy's austere language and his description of the powerful bond between the boy and his father."

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A la hora de decir las verdades en cuentos perfectos, la escritoras anglosajonas no tienen pierde. Ninguna como ellas logran resumir el escepticismo, la dureza, la metáfora perfecta de la realidad. Siempre nos dejan desarmados. No existe ninguna expresión más dura que la de una mujer endurecida. ¿Escriben así las mujeres latinoamericanas? ¿Por qué no? Hubiera sido una buena pregunta en Bogotá39, antes que aquella que hablaba de literatura erótica y reunió a todas las participantes. Hay que leer a las cuentistas anglosajonas, dejarse contaminar por ellas, dejarse golpear en la mandíbula. En el suplemento "Laberinto" del diario mexicano Milenio aparece una nota sobre Flannery O’connor.

Dice la nota: "Paralizada desde 1950, Flannery O’Connor se instaló junto a su madre en una finca, “Andalucía”, donde se dedicó por completo a la literatura. Sus novelas Wise Blood y The violent bear it away no consiguen la contundencia de sus relatos cortos, esa orientación de sentimientos y detalles que hacen que sus cuentos sean funcionales y perfectos como un cubo. “Cada detalle debe ser controlado a la luz de un objetivo primordial”, anotó O’Connor en El arte del cuento, “cada detalle debe introducirse de modo que trabaje para nosotros. El arte es selectivo”. Su violencia y su prolijidad a la hora de construir una historia —y a la hora de lograr que una historia sea magistral— calza en esa cualidad que Roberto Arlt propuso para la literatura: un cross a la mandíbula."

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Margo Glantz, de viaje por España, conoce su naturaleza migratoria en un VIPs con aire acondicionado. Una crónica estupenda de "La Jornada".

Dice Margo: "Como siempre, sigo viajando. Me ha pasado algo curioso, pero antes de consignarlo, manifiesto una duda, reiterada cuando redacto esta columna: ¿A quién le importa que una señora x dé vueltas por el mundo y luego lo escriba para que algunos lectores la lean? Bueno, como siempre también, dejo abierta la pregunta. Estaba yo sentada tomando un café en un Vip’s de la avenida Goya en un Madrid desierto y sorprendentemente poco caluroso. De repente, advierto que estoy sentada sólo sobre media nalga. Me sobresalto y reflexiono, cosa que hago algunas veces. ¿Por qué me he sentado al borde –bordísimo– del asiento, si aún no me traen lo que he pedido? Y al tiempo que reflexiono y me acomodo con ambas posaderas sobre la banca, descubro de pronto una verdad redonda como un círculo vicioso: estoy así, a punto de caerme porque no puedo permanecer nunca en el mismo sitio y ese es el origen de este perpetuo movimiento que si falla me hunde en la más profunda depresión".

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Poniéndome al día con las múltiples noticias que no pude leer mientras estuve en Bogotá, sabiendo que no podré postear todas, elijo una para comentar que no quiero que pase por alto. En el suplemento "El Dominical" apareció una entrevista, o más bien una semblanza, a Carlos Calderón Fajardo escrita por Enrique Sánchez Hernani. El artículo se titula "El escritor calmado" y aunque no sé si ese adjetivo es el que mejor le va a Carlos, entiendo la idea. En ella, el autor se queja de que, a raíz de su poca visibilidad pública, lo consideran un huraño. Y coloca como prueba de ello a sus amigos. Me considero uno de ellos, así que doy fe de lo entrañable que es Carlos y también de su capacidad para mantenerse vigente entre los lectores más jóvenes de cada generación. Todos queremos "descubrir" a Carlos. Eso y no otro es el talento de un verdadero escritor.

Dice la nota: "Con bastante humor admite que su estilo de escribir está vinculado al discurrir filosófico, por su influencia alemana, y muy metódico, por haber padecido TBC, lo que lo obligaba a cumplir horarios de reposo. "Somos un club -sonríe--: están Ciro Alegría, D. H. Lawrence, Kafka, Camus, Manuel Bandeiras. Somos el club de los narradores con TBC", y estalla en carcajadas. Ha trabajado como Sociólogo, especialidad que estudió en la Universidad Católica, lo que le permitió comprarse una casita en Punta Negra, donde se queda a vivir la mayor parte del año. "Yo soy el hombre que mira el mar. A mí Lima no me gusta", añade. Después ha sido profesor de la UNI, donde con ironía cuenta que ingresó ganando 500 dólares como jefe de práctica y que luego de 25 años, tras jubilarse como profesor a dedicación exclusiva, salió con 300 dólares. Y se ríe con ganas nuevamente, como durante toda la conversación. (...) Tampoco le ha dado mucho a la bohemia. Añade: "Soy un hombre más bien tranquilo". Esto a despecho de haber frecuentado a los narradores del Grupo Narración, bohemios natos, grupo al que, sin embargo, no se incorporó nunca. "Ni ellos me lo pidieron ni yo, probablemente, lo hubiese aceptado", precisa y explica que para ello se requería cierto compromiso político militante que no le interesaba. A ellos llegó congregado por Oswaldo Reynoso, en el célebre bar Palermo. Desde entonces su trabajo con la palabra ha estado dedicado más a su labor con la palabra que a tratar de figurar. "Se han hecho la idea que soy un hombre huraño, esquivo, tímido -reconoce--, cosa que no soy. Porque si hay alguien que tiene amigos, soy yo. Eso es un mito". Reconoce que ese rasgo lo heredó de Ribeyro, su gran amigo. Y ahora que ha publicado El huevo de la iguana, sigue, calmo, su labor de escritor, esperando el futuro, levantándose a las 5 o 6 de la mañana, dedicado a su obra, que los críticos deberán enfocar ahora con más constancia. Lo merece".

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Se cumplieron 50 años de la muerte del poeta italiano Umberto Saba, de quien muchos hemos podido leer en el Perú una edición extraordinaria en la serie "El Manantial Oculto" de la PUCP, en que aparecen dos poemarios: aquel que respira la pasividad del campo y aquel otro donde el dolor por la mujer amada causa angustia. El gran poeta de Trieste -una ciudad con tanta historia literaria como Venecia, a quien Claudio Magris le dedicó Microcosmos- ha sido recordado por el suplemento Ñ del diario Clarín en un texto biográfico de Rodolfo Alonso.

Dice la nota: "(...) toda su vida giró prácticamente alrededor de una única ocupación, su legendaria Librería Antigua y Moderna, cerca de la Plaza de la Bolsa, en Trieste. La misma que imprimió en 1921 Il Canzoniere, primera versión de un mismo creciente volumen que iría incorporando todos los suyos, y que sería a lo largo de los años la recopilación reiterada de la totalidad de sus poemas bajo ese único título. No muchos lo percibieron, al principio. Honra sin duda a Montale el haber sido uno de ellos. Otro fue el crítico Giacomo Debenedetti, quien sutilmente apeló como metáfora al viaje del salmón hacia sus fuentes, enfrentando aguas contrarias, para aludir a la honradez y hondura con que Saba persistió en su propio camino mientras predominaban estéticamente otros dominios, por lo menos contrarios si es que no adversos. Pero incluso porque no resulta en absoluto usual que un prosista se ocupe de los poetas, se hace sin duda más valioso este aserto del narrador Guido Piovene: "Puede ser que la prosa italiana de este siglo haya dado algunos escritos (pocos) de igual valor. Pero estoy seguro que no ha dado nada mejor."

El artículo recuerda una palabras de Magris sobre Saba: "A comienzos de 1983, al dedicarle totalmente su columna del Corriere della Sera el 27 de febrero, su lúcido coterráneo, el agudo Claudio Magris, opinó: "La poesía de Saba tiene una extraordinaria plenitud de amor, una fuerza -rarísima en el arte contemporáneo- de no cortar el cordón umbilical con la vida y de asumirla íntegramente sobre sí, con toda la negatividad y el malestar de la época histórica que la persona padece, con todo el fango y la oscuridad de los que está amenazada la existencia de cada uno y de los que no se hallaba ciertamente exento el mismo Saba, en su rapaz y turbia avidez." Para rematar a continuación, aún a mitad de camino de su texto: "El autor retraído y periférico, como él se definía, que estaba al margen de la tradición nacional y refugiado en el antro de su librería, con sus desagradables neurosis y sus mezquindades de ropavejero, ha sido uno de los poquísimos poetas contemporáneos capaces de entender y sufrir nuestro presente histórico sin dejarse deslumbrar por él, de vivir la vida hasta el fondo, en lo bueno y en lo malo."

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Este fin de semana, el suplemento "Babelia" publicó sus reseñas a los libros del premio Planeta, ganador y finalista, El enigma de París, de Pablo de Santis, y El susurro de la mujer ballena de Alonso Cueto. Ambas están a cargo de José Ernesto Ayala-Dip.

Sobre la novela de De Santis dice: "(...) está narrada en primera persona. Su narrador es un aspirante a detective. Y es en París, en la misma época en que se termina la construcción de la torre Eiffel, en donde debe poner a prueba su eficacia detectivesca. Hay algunos crímenes cuya naturaleza los acerca bastante a la letal puntualidad de los cometidos por un asesino en serie (por cierto, ¿no es un anacronismo llamarles así, como por ejemplo los de Jack el Destripador, a finales del siglo XIX? Pregunto). Hay una idea que resplandece en toda la novela por encima de todo su entramado. La del maestro y el discípulo. Esa relación a veces dolorosa y tan compleja que Pablo de Santis resuelve con tanta brillantez".

Sobre la de Cueto dice: "En El susurro de la mujer ballena, el autor limeño urde una historia que la acerca bastante al género de intriga psicológica. Por ahí podía venir el naufragio. Si no se maneja con oficio la novela psicológica se puede caer en un santiamén en la psicología de terror. Cueto, desde una impecable voz femenina, nos narra un drama urbano lleno de sentido contemporáneo. Un drama que ocurre en la ciudad de Lima, pero que podría ocurrir en cualquier lugar del planeta. (...) Hay en esta buena pieza de ficción de nuestros días un duelo de protagonistas que el lector no podrá abandonar hasta el desenlace final. Este dibujo también entrañaba sus riesgos. El facilismo efectista, televisivo. Alonso Cueto lo sortea con arte e inspiración. Y como en toda novela de calidad siempre hay historias paralelas de enjundia, en la de Alonso Cueto se desarrollan dos. Una, la del encuentro de la periodista con un lejano novio de su madre. La otra, la de Mariano y sus mensajes obscenos."

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Me dio lástima no poder asistir a la presentación de Eduardo Lago en el Centro Cultural de España. Un autor al que he seguido mucho a través de internet, y del que espero conseguir su novela (muy recomendada por Willy Niño de Guzmán) Llámame Brooklyn. Sin embargo, la casualidad hizo que pudiera saludarlo al coincidir ambos en un restaurante. No fue la única coincidencia de la noche. Al parecer, Lago estaba recomendando con entusiasmo un libro de DonDelillo titulado Contrapunto, que salió por Seix Barral, y que sólo existe en castellano pues es una entrevista editada a manera de ensayo. Y yo llevaba justamente ese libro en mis manos, pues lo compré en Bogotá. Dicen que la presentación de Lago fue estupenda. No tengo dudas. Lo entrevistó el diario El Peruano aunque, lamentablemente, centró la atención de la entrevista no en su obra sino en el hecho de que Lago vive en Nueva York como director del Instituto Cervantes de esa ciudad.

Dice Lago sobre el NY post-11S: "Seis años después se ha superado bastante, no del todo, el trauma. La migración latina y la presencia del español responde a circunstancias sociológicas, históricas, económicas. Sin latinos, Estados Unidos se derrumbaría en un día. La migración latina es una necesidad total. En ese sentido, no hay una relación directa entre el 11-S y la fuerza de nuestra cultura y lenguas comunes. Está reconfigurándose el país por una cuestión de contigüidad geográfica".

Actualización: También lo entrevista Carlos Sotomayor en "Correo".

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Mientras estábamos en Bogotá39 ocurrió que Gabriela Alemán, en una mesa redonda con Daniel Alarcón, mencionó en nombre de Grace Paley como el de una de las escritoras que más la habían influido. Entonces Daniel la interrumpió y le dijo: ¿Sabías que murió ayer? La noticia empezó a correr por los pasillos del Suite Jones: Grace Paley había muerto. Para los que la hemos leído, una tristísima noticia. Para los que no, una oportunidad de saldar una deuda. En el suplemento "Radar" de Página12 le rinden un homenaje publicando el cuento "Deseo".

Dice la nota: "El miércoles pasado murió la escritora y militante feminista norteamericana Grace Paley, que deja una obra breve pero lacerante, con un amor doloroso por la vida y una sensibilidad para capturar los abismos emocionales que se abren en los momentos más impredecibles de la vida. Este cuento, “Deseos”, forma parte del segundo de sus tres libros de relatos, Enormes cambios en el último momento, que se consigue en las librerías argentinas junto a los otros dos (Batallas de amor y Más tarde, el mismo día) en el volumen Cuentos completos, publicado por Anagrama hace dos años"

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He descubierto que el problema para acceder por blogger a Moleskine Literario, a través de mi cuenta original,está en el airport del hotel. Mientras busco un café internet o una biblioteca (como en la que ahora escribo) cerca, sigan revisando actualizaciones en Basta de carátulas.

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Estoy teniendo problemas desde Bogotá con mi cuenta. Por lo tanto, si no ven un nuevo comment aquí mañana, por favor revisar los despachos en el blog Basta de Carátulas.

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Empieza así la nota: "Es una idea atractiva. Muy atractiva. Reunir a 39 de los mejores escritores latinoamericanos menores de 39 años en una misma ciudad durante cuatro días rompe con los modelos de encuentros literarios que se realizan generalmente en el mundo.Decir que en la lista están todos los que son sería bastante pretencioso. Pero esta es la oportunidad para conocer en qué anda la narrativa de un continente que, a pesar de sus diferencias, tiene mil cosas que lo unen. Es también una gran oportunidad para que los lectores, los amantes de la literatura, los académicos, los críticos y los periodistas conozcan a muchos autores que no son figuras más allá de las fronteras de sus países. Ya sea porque no han firmado un contrato con una editorial grande o porque éstas no han considerado que se justifique el riesgo económico de publicarlos en el exterior. Fenómeno muy habitual en esta industria. Pero también es una gran oportunidad para que ellos, y tal vez eso sea lo más importante, se conozcan entre sí. Que simplemente sepan que existen".

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El periódico chileno La Tercera, en su suplemento cultural (que se puede ver en formato papel digital) esta semana le dedica la tapa a Daniel Alarcón bajo el título "Gringo latino". La redacción me pidió una breve semblanza, algo personal de no más de 2,500 caracteres, sobre Daniel. Coloco aquí la dirección del diario, deben ir hasta abajo y buscar Papel Digital, Cultura, y hacer clic en "Gringo Latino"... ¡qué difícil!). Por cierto, en este suplemento el argentino Gonzalo Garcés (uno de los elegidos para Bogotá39) escribe sobre la antología , que reúne cuentos de los participantes del encuentro de escritores menores de 40 en Bogotá.

¿Peruano o norteamericano?

Hace unos meses hice una encuesta en mi blog sobre la nacionalidad de Daniel (Pregunta: ¿Es Daniel Alarcón peruano o norteamericano?), motivada por su calificación simultánea como peruano a la lista de Bogotá39 y norteamericano para la revista Granta. El resultado fue un ajustado 51% que lo declaró gringo.
Entonces, en el blog “Puente aéreo” Gustavo Faverón comentó sobre las “literaturas de frontera” y se lamentó que en EEUU se leyera a Alarcón soslayando su condición de peruano. Tiene razón. De igual modo, yo lamento que las reseñas sobre Alarcón publicadas en el Perú jamás toman en cuenta que sus libros están escritos en inglés, y lo que leen son traducciones, y soslayan el hecho que Alarcón pertenezca a esa literatura de frontera con nombres tan visibles –pero desconocidos para los reseñistas locales- como Sandra Cisneros, Francisco Goldman, Santiago Vaquera o Junot Díaz, por mencionar sólo los que tienen ascendencia latina.
¿Es Alarcón un escritor norteamericano con incierto origen peruano, como el escritor Carlos Castaneda? ¿O es un peruano que triunfa en el exterior, como el tenor Juan Diego Flórez o el 14 del Chelsea, Claudio Pizarro?
Una lectura de sus obras -el libro de cuentos War by Candlelight ("Guerra a la luz de las velas") y la novela Radio City Lost ("Radio Ciudad Perdida")- nos muestra que ni lo uno ni lo otro. Su estilo literario y sus preocupaciones coinciden con aquella “literatura de frontera” que alimenta y forma parte insustituible de la actual literatura estadounidense, como lo subraya la última selección nacional de Granta. Pero no se puede dejar de lado el interés que despierta el tema peruano en Alarcón, un interés político y antropológico en primer plano, pero que no disimula la pregunta por la propia identidad. La suya es una obra de indagación, de búsqueda, no de respuestas.
El principal reto de Daniel Alarcón, con un pie en cada mundo, será crear una realidad que resulte creíble y sea un marco verosímil para que transiten sus ficciones. En War by Candlelight los cuentos más convincentes, aunque no los más ambiciosos, son los que suceden en EEUU, mientras que los que ocurren en el Perú presentan una sociedad esquematizada. En Radio City Lost supera el reto creando una ciudad ficticia, alegórica y post-apocalíptica, donde las regiones no tienen nombres propios sino números de codificación, y los sucesos se califican según los acontecimientos de la guerra interna (que, al igual que la peruana, duró diez años y fue dirigida por un grupo paramilitar con siglas IL, como el SL peruano). Una salida inédita en la literatura peruana, creo, pero no en la norteamericana que tiene tradición en mundos alegóricos. Así, mientras tenga la capacidad de tomar lo mejor de ambas tradiciones tenemos un autor con un enorme futuro.
¿Peruano o norteamericano? Hace unos días, Daniel me confesó que votó en la encuesta de mi blog. Votó dos veces: una por peruano y otra por norteamericano.
Lo tiene claro.

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El estadounidense Charles Fort es un nombre prohibido o ridículo para los científicos ortodoxos, pero para aquellos que tienen un espíritu menos rígido es un precursor. Se pasó décadas leyendo absolutamente cada periódico, revista científica, libro y folleto (nada sensacionalista, ojo) que cayera en sus manos en la biblioteca de Nueva York. De esa lectura buscaba resaltar los hechos que llamaba "condenados" por ser anómalos, aunque comprobados en la práctica o por decenas de testigos: la combustión humana espontánea; lluvias insólitas (de sustancias, minerales o animales como ranas o peces, como en Kafka en la orilla, por cierto, y en otras obras del japonés: sin duda Murakami es un fortiano convicto); animales criptozoológicos o directamente fantásticos; huellas misteriosas y OVNIs; las teleportaciones; las casualidades inverosímiles; extrañas facultades psíquicas; etc. El resultado de esas pesquisas lo acumuló en cajas de zapatos y luego en varios libros, siendo el más famoso El libro de los condenados. Muchos escritores, como Lovecraft, lo consideraban su padre. Pero lo más interesante es que Fort llegó a la conclusión de que ningún hecho, por más normal o insólito que fuera, era un hecho aislado. El creía firmemente en que todo estaba organizado, como si fueran piezas de un rompecabezas: "Mi interés más vivo no radica tanto en las cosas como en las relaciones entre ellas. He pasado mucho tiempo pensando acerca de las llamadas seudo-relaciones a las que se llama coincidencias. ¿Y qué tal si algunas de ellas no fueran coincidencias?". No era un coleccionista de rarezas, como Ripley, sino alguien interesado en encontrar el sentido profundo que las justifica. Si se han quedado intrigados por Charles Fort, no dejen de leer el artículo de Daniel González Dueñas en el suplemento "Confabulario" del periódico mexicano El Universal.

Dice el artículo: "Del mismo modo en que la razón cuestiona sus aplicaciones pero nunca su entretela, la ciencia se concede un margen de duda en cuanto a sistemas particulares y verificación de teorías, pero no entran ahí sus más básicos paradigmas (como la concepción del método científico o la razón primera del ser de la ciencia). Fort ataca precisamente a lo que queda fuera de ese margen. Casi podría decirse que ha escrito sus libros para ofrecer un termómetro utilizable en cualquier época: niega los más elementales presupuestos de la ciencia e incluye ideas que no pueden sino parecernos delirantes, con objeto de que podamos estudiar las ideas contrapuestas por medio de las cuales cualquier modernidad descalifica y excluye las formas no autorizadas del pensamiento. Fort parte de un monismo: todas las cosas están interconectadas. La ciencia moderna, el más nocivo de los exclusionismos, “ha intentado ser real, verdadera, concluyente, completa y absoluta. Si aquí, en nuestro cuasi-estado, la apariencia de ser es producto de una exclusión siempre falsa y arbitraria, y si siempre son continuos lo incluido y lo excluido, todo el sistema de la ciencia moderna no es más que un cuasi-sistema, una cuasi-entidad obtenida por medio del mismo proceso falso y arbitrario gracias al cual el sistema —aún menos positivo— que la precedió, o incluso el sistema teológico, obtuvieron la ilusión de su existencia”. Y afirma, con ecos muy antiguos: “Nada ha sido probado jamás. Porque no hay nada que probar”.

También escribe: "Si Fort hubiera optado por la novela, se le recordaría como precursor y se le colocaría en el rango de autores como Olaf Stapledon, o incluso como “clásico” en la línea de Lovecraft o, en última instancia, como un “gran marginal” celebrado por cofradías de lectores a la manera de un Fredric Brown o un Cordwainer Smith. Nadie ridiculiza a cualquiera de esos escritores por haber imaginado otros mundos, pero si ellos hubieran optado por el ensayo, y además en una prosa agresiva y lúdica (y, para colmo, dando nombres y citando fuentes), es muy probable que se les habría puesto, como a Fort, en la ominosa lista de los “ejemplos negativos”. Por lo pronto, su intuición intermediarista lo vuelve precursor de todos esos temas de realidad virtual que obsesionan al siglo XXI (cf. la trilogía fílmica The Matrix), pero hay algo más de fondo, una actitud espiritual, una antigua intuición que se las arregla para retornar, de tanto en tanto, en las voces más inesperadas. Fort no lo supo, pero desde su muy particular sensibilidad compartía la intuición de otro gran solitario, Fernando Pessoa, que bajo la firma de Bernardo Soares escribía por las mismas fechas: “Soy el intervalo entre lo que soy y lo que no soy, entre el sueño y lo que la vida hizo de mí, el promedio abstracto y carnal entre cosas que no son nada, siendo yo nada también”.

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La pregunta que se hacen muchos lectores en México: ¿habrá leído Mario Levrero a Josefina Vicens? Porque las similitudes entre la novela de Levrero El discurso vacío y la de la mexicana Vicens El libro vacío, van más allá del título. Josefina Vicens es una bartleby más para el catálogo de Vila Matas. Una escritora de culto que publicó sólo dos novelas, la mencionada El libro vacío (que tuvo elogios de Octavio Paz), publicada precursoramente en 1958, y Los años falsos en los años 80. Mientras hacía carrera en el cine y el periodismo su obra literaria fue volviéndose inhallable. Hace muy poco, el Fondo de Cultura Económica publicó en un sólo libro las dos novelas de Vicens. El libro voló de los estantes en pocos meses y, espero, ya se prepara una reimpresión. Me pregunto: ¿habrán llegado algunos ejemplares a las librerías de Lima y están ahí, sin que nadie los reconozca, extraviados? Mañana investigaré y les cuento.

En esta página encontré una síntesis del argumento: "El libro vacío, su primera novela, es un libro acerca de la imposibilidad de escribir un libro. José García, el protagonista -nombre ensamblado con los dos seudónimos que Josefina usaba en sus textos period ísticos-, se duele por la angustia de no poder plasmar en letra la necesidad vital de escribir que le corroe las entrañas.La obra se publicó en 1958 pero su gestación seguramente puede ubicarse varios años antes, con lo cual Josefina Vicens anticipa varias características de la novela contemporánea. Brushwood señala que se trata de la primera obra autorreferencial en la literatura mexicana. Es decir, la escritura que se mira a sí misma, el acto de escribir diseccionado en su proceso, desde el punto de vista de un escritor ficticio. Además de las innovaciones técnicas que presenta, El libro vacío es sumamente interesante por el desarrollo de la búsqueda -aparentemente infructuosa- del protagonista en pos de un tema importante para ser plasmado en una novela, y cómo esta búsqueda es al propio tiempo la construcción de la obra de la Vicens (...) La contraportada de El libro vacío en Ediciones Transición ofrece un texto de Josefina Vicens en el que relata que Emmanuel Carballo le pidió contestar en tres cuartillas las preguntas "¿Por qué escribo?", "¿Para qué escribo?" y "¿Cómo escribo?" La escritora, después de confesar que sufrió con tales interrogantes ya que era una mujer que sólo había escrito un libro y dudaba que la vida le alcanzara para terminar otro, decide responder desde la perspectiva de José García, el personaje de su novela: "Mi mano no termina en los dedos: la vida, la circulación, la sangre, se prolongan hasta el punto de mi pluma. En la frente siento un golpe caliente y acompasado. Por todo el cuerpo, desde que me preparo a escribir, se me esparce una alegría urgente. Me pertenezco toda, me uso toda; no hay un átomo de mí que no esté conmigo, sabiendo, sintiendo la inminencia de la primera palabra. En el trazo de esa primera palabra pongo una especie de sensualidad: dibujo la mayúscula, la remarco en sus bordes, la adorno. Esa sensualidad caligráfica, después me doy cuenta, no es más que la forma de retrasar el momento de decir algo, porque no sé qué es ese algo; pero el placer de ese instante total, lleno de júbilo, de posibilidades y de fe en mí misma, no logra enturbiarlo ni la desesperanza que me invade después".

Y en este otra página de la revista Casa del Tiempo encontré una frase-impacto que debería estar en la contratapa: "Como Josefina, como Rulfo, como Kafka, José García escribe sobre su escritura desde el anonimato. Posiblemente sea el tema entrañable de todo escritor, porque confrontar la escritura es navegar en el origen. José García no es Vargas Llosa ni Stephen Vicenzy ni Marguerite Duras, por citar a algunos que han escrito sobre su escritura desde la postura del escritor consolidado. García está mucho más próximo a nosotros, lectores-escritores. Su inseguridad es espejo más nítido de nuestros temores, porque nos devuelve la imagen del escritor que lidia desarmado con la escritura y sólo a través de ésta vive experiencias que su vida cotidiana no le permitiría".

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Hace unos días, posteando sobre el Booker alemán, mencioné que la mayoría de nominados eran desconocidos. Pedí además que si alguien conocía a alguno, que pase la voz. Y ahora leo en Radar Libros que la gente de Adriana Hidalgo conocía muy bien a una de las nominadas: Katja Lange-Müller, de quien acaban de publicar una novela titulada Los últimos. La reseña es de Federico Kukso.

Dice la reseña: "Las primeras veces están sobrevaluadas. Con esa convicción en mente, y en esa clave, hay que leer (se sugiere leer) la pequeña pero gran novela Los últimos de la escritora alemana Katja Lange-Müller. Porque si bien no tiene nada en contra de los primeros besos, los primeros trabajos, los primeros amores, la autora se encarga de revalorizar las conclusiones, las clausuras: los retazos de una época que termina, lo que se apresta a desaparecer y un día, pues, desaparece. El epicentro de esta novela publicada originariamente en el año 2000 es la Berlín oriental de fines de los ’70 (aquella que vivía con el aliento soviético sobre la nuca) y el centro de gravedad pivotea entre la imprenta de Udo Posbichs y el bar Waldschänke, donde los trabajadores apaciguan sus penas y frustraciones entre cervezas y leberwürst. Tragedias no les faltan, porque al fin y al cabo Lange-Müller (exponente del reciente boom literario alemán) no escatimó recursos literarios para construir, con descripciones condensadas pero con una fuerza atropelladora, personajes grises (como el hormigón de los edificios de la RDA) y trágicos como cualquier alemán, cuyas vidas fluyen rutinariamente entre páginas, tinta, galeras y composiciones. Así vive la protagonista de nombre desconocido (apodada simplemente "Muñequita"), tipógrafa, zurda y con una autoestima por el suelo ("tengo ojos pequeños como ojalitos, muy separados en el aniñado, cuando no ingenuo, redondo, chato rostro, del que cuelga tristemente una nariz larga y carnosa"); Fritz, el linotipista duro; Willi, el compositor intoxicado de plomo; Manfred, el extraño impresor que escucha voces de sus dos prensas y Udo Pobischs, el jefe-empresario, que un día desaparece (y la policía cierra la imprenta) y desata más que conflictos externos, dilemas internos, psicológicos en todos los demás".

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A esto se le llama "dar en la yema del gusto" a los lectores de Moleskine Literario. Se trata de un artículo en el ABCD Las letras en el que Jesús Marchamalo habla sobre las casas literarias. Ni más ni menos, las casas donde vivieron los escritores. Aparecen comentadas casas célebres, como la de Hemingway, la de Isak Dinesen, la Iasnaia Poliana de Tolstoi, la de Lezama Lima en la calle Trocadero, la de Lampedusa, la de Virginia Woolf, y algún etc. por ahí que incluye la natal de mi adorado Vladímir Nabokov en San Petersburgo que, al parecer, ha sido completamente olvidada. Supongo que a los bolcheviques no le interesaba quién era Nabokov, "el pederasta burgués". O quizá le tocó una sucesión de alcaldes peruanos.

Entrevistado para la nota, dice Juan Bonilla sobre la casa de Nabokov: " (...) la de Nabokov en San Petersburgo, un impresionante edificio de granito rosa que prácticamente no conserva nada de lo que fue la casa original del escritor. La parte de abajo es en la actualidad una funeraria, y la de arriba acoge un par de habitaciones que de ningún modo permiten hacerse una idea de cómo era su vida. «Nabokov es un escritor que me interesa mucho, y por eso me gustó visitar su casa. La de San Petersburgo es la de sus padres, donde nació y vivió hasta que se marchó. Y es una casa legendaria porque Vera Nabokov contaba cómo de niña pasaba por delante, preguntándose quién viviría allí, sin sospechar que años más tarde conocería a Vladimir y se casaría con él."

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Leí de casualidad a Héctor Bianciotti cuando estaba en la universidad, quizá simplemente porque sus libros estaban muy baratos en la avenida Grau. Lo descubrí por mi cuenta y lo admiré profundamente. Hasta que un día dejé de leerlo. Siempre anhelé que existiese un motivo que me impulse a volver a él. Y lo he encontrado hoy en esta reseña en el ABCD Cultura sobre su novela, editada por Tusquets, La nostalgia de la casa de Dios. Habrá que agradecerle al autor, Arturo García Ramos.

El autor reseña así el argumento: "El protagonista es un joven músico que se aferra desesperado a su talento de intérprete para restañar una orfandad triple o cuádruple, porque de lo que sufre es de una ausencia de sentido y de una soledad vital. Es huérfano, casi por voluntad propia, de un padre que envidió en él al artista que no alcanzó a ser; no cuenta tampoco con el cobijo de su madre, porque ella murió al darlo a luz, y no supo o no pudo reconocer a tiempo la dicha del amor. Despojado de la protección familiar, encuentra en su maestro de piano una dimensión casi religiosa de la amistad que, sin embargo, es efímera. Un misticismo otoñal y nostálgico va ocupando su ser íntimo como una forma de reinserción en el universo. El ansia de Dios que lo desasosiega es la búsqueda culminante de su experiencia del mundo: ilumina el reencuentro tras la muerte con sus seres queridos y sustancia la música como instrumento que lo expresa plenamente y lo libera de su profunda aversión a conformarse con una existencia superficial.

Además, lo compara con uno de mis escritores favoritos: Alberto Savinio "(...) a quien más debe La nostalgia de la casa de Dios es a Alberto Savinio, el alma gemela de Bianciotti, su modelo. Una de las fórmulas del narrador italiano sirve para definir la construcción de esta novela: «Él no aspiraba sino a escribir libros semejantes a largas y tranquilas conversaciones». Y el título mismo sugiere la comparación con el relato del italiano titulado Casa «La Vida», del que es tal vez una relectura y una interpretación. Si la música puede ser de algún modo un eco del universo, un libro repica con insistencia para que verifiquemos la presencia de otros; por eso, debería aconsejarse una doble lectura; Savinio y Bianciotti, Casa «La vida» y La nostalgia de la casa de Dios.

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A partir de una frase de Kurt Vonnegut: "No escasean los buenos escritores. Lo que nos falta es una masa de lectores fiables", Ignacio Echevarría se pregunta en la Revista de Letras de "El Mercurio" por la demografía de los buenos lectores en el mundo. ¿Será el problema que cada vez escacean más los buenos lectores? ¿O, más bien, que cada vez abundan más los lectores poco fiables?

Dice: " [Vonnegut] no habla de la muerte del lector, ni siquiera se refiere a la escasez de buenos lectores, sino que, simplemente, dice que lo que falta -lo que nos falta, a todos- es "una masa de lectores fiable". Esta expresión presupone que la masa de lectores -buenos o malos- existe. De hecho, a nadie le cabe dudar de ello. Precisamente es aquí donde reside la clave del problema: en el carácter informe de esta masa. En su segmentación y en su articulación cada día más difusas, que hacen cada vez más difícil prever su gusto, su comportamiento, sus conductas. Así visto, el problema de la literatura no sería tanto la merma constante de "buenos lectores" (¿veinticinco mil?, ¿cinco mil?, ¿quinientos?, ¿diez? ¿Cuántos hacen falta para sostener el buen nivel de una literatura?) como el incremento indiscriminado de los mismos, la constitución de una desorbitada "masa de lectores" que revienta, por razón de su número y de su consistencia tan heterogénea, cualquier atisbo de "comunidad lectora" en la que poder confiar y con la que establecer un mínimo nivel de interlocución. Ocurre de este modo que los escritores no saben para quién escriben; los editores no saben para quién publican; los críticos no tienen ni idea de qué representan. Ni siquiera los publicistas saben lo que les conviene decir. Todos van dando palos de ciego, y entretanto las librerías se llenan de libros destinados -dicen- a la gente que no lee, cuando no, en el mejor de los casos, a la gente a la que, más que leer, le gusta que le guste leer. En España, la consagración de un escritor como Javier Marías vino determinada por el éxito que obtuvo en Alemania entre lectores que, pocos años después, aplauden con fervor igualmente unánime a un escritor como Carlos Ruiz Zafón. Es un ejemplo. En las listas de libros más vendidos se codean Paul Auster, Paulo Coelho, Gabriel García Márquez, Isabel Allende, Alessandro Baricco, Mario Vargas Llosa, Dan Brown, Almudena Grandes, John Grisham, Julia Navarro, José Saramago, Arturo Pérez-Reverte, Ildefonso Falcones... ¿Quién diferencia el grano de la paja? ¿Y en nombre de quién? ¿Cuántas veces no se oye aquello de que "el lector tiene la última palabra"? ¿La última? ¿Para decir qué? Y sobre todo, ¿quién va a creérselo?"

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La delegación cubana del Bogotá39 tiene una particularidad: de los cuatro autores invitados, tres son mujeres. Se trata de Karla Suárez, Ena Lucía Portella y Wendy Guerra. El único hombre es nuestro conocido Ronaldo Menéndez, un escritor que vale la pena leer, tiene cuentos estupendos y su novela es muy interesante (muero de curiosidad por leer la nueva), quien vivió en Lima hasta hace unos años. En el diario "El Tiempo" aparece una reseña de los cubanos del Bogotá39.

Dice la nota: "Wendy Guerra dice que aprendió a volar con la obra de Gabriel García Márquez, quien le dictó una clase en la escuela de San Antonio de los Baños, en Cuba. Ella nació hace 36 años en La Habana y hace parte del grupo de los cuatro cubanos (todos nacidos en esa ciudad) que vendrán al evento literario (...) Guerra dice que sus dos libros de poemas ('Platea oscura' y 'Cabeza rapada') y su novela 'Todos se van', ganadora del premio Bruguera 2006, "parten de un diario personal. De esa médula sale todo", explica la mujer que también publica sus textos en las revistas Encuentro y La gaceta de Cuba. "Rodeada de agua en mi isla, encuentro otros náufragos", asegura esta cubana, cuyos textos tratan problemáticas sociales de las urbes contemporáneas. Ena Lucía Portela es otra de las cubanas que estará en la capital la próxima semana. Tiene 35 años y se tomó dos escribiendo 'Djuna y Daniel', la novela que publicó en el 2007 y que relata episodios reales y ficticios de la escritora estadounidense Djuna Barnes. La tercera mujer que compone el cuarteto de habaneros se llama Karla Suárez, es ingeniera informática y ha publicado dos compilados de cuentos ('Espuma y Carroza para actores') y dos novelas ('Silencios' y 'La viajera'). Actualmente escribe en París su próximo libro. Ronaldo Menéndez es el único hombre de este grupo y, como las demás, nació en Cuba, pero llega desde Madrid (España), ciudad en la que reside. Este año Menéndez, de 37, lanzó la novela 'Las bestias', que cuenta la historia de un profesor de filosofía que un día levanta el teléfono y escucha una conversación cruzada en la que dos sujetos mencionan la calle en la que vive, el número de su casa y su nombre. Intrigado, se da a la tarea de investigar quiénes son las personas que él escuchó, no sin antes comprar un arma automática.

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El pensador francés Gilles Lipovetsky, quien ha estudiado mejor que nadie la moda, el individualismo (leer a manera de introducción Los tiempos hipermodernos que publicó Anagrama el año pasado, y luego ingresar a su polémico libro La era del vacío) y el tema de lo efímero en nuestra sociedad, estuvo de paso por México, invitado por la cátedra Alfonso Reyes, y el suplemento "Laberinto" del diario Milenio le hizo una entrevista. En ella habla de filosofía, sociología, de cultura, de hiperconsumo, de la sociedad de consumo, del cine (tema de su próximo libro), del arte y también -por supuesto- de la relación entre literatura y sociedad.

Dice Lipovetsky: "La literatura y el arte no son únicamente reflejos [sociales]. Han sido cosas que han cambiado al mundo. La literatura cambió, modificó la sensibilidad de la gente, modificó las modas, la mirada que uno tiene. Desde Rousseau vemos las montañas de otra manera, después de La nueva Eloísa. La literatura no sólo es reflejo [social], conlleva muchos temas. El mundo del libro es un mercado y hay una enorme parte de este mercado que se encarga de libros que fueron escritos por encargo. Las editoriales hacen un pedido y esos autores escriben un producto. A mí eso no me molesta.Veamos qué pasaba antes, cuando el libro no era un producto, pongamos que de 1900 a 1950 el libro no era un producto definido. Aun así había mucha producción, y dentro de esa producción hubo gente no muy buena. Hubo grandes autores: Céline, Proust, Joyce… pero el resto cayó en el olvido. El cierto que la proporción ha cambiado; hay demasiados libros porque son para ganar dinero. Entonces, en proporción, los grandes autores serán menos, pero estoy convencido de que el número de obras de calidad va a seguir siendo el mismo.

También habló del polémico Les bienveillantes en relación a la sociedad de consumo: "(...) es la historia de la vida interior de un nazi en la época de Hitler, contada en primera persona, de Jonathan Little. Éste es un libro totalmente anticomercial, son 900 páginas en caracteres pequeñitos. El libro fue un éxito de librería, 400 mil o 500 mil ejemplares. Un libro que la gente no puede leer hasta el final. Es muy largo, muy duro. Si los libros sólo fueran productos, no se habrían podido escribir libros como éste. Así que siempre habrá gente que hace las cosas porque le gusta hacerlas, no solamente por ganar dinero. El dinero es una motivación, muy bien, pero no es la única. Hay gente a la cual le interesa el dinero, pero también es gente que hace otras cosas por gusto. Estoy segurísimo de que esa dimensión será cada vez más importante. La gente podrá ganarse la vida y va a querer dedicarse a lo que ama, a aquello en lo que cree, y estoy casi seguro que se van a encontrar estas dos tendencias. La tendencia de la hipercomercialización: muchos libros, muchas publicaciones, y, por otro lado, publicaciones modestas, menos ejemplares, pero que serán suficientes. No necesitamos a cincuenta Shakespeares, sólo hay uno y está bien así. No hay cincuenta Dostoievskys. Si en el siglo XXI hay uno o dos o tres, pues muy bien, porque después de todo tenemos veinte siglos de literatura y no podemos leerlos en una vida humana. Creo que seguirá habiendo cosas de calidad, al igual que en el cine".

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En 1967, Ricardo Piglia ganó el premio Casa de América con el libro de cuentos La invasión. Luego de varias décadas, el libro se volvió a reeditar el año pasado con el añadido de cinco cuentos más, por Anagrama. En una entrevista del suplemento Artes & letras, Piglia recuerda aquel libro y define lo que es para él la ficción:

Dice Piglia: " La estructura de la ficción tiene cierto elemento épico de mucha intensidad. En Moby Dick, por ejemplo, veo una especie de adicción; yo digo en broma que es una novela sobre la cocaína, porque el capitán Ahab no puede sacarse de encima esa ballena blanca que para él tiene una carga que los demás no terminan de entender. Me gustan los personajes construidos a partir de la noción de una idea fija, eso les da una suerte de densidad trágica. La adicción sería una de las posibles metáforas del asunto, un poco lo que Borges hace en "El Zahir": un objeto que no se puede olvidar, esa obsesión llena de potencialidades que es finalmente el dinero. Sí, y me impresiona que cada vez se haga más abstracto. Antiguamente las monedas valían lo que pesaban en metal, pero los billetes son objetos muy particulares, con esas caras de héroes y el hecho de que alguien los firme, lo que implica todo ese complejo asunto de la autenticidad y la falsificación. Por eso me ha interesado tanto Arlt y su gran fantasía de hacer dinero en el sentido literal de la expresión: tener una máquina para fabricarlo. Fue también lo que me capturó en la historia de Plata quemada. El hecho de quemar el dinero me pareció un gesto muy extremo. Por otro lado, sería un contraataque de la cultura, de los escritores. La economía tiene un peso cada vez mayor en la vida cotidiana, los economistas son los nuevos intelectuales orgánicos, opinan de todo, son los gurús de la sociedad ocupando el lugar que antes tenían los médicos."

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Galaxia Gutemberg ha publicado una antología de la poesía y algunos ensayos del espléndido poeta inglés (aunque muchos lo consideran norteamericano por haber vivido décadas ahí) W.H. Auden bajo el título Los señores del límite. Ya antes Juan Malpartida había comentado la antología en Letras Libres. Ahora, aparece una reseña (y un poema) realizado por Antonio Ortega en el suplemento "Babelia".

Dice la reseña: " Como bien dice Jordi Doce en su preciso e iluminador prólogo, que es un brillante examen de la inteligencia y del genio natural del escritor, de su posición y medida en la literatura de su tiempo, "Auden es uno de los poetas más copiosos y prolíficos del siglo XX, pero el valor de su obra no depende tanto de un corpus invariable de textos como de las relaciones dialécticas -dialogantes, conflictivas o compensatorias- que establecen entre sí", pues su "poesía está en un estado constante de flujo". Nada más cierto, pues tanto su dominio riguroso de la lengua y de la arquitectura verbal, como su variedad y renovación temática, hacen que el poema alcance un valor instrumental hasta esos momentos desconocido. La modernidad más absoluta entra de forma clara no sólo en la poesía inglesa, sino también, y de su mano, en toda la escritura poética que le sigue (...) Los señores del límite reúne la mayor parte (a excepción de los más extensos y refractarios a la fragmentación) de sus mejores poemas y ensayos sobre poética (incluido el poema España, que el poeta eliminó de sus poemas completos), y a pesar de las dificultades para establecer visiones globales y justas en una obra tan grande y amplia, ofrece sin duda una muy satisfactoria panorámica de la escritura de Auden como un todo fluyente y evolutivo, mostrando equilibradamente las marcas más significativas de una personalidad poética única. La verdad, así, sin adjetivos ni restricciones, fue su obsesión más certera y apasionadamente comprometida: "La poesía no es magia. En la medida en que la poesía, como cualquier otro arte, puede tener un objetivo ulterior, ese objetivo es decir la verdad, y así desencantar y desintoxicar".

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Como ya comentamos antes en Moleskine Literario, dos miembros originales de OuLiPo (Marcel Bénabou y Hervé Le Tellier) se encuentran en Argentina y han dado una conferencia en el MALBA sobre el movimiento. Aprovechando la oportunidad, Radar Libros dedica su nota principal al OuLiPo, un tributo realizado por el narrador Eduardo Berti bajo el título cortazariano "Todos los juegos, el juego". Y la mención a Cortázar no resulta gratuita, pues el argentino fue el única autor latinoamericano en ser invitado a una reunión del movimiento (a la que no pudo asistir, finalmente). Además, Berti propone un juego de oulipo a manera de traducción de Perec.

Dice la nota: "Más allá de lo que hubiese imaginado Raymond Queneau (fallecido en 1976, unos quince años después de que Louis Malle llevara al cine su famosa Zazie en el metro), a partir de los años '80 varias propuestas de OuLiPo fueron adoptadas por animadores de talleres literarios o hasta por maestros de escuela que, de esta manera, familiarizaron a sus alumnos con restricciones tan curiosas como el S+7 (tomar un texto y cambiar todos sus sustantivos por el séptimo consecutivo en el diccionario), como la "bola de nieve" (un poema en el que cada verso tiene una sola palabra y cada palabra tiene la cantidad de letras equivalente al número de verso que ocupa; es decir, una letra, dos letras, tres letras y así sucesivamente) o como el "implante de alejandrinos" que se realiza combinando, en un solo verso, dos hemistiquios de dos poemas diferentes. Dado que en numerosas ocasiones lo oulipiano reside en partir de algo que ya existe a fin de subvertirlo, muchos docentes vieron en ello, sin duda, un medio para desacralizar o acercar la literatura al gran público. "Nunca fue nuestro objetivo formar escritores", explicó hace un par de años Fournel, tercer presidente de OuLiPo después de Le Lyonnais y Nöel Arnaud. "Nuestro objetivo consiste en hacerles entender a los participantes de los talleres que la escritura es posible aquí y ahora y que, gracias a los beneficios de una norma restrictiva, de una contrainte, es posible escribir jugando."

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Conozco muchos escritores de mi edad que se quejan de que en Europa la literatura latinoamericana no les interesa demasiado, que nos ignoran y no nos traducen, pero cuando se publica a un autor europeo (que no sea español, francés o inglés) lo miran con una enorme indiferencia y hasta desprecio, como a un "raro" en el sentido peyorativo, a quién le puede interesar alguien tan lejano, como si sólo los latinoamericanos (o peor aún, los peruanos) tuviéramos derecho a escribir. Y ese desinterés se refleja en las ventas y, por consiguiente, en las traducciones. Por eso es siempre una excelente noticia que una editorial se arriesgue y decida traducir a un autor tan importante, pero de una cultura tan lejana como la escandinava, como al noruego Tarjei Vesaas, considerado por el escritor más importante de su país en el siglo XX. Ediciones B. ha publicado El palacio de hielo y aparece la reseña en "Babelia".

Dice la reseña: "El palacio de hielo es una de sus últimas novelas y en ella podemos ver claramente las características de su prosa: escritura sobria, frases cortas, párrafos también cortos, una prosa dura y atractiva como el hielo, resplandeciente cuando la atraviesa la luz. A partir de los años cuarenta su escritura se va decantando más y más por una apelación a lo simbólico, y a la alegoría, como forma de expresión y, desde luego, la novela que comentamos pertenece a este último modo. Está estructurada en tres partes que, a su vez, se subdividen en capítulos muy cortos. Inicialmente cuenta la historia de una amistad, una amistad que se ve truncada nada más comenzar por la desaparición de una de las partes. Son dos niñas: Siss y Unn. La primera es una líder de su clase, la segunda, una chica reservada y apartada cuya madre acaba de fallecer, por lo que se va a vivir con una tía suya y se incorpora a la escuela del pueblo. Siss siente una especie de curiosidad y atracción simultáneas sobre Unn, la cual parece encerrar dentro de sí un secreto y que se aparta de los demás, no conecta con el resto de los chicos. La clase la aprecia, pero les resulta extraña. Hasta que Siss decide ir a hacerle una visita a su casa.

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Conocí a la activísima Florencia Abatte es la FIL Guadalajara y la reencontré en Lima, cuando publicó una curiosa antología de escritoras argentinas en Estruendo Mudo y vino invitada para la FIL del año pasado. Entre los peruanos, Julio Ortega no deja de recomendarla ampliamente. El título de su nueva novela es Magic Resort, y ha sido publicada por Emecé al igual que su anterior novela El grito. He leído varias reseñas sobre la novela, algunas positivas como la que publica Patricio Lennard en Página12. Y otras con un saldo no tan bueno, como la de Martín Lojo en La Nación. Pero lo que realmente me llama la atención es la presentación de Ariel Schettini, publicada en Linkillo, el blog de Daniel Link. Esperaré que los amigos de Planeta se animen a traer esta novela, o "instalación" como dice Schettini (y de paso ¡que traigan los Diarios de Cheever que han sido reeditados, POR FAVOR!).

Además, puede visitar la página web de la novela.

Dice Ariel Schettini: "Decir que Magic Resort (Buenos Aires, Emecé, 2007, 144 págs) de Florencia Abbate es una novela es mucho. O es quizás anacrónico. La novela, el género novela, necesita un tiempo que Magic Resort ya no tiene. Y en ese ya no del tiempo (que es el presente) es donde se escribió como robada al tiempo la novela (¿qué otra cosa es el Resort sino un tiempo –y un espacio- robado al tiempo y al mundo?). Un lugar donde (como en la novela de Abbate, uno se mete y se enclaustra para poder salir. Me gustaría decir que la novela de Florencia es una novela de formación. Formación tardía, digamos para veinte y treinteañeros contemporáneos que son los personajes -condenados a una vida de post aprendizaje- de aprenderlo todo de nuevo y de no haber aprendido nada. Pero tampoco estoy seguro de que se trate una novela. Sólo voy a decir que es una novela de formación donde se forman los personajes a medida que la novela se deforma. Quizás sería mejor no llamarla una novela ni una obra "literaria" sino una "instalación". Un hecho estético donde retazos de texto literario se yuxtaponen a imágenes, poemas, e-mails, sueños y a crónicas de un presente inclasificable (como lo es siempre el presente) como si no hubiera posibilidad de pensar el presente más que como habitación transitoria, período cada vez más corto, estrechez de la perspectiva y niebla general dejada por los efectos de un desplome general del tiempo."

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Quizá no existan dos escritores españoles más distantes en proyecto literario como Javier Marías y Arturo Pérez Reverte. Sin embargo, eso no les impide ser muy amigos, ambos editador por Alfaguara además, y en ese espíritu mantener una conversación literaria frente a Juan Cruz, que ha sido publicada por el nuevo suplemento ADN Cultura de "La Nación". El título, desde luego, "El agua y el aceite": "son colegas y sin embargo amigos" recalca Juan Cruz. A propósito de eso, la primera parte de la conversación es un pasar la factura a todos sus colegas escritores de parte de ambos. Resentimientos, egos y chismes aparte, algunas frases pueden ser interesantes.

Dice Pérez Reverte: "Yo no soy escritor, soy novelista. Cuento historias, tengo varios objetivos: el de entretener a la gente, el de entretenerme yo, el de recrear mi mundo, el de rendir homenaje a mis cosas Hay una panoplia de motivos. El novelista es alguien que tiene un proyecto de vida, es como si tuviera una casa que va amueblando. Cada novela es una habitación que has amueblado. Yo supongo que en mi caso es como si reescribiera todos los libros que he leído, añadiendo la vida que he ido viviendo. Quien mucho anda y mucho lee mucho sabe, dijo Cervantes, y yo quise ser lector desde muy niño, y leí muchísimo, y he viajado constantemente El libro es el lugar donde puedes encajar las cosas que estás viviendo. Sin los libros, no hay contexto. Los libros me han ayudado a clarificar mi vida, lo que hago es reescribirlos. Reescribir a Homero y a Virgilio, a Conrad, a Dostoievski. Yo escribo porque escribo en un mundo de libros, de recuerdos, de imaginación, ajusto cuentas con la memoria. Estoy en un mundo en el que soy muy feliz y que me permite aguantar toda la mierda, la detestable realidad que hay".

Dice Javier Marías: "Yo empecé a escribir porque me gustaba leer. Y empecé como creo que deben empezar todos los escritores jóvenes, emulando. Existe la imitación, que puede estar bien o mal; el remedo es peor. Y existe la emulación; es uno de los motores principales de la historia y de la vida humana. Es el deseo de ser como aquel a quien uno admira y de hacer lo mismo que aquel a quien uno admira. Yo empecé a hacer unos garabatos que querían ser como Los tres mosqueteros o como Guillermo Brown. A mí me daban mucho goce esos libros y los quería emular. Ese factor de emulación es fundamental cuando uno empieza, y se mantiene, no se pierde del todo, yo creo. Evidentemente, las cosas van cambiando, y a diferencia de lo que has dicho, Arturo, yo soy una persona que escribe, pero que al terminar no sabe si va a haber otro libro, no tengo una certeza. Escribo cuando se me ocurre algo, cuando tengo ganas, y digo ganas porque no utilizaría nunca la palabra necesidad. Nunca diría que no puedo vivir sin escribir. Puedo vivir sin escribir. Entonces, ¿qué es lo que a uno, a esta edad, aún le lleva a escribir? A los 55 años."

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El fenómeno de las editoriales alternativas, que en el Perú se vive con inusitado interés en estos últimos años, es una tradición en Argentina. Actualmente, existen editoriales como Adriana Hidalgo, Entropía o Eloísa Cartonera que luchan en un mercado donde predominan las transnacionales como Planeta o Alfaguara. Esa lucha no la hacen, sin embargo, en el mismo territorio que ellos (sería absurdo pretender quitarles un autor) sino a través de descubrimientos de autores jóvenes (la fórmula de la plataforma de lanzamiento), o de autores poco conocidos de otros países latinoamericanos o europeos, o incluso fuera de catálogo de autores muy conocidos (algo similar a lo que hace Sexto Piso en México, o Periférica en España). Salvo lo de la plataforma de lanzamiento, el resto aún no es el camino de las editoriales peruanas, que pese a la juventud de sus editores tienen el modelo de la editorial tradicional en su ADN. Pero podría serlo en el futuro si aparecen editores peruanos con otro código genético. Leamos en Página 12 sobre un conversatorio ocurrido en Argentina al respecto entre Valeria Castro (Entropía), Fabián Lebenglik (Adriana Hidalgo) y el escritor Juan José Becerra.

Dice la nota: "El catálogo de Adriana Hidalgo, según contó Lebenglik, trata de ser un conjunto equilibrado en la relación escritores argentinos y traducidos. “Cuando la editorial adquiere derechos para traducir, los adquirimos para toda la lengua española. Nuestra ambición es estar en toda América latina y en España con nuestras traducciones, que son muy valoradas”, explicó el editor de Adriana Hidalgo, sello independiente que ha publicados más de 170 libros. “Cuando nos gusta un libro, sea poesía, cuentos, ensayo, novela, teatro, filosofía, lo publicamos”, aclaró el editor. Basta con repasar los autores que conviven en el catálogo: la poeta Diana Bellessi y Juana Bignozzi, el poeta Arnaldo Calveyra, Leónidas Lamborghini y Daniel Samoilovich, el filósofo italiano Giorgo Agamben, y un puñado de narradores y ensayistas: Hebe Uhart, Harold Bloom, Germán García, Jorge Fondebrider, Juan José Hernández y Martín Kohan, entre otros.

Castro, en cambio, subrayó que Entropía comenzó a publicar ficción en 2004, después de la crisis, en un escenario con mayor optimismo respecto del futuro de la edición en el país. “Pero igual fuimos kamikazes porque publicamos dos novelas de autores desconocidos”, admitió. Después de ese bautismo atípico con las novelas Semana, de Sebastián Martínez Daniell, e Hidrografía doméstica, de Gonzalo Castro, la editorial recibió la propuesta de publicar las cartas inéditas de Puig, Querida familia. “Fue un salto enorme porque llegamos a la librería Yenny, que nos fue abriendo muchas puertas”, aclaró Castro. Antes de ese gran salto, Castro se encargaba de la distribución de los libros; en una mochila llevaba los ejemplares librería por librería. Si cada editorial va adquiriendo un perfil, una identidad, Entropía se caracteriza por publicar escritores nuevos, primeras novelas y primeros libros de cuentos."

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Después de haber fatigado sus obras (¡oh, borges!) en versiones fílmicas de todo calibre y calidad, los productores de Hollywood decidieron convertirla a ella misma en la estrella de su película. Se trata de Jane Austen, de quien acaban de estrenar en EE.UU la película Becoming Jane, dirigida por Julian Jarrold, y que tiene como protagonista a la garza Anna Hatawhay (¿recuerdan El diablo viste de Prada?) Un buen motivo para tenerla como artículo central en la Revista de Libros del diario "El Mercurio", donde la califican de genio y recuerdan que, en realidad, nunca gozó realmente de un gran prestigio literario cuando estaba viva. Es una escritora sutil, cuya genialidad no se puede descubrir a la primera (¿recuerdan el experimento aquel del inglés despechado?) Aquí, mi parte favorita de la nota de Pablo Torche:

Dice la nota: "Parece ser que en su intimidad, la gran autora de comienzos del siglo XIX, era aún más trivial de lo que aparece a través de su literatura. El año en que Napoleón armaba una flota para invadir Inglaterra, los problemas de la señorita Austen al otro lado del canal se reducían a establecer si los vuelos en los vestidos estaban de moda o no. Cuando era derrotado en Trafalgar, si el precio de la carne y el pan continuaría subiendo. Quinientas páginas de epístolas filtradas cuidadosamente con los más sofisticados aparatos intelectuales del marxismo, feminismo o deconstruccionismo, dan por resultado dos o tres referencias magras a una guerra que se pelea en Europa, y otra a la difícil situación del campesinado inglés. En realidad, las cartas de Austen (que son lectura casi tan grata como sus novelas y completamente recomendables), son peores que sus libros en este sentido: además de frívolas resultan algo clasistas y sutilmente xenófobas. Lo cierto es que a Austen no le interesaban ni las guerras napoleónicas, ni la dominación del patriarcado, ni la desigualdad de clases; tampoco elaboraba demasiado sobre escuelas o estilos literarios, y sus referencias de este tipo se reducen a un par de poetas ingleses y a una que otra cita encubierta de Shakespeare (a quien jamás menciona directamente). Sin duda resulta un poco perturbador que una de las autoras que amplió la conciencia de Occidente, y que incidió de manera tan determinante en la conformación de la literatura como la conocemos hoy, haya estado preocupada casi exclusivamente de vestidos, bailes y juegos de salón, aparte de intentos esporádicos por buscarles pareja a sus primos o sobrinos. En vez de seguir intentando negar esta realidad, sin embargo, tal vez convenga más terminar de reconocerla por completo, y apreciarla en su verdadero valor. Quizás así se pueda percibir mejor la originalidad e innovación de la obra de esta solterona, algo pueblerina, precisamente como fruto de su capacidad para volverles la espalda a los grandilocuentes cánones de la historia y dedicarse en vez a lo que verdaderamente le interesaba, las vidas de hombres y mujeres sin ninguna importancia social, pero que daban curso a través de sus sentimientos y pasiones a la emergencia de una sensibilidad totalmente nueva. Entonces será el momento de hacer justicia a la gran escritora, y afirmar, en intento vano por emular su estilo, que Jane Austen tuvo la oportunidad única de vivir en una época sacudida por los más profundos cambios y transformaciones, y la genialidad de haberlos ignorado por completo."

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Mi poeta favorito de los años 80, Eduardo Chirinos, estuvo en Lima y participó de un homenaje por los 25 años del premio Copé, además de participar de la publicación por Alfaguara del viejo proyecto Loco Amor que realizó con Jorge Eslava. En "Correo" habla sobre el tema:

Cuenta la génesis de Loco amor en 1986: "Es una historia bonita en realidad, porque tanto Jorge (Eslava) como yo estábamos becados a pasar un período en Madrid, yo por la Universidad Católica y él por la Universidad de San Marcos. Y lo cierto es que yo conocí a Jorge porque él había ganado el Premio Copé de Poesía en su primera versión de 1982. Y fui a hacerle una entrevista porque trabajaba en el suplemento Perspectiva. Ahí lo conocí e hicimos una cierta amistad. Pero nuestra verdadera amistad nació cuando coincidimos como dos extranjeros extraviados en Madrid. Y él se mudó al hostal Julia donde yo vivía (...) Una noche nos reunimos para intercambiar soledades, preparamos una pequeña cena. La amistad y la comida son una buena escenografía para la meditación del amor. El amor nunca busca una buena escenografía para meditar sobre la amistad, pero al revés sí sucede. Entonces, claro, nos pusimos a hablar de nuestras soledades, de nuestros proyectos. Y poco a poco descubrimos que la poesía empezó a hacerse su camino. El empezó a recordar unos poemas, yo otros. Estábamos algo tomados. Y descubrimos que esa combinación de soledad, amistad más alcohol y comida no era más que una reedición modesta del banquete platónico. Y tú sabes que luego del banquete platónico el amor surge como un tema de sobremesa. Y allí surgió con el componente de que nosotros éramos creadores de poesía y con el componente de que nos sentíamos muy solos también. Y allí fue que ocurrió esa idea. Si la poesía era la banda sonora de nuestra soledad por qué no convertirla en un libro."

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En el diario "El Comercio" hoy comentan una nueva edición de la editorial Viking de En el camino, el clásico de Jack Kerouac y de la generación Beatnik, en una nueva edición cruda "sin cortes ni máscaras" según el artículo. Por cierto, este año la primera edición cumplirá 50 años desde su aparición en 1957.

Dice la nota: "Dactilografiada sobre un rollo de papel de teletipo de 36 metros, la novela fue publicada 6 años después, el 5 de setiembre de 1957, en una edición amputada de algunos detalles eróticos y con nombres ficticios que disfrazan los reales. La editorial Viking lanza mañana una edición especial que reproduce el manuscrito original, otra que retoma la versión retocada que conocen los lectores y un nuevo ensayo sobre la obra. En el rollo, los famosos de la generación Beat, como Allen Ginsberg, Neal Cassady o William S. Burroughs, dejan caer sus seudónimos, algunos personajes viven sin tapujos su homosexualidad y otros su atracción por las muy jóvenes. "La edición del rollo tiene más sexo explícito", explicó Vlagopoulos. "La versión publicada que conocemos no es muy diferente de la original, pero esta tiene un estilo más experimental que da al lector la sensación de participar de cerca en la experiencia literaria que Kerouac tenía en mente". John Sampas, ejecutor testamentario del autor, explicó que "la versión original no se había publicado antes para evitar demandas judiciales por aquellos que podían sentirse difamados o invadidos en su vida privada".

También cuentan que en noviembre el famoso rollo de papel, subastado en 2,4 millones de dólares en 2001, será objeto, junto con otros archivos y recuerdos, de una exposición en la Biblioteca Pública de Nueva York, con el título "Almas beatíficas".

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En el diario Perú21 aparece una entrevista al escritor argentino Federico Andahazi, y ante las críticas que dicen que su novela El conquistador (o sus novelas en general) tiene datos falseados o inexactos, dice: "la erudición no sirve para nada". Además, como dándole la razón a Vargas Llosa, declara: "no tengo una idea elevada de la literatura"

Dice Andahazi: "Creo más en el potencial de la ignorancia que en la erudición. Esta implica un saber al servicio de un dogma. Por el contrario, la literatura tiene que ver con la ignorancia. No nos da certezas. Si hasta los 16 años tenía algunas certidumbres sobre el universo, después de leer a Kafka las abandoné. (...) De hecho me documenté para escribir El conquistador. Sin embargo, lo más difícil no fue la recopilación de la información sino administrarla. No abrumo al lector con datos eruditos. Quiero que viva mi historia, que sienta que recorre los lugares que describo. Yo creo profundamente en las novelas de aventuras pues me formé leyéndolas. Por ejemplo, me resulta halagador que mi novela sea el segundo libro que un adolescente ha leído después de Harry Potter y que encuentre una similitud de registro. No tengo una idea elevada de la literatura. Creo que se ha perdido el contacto cotidiano de la gente con la literatura, cosa que no sucede con la música. Nadie espera que de ella se haga un templo; de la literatura, sí."

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Mis amigos de Literatura.com me envían desde España esta dirección para apoyar desde allá a los daminificados por el sismo. Aquí hay unas cuentas para mandar donativos a través de las cuentas bancarias de INDECI. Además, en el blog de Paolo de Lima aparecen estas direcciones en Lima para dejar donativos:

Estadio Nacional, puerta 14.

Comisión Episcopal de Acción Social: Av. Salaverry 1945 Lince.Esquina de Av. San Borja Norte y Av. Boulevard.

Municipalidad de San Borja: Av. Joaquín Madrid, cuadra 2.

Centro Comercial Ebony: Av. San Borja Sur con Av. Parque Sur.Plaza Vea de Av. Javier Prado.

Puertas de la PUCP.

Puertas de Canales de Televisión.

Local de la Cruz Roja Peruana (Esquina de Avenidas Caminos del Inca y las Nazarenas en Surco, a dos cuadras de El Trigal).

Asociación Civil Transparencia (Av. Belén 387 San Isidro).

Universidad San Juan Bautista: Av. San Luis 1934.

Club Tacna (Av. Salaverry).

MHOL, en Jr. Mariscal Miller 822, Jesús María.

A partir de la lista de las mejores 20 historias de amor publicadas en The Guardian, Jean Francoise Foguel escribe un post donde anuncia que, dado que la mayoría de obras consideradas son de siglos pasados, "hay amor entre los ingleses, sí, pero con poca renovación". Por mi parte, la frase de Foguel me inspira a hacer una lista: Las cinco mejores novelas de amor del siglo XX (para mí, obvio). En orden de importancia

1.- La verdadera vida de Sebastian Knight, de Vladímir Nabokov

2.- Clea, de Lawrence Durrell

3.- El jardín de los Finzi-Contini, de Giorgio Bassani

4.- El amor en los tiempos del cólera, de Gabriel García Márquez

5.- Agnes, de Peter Stamm

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¿Existe alguna relación entre el beber en exceso y la buena literatura? La lista de autores geniales alcohólicos podría llevarnos a equívocos, ya ven uds. lo que ocurre cuando algunos escritores pretenden usar ese atajo para ser geniales y sólo consiguen una intoxicación y falsas amistades (además de un montón de páginas garabateadas a las que calificar de "textos literarios" sería una hipérbole). A propósito de un libro sobre cocteles literarios (supongo que no faltará un comentario sobre el célebre alambique que construyó Malcolm Lowry para destilar los perfumes franceses de su esposa), Stuart Walton escribe en el blog de The Guardian al respecto.

"Any attempt to convince ourselves today that drinking might be conducive to writing is, however, self-delusion. We now know that, like many other intoxicants, alcohol has an initial stimulant effect on the key neurotransmitters serotonin and dopamine, which contribute to the familiar feeling of well-being that the evening's first drink delivers. It also acts on a neurotransmitter known, sweetly enough, as GABA (gamma-aminobutyric acid), which is an inhibitory agent found throughout the brain. GABA plays an important role in the memory function, which includes assisting the brain to discard the material it doesn't need to retain. Alcohol's stimulation of the GABA receptors enhances the inhibitory action of this chemical, which is why it becomes harder to remember your PIN number, your colleague's name, and finally your own address, during a particularly determined session. Other cognitive functions will degrade along with memory under the influence of alcohol, so it is hard to believe that any writer is going to be at the top of his or her game while drinking. Of course, it depends what kind of writing you are aiming at. A stream of fragmentary consciousness might emerge, but the world has, perhaps, had enough of those now, and publishers won't buy them. If you're working on a cultural history of aristocratic dress in the Second Empire, forget it."

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¿Se pueden retirar los escritores? No, los escritores no se retiran. Apenas si algunos, a veces, necesitan tomarse un descanso. Un descanso que puede ser indeterminado (léase Bartleby y compañía, de Enrique Vila Matas). El escritor mexicano José Agustín ha declarado a "Milenio" que espera publicar dos nuevas novelas y luego echarse a descansar "un ratito".

Sobre sus nuevas obras dice: "me gustaría sentarme otra vez como en mis viejos tiempos en el escritorio a jugar, a divertirme, escribiendo mamadas, diciendo jalada y media, que después uno tira, sin ningún sentido de presión, ni nada por el estilo, y me gustaría que estas dos novelas me salieran mucho mejor que todo lo que he escrito (...) He tenido que enfrentarme a una cuestión de disciplina y de cambios de hábitos por la edad, he sido un escritor sumamente nocturno pero ya me pesan esas desveladas y necesito readaptarme a esta nueva realidad y trabajar de día".

También habla de Juan José Arreola, a quien considera su maestro: "creo que, como me enseñó mi maestro Arreola, hay que chingarse y trabajar hasta encontrar las palabras justas, no consentirse en lo más mínimo y someterse al máximo rigor autocrítico para que las cosas salgan cuando menos lo mejor posible en ese momento. En lo personal lo que me dejó Arreola fue la idea de buscar siempre la palabra justa, es decir, que en los textos pudieran ser extensos o muy cortitos, pero que estuviera exactamente lo que debe de estar, nada superfluo, ningún ornamento innecesario, ni demasiada aridez o demasiada planicie, sino en verdad todos los elementos que le sean necesarios y justos a una obra. Entonces, esa búsqueda de la palabra justa creo que fue la más grande de las lecciones (que me legó), porque me ha permitido corregir y trabajar sin consentirme para nada, estando muy pendiente y alerta de lo que hacía, pero a la vez relajado y con naturalidad, sin tener que estarme forzando o cosas por el estilo”.

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En un ático de su casa paterna se encontraron una serie de cartas de Sylvia Plath, cuando era una niña, y también algunas pinturas -incluyendo un autoretrato- que realizó hasta los 20 años, cuando su carrera literaria empezó más seriamente y tuvo que optar por uno u otro arte. Los manuscritos y las pinturas serán presentadas en Octubre, cuando se cumpla un 75 aniversario de su natalicio, por la investigadora Kathleen Connors.

Explica la nota: "As Connors points out, it was no small decision. "While few would argue with Plath's career choice, it is unfortunate she dropped her Smith college studio courses just as she was developing her famous literary themes in art," she says. "The limited life options for women, and the marriage of military and commercial cultures during the 1950s, for example, are beautifully depicted in her late artwork." Connors will discuss the book in person on October 14 at the Cheltenham literary festival, with one of Plath's friends, poet and critic Al Alvarez, and actor Diana Quick, who will read a selection of her poetry. In addition, there is a planned concert reading at the Royal Festival Hall for which musicans such as Patti Smith and Alanis Morissette and actors, including Alan Rickman, have been approached to participate.

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Santiago Roncagliolo ha escrito en su blog (en el que actualmente siempre coloca textos escritos para otros medios) dos refelexiones en torno a dos escritores peruanos. Primero comenta a Alonso Cueto, en un texto escrito para "La Tercera" de Chile. Y luego recuerda su primer encuentro con el libro de relatos Un único desierto, de Enrique Prochazka (texto que, creo, ha sido escrito para la edición homenaje que prepara sobre ese libro Matalamanga).

Sobre Alonso Cueto comenta: "Si eres un narrador peruano de menos de cuarenta años, Alonso Cueto simplemente siempre ha estado ahí. Después del premio Herralde y del finalista del Planeta, editores y periodistas en América Latina y Europa vienen y te preguntan por él. Y tú respondes: “¿Qué? ¿No lo conocían ya? Yo tengo libros suyos desde que aprendí a leer.” No exagero. La batalla del pasado apareció en 1983. En parte, su tardío reconocimiento internacional responde a un cambio de registro del propio Alonso. Hasta 1999, cuando publicó Demonio del mediodía, casi toda su obra estaba formada por novelas cortas y cuentos, lo que lo confinaba a un núcleo de público muy reducido. Sus grandes éxitos han llegado de la mano Grandes miradas y La hora azul, obras más extensas".

Sobre Prochazka dice: "Mi recuerdo más intenso del libro es que estaba lleno de poderosas imágenes visuales. Yo volé con Taylor mientras huía de la cárcel, y comí tortugas en una isla desierta con Valderrama, conquistador de la nada. Recibí un medallón de manos de Conrado de Mazovia y le disparé a Bu flechas que no podrían perderse. Y por unos instantes, mientras convivía con esos personajes, creí de verdad que el mundo era ése, y no la ciénaga que encontraba al abrir los ojos. Le estoy profundamente agradecido por eso a Enrique Prochazka. Pocos meses después de leer el libro, descubrí que Enrique Prochazka y yo teníamos una amiga común. Ella trabajaba con él en un ministerio. Recuerdo que me costó asimilar que el fantasma de Prochazka se materializase, para colmo, trabajando en un ministerio: ¿De verdad es un ser humano normal? ¿No vive entre conjuros y hechizos? ¿Tiene una oficina? ¿Va al baño? Yo también era empleado público, y pensé vanidosamente que huíamos de lo mismo, y que durante la fuga, él me había permitido acompañarle en un tramo de su camino".

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Hoy será lanzada en Santiago la revista chilena "Bilis" con un tema tópico: el encargo en la literatura, y una gran cantidad de autores inéditos chilenos. Además, entrevistas a Roberto Brodsky y a Gonzalo Garcés, uno de los argentinos del Bogotá39. La revista será trimestral y está dirigida por Luis Valenzuela y Nicolás Cornejo.

Así lo menciona "El Mercurio" de Chile: "Bilis" tira toda la carne a la parrilla en el número inaugural, que tendrá 72 páginas. Van textos de Germán Marín, Ramón Díaz Eterovic, Carlos Tromben, Bruno Vidal, Germán Carrasco, José Ángel Cuevas, Luis López-Aliaga, Jaime Pinos, Roberto Contreras y Claudia Apablaza, entre otros. Los editores están sorprendidos con el cuento que les envió el poeta Pablo Toro. Ojo con este cabro, dicen. El bonus track son entrevistas a Roberto Brodsky, Gonzalo Garcés y el cineasta José Román. Fotografían Alexis Díaz y Álvaro Hoppe. Nada menos.

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En el diario "El Tiempo" de Bogotá recuerdan las bases y la fecha límite para el premio Biblioteca Breve de Seix Barral, que han ganado varios escritores latinoamericanos empezando por el inolvidable Mario Vargas Llosa (que lo ganó con La ciudad y los perros en los años 60) y siguiendo con autores recientes como el mexicano Jorge Volpi, el colombiano Mario Mendoza o el argentino Gonzalo Garcés. El último premiado fue Juan Manuel de Prada con la novela El séptimo velo.

Dice la nota: "El 30 de octubre de 2007 se vence el plazo para enviar los originales, que deben tener una extensión mínima de 150 páginas a doble espacio e incluir el nombre del autor, domicilio y teléfono de contacto. El jurado, conformado por importantes personajes de la cultura, hará público el fallo a comienzos de febrero del 2008. En ningún caso, el Biblioteca Breve podrá ser repartido entre dos o más novelas y tampoco, declararse desierto. El ganador se hará acreedor a 30,000 euros".

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Cuando uno admirar mucho a un autor lo siente como alguien cercano. Y si tenemos la oportunidad de intercambiar algunas palabras con él, y descubrir entonces detrás de la obra a una persona estupenda y generosa, esa admiración es más profunda y nos afectan sus situaciones personales como nos afectarían las de un amigo. Eso es lo que me sucede con Francisco Goldman, a quien conocí ligeramente en México pero sobre todo a quien he leído con admiración creciente. Su esposa mexicana Aura Estrada, de 30 años, falleció el 24 de julio en una playa mexicana. Remecido por los tristes sucesos de ayer en el Perú, he leído también conmovido el texto "Mi Aura" que le dedicó Goldman, y esta página web en su memoria que los amigos han creado para que no olvidemos la obra ni el rostro de Aura. Las tragedias individuales, como las colectivas, nos remecen y obligan a recordar (a patadas) que necesitamos siempre del apoyo, la solidaridad y el amor de los demás. Sin eso, mejor ni intentar nada.

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Cuando enseño qué fue el movimiento OuLiPo en la escuela de literatura en el CCPUCP me miran con cara de loco. Como si mirase en mis greñas, pienso, las de ese extraterrestre genial que fue Georges Perec. Quizá así los miren también a Marcel Bénabou y Hervé Le Tellier, dos autores franceses que pertenecieron al movimiento y este martes 21 se presentarán en Buenos Aires. Conversarán con Eduardo Berti sobre la importancia de los OuLiPo en la literatura francesa y también, desde luego, internacional. Felizmente tuvieron la maravillosa ocurrencia de ir a Argentina, donde la palabra "experimental" no es un insulto. Si llegaban al Perú, imaginen la que se armaba.

Al ser preguntado sobre libros Ou Li Po emblemáticos, Le Tellier dice: "Excluyendo por supuesto mis propios textos (falsa modestia), y tomando sólo una obra por oulipiano, ¿por qué no? De Raymond Queneau elegiría Ejercicio de estilo, pre-oulipiano pero que inaugura la forma de la serie que me apasiona. De Jacques Roubaud, Algo negro, que anula todas las críticas ineptas según la cual la limitación expulsaría a la emoción. De Georges Perec, por supuesto, La vida: instrucciones de uso, por el llamado al pliego de condiciones, increíblemente fecundo. De Marcel Bénabou, Por qué no he escrito ninguno de mis libros, un trabajo borgeano que avanzando se construye a sí mismo. Y de Marcelle Grangaud, Geste (Gesto), porque entiendo que es uno de los libros más bellos sobre lo cotidiano, formal y terriblemente emotivo a la vez. Pero esta limitación a cinco títulos resulta terriblemente frustrante, teniendo en cuenta lo prolífico del Oulipo."

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Al estilo del premio Booker, el German Book Prize 2007 ha publicado también su longlist. El 12 de septimebre mandarán la shortlist. Se trata de un premio a la lengua alemana en el que participan autores de Alemania, Austria y Suiza. Es entregado por la Asociación de Libreros y Editores alemanes y es relativamente reciente, pues se instauró en el 2005. El premio se entrega durante la Feria de Fráncfort y la anterior edición la ganó Katharina Hacker con su novela Die Habenichtse. Revisando la lista me doy cuenta hasta qué punto desconocemos la literatura alemana contemporánea. En medio de casi una veintena de autores sólo me suena un autor: Martin Mosebach, quien ganó el Buchner 2007. Les entrego la lista completa con la esperanza de que alguien comente otros autores.

Thommie Bayer: Eine kurze Geschichte vom Glück (Piper, August 2007)

Larissa Boehning: Lichte Stoffe (Eichborn Berlin, August 2007)

Julia Franck: Die Mittagsfrau (S. Fischer, September 2007)

Thomas Glavinic: Das bin doch ich (Hanser, August 2007)

Lena Gorelik: Hochzeit in Jerusalem (SchirmerGraf, March 2007)

Sabine Gruber: Über Nacht (C.H. Beck, January 2007)

Peter Henisch: Eine sehr kleine Frau (Deuticke, August 2007)

Michael Köhlmeier: Abendland (Hanser, August 2007)

Katja Lange-Müller: Böse Schafe (Kiepenheuer & Witsch, August 2007)

Michael Lentz: Pazifik Exil (S. Fischer, August 2007)

Harald Martenstein: Heimweg (C. Bertelsmann, February 2007)

Pierangelo Maset: Laura oder die Tücken der Kunst (kookbooks, September 2007)

Robert Menasse: Don Juan de la Mancha (Suhrkamp, August 2007)

Martin Mosebach: Der Mond und das Mädchen (Hanser, August 2007)

Mathias Nolte: Roula Rouge (Deuticke, March 2007)

Gregor Sander: abwesend (Wallstein, March 2007)

Arnold Stadler: Komm, gehen wir (S. Fischer, May2007)

Peter Truschner: Die Träumer (Zsolnay, March 2007)

John von Düffel: Beste Jahre (DuMont, August 2007)

Thomas von Steinaecker: Wallner beginnt zu fliegen (FVA, February 2007)

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Finalmente, un libro logró vencer a Harry Potter en el primer lugar de ventas de la semana en las estadísticas de EEUU. Se trata de la novela Eclipse, de la norteamericana Stephanie Meyer, una novela de vampiros adolescentes pero "con pensamientos religiosos", según la autora. La novela estrá en octubre en castellano por Alfaguara. Magos, vampiros, libros codificados, da lo mismo. La sed por la fantasía de los lectores es inagotable.

Dice la nota: "En su primera semana, Eclipse (Little, Brown) ha conseguido vender casi 250.000 ejemplares en todo el país, una cifra muy alejada de los 11,5 millones que colocó el esperado libro sobre Harry Potter en los siete días que siguieron a su publicación el 21 de julio. La serie literaria creada por Meyer, quien jamás se había alzado con la primera posición en las listas de ventas del país, cuenta las aventuras de una adolescente que se enamora de un vampiro, en libros que mezclan fantasía y amor. "Parece que en este género hay un hueco para novelas en las que los chicos jóvenes no consumen drogas o mantienen relaciones sexuales", asegura la autora, que publicó las anteriores entregas de la serie en 2005, Crepúsculo: un amor peligroso y 2006, Luna nueva."

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En una conversación entre Mario Vargas Llosa y Juan Juaristi, sobre el futuro político de América Latina, no se pudo evitar hablar de literatura y en especial del lenguaje. Y como una reflexión lleva a otra, me encontré al fin con este párrafo donde Vargas Llosa se refiere con cierta distancia e incredulidad al porvenir literario no sólo de América Latina sino del Mundo. El texto completo de la revista Quorum apareció enlazado el colectivo "El Boomeran(g)".

Dice Vargas Llosa: "Todos los días no aparecen genios literarios. Un Borges no aparece en cada generación y es posible que haya cierta merma de obras que inauguren nuevas formas literarias. Probablemente una de las razones es que se va imponiendo cada vez más una concepción de literatura que, para mí, está reñida con las obras maestras, que es la literatura de diversión, la literatura de entretenimiento, una literatura light, que tiene magníficos exponentes, escritores con mucho ingenio, con humor, originales, pero que se proponen hacer una literatura superficial, para el consumo inmediato. Siempre ha habido escritores que han querido vivir de la literatura, que es perfectamente legítimo, pero al mismo tiempo se sentían inducidos, porque esos eran los valores dominantes, a tratar de escribir obras maestras. Hoy día la idea de escribir una obra maestra provoca hilaridad en los jóvenes escritores. Trabajar para la eternidad da risa y por eso hay pocos escritores que tengan un concepto imperecedero de su vocación.- Eso ocurre en América Latina, en España y, yo me temo, que en la mayor parte del mundo. La cultura está experimentando una crisis profunda. Lo que nosotros entendíamos por cultura hace dos o tres generaciones no existe porque hoy lo que no es diversión, no tiene audiencia y, por tanto, no tiene apoyo ni credibilidad. La cultura es también diversión, pero si sólo es eso, es efímera y eso pasa ahora con la literatura, la pintura, el cine, la música…

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Ayer finalmente conseguí de milagro el único libro -hasta lo que tengo noticia, pero él siempre me sorprende- de Mario Bellatin que no había leído. Se trata de Jornada de la mona y el paciente publicado en México por la editorial Almadia. Esta noche la leo y ya me habré sacado el clavo. Además, conseguí ubicar una reseña estupenda de Rafael Lemus en "Letras Libres" sobre el libro.

Dice Lemus: "La jornada de la mona y el paciente (...): aunque es la pieza más reciente de la máquina narrativa de Bellatin, no es la más radical. Más bien al contrario: supone, a primera vista, un retroceso. Mientras las últimas obras se entretenían desplazando la escritura hacia otras esferas, ésta vuelve a explorar los bordes de lo literario. Su pregunta: ¿qué puede ser escrito? Su anécdota: los apuntes de un hombre –presumiblemente el mismo Bellatin– que, sumido en una depresión, consulta a un analista. Parecería ésta una obra más dramática, más narrativa, que las anteriores, como si Bellatin deseara de pronto decir. Los personajes, antes meras excreciones del decorado, parecerían tener sustancia; las reflexiones del protagonista, sentido. Al lado del vigor conceptual brillan algunas imágenes de una potencia casi decimonónica: el episodio de la mona y el padre, la descripción del consultorio, la metáfora del condenado a muerte. Podría decirse, sin exagerar, que este libro es para Bellatin lo que Compañía fue para Beckett: un dispositivo narrativo que, sin sacrificar el rigor, permite exponer ciertas imágenes casi arquetípicas."

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¿Uds. recuerdan esos libros que los abducen totalmente, hasta el punto que se dan de baja en el trabajo, o se encierran por horas en el cuarto o dejan de ir al cine con aquel-amor-para-toda-la-vida sólo para terminar de leerlo? A veces sucede. A mí me ha sucedido varias, felizmente, y una muy memorabale fue con La sombra de Naipaul, de Paul Theroux, donde relata su afectada relación con el pérfido Vidia, el premio Nobel V.S. Naipaul. Sí, acepto, me llevó el chisme... pero es mucho más que eso. Es un relato impresionante sobre la amistad literaria, sobre los malentendidos, el talento, la envidia, los celos, oh bartleby, oh humanidad. Quería recordar ese libro hoy que, casualmente, arreglando mi biblioteca (voy a vender libros para dejar espacio a los nuevos, ojo) encontré La sombra de Naipaul que creía perdido (ese no lo vendo). Y quería recordarlo justamente hoy que me entero, por Milenio, que sir Vidia cumple este viernes 75 años.

Dice la nota: "Naipaul ascendió al Olimpo literario siguiendo los pasos de su padre. Pero una y otra vez aseguró que su trabajo es únicamente el resultado de estudios constantes y un trabajo muy duro más que de un talento natural para la escritura. En los últimos años, afirmó que ya no escribiría más. Pero luego dio a entender que esas declaraciones fueron fruto del agotamiento que siente tras concluir una obra. “Estoy trabajando en un libro nuevo”, admitió a fines del año pasado en una entrevista".

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La escritora mexicana Carmen Boullosa -quien vive en Nueva York actualmente- ha publicado una reciente novela, El velásquez de París, en la editorial Siruela. Se trata de una novela de intrigas que parte del supuesto de que la pintura "La expulsión de los moriscos", de Diego Velázquez, no desapareció en el incendio del alcázar del palacio real de Madrid, la Nochebuena de 1734. La entrevista aparece en La Jornada y en ella se nota que la autora ha estado leyendo demasiado a don Pepe Saramago. O por lo menos sus declaraciones. ¡La vida no es tan así, Carmen!

El velázquez de París es enormemente ingrato, incluso es muy incómodo para un artista. El tipo de novela de la que tal vez un narrador, al terminarla de escribir, diga: 'ya no quiero escribir después porque, escribir para qué, en un mundo en que estamos acabando con el planeta y somos un dechado de errores políticos, morales, sociales. Casi no hay motivo para sentirse orgulloso de pertenecer a la raza humana. Y uno piensa siempre: bueno, está el arte, pero... Y eso es lo que cuestiona la novela. No es que no crea en la fuerza del arte, pero no es monedita de oro. Siempre hay que reflexionar sobre los fines de arte, y ser honestos. Mis novelas casi siempre van creando más preguntas y parece que van abriendo puertas, pero El velázquez de París plantea preguntas que cierran puertas intelectuales, sentimentales. Es una novela dolorosa para un escritor."

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En la página web Literaturas.com han dedicado su número de vacaciones de verano a una antología de nuevos poetas latinoamericanos y españoles. Se trata de colocar poemas inéditos de autores, algunos con obras y reconocimiento y otros desconocidos. La compilación ha sido hecha por Miguel Angel Vara. Me sorprende encontrarme con dos narradores interesantes: Alejandro Neuman (Argentino, uno de los Bogotá39) y la española Pilar Adón. Por el Perú destaca nítidamente la presencia de Martín Rodríguez Gaona.

Dice la pomposa introducción: "Poetas de ambos lados de un océano nos muestran en esta antología de literaturas.com versos inéditos para re-conocer la poesía que se está haciendo (que se hará) en nuestro idioma aquí y ahora. Propuestas heterogéneas para el principio de lo que queda de vida, el alba de un siglo mas cercano a la monstruosa usurpación de las utopías del XX de lo que pensábamos. Un siglo que comenzó demostrando que la destrucción de un símbolo es otro símbolo, con sus correspondencias, su justicia infinita como un disparo, su libertad duradera como un muro, porque ¿hay libertad en el mercado?, ¿más allá del mercado? Pensar que todo está hecho en el arte es pensar que todo está hecho en la vida: el error que muchos tiempos y culturas cometieron y pagaron (o fueron premiados) con su destrucción. Sólo los hombres y mujeres nuevos saben pronunciar convincentemente lo de siempre. Lo ya sabido y por lo tanto lo olvidado."

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El Premio Copé de Poesía cumple 25 años y lo celebra mañana a las 19:00 horas con un recital poético en Petroperú con dos de los ganadores: Eduardo Chirinos (con Archivo de huellas digitales) y Jorge Eslava (con Itaca), ambos responsables, además, del proyecto Loco Amor reeditado por Alfaguara. Será además un homenaje al poeta Pedro Cateriano, quien fundó el premio cuando trabajaba como funcionario de la petrolera. El evento se llamará Tras las huellas de Ítaca y el diario "El Peruano" ha entrevistado a los dos participantes:

Se tratará de una noche de reencuentros, celebraciones y grandes recuerdos. Para empezar, Petroperú, en coordinación con los poetas Eslava y Chirinos, edita la plaquette titulada Tras las huellas de Ítaca, con una selección de poemas de los libros que ganaran la primera y segunda bienales de poesía Premio Copé en 1982 y 1984, que se brindará gratuitamente al público asistente al recital del mismo nombre. Se desarrollará también una exhibición de obras de los poetas, entre las que destacarán las obras ganadoras publicadas por Ediciones Copé, y la antología Loco amor, que Eslava y Chirinos publicaron en 1991 bajo el sello Colmillo Blanco y que la editorial Alfaguara ha reeditado hace pocas semanas. Asimismo, la noche tendrá como realce el reconocimiento del poeta y periodista Pedro Cateriano, quien fuera creador de las Bienales de Cuento y Poesía Premio Copé. La obra de Cateriano –seis volúmenes de poesía– se exhibirá también en las instalaciones de Petroperú.

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La revista colombiana Piedepágina se ha alineado con el evento Bogotá39, que ocurrirá dentro de un poco más de una semana, y ya mandó a imprenta un número especial dedicado al suceso. Pero el número ya está enlazado -justamente hablando de Gibson- en el ciberespacio. Se nos pidió a cada uno de los 39 elegidos que contemos la génesis de alguno de nuestros libros y que mandemos una foto no-oficial o algo así. Las confesiones son de diversos estilos, ideas, temas, etc. La de Fabricio Mejía es estupenda, la de Junot Díaz es honesta y la Jorge Volpi parece un capítulo de una novela suya. Muchas de las fotos están buenísimas también, empezando desde luego por la perturbadora de Wendy Guerra. Santiago Roncagliolo aparece disfrazado de vaquero y la de Pedro Mairal, me da envidia, ¿por qué no pensé en eso? Debí mandar una foto con mis compañeros de Winning Eleven. En fin, aún no leo todos los textos porque tan sólo leyendo alguos ya me entró vértigo. ¿En qué nos estaremos metiendo?

La editorial de Piedepágina comenta las decisiones pólémicas: "Una de las decisiones más polémicas de los criterios de base de Bogotá 39 es la de haber dejado a España por fuera. Si queremos comenzar a tratar de tú a tú con España vamos a tener que dejar de darle el lugar privilegiado que le damos (incluso desde la negación). Sin dudas, habría constituido una apuesta mucho más valiente haber hecho la escogencia dentro de los escritores de habla hispana y no exclusivamente para latinoamericanos. Una misma concepción “latinoamericanista” que termina mirándonos como “niños pequeños” se hace evidente tanto en la forma de asumir nuestro idioma, donde distinguimos como especiales a los “americanismos” (los términos que no se usan en España), como en la dinámica del mundo editorial, en la que parece claro que un autor sólo conseguirá ser leído más allá de su propio país si consigue ser legitimado en España. Otro error que se puede considerar ingenuo es el de haber puesto más autores colombianos que de otros países (sin que la actividad literaria local sea más intensa). Si bien se puede tomar como un privilegio que los locales se atribuyen, resulta una muestra del tipo de provincianismo que eventos como estos quieren combatir".

Explica Piedad Bonett, miembro del jurado: "Nunca indagué en las razones por las cuales se excluyó a España de la convocatoria. Pero no me molesta pensar en un gran bloque de autores jóvenes de un joven continente que nos sirve de carta de presentación en el a veces prejuiciado viejo mundo. ¿Cómo ponerle peros a una iniciativa de tal índole? Sería una mezquindad. Todo lo que propicie la circulación y el conocimiento de lo que se está escribiendo en América Latina debe ser bienvenido. Aunque dudemos de los concursos, los festivales y demás, creo que, al ser fuente de oportunidades para autores y lectores, es mejor que existan. Se trataba, entonces, de hacer la tarea de la mejor manera, a sabiendas de que muchos quedarían descontentos. Lo primero fue aceptar las reglas de juego, la primera de ellas que los autores tuvieran 39 años o menos. Eso nos hizo llevar más de una sorpresa: unos cuantos de los que habríamos querido incluir –Paz Soldán, por ejemplo– habían cumplido ya los cuarenta. Santo y bueno: así debía ser. Quedaban excluidos. ¿Que algunos escriben en inglés, como Daniel Alarcón o Junot Diaz? Era algo para discutir, pero finalmente nos inclinamos por lo evidente: son latinoamericanos. ¿Que otros son ya escritores con reconocimiento, como Volpi o Thays? Siempre tuvimos claro que no se trataba de buscar los 39 mejores escritores de América Latina, pero si 39 escritores muy representativos de lo que hoy se está haciendo. ¿Con qué derecho íbamos a excluirlos a ellos? ¿Acaso se trataba de convertirnos, básicamente, en un banco de oportunidades? Sólo lo fuimos en la medida en que la convocatoria saca a la luz obras confinadas a sus países por las rigideces y los caprichos del mundo editorial, o por las naturales dificultades del mercado.

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Tal como se veía venir, Rodrigo Fresán no pudo esperar hasta septiembre y se consiguió un advance copy de la nueva novela de Dennis Johnson. Comenta su lectura en la revista "Qué Pasa" de Chile. Obviamente, luego de leer la reseña de Fresán la ansiedad por leer Tree of Smoke llega a su punto máximo en este su resfriado comentarista. ¿O es la fiebre del resfrío nomás?¿O la congestión de haber estado escuchando (21 veces hasta este momento) "Someone exactly like you" de Van Morrison"?

Dice Fresán: "(...) todavía me estoy reponiendo del vertiginoso huracán de las más de 600 páginas de esta novela vietnamita que acaba con todas las novelas escritas sobre Vietnam hasta la fecha, porque aquí el nombre del mundo es Vietnam. Porque en esta magnum opus del enorme Johnson (uno de los más grandes escritores norteamericanos, aunque circunstancialmente nacido en Munich, en 1949) escribe su "Vietnam era una fiesta" y, se sabe, hay muchos tipos de fiestas. Escrita y anunciada a lo largo de varias décadas, la memoriosa y alternativa "Tree of Smoke" es, también, una suerte de prequel a todo lo que Johnson ha venido escribiendo. Aquí -con ropa de combate o borrachos en crepúsculos color anaranjado napalm- aparecen, juveniles e iniciáticos, varios de los personajes e hijos de Jesús que Johnson ya nos presentó en libros anteriores en su escritura pero posteriores en su tiempo y espacio. Aquí, también, vuelve a demostrarse que Johnson es un perfecto genio a la hora de combinar la contemplación del bushido con el estallido del pop. Aquí -contando una serpenteante saga y rito de pasaje que arranca en 1963, en Oriente, con la frase "La noche anterior a las 3 de la mañana el presidente Kennedy había sido asesinado" y concluye veinte años después con un "Todo será salvado. Todo será salvado"- se experimenta el placer de comprobar que la novela no está muerta aunque tal vez sí existan demasiados lectores zombis. El libro tiene incontables grandes momentos, párrafos a subrayar, un genio trabajando y combatiendo contra los oscuros fantasmas del pasado desde un presente encandilante. Digámoslo así: en "Tree of Smoke" Denis Johnson hace por la guerra de Vietnam lo mismo que hizo Herman Melville en "Moby-Dick" por la caza de ballenas. Eso. "

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El escritor cubano Antonio José Ponte es el encargado esta semana de responder a la pregunta de "El País": ¿Cuál es tu personaje de ficción favorito? Su respuesta es Charles Swann, el protagonista de la primera parte de En busca del tiempo perdido.

Dice Ponte: "A Charles Swann lo forman no tanto ciertos episodios y ocurrencias como la hipótesis de otros acerca de su existencia. Es menos una presencia propia que un montón de opiniones. Vive no por lo que es, sino por lo que significa. Es siempre huésped, nunca anfitrión. Y no tiene habitaciones propias, aunque en alguna página aparezcan éstas. Frecuentador de los más exclusivos salones parisienses, visita también a algunos burgueses de provincia, mendiga el acceso a una velada de poca monta si asiste a ella la mujer perseguida. Su drama no carece de comicidad: será groseramente repudiado por gente muy inferior a él, se equivocará de mujer (...) Unos amores de Swann es una pequeña novela incluida en la obra mayor que es En busca del tiempo perdido. Se trata, al parecer, de un vestigio del proyecto de hacer a Swann protagonista de los siete volúmenes. Y concluye con uno de los momentos más memorables entre las tantísimas felicidades que pueblan estos libros: Swann exige a un peluquero que su peinado no se deshaga en el viaje que le espera, piensa en Odette, y se dice esto a sí mismo: "¡Cada vez que pienso que he malgastado los mejores años de mi vida, que he deseado la muerte y he sentido el amor más grande de mi existencia, todo por una mujer que no me gustaba, que no era mi tipo!"

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Quizá la mayoría de personas que usan el término "ciberespacio" no sepan que el creador de esa palabreja cada día más común fue un escritor canadiense, William Gibson, a quien también llaman el precursor de la literatura cyber-punk y cuya novela Neuromancer es un objeto de culto para todos los amantes de la ciencia ficción, amén de muchos geeks que conozco por ahí. En el periódico The Guardian le hacen una entrevista sobre su nueva novela, Spook Country, donde abandona los temas del ciberespacio.

Además, también en The Guardian el maléfico John Crace hace una reseña satírica de su novela dentro de su pérfido pero muy divertido espacio Digested read que concluye con la siguiente lápida más bien condescendiente: "The Return of the Cyberman"

Dice Gibson: "'It's been a gradual thing for me,' he says, in his soft, slightly straining voice, with its inflections of the American South, where he grew up. 'I don't think it was deliberate. For Neuromancer, I think it is virtually impossible to date the action of the text, though I assumed it was about 2030 when I was writing it. I did that for a simple reason: though I never imagined anyone would be reading it after a year, I wanted to give it its longest possible shelf life. When I wrote my fourth novel, Virtual Light, I set it in a very near future - probably about now - to punk things up a bit, not honour the sci-fi rules and write a book that would date terribly. But for my last two books [Spook Country and the bestselling Pattern Recognition], I have become convinced that it is silly to try to imagine futures these days.'

Actualización 15/08.- Gracias a Diego Salazar me encuentro con una excelente entrevista a William Gibson en Salon.com

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Con un título que recuerda al clásico de Hanna Arendt, Eichmann en Jersualen, el escritor argentino Alvaro Abos ha publicado Eichmann en Argentina (Edhasa) en el que intenta recuperar el itineriario, durante 10 años de su vida, de el asesino nazi oculto en Sudamérica como mecánico de autos hasta su secuestro, en 1960, juicio en Jerusalen y posterior condena de muerte. Eichmann no sólo fue un oficial nazi sino uno de los principales culpables del holocausto. A él se le acusa, por ejemplo, de ser la mente burocrática tras la penosísima idea de las cámaras de gases y los hornos crematorios con que se exterminaba 20,000 seres humanos en media hora. El diario "Página12" le hace una entrevista en la que una frase queda resonando: "Un Hitler puede haber uno en un siglo, pero hay muchos Eichmann en la Argentina y lo peor es que son peligrosísimos, porque dicen siempre “sí”.

Dice Abos: "“Muchos lectores me dicen que no pueden concebir cómo Eichmann estuvo viviendo diez años en la Argentina. Pero hay que considerar que Eichmann fue Eichmann después de Jerusalén. Antes era conocido sólo por los cazadores nazis. Eichmann tuvo la precaución de quemar todo, porque cuando huyó de Alemania no dejó nada. Por eso ni Simón Wiesenthal ni nadie podía encontrar una fotografía de Eichmann”, aclara Abós. Después de años de una minuciosa persecución, tanto Wiesenthal como el Mossad, servicio de inteligencia israelí, identificaron a Klement como Eichmann. Entre marzo y abril de 1960 un grupo de expertos, reclutados por Isser Harel, director del Mossad, llegó a la Argentina para preparar la captura del criminal, que fue secuestrado el 11 de mayo de ese año, cuando regresaba de su trabajo en la Mercedes Benz a su casa. “Eichmann vivió diez años sin que el Estado argentino supiera que entró, que estaba, y tampoco supo que se lo llevaron. Frondizi se enteró de la captura leyendo el diario y todo esto nos habla de nuestro país. Por eso creo que el libro es sobre la Argentina, quizá más que sobre Eichmann”, plantea Abós. “Cuando el gobierno argentino protestó a las Naciones Unidas, a través del canciller Mario Amadeo, se produjo un debate. En la sesión, en Nueva York, Amadeo llevó un ejemplar del New York Times y leyó un artículo de Erich Fromm, judío alemán que vivía en Estados Unidos, como Arendt. En ese artículo, Fromm afirmaba que estaba en contra de lo que había hecho Israel porque había violado la ley llevándose a una persona de un país y que eso se equiparaba a lo que hacían los nazis”, detalla el escritor. “Golda Maier, que estaba en la sesión, sacó otro artículo, un recorte del diario argentino El Mundo, donde Ernesto Sabato decía que los argentinos tendríamos que pedir perdón a los judíos por haber preservado a un hombre que cometió esas crueldades.”

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¡Más fetichismo literario! ¿Quiéren saber cómo es la biblioteca de Javier Marías desde hace 15 años? En "El País" comentan una visita a su espacio creativo en la sección "El rincón del escritor". Además de fotos con amigos, una pipa, figuras, pelotas de cricket y una foto de Elvis Presley, destacan sus 20,000 libros.

Dice la nota: "Una foto de Juan Benet y otras de varios amigos se muestran en primera línea. También hay una decena de figuritas sedentes. Algunas dormitan y otras leen. Son pasajeros de trenes de juguete, señoritas con sombrero y caballeros de traje. Por esta esquina también avanza una exótica caballería de plomo. Forma parte del impresionante ejército desplegado por la casa, procedente en su mayoría de una tienda de la vecina calle Mayor, en Madrid. Lleva años describiendo personajes e imágenes y más de siete inmerso en su trilogía Tu rostro mañana, cuya última entrega acaba de terminar. Sonríe al explicar que las figuras custodian este espacio. Unas baldas más abajo, la colección de música clásica. Marías escucha música todo el tiempo, excepto cuando escribe, para evitar interferencias con el ritmo de la prosa.

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El jurado escogió seis escritores colombianos para el evento Bogotá39. Cuatro de ellos han sido entrevistados por "El Tiempo" en la edición de ayer. Se trata de John Jairo Junieles, Pilar Quintana, Antonio Ungar y Antonio García Ángel. Faltaron a la cita: Ricardo Silva y Juan Gabriel Vásquez.

Dice la nota: "¿Y qué tienen en común los escritores seleccionados? Quintana, autora de 'Cosquillas en la lengua' y 'Coleccionistas de polvos raros', dice que los unen "la frescura del lenguaje, la ausencia de rebuscamientos e imposturas" y la preocupación por contar "historias muy cotidianas. Tanto, que aunque sean ficciones, parecen reales". Los seis colombianos también tienen en común haber empezado a publicar cuando aún eran muy jóvenes. Junieles, por ejemplo, lo hizo a los 23 años, mientras que Quintana, a los 28. "Aunque eran textos deficientes, miro por el espejo retrovisor y no me arrepiento de haberme lanzado a la piscina sin saber nadar", comenta Junieles. Para Ungar, la edad no debe ser un factor para tener en cuenta: "Creo que uno debe hacerlo cuando siente que tiene algún texto suficientemente maduro y cuando algunos lectores cercanos con criterio opinan lo mismo".

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El reciente ganador del premio Poeta Laureado, el serbio Charles Simic, en reciente entrevista se muestra sin pelos en la lengua. No teme decir que muchos intelectuales en EEUU se han vendido a las ambiciones imperialistas de su país. Y también considera que los poetas sólo son tomados en cuenta (entiéndase "son censurados y considerados peligrosos") en los países totalitarios, pero en las democracias no tienen mayor influencia. La entrevista está en B92. Por cierto, me comentó Eduardo Chirinos que Charles Simic junto a Mark Strand (también Poeta Laureado), son los poetas estadounidenses que hoy "gozan de mayor predicamento" (como diría un profesor de Filología en España).

Dice Simic: "Many of our intellectuals in United States are servants of our imperial ambitions. They dream up excuses for wars and justify policies of domestic oppression. I think that has nearly always been the case everywhere despite the myth of the intellectual as a fighter for truth and justice. In my life, I’ve meet only a few independent-minded intellectuals and they tended to be marginal figures in whose opinion no one was interested".

Más adelante agrega: "Writers and poets are only noticed in totalitarian regimes. They are either imprisoned and shot, or they become highly-privileged flunkies of the regime. In Democracies, they are marginal figures without any influence. That suits me just fine since I like and need my solitude.

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Con una evocación a su mala relación con su padre (y la envidia que le provocaba la que tenía un amigo del colegio con el suyo), Mario Vargas Llosa comenta las memorias Ojalá Octubre de Juan Cruz, editadas por Alfaguara. Lo hace en su columna "Piedra de Toque" publicada en la página de opinión de "El Comercio" este fin de semana.

Dice Vargas Llosa: "Se trata de una memoria literaria, no histórica, lo que significa que hay en ella no solo recuerdos, también seguramente fantasía y algunas libertades con lo vivido, pero sobre un sustrato emotivo y sentimental que se adivina muy auténtico y que está expuesto en esas páginas con tanta discreción como elegancia. Al igual que algunos de los últimos libros de Juan Cruz, "Ojalá Octubre" es una alianza de géneros, en la que el lirismo, el relato, la evocación, la introspección, la nostalgia y la viñeta se confunden en un texto hermafrodita, a caballo entre la poesía y la prosa, la autobiografía y la ficción."

Luego agrega: "Lo curioso es que aquella infancia que Juan Cruz evoca con tanta nostalgia y ternura en "Ojalá Octubre", transcurrida a la sombra del padre, estuvo muy lejos de ser un lecho de rosas. Por el contrario, fue la de un niño pobre y enfermizo, víctima de periódicos ataques de asma que le cortaban la respiración y lo ponían a orillas del desmayo y que su familia, tinerfeña, de origen campesino, muy humilde y de rudimentaria instrucción, curaba a baldazos de agua fría. La vida era escasez, deudas, cobradores incesantes, inseguridad, dietas de papas y algunos días los niños de la familia no podían ir a la escuela fiscal pues no había con qué pagar el boleto de la guagua (el autobús). La madre, la típica matriarca española que haciendo milagros daba de comer a todo el mundo --aunque fuera plátanos y más plátanos-- y mantenía a flote la barca de la bíblica familia sorteando con diestra mano e incombustible buen humor todos los diarios remolinos y tempestades, parece haber afrontado todo aquello con la más absoluta naturalidad, sin una queja, totalmente inconsciente de su grandeza moral y su heroísmo cotidiano, como si la vida fuera eso y no pudiera ser nada más que eso. Uno de los mejores logros de "Ojalá Octubre" es hablar de la pobreza y de los pobres sin la menor truculencia ni autocompasión, más bien con una soterrada ternura, y, a la vez, arreglárselas para hacernos sentir todo lo que hay de cruel e injusto en semejante condición".

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Me pregunto qué pensará Rodrigo Fresán, un estupendo conocedor de la literatura en lengua inglesa, de la declaratoria de Yépez que pretende sepultar la literatura norteamericana. Posiblemente no piense nada. Por eso se entusiasma tanto recomendando la lectura de una antología de cuentos de Leonard Michaels, un escritor de culto, uno más de aquellos que triunfan en EEUU por unos meses o años y luego caen en desgracia hasta que algún editor gruppie lo rescata, para felicidad de sus fans y de sus nuevos lectores, y eterna supervivencia (aunque le duela a Yépez) de la interminable literatura gringa. Por cierto, les dejo también este enlace donde Mauricio Salvador, desde México, traduce un cuento de Michaels.

Dice Fresán: "El neoyorquino Leonard Michaels (1933-2003) debutó en 1969 con la brillante colección de relatos Going Places (varias de ellas siguiendo las idas y vueltas de un tal Philip Leibowitz) y todo parecía indicar que había llegado un nombre destinado a grandes cosas y a convertirse en un grande. Comparaciones con Saul Bellow, Bernard Malamud, Grace Paley y Philip Roth (quizá, compartiendo incluso el año de nacimiento, la más acertada de todas; pero un Roth más freak y hardcore que el Roth de entonces y más parecido al Roth posterior de Mi vida como hombre y El teatro de Sabbath); loas de firmas como Susan Sontag, John Hawkes y William Styron y una candidatura al National Book Award. Su siguiente colección, I Would Have Save Them if I Could (1975) –insistiendo en su muy personal mezcla de surrealismo-gótico-posmoderno-realista que por momentos también recordaba al pícaro J.P. Donleavy, otro desaparecido–, repitió éxito crítico. Pero Michaels –quien se consideraba discípulo de Isaac Babel y que parecía más cerca de las desoladas canciones de amor noir de Leonard Cohen, ese otro Lenny judío, que de los himnos populares del vigente amor universal– ya era eso que se conoce como “un escritor de escritores”: una contraseña para entendidos. Su novela feminista/misógina The Men’s Club (1981, corregida y muy aumentada en 1993, también candidata al National Book Award) pareció mejorar las cosas alentada por un leve escándalo y por una torpe adaptación cinematográfica con guión propio que no le gustó a nadie y mucho menos a Michaels. Pero no. Y sus siguientes libros (combinando lo autobiográfico con la reescritura de la propia vida) fueron bienvenidos por unos pocos hasta que Michaels, misteriosamente, desapareció de todo canon y lista de favoritos. Su lentitud no le ayudó, pero no había caso (...) Y en una ocasión –poco antes de morir en Berkeley luego de una larga estadía en Italia–, Michaels bromeó con que “toda mi obra equivale a lo que algunos hacen en seis meses o Joyce Carol Oates en seis minutos”.

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Para quienes quieren ver las peleas literarias peruanas como un producto de la fracturación de la sociedad, del racismo, de las diferencias sociales y económicas innegables, seguro les sorprenderá saber que en un país donde esas cosas no ocurren sí suceden broncas. ¿No será que las razones pueden varias pero el fuego que las atiza es simplemente el mismo: la vanidad literaria? En Suecia, la tierra de la ecuanimidad y la urbanidad, los escritores policiales se están sacando los ojos.

Cuenta la nota en "Milenio": "Mientras cientos de miles de lectores en playas de todo el mundo leen estos días lo nuevo de Henning Mankell, Liza Marlund o Ake Edwardsson, los autores de los bestsellers escandinavos se acusan mutuamente de no saber escribir o de ser unos envidiosos malhumorados. G. W. Persson, profesor de criminología de 62 años y exitoso autor de novelas policiales, dijo sobre su colega Camilla Lächkerg, 30 años más joven, que encara sus libros como “novelas cursis para revistas de caballos” y que escribe en un estilo de libro tonto para niños. La atacada le pagó con la misma moneda y afirmó tajante: “Es simplemente una meada de un señor mayor que se siente postergado”. Ernst Brunner, de 56 años, autor menos exitoso de novelas más ambiciosas, comparó la enorme avalancha de novelas policíacas suecas escritas por mujeres con “mierda de gaviotas”. Su colega Björn Ranelid, de 58 años, centró sus críticas sobre todo en Liza Marklund, de 44 años, que logró vender en Suecia, país de nueve millones de habitantes, nueve millones de libros. “Un millón de suecos sabe escribir como Liza Marklund”, aseguró. Ranelid ve en la sistemática comercialización de la atractiva escritora rubia en todas las portadas de sus libros una amenaza para su propio negocio: “Si esto sigue así, se hundirá la literatura de ficción”. Tampoco hizo falta esperar mucho en este caso para escuchar la respuesta. La escritora de novelas policiales Mari Jungstedt, de 45 años, consideró que estas declaraciones surgen de la desesperación de hombres “que no pueden soportar ser excluidos del sector por mujeres exitosas y guapas”. El único de la vieja guardia de productores de bestsellers que comparte esta opinión es Jan Guillou, de 63 años, cuyos libros, entre ellos la serie de agentes “Coq Rouge”, también lograron en Suecia ediciones de nueve millones. “Se trata de pura envidia”, afirmó. El diario “Dagens Nyheter” comentó que el hecho de que el enfrentamiento se produzca casi exclusivamente entre hombres mayores y mujeres jóvenes demuestra cómo las novelas como producto son comercializadas también a través de la identificación con el autor: “¿Prefiero comprar el libro del viejo y sexista profesor de criminología o el de la escritora joven adornado con la figura femenina?”. Claro que los dos escritores más respetados del sector, Stieg Larsson, actualmente el autor de novela policíaca más exitoso de Suecia, y Henning Mankell, el “rey” indiscutido del género, no aportaron al debate."

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Es una pena esto de los emails, se van a perder cartas estupendas. Y es que leer la correspondencia de algunos artistas es invalorable. ¿Será lo mismo leer emails? Lo dudo, los "emilios" son herramientas inmediatas que impiden la reflexión, profundizar, demorarse. Un ejemplo del valor de la correspondencia de los autores: la revista "Quehacer" ha publicado la correspondencia de un joven Emilio Adolfo Westphalen con Xavier Abril. La comenta Abelardo Oquendo en "Inquisiciones".

Dice la columna: "Once cartas de Emilio Adolfo Westphalen a Xavier Abril, escritas entre 1930 y 1931 hacen del último Quehacer –el 166– un número de interés especial para la gente de letras. Un Westphalen que pasaba entonces de los 19 a los 20 años y no había publicado aún Las ínsulas extrañas muestra ya en ellas algunos de los rasgos de la poética que definirá su obra y del rigor que orientará sus juicios sobre la ajena, tan radicales."

Westphalen escribe sobre Eguren: "Eguren fue un admirable poeta. Ya ha muerto. Su obra no pertenece al presente y mucho menos puede arrogarse al futuro. (...) El intento de resurrección que significa el homenaje de Amauta, fracasó. Es doloroso el espectáculo de un fantasma que simula no serlo. (...) Lo que debemos reconocer es que con Eguren tuvimos nuestro primer poeta. Actualmente persiste en la tradición y es la única vida que se permite. Los jóvenes solo pueden continuar su obra negándola (...). Es lo que nuestro tiempo nos obliga a hacer si no queremos estar muertos nosotros también".

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Para nadie es misterio que Philip K. Dick es cada vez más reconocido, logrando salir de la esfera del género -con toda la incomodidad que significa una definición genérica- de la "ciencia ficción" y pasa a convertirse en un autor importante para entender la literatura en lengua inglesa durante el siglo XX. Pero aunque sus novelas cobran mayor dimensión, sus relatos has sido relegados. Por eso es importante la edición de cuentos completos en castellano. Y por eso es estupendo que José Agustín, ni más ni menos, comente esta edición donde esperamos encontrar a un Dick tan certero como en sus novelas o, por lo menos, el germen de algunas de sus ficciones. La nota aparece en el suplemento Confabulario de "El Universal".

Dice Agustín: "Dick utilizó el género corto como cancha de entrenamiento y para dar salida a su pasmante imaginación. Pensaba que el cuento debía presentar situaciones, historias o temas, y no tanto personajes (la novela trata del asesino; el cuento, del asesinato, decía) o refinamientos literarios. Por tanto, sus historias no podían ser comunes y corrientes. En los relatos incubó y preparó muchas de las ideas de sus grandes novelas, y estableció sus principales señas de identidad literaria: un estilo conciso, directo y sobrio, sin artificios, melodramatismos, efectos, trampas u otras concesiones a lectores perezosos; le gustaba empezar a la mitad del tema, o en plena acción, y después dosificaba los antecedentes. Si había varios personajes importantes entonces alternaba distintos planos narrados desde el punto de vista de cada uno. Los finales, usualmente muy buenos y noqueadores, solían ser pesimistas, crueles o de humor negro. Además, Dick tendía a emplear personajes ordinarios y hasta sus “héroes” son sumamente falibles. Esta extrema desmitificación se debe a la teoría del relato como campo de historias y no de personajes, pero también a que, con todo y su imaginación, fantasía y locura, Dick era profundamente realista, y por tanto escéptico. A diferencia de muchos de sus personajes, al escribir no cedía a lo ilusorio y a lo virtual. Lo peor que le podía pasar era que la prosa le saliera un tanto plana".

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Ya antes había comentado aquí el artículo "Confesiones de un adicto a la literatura gringa" de Heriberto Yépez en el suplemento "Milenio" de México. De lo que no me había percatado es que tenía segunda parte. Más moderado frente a la literatura en castellano, aunque con la autoestima por el cielo, Yépez clausura el proceso de la literatura norteamericana actual. Pero ¿qué es esto? Ni más ni menos que un nuevo crítico que tiene vocación de apresurado enterrador!

Dice: "Puedo presumir de ser un conocedor cuidadoso de las letras norteamericana, europea y latinoamericana. Sin ánimo polémico, puedo decir que la literatura norteamericana es la más interesante de la segunda mitad del siglo XX. Su grado de renovación estructural fue sólo comparable al de la teoría crítica francesa estructuralista y postestructuralista.Verdad incómoda: la mejor literatura de una época sale del interior de sus imperios. La forma literaria siempre es imperialista. Por eso las letras norteamericanas desde la posguerra han tenido el liderazgo.Escribí las líneas anteriores para llegar a estas últimas: la renovación de la literatura norteamericana, sin embargo, ha terminado. Su última vanguardia —la Language Poetry— se ha agotado. La generación que le siguió no pudo comparársele. Dentro de poco tiempo, el centro de la renovación estructural del lenguaje literario aparecerá en otra parte.El periodo grandioso de las letras norteamericanas ha acabado".

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Gracias a una lectora de Moleskine Literario, me entero de que el diario La Nación acaba de presentar un nuevo suplemento cultural ADN Cultura. Ahí aparecen algunas columnas (hay una de Fito Paéz y otra de Stepheng King), una sección de rumores llamada "Gritos y Susurros" y también algunas reseñas. Pero el plato de fondo es una extensa conversación entre Tomás Eloy Martínez y Paul Auster en la casa de este último, y más precisamente en el jardín que ya conocimos por la conversa entre Auster y Vila Matas. Una relación de amistad intermitente que surgió en 1991, cuando Martínez supo que a Auster le había gustado una novela suya y decidió visitarlo. En la entrevista hablan de las traducciones (Auster se queja de lo poco traducido que está al inglés Vila Matas), de Roberto Bolaño (a quien Auster y Tomás Eloy Martínez consideran sobrevalorado), de Grossman, de lo mucho que se leen las novelas de Auster en América Latina, sobre editores metiches, sobre la ficción, sobre los horarios para escribir, sobre Argentina, EEUU y la dictadura, sobre el PEN Club, sobre Cevantes y El Quijote, sobre Borges (a quien Auster llama un "genio menor"), sobre el azas; en fin, lean la entrevista que está divertida.

Dice Auster: " De los gigantes de la literatura del siglo XX, los tres nombres que siempre se mencionan, Marcel Proust, James Joyce y Kafka, creo que Kafka es mi preferido. Amo a Proust y a Joyce, pero creo que Kafka va más profundo que ellos. Proust, tan electrizante, articuló los sentimientos humanos como ningún escritor había podido hacerlo antes. Tuvo la paciencia y la perspicacia para ir hasta el fondo y explorar estas emociones, estos pensamientos que todos tenemos. Eso lo hace grande. En el caso de Joyce, creo que es la música. No sé si hubo alguien, en inglés, que tuviera un oído mejor que ese hombre. Para mí, los cuatro grandes oídos son William Shakespeare, Dickens, Joyce y Beckett. Solo por la música de sus lenguajes. Hay otros grandes prosistas en inglés, como Sir Thomas Browne en el siglo XVII; también el poeta John Milton fue un gran prosista: algunos de sus ensayos son extraordinarios. Milton escribió en su ensayo Areopagítica : "Y fue del sabor de una cáscara de manzana que el conocimiento del bien y del mal, unidos como dos gemelos, entraron al mundo".

Tomás Eloy Martínez declara que es escritor por azar, y Auster responde: "Creo que todos los escritores lo somos por azar. Es algo con lo que nos tropezamos. Creo que probablemente comienza cuando uno es pequeño y comienza a leer. Ese es el comienzo: la pasión por los libros. Y luego uno empieza a decirse a sí mismo: "Mmm, creo que a mí también me gustaría hacer esto de escribir". También creo que todos los escritores están un poquito locos, un poquito enfermos, un poquito dañados, porque el mundo no es suficiente para nosotros y tenemos que hacer mundos diferentes. Una persona realmente sana estaría feliz con la realidad, con la vida cotidiana. Pero nosotros no lo estamos. Andrei Tarkovsky, el cineasta ruso, dijo: "Los hombres son artistas porque la vida no es perfecta".

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La nota principal del ABCD las Artes está dedicada a la relación entre el terrorismo y la literatura. Y contiene una frase contundente: "En los últimos diez años, ningún tema ha generado más páginas que el terrorismo". En el artículo se habla de libros en castellano, como Los peces de la amargura de Fernando Arámburu, y también ingleses como Terrorista de John Updike. Una lástima que no se mencione el caso peruano, donde hay mucho pan por rebanar.

Dice sobre la novela de Updike: "El novelista trasciende así las limitaciones que la ficción le impone, emulando a historiadores o politólogos. Con cautela suelen destacarse los constreñimientos del género mientras persiste la fascinación por personajes que, se nos dice, nos harán comprender la mentalidad y motivaciones del terrorista. El odio aparece así contextualizado introduciéndose una salvaguarda: la comprensión de las causas de la violencia no implica una justificación de la misma. Sin embargo, ¿podemos realmente comprender por qué el terrorista inflige dolor y perpetra terror mientras se obvia que otros seres humanos, sus víctimas, no optan por ese mismo recurso a pesar de poder reivindicar agravios mucho más reales y argumentos mucho más razonables que los de quienes provocan dicha victimización? A menudo la ambiciosa explicación del escritor emerge como insuficiente, convirtiéndose más bien en reclamo de su campaña de promoción. Esa incapacidad empuja al novelista a jugar ambiguamente con su pretensión de esclarecer una realidad que, con interesada conveniencia, aproxima o distancia de la ficción. "

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A Miguel García Posada, por lo visto, le va mejor la reseña de poesía que la de narrativa. Luego del desastre que fue la semana pasada su crítica a Pablo de Santis, ahora comenta con más acierto la poesía de Carlos Germán Belli reunida por la editorial española Visor bajo el título Sextinas, Villanelas y Baladas.

Dice la reseña: " Es evidente la intención satírica y, por tanto, crítica de este discurso. El contexto verbal neobarroco envuelve un lenguaje sabiamente dislocado, que traduce la más rotunda protesta contra una situación o situaciones de índole grotesca, que perfilan la silueta de un ciudadano alienado y aplastado por un universo absurdo. Sea así, por ejemplo, la paradójica fórmula que abre un poema que invierte el espiritualismo clásico: «Canción en alabanza del bolo alimenticio y en reprimenda del alma». O la vuelta funambular que se da al topónimo clásico en la composición «En Bética no bella», sarcástica alusión a la ahora degradada ciudad de Lima. Otro propósito que importa destacar empuja al autor a producirse así, y de él da buena cuenta la prosa «Asir la forma que se va», que cierra el volumen y es complementaria de la mínima autobiografía estética emplazada al frente, donde se justifica la fe en la forma artística como fuente de placer y correlato de nuestra propia estructura de individuos, dos modos de afrontar «el embate del tiempo», «la ineludible muerte». Ninguna gratuidad, pues, en el proyecto poético de Belli. Aventura respetable la suya, como toda aventura poética sustentada en el rigor".

Por otra parte, hace una división bastante discutible entre la emoción y la admiración. ¿Es que no podemos conmovernos por los que nos admira estéticamente? Dice: "La gran pregunta, con todo, que suscita esta poesía tan trabajada, tan bien elaborada (Belli es un formidable fabbro), es si logra emocionarnos, si alcanza a conmovernos. Pregunta central. Personalmente, debemos decir que nos admira más que nos emociona. Preferimos, sin duda, esta manera de enfocar y ejecutar el discurso poético a tanta aventura informe e inorgánica como puede verse por los mundos de nuestra lírica."

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Las memorias de Gunther Grass, Pelando la cebolla, que aún no llegan al Perú, no han sido leídas objetivamente por culpa de la confesión que ahí se hace sobre el pasado adolescente nazi de Grass. Todos los medios han querido tomar una posición frente a eso. Por eso es interesante leer la reseña que John Irving hace de la autobiografía, traducida para el suplemento Ñ. Una lectura literaria, al fin.

Dice: "No conozco a nadie que después de haber leído Pelando la cebolla quiera que Grass devuelva el Nobel. La autobiografía es tan buena como las mejores novelas de Grass, y tiene una frase inicial que explica algo que, en sus trabajos anteriores, los lectores podrían haber tomado por un recurso estilístico, tal como me pasó a mí. "Hoy, como en años pasados, la tentación de camuflarse en la tercera persona sigue siendo muy grande: Tenía casi doce años, pero le seguía gustando sentarse en la falda de su madre..." Grass establece desde el primer momento que "la memoria es como una cebolla". También afirma: "Mi breve inscripción reza: Guardé silencio". Grass admite que en su infancia y adolescencia tenía un objeto de culto. "Los noticieros: era presa fácil de la 'verdad' dulcificada en blanco y negro que nos proporcionaban". La autobiografía es una confesión dolorosa. "Una y otra vez, autor y libro me recuerdan qué poco entendía en mi juventud y qué limitado es el efecto que puede tener la literatura". Danzig quedó reducida a escombros sobre el fin de la guerra, y los primeros capítulos del libro se concentran en "el muchacho que abandonó la ciudad cuando sus torres y fachadas seguían intactas".

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Un texto absolutamente subyugante, que no se puede dejar de leer con el corazón en la boca, es el que ha publicado Juan Forn en Radar Libros sobre la amistad y la ruptura de dos escritores rumanos: el famoso Mircea Eliade y Mihail Sebastian. La historia que cuenta Forn atraviesa como un tajo y deja abierta la herida de la Europa de la Segunda Guerra Mundial, la persecusión a los judíos, historias de amores imposibles, de traiciones y de frustraciones literarias. Eliade y Sebastian eran dos amigos que pertenecían al mismo círculo literario rumano. Pero cuando el tutor de ambos se radicalizó hacia el nacionalismo, arrastrando consigo a Eliade, Sebastian quedó relegado por ser judío. Se le condenó al ostracismo e incluso a la muerte (esa parte de la crónica pone los nervios de punta). Nunca más fueron amigos y luego de unas décadas Sebastian muere atropellado y Mircea Eliade, convertido en un intelectual de renombre, nunca aceptó su cercanía con los nazis.

Por otra parte, el artículo de Forn menciona al libro El regreso del húligan, de Norman Manea, mencionado aquí ya varias veces. Un libro que, por cierto, vi el viernes en la mesa de novedades de la librería "La Tertulia" del CCPUCP. Queda uno. Si después de leer esta crónica no salen corriendo a comprarlo, deberían ir al médico. Quizá están muertos.

Dice Forn: "Como Heidegger, Mircea Eliade también tenía un esqueleto en el placard. Como en Heidegger, los pecados políticos de Eliade implicaron una traición a un ser querido. En el caso de Heidegger, a su amante, la joven Hannah Arendt. En el caso de Eliade, a su mejor amigo de juventud, el escritor Mihail Sebastian. A diferencia de Heidegger, Eliade nunca volvió a ver a su víctima: Mihail Sebastian murió un año después de que terminara la Segunda Guerra. Pero tal como Heidegger fue (para muchos incomprensiblemente) perdonado por Arendt, Mihail Sebastian terminó condenando sin proponérselo a Eliade desde la tumba, cuando su cadáver llevaba más de cuatro décadas enterrado y Eliade llevaba el mismo tiempo disfrutando de su gloria académica en Estados Unidos."

Con respecto a la novela de Manea, dice: "Manea relata con el mismo desparpajo episodios completamente incompatibles. Vale la pena mencionar dos de ellos, escalofriantes: en uno cuenta cómo la policía secreta rumana convenció a su mejor amigo para que lo espiara, a cambio de una cama de hospital para su padre moribundo (el amigo se lo confiesa a Manea y entre ambos redactan los informes de delación, así creen haber burlado a la Securitate hasta que el amigo logra escapar de Rumania, y Manea se pasa años observando paranoico a cada uno de sus amigos, preguntándose quién será el nuevo delator); el otro episodio es el misterioso asesinato del catedrático Ioan Culianu, en pleno día, en los baños de la Universidad de Chicago. Culianu había sido un colaborador de Eliade (gracias a éste había llegado a Estados Unidos) que, luego de la muerte de su mentor, estaba escribiendo un libro sobre el pasado político de Eliade. Cuando el FBI investigó el caso, presionó a Manea para que los ayudara a determinar si el asesino fue enviado por el ex rey rumano en el exilio, o una secta parapsicológica enemiga de las investigaciones religiosas de Culianu, o la “mafia académica” (sic) o los legionarios sobrevivientes en el exilio, o el nuevo gobierno rumano poscomunista, o un/a mero/a amante despechado/a.

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Joseph Roth no sólo fue escritor -un extraordinario escritor, hay que acotar- sino también periodista. Pero obviamente sus crónicas periodistas no son tan reconocidas como sus novelas. Acaba de aparecer una antología de estas crónicas bajo el título El juicio de la historia (Siglo XXI) en la que se muestra el punto de vista del escritor en un momento crucial de la historia del mundo, como es la Europa de mediados del siglo XX. Alvaro Matus hace la reseña en la Revista de Libros.

Dice Matus: "En El juicio de la historia se aprecia que en realidad le interesaba todo: la fotografía, los juguetes, la guerra polaco-rusa, las vitrinas, la arquitectura, el fin del amor, los violines, un campeón de tenis y un largo etcétera: Roth escribió cerca de mil artículos, muchos de los cuales todavía permanecen inéditos. La crónica que da título al libro es un modelo de lo que sería su trabajo periodístico. Se trata de un comentario a un célebre diccionario enciclopédico que incluía la historia más reciente de Europa; es decir, la que Roth había visto con sus propios ojos. "La palabra humanidad -escribe- sigue ahí. Significa carácter humanitario. Pero eso sólo existe en el diccionario".Para él, lo más importante era narrar los hechos tal como los había vivido, demostrando así que el mentado nuevo periodismo ha existido siempre, por mucho que Norman Mailer, Tom Wolfe y Gay Talese todavía se peleen la paternidad del movimiento. En "Cuando se busca trabajo", por ejemplo, Roth realiza un balance de tres días de búsqueda laboral. Acude a una lavandería, donde un carbonero y a un banco, entre otros lugares. Nunca emite un juicio, pero los diálogos reproducen la indiferencia y los malos modales con que es rechazado. "Escribientes de direcciones" es el texto sobre una fila de 500 personas que aspiran a ser copistas de una destacada empresa de Berlín: "Los jóvenes parecen hijos de los viejos. Los viejos parecen el futuro de los jóvenes", concluye con desánimo".

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En el suplemento "Radar" Mariana Enríquez nos introduce a la vida, los esplendores y las miserias de los gatos polidáctilios de Ernest Hemingway en Kay West, empezando por el mítico "Snowball", el patriarca de la estirpe. Parece que los 300 se quedan en la que siempre fue su casa.

Cuenta Mariana Enríquez: "En la década del ’30, un capitán de barco le regaló a Ernest Hemingway un gato, que se llamaba Snowball. No era un felino común: tenía polidactilia, es decir, más dedos que lo habitual en sus patas traseras y delanteras; a veces parecía estar usando mitones, porque sus “pulgares” estaban muy desarrollados. Hemingway llevó a Snowball a su casa de Key West, Florida, donde escribió Por quien doblan las campanas y varios cuentos clásicos, como “Las nieves del Kilimanjaro”. Y él mismo se sorprendió cuando Snowball fue padre de gatitos, y todos tenían dedos de más, a pesar de que la mamá gata era normal."

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El "Babelia" de esta semana tiene como tema principal el auge de la novela negra en España. Un auge que implica no sólo la aparición de escritores españoles sino del cada vez mayor número de traducciones de los maestros contemporáneos del género, de distintas nacionalidades y con un alto número de mujeres. Se habla por ejemplo del irlandés John Connolly. También de Walter Mosley y Harlan Coben, ambos norteamericanos. La británica Susan Hill, a quien comparan con P. D. James, la canadiense Ann Marie MacDonald, la exitosa alemana (nacida en Shangai) Ingrid Noll, la francesa Fred Vargas, la también británica Diane Setterfield, y el rescate de la estadounidense Elisabetth Sanxay Holding (1889-1955). También se menciona a los españoles Eugenio Fuentes y Antonio Jiménez Barca. Y el novelista Justo Navarro comenta al oficial polaco Alexander de Milja, creado por el narrador Alan Furst.

Dice la nota: "La novela policiaca vive un auge indiscutible. Prueba de ello son los aires de renovación que se perciben en España, el esplendor de la nueva narrativa negra francesa o la aparición de nuevos autores suecos, en la línea marcada por Maj Söjwal y Per Wahlöö o Henning Mankell. Lo negro experimenta, además, una afortunada contaminación de otros géneros con resultados muy potentes."

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La entrevista a Pablo de Santis que aparece en "El Dominical", realizada por Carlos Batalla, no tiene pierde. En ella aparecen algunas citas citables, más allá de la coyuntura del premio Planeta, que vale la pena resaltar a manera de citas citables. Aquí dejo tres de éstas:

Novela policial: Creo que el género policial ha invadido todas las formas de la ficción. La estructura del policial es visible en las series de televisión y en el cine. Lo que ha quedado desplazado en el género, de alguna manera, es la figura del detective clásico. Y esto porque la idea sigue siendo atractiva: alguien que busca la verdad. Eso siempre estuvo en la literatura, contar un cuento es como contar un secreto. Pero el policial puso eso en primer plano. Y otra cosa importante: el detective siempre ha sido el espejo del lector. Los dos leen el mundo. El detective, a través de los objetos y los lugares; y el lector, a través de las palabras y los escenarios.

Perfección literaria: Hay una obra que se llama El libro del té, que habla de los rituales japoneses del té; allí se cuenta una fábula de un padre que le dice a su hijo que limpie el jardín. El hijo lo hace con esmero, pero el padre le dice: "No es suficiente". El hijo vuelve a limpiar todo, y de nuevo el padre le dice: "No es suficiente". El hijo se da por vencido. Entonces, el padre se dirige al jardín y sacude un arbusto hasta que caen unas hojas doradas en el piso, y dice: "Así es como se limpia un jardín". Es decir, siempre debe estar el elemento de perfección, pero también el de la espontaneidad, lo que hace a las cosas más humanas y reales.

Ficción: James Ballard acuñó esta frase: "La misión de la literatura ya no es agregar más ficciones al mundo sino despojar al mundo de ficciones". A la vez creo que la literatura siempre se relaciona con el mundo mítico. Me parece que estamos muy cerca de los grandes relatos inconscientes, del mundo de los sueños. La ficción no es sólo el mundo de la novela. Las técnicas narrativas no están sólo en las novelas sino también en el mundo cotidiano.

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Haré un esfuerzo por no hacer una comparación de esta nota con la realidad cultural peruana... mmm.... ¡no puedo! A ver qué les parece esta noticia. Y díganme si creen que alguna vez, en alguna circustancia, bajo cualquier iniciativa, podría suceder algo parecido en el Perú. Piensen, piensen, pero sin deprimirse. Mientras tanto, entérense de que el Ministerio de Educación argentino regalará 100,000 ejemplares de cuentos de Fontanarrosa en los estadios de fútbol. Como lo oyen. Unos genios.

Dice la nota: "Unos 100 mil ejemplares de tres cuentos del recientemente fallecido humorista y escritor argentino Roberto Fontanarrosa serán entregados desde hoy a los hinchas que acudan a los estadios de futbol. La iniciativa fue impulsada por el Ministerio de Educación, que dispuso que se distribuyeran los cuentos "El loco cansino", "Humorfútbol" y "Lo que se dice un ídolo". La entrega de los ejemplares continuará hasta el domingo próximo "en el marco de las acciones de promoción de la lectura en espacios no tradicionales, y tiene el objetivo de homenajear al escritor y dibujante argentino", precisó la cartera educativa.

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Y ya que hemos mencionado las fotografías de Dorothea Lange, hablemos de Juan Rulfo en su faceta de fotógrafo. A pesar de que no se consideraba un profesional, en 1960 se animó a mostrar 23 fotografías en la Casa de Cultura de Guadalajara. Luego, habría que esperar hasta 1980 para que se diera una nueva muestra, con 100 fotografías, entre las cuales se encuentran las más conocidas soslayando muchas de la primera muestra. Pero a partir del 16 de agosto esa primera serie de 23 fotografías podrá ser vista en México en la Casa Universitaria del Libro. La nota es de "El Universal" quien además nos anticipa una amplia galería fotográfica.

Dice la nota: "Juan Pablo Rulfo, el hijo menor del creador de Comala, considera que el trabajo fotográfico de su padre es un recorrido vital en el que se pueden apreciar sus intereses: el alpinismo, los paisajes, la arquitectura, la etnografía, la ciudad y el campo, temas que de alguna manera también están reflejados en su obra literaria. “Lo que me parece más interesante es que hay una visión muy clara de lo que es su ojo, su manera de ver. Si bien la fotografía es un fragmento, un pedacito de una realidad inalcanzable, lo que estamos viendo en esas imágenes es una manera de pensar y de ver, porque la fotografía tiene una particularidad que no tiene ningún otro arte, y es que una cosa es la realidad fotografiada y otra la fotografía. Juan Pablo dice que la intención de su padre como fotógrafo no era la de un profesional, Rulfo veía a la fotografía como una manera de acercarse a la realidad, una de tantas maneras de entenderla y quizá de poder ver su pensamiento a través de ella. “He revisado las más de 6 mil fotografías de mi padre y es interesante ver la diversidad de los temas, sobre todo el campo, la antropología, la ciudad, las montañas y la arquitectura porque todo eso es una especie de mosaico de la nación. Lo que deja entender es la vitalidad que tiene en México el campo, su historia, su geografía y sobre todo los indígenas, creo que son los únicos valores reales, porque un México urbano, industrializado, resulta incluso hoy en día, una ficción, lo único que es real, que está ahí y es parte de la historia de México, es su geografía, su campo y los indígenas”.

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¿Cómo? ¿Moleskine Literario se ha convertido en una extensión de "La hora del lonchecito"? ¿Thays realmente se asumió como el Corín Tellado peruano, como me llamaron los críticos despiadados al leer Escena de caza? No se trata de eso (creo, gulp) sino de que en The Guardian han publicado hoy la lista de las 20 historias más románticas para los lectores ingleses. Fue un estudio realizado por UKTV Drama con más de 2,000 votantes registrados. La ganadora fue Cumbres Borrascosas, de Emily Bronté , que desplazó al tercer lugar a Romeo y Julieta, de Shakespeare, ni más ni menos (y también a mi favorita, por la que yo hubiera votado, El paciente inglés, al sexto). Les dejo aquí la lista para que busquen en la librería más cercana (pero en secreto y casi con roche, como corresponde a los que adoramos las novelas de amor) los títulos que les falta en aquella lágrima viva que es toda biblioteca (o al menos la mía).

1 Wuthering Heights Emily Brontë, 1847

2 Pride and Prejudice Jane Austen, 1813

3 Romeo and Juliet William Shakespeare, 1597

4 Jane Eyre Charlotte Brontë, 1847

5 Gone with the Wind Margaret Mitchell, 1936

6 The English Patient Michael Ondaatje, 1992

7 Rebecca Daphne du Maurier, 1938

8 Doctor Zhivago Boris Pasternak, 1957

9 Lady Chatterley's Lover DH Lawrence, 1928

10 Far from The Madding Crowd Thomas Hardy, 1874

11 My Fair Lady Alan Jay Lerner, 1956
The African Queen CS Forester, 1935

13 The Great Gatsby F Scott Fitzgerald, 1925

14 Sense and Sensibility Jane Austen, 1811

15 The Way We Were Arthur Laurents, 1972
War and Peace Leo Tolstoy, 1865

17 Frenchman's Creek Daphne du Maurier, 1942

18 Persuasion Jane Austen, 1818

19 Take a Girl Like You Kingsley Amis, 1960

20 Daniel Deronda George Eliot, 1876

Actualización 11/08.- Gustavo Faverón escribe sobre la encuesta en "Puente aéreo", ahí aparacen dos aclaraciones pertinentes: no es sobre novelas sino historias románticas y no incluía sólo literatura inglesa sino universal, aunque sólo dos obras en otras lenguas entraron a la lista final. Gracias por los aportes.

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Como he comentado antes, José de Piérola estuvo en Lima presentado El camino de regreso (editado por Norma). Hoy apareció una entrevista al autor en el diario "Correo":

Cuenta el germen de la novela: " La semilla fue el año 1992, cuando vi la noticia de la explosión en Tarata. Y poco después empecé a seguir la noticia, prácticamente cada hora, por televisión, por radio o por llamadas telefónicas. Y me afectó mucho porque había tenido la experiencia cercana de la violencia cuando en los 80 yo viajaba por los Andes como ingeniero y visitaba asentamientos mineros. Y en el camino encontraba pueblos andinos muy pequeños. Y veía pueblos desiertos, con pintas, a veces con muertos. Eso se relacionó ese año. Y fue un impacto para mí. Y como siempre tuve la aspiración de escribir, en ese momento me pregunté cómo escribir sobre esto. Y parecía imposible escribir sobre eso. "

También opina sobre las novelas de amor, un tema presente en su obra: " (...) a mí me encantan las historias de amor. Y me encanta que sean diferentes a las novelas que son del género, digamos. La historia de amor está en mis dos novelas anteriores, y no pude evitar que a medida que avanzaba esta novela apareciera una historia de amor. Yo creo que esa relación afectiva es una de los más importantes que podemos desarrollar en la vida. "

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Claudia Ulloa es una joven escritora peruana, quien alguna vez ganó el Cuento de las 1000 palabras de Caretas, y que actualmente vive en Noruega. Desde allá mantiene un blog llamado Séptima Madrugada y publicó el año pasado un libro El pez que aprendió a caminar con Estruendomudo. Bajo el mismo sello aparece ahora Séptima madrugada, una recopilación de algunos posts de su blog. Por ello, la entrevista hoy Francisco Ángeles en "El Peruano" (y una versión mucho más larga aparece en el blog El Hablador)

Dice con respecto a los blogs: "La escritura para mí es un juego y el blog es un juego con los lectores. La veo como una cajita y quiero que el lector la vaya abriendo y sacando cosas. Entonces, a un lector le van a llamar la atención unas cosas y a otros lectores otras."

Antela pregunta sobre si se siente "escritora", contesta: "Soy varias cosas: cocinera, administradora hotelera, socióloga. Ser escritora es una faceta más. Claro que si te ven presentando tu libro en la feria y luego en una mesa firmando, te ven como escritora. Y eso, la manera en que se me ve del otro lado, recién la estoy asimilando. Escribo desde los 13 años, pero nunca me planteé ser escritora, ni publicar ni salir en una foto para el libro."

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Mi hijo Andreas es fanático de los ratones y las ratas (de peluche, hasta ahora). Por eso la película Ratatouille era de visión obligada para mí. Pero jamás pensé que esa abnegación paternal (que me ha obligado a ver, repetidamente, bodrios) tuviese al fin una satisfacción tan grande. Simplemente, tienen que verla. Es de lo mejor, y no solo en animación. La trama, por ejemplo, es genial. Y al igual que Los increíbles, película del mismo director (Brad Bird), está llena de gags con referencias culturales e incluso intelectuales. Por ejemplo, en el blog de Jean Francoise Foguel se comenta una curiosa escena en la que, subrepticiamente, aparece una estupenda crítica al crítico (literario, artístico, gastronómico, etc.). Y es que hay ratas... y ratas.

Dice Foguel: "Esta crítica viene en el final de la película, cuando Anton Ego (Antonio el ego), el crítico de gastronomía más influyente de París en este relato destaca el talento de un nuevo cocinero. (No voy a decir quién es el cocinero ni cómo cocina, sería destrozar a la película). Oímos entonces la voz de Ego que lee el principio de su artículo:"In many ways, the work of a critic is easy. We risk very little yet enjoy a position over those who offer up their work and their selves to our judgment. We thrive on negative criticism, which is fun to write and to read. But the bitter truth we critics must face is that, in the grand scheme of things, the average piece of junk is more meaningful than our criticism designating it so.” (En muchos aspectos, el trabajo de un crítico es muy fácil. Arriesgamos muy poco y gozamos de una posición muy por encima de los que ofrecen su trabajo y su persona a nuestra evaluación. Vivimos muy bien de la crítica negativa, la que da tanto placer en su escritura como en su lectura. Pero tenemos que enfrentarnos con una amarga verdad: el pedazo de basura más común significa mucho más que la crítica que la denuncia por ser esto.)"

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Aunque algunos comentaristas han declarado que la lista de candidatos al Booker no trajo sorpresas, la verdad es que para muchos sí ha sido bastante sorprendente. Y no porque On Chelsea Beach, del siempre favorito Ian McEwan esté entre las candidatas sino porque es el único autor realmente célebre que aparece en la longlist. Y eso que no es un año sin grandes novedades. Se han quedado atrás, por ejemplo: Diary of a Bad Year de J.M. Coetzee, Divisadero de Michael Ondaatje, My Revolutions de Hari Kunzru, The Song Before It Is Sung by Justin Cartwright, Tomorrow de Graham Swift y The Rain Before it Falls by Jonathan Coe (es cierto que algunas de estas novelas aún no han sido puestas a la venta, pero eso no es impedimento para ser candidatas según supe, pues las editoriales siempre mandan con anticipación los ejemplares a la crítica). A cambio de estas ausencias han aparecido en la lista novelas de autores primerizos y de editoriales alternativas. El blog "The Literary Saloon" tiene su propia versión sobre los hechos: todo se trataría de los famosos cupos editoriales.

Dice: "With all the talk about how many/few titles are on the longlist, and who made it and who didn't, and whether the longlist should be published at all commentators again all ignore the Man Booker's fatal flaw: the gross restrictions on the books they're even willing to consider -- which this year amounted to a ludicrous 110 entries (yeah, that's representative of all the best writing in the Commonwealth plus Ireland and Zimbabwe ...). With former winners (Coetzee, Ondaatje, etc.) and recently shortlisted authors all getting a free pass into the competition but each publisher otherwise restricted to two entries (with a few additional ways of slipping a book in) they don't come anywhere close to considering all the books that deserve to at least be in the running. Sure, the longlisting of a title by a tiny new press like Myrmidon Books ("Our first titles were released in the Autumn of 2006") -- The Gift Of Rain by Tan Twan Eng -- makes it look like they're willing to consider anything, but in fact this is one of the most closed-off prizes out there, setting entry conditions that leave it ill-equipped to anoint the best book of the year."

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Una reseña en el ABCD me hace recordar algo que había olvidado: la esperadísima obra (al menos por mí) Trece mares, siete ríos (Emecé) de Mónica Alí jamás llegó a Lima. Una lástima porque gracias a ella la escritora inglesa nacida en Bangladesh (como su padre, mientras su madre es inglesa) se puso en la punta de lanza de su generación. Pero la buena noticia es que, según me comentó en la FIL la editora de Alfaguara, este sello está prestando cada vez mayor atención a la literatura extranjera y la filial Lima empezará a traer libros traducidos. Así es que es bastante probable (¡pero cuándo!) que traigan Azul alentejo, la segunda novela de Mónica Alí que comentó este fin de semana Mercedes Monmany.

Dice la reseña: "Organizado en secuencias o historias que narran la vida de los distintos protagonistas del relato, Azul Alentejo actúa como un rompecabezas en el que los destinos de todos ellos se van cruzando, a veces tan sólo rozando a través de algún contacto fugaz o charla entre desconocidos que se encuentran en alguna mesa del café de Vasco, omphalos principal o ágora, donde todos van a beber, a divulgar los últimos cotilleos sobre la excéntrica familia de ex hippies locales o a echar la partida de cada semana con los amigos. Nada es «tan sencillo», todo esconde algún secreto oculto y desconocido, su propia y única verdad, nos viene a decir la autora, en el cerrado, repetitivo y falsamente plano mundo de Mamarrosa. Los otros son unos grandes desconocidos. Ni siquiera lo que se dice es algo totalmente de fiar: «Podría contaros algunas historias? Pero las historias son lo que utilizamos para ocultar las cosas», dirá Marco.

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Lo bueno de la ferias de libros que los escritores pueden intercambiar sus obras, las cuales difícilmente llegan de un país latinoamericano a otro. Eso es lo que ocurrió con el nicaraguense Sergio Ramírez quien en su post de hoy, en el blog "Boomerang" comenta las crónicas de Daniel Titinger publicadas bajo el título Dios es peruano (Planeta).

Dice Sergio Ramírez: "El nacionalismo latinoamericano se alimenta de símbolos irreductibles. Daniel Titinger lo documenta bien en su libro Dios es peruano (Planeta, 2006), a través de tres símbolos peruanísimos, en cuya defensa se puede derramar hasta la sangre patriota: el pisco (que los malevos dicen que es chileno), el ceviche (que los falsarios dicen que es veracruzano, entre otras muchas procedencias), y la Inca Cola (que es mejor mil veces que la vil Coca Cola, a la que en la lejana juventud hervorosa solíamos llamar las aguas negras del imperialismo). Si leen Dios es peruano de Titinger, cronista agudo de humor y lleno de gracia, director de la ejemplar revista Etiqueta Negra, se darán cuenta del mar proceloso de nacionalismos en que navegamos, y los del Perú son un divertido y sabio ejemplo, pero de esos tesoros abundamos en todas las latitudes de nuestra América. Dios también es argentino, y ya lo era antes de ser peruano."

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Carátula del libro. Fuente: literaturas.com

El escritor cubano Senel Paz ha venido a participar del Festival de Lima, la cita cinematográfica más importante del país realizada por el Centro Cultural de la PUCP. Además, ha dictados unos talleres de guión pues, como recordarán, él fue uno de los guionistas que adaptó su propio cuento (titulado "El Lobo, el bosque y el hombre nuevo") para la exitosa película Fresa y chocolate que dirigió Tomás Gutiérrez Alea. Aprovechando su presencia en Lima, hoy en el Centro Cultural se presentará su novela En el cielo de diamantes (Ediciones B) a las 6:15. La presentación estará a cargo de Alonso Cueto.

Les dejo aquí un fragmento de la novela.

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¿Se acuerdan de aquel crítico que dijo detestar la literatura peruana de aquellos que tenían influencias "sospechosamente" norteamericanas? Nunca quedó claro aquello de "sospechoso". ¿Agentes de la CIA, del FBI o de la DEA? La cosa es que, para algunos, los EEUU son el cuco. Y no sólo en el Perú. Por el blog "The Art OF Fiction" (ni más ni menos) me entero de un artículo aparecido en "Laberinto", el suplemento de Milenio, en el que Heriberto Yépez acusa a la literatura mexicana de ir agringándose progresivamente desde el grupo los Contemporáneos y en especial Salvador Novo. También les dejo las interesantes reflexiones de Mauricio Salvador, de The Art Of Fiction, respecto al artículo. En lo que a mí respecta, creo que la influencia de EEUU es muy fuerte no sólo en México sino en todas las literaturas del mundo (pasando por los McOndo, los Nocilla e incluso los franceses, los japoneses y hasta los británicos a partir del Dream team). Pero lo que tenemos a favor los latinoamericanos es que no sólo tenemos influencia norteamericana. Picamos de donde podemos y nos encanta Paul Auster, que es casi francés, tanto como Nabokov es casi gringo, y también Pynchon, Murakami, Marai, Sebald, Walser, Gombrowicz y Macedonio o Rulfo, y todos, absolutamente todos los que pasen por aquí (los publique o no Anagrama, que no sólo publica gringos ojo sino autores europeos notables como Bufalino, Von Rezzori, Claus y hasta Paasilinna que es mi nuevo admirado). Lo bueno de ser un país mestizo es que nada es solamente nuestro, pero todo nos pertenece. Bacán.

Dice Yépez: " El proceso más importante de la literatura mexicana post-paceana es la de su americanización subterránea. Generaciones como la sesenta contracultura mexicana (la Onda), el infrarrealismo en los setenta, el realismo sucio de Fadanelli y los neo-bukowskianos —que a mí me atedian— en los ochenta y noventa, respectivamente, determinaron que la literatura mexicana cada vez sería más gabacha (...) La americanización de la literatura mexicana (hoy) se llama, digamos, Philip Roth y Paul Auster (and many more, y si no me creen, pregúntenle a Anagrama). Sin embargo, ocurre un extraño fenómeno: los literatos mexicanos jóvenes y sus precursores paceanos no advierten la creciente americanización de nuestras letras porque: A) Paz consagró la ficción de una Tradición Mexicana, de una Literatura Nacional (que nunca ha existido, como no existe ninguna en ninguna parte del mundo, sobre todo, desde el siglo XVI) y B) impedidos a darse cuenta de su paradigmático (y, en algunos casos inconsciente) Nacionalismo Literario, son influidos por la literatura norteamericana mainstream, oficial, mercadológica, republicana: ¡todos esos tarugos que sueñan con Harold Bloom! Lo peor de la actual literatura mexicana es que se trata de una literatura norteamericana conservadora (SIN SABERLO). Convertirse en un escritor norteamericano pasado de moda (sin saberlo) ha llegado a un extremo risible. Para muestra, cójase cualquier revista literaria mexicana y el que no es bukowskiano es bloomiano y eso, místeres, ya es una absoluta mamada".

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Alguna vez jugué una versión de Winning Eleven donde en la selección brasileña de clásicos aparecía Garrincha. Ya no aparece más, creo. Aquel jugador de winning era extraordinario: corría siempre pegado a la línea y dribleaba sin perder la pelota. Se metía al área como un diablo. Dicen que así era él, en realidad, el llamado "La Alegría del Pueblo". Pero Garrincha, a diferencia de Pelé, fue un ídolo caído, una estrella solitaria, un piernas chuecas incomprendido. Y por eso lo admiraban los poetas. Por ejemplo, el extraordinario Carlos Drummond de Andrade que, dos días después de la muerte de Mané en 1983, le dedicó este homenaje que publica ahora el suplemento cultural de "La Jornada." Me encanta sobre todo esa frase: " Si hay un dios que rige el futbol, ese dios es ante todo irónico y burlón". Se las dedico a mis amigos de Neverland a quienes ayer les dimos, junto con mi compañero de tándem, una verdadera zandunga.

Dice el texto: "La simpatía nacional acogió a Mané en todas las jugadas de su vida, por más desastrosa que ésta fuera, y eso es algo que nos libra del remordimiento que nos causa su triste fin. El niño grande que él nunca dejó de ser fue víctima del germen de autodestrucción que traía consigo: le faltaban las defensas psicológicas que lo salvaran del clamor de amigos y fanáticos. Garrincha, adorable, era una hoja al viento. Queda el maravilloso recuerdo de sus increíbles hazañas, que regalarán siempre una sonrisa a quien las traiga de nueva cuenta a la memoria. Basta ver un video de los partidos que disputó: se percibe al instante cómo el cuerpo humano puede ser instrumento de las más geniales creaciones en el espacio, rápidas como el relámpago e imborrables en la memoria. Quien vio jugar a Garrincha no puede tomar en serio las teorías científicas que predicen la inminente parábola de una pelota y garantizan la victoria –que no llega. Si hay un dios que rige el futbol, ese dios es ante todo irónico y burlón, e hizo de Garrincha uno de los enviados suyos con la encomienda de burlar todo y a todos en los estadios. Pero como es también un dios cruel, despojó al pobre Garrincha de la facultad de percibir su condición de enviado divino. Fue un pobre y pequeño mortal que ayudó a un país entero a sublimar sus tristezas. Lo malo es que las tristezas vuelven, y ya no tenemos otro Garrincha. Necesitamos uno nuevo, que nos alimente el sueño.

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Justo ayer conversamos sobre Madame Bovary en "Vano Oficio" y hoy leo en el suplemento de La Jornada un número especial llamado "El año de Madame Bovary" pues en el 2007 se cumplen 150 años desde que apareció la novela editada en forma completa, no como folletines. La primera edición es de abril de 1857 con un tiraje de 6,600 ejemplares. Andreas Kurz es el autor del interesante artículo.

Dice: "El término "realismo literario" es un oxímoron. Flaubert lo sabe. Por eso no pretende describir quehaceres, actos concretos, sino sólo actos lingüísticos. En este sentido, Flaubert tampoco es el precursor de Zola, sino de Marcel Proust quien, cuarenta años después de Madame Bovary, usaría miles de palabras para relatar la entrada de un personaje en un restaurante, escena que, en tiempo real, dura unos diez segundos. Como Flaubert, Proust sabe, antes de que la crítica moderna alrededor de Barthes y Genette lo enseñe, que el realismo en literatura es literario, por ende nunca puede ser real propiamente dicho. La única realidad literaria concebible es el lenguaje. El personaje de Proust se vuelve tangible en medio de las miles de palabras usadas por un narrador, de ninguna manera gracias a la percepción visual arbitraria de este narrador. Emma Bovary, Charles y Homais son lenguaje, nada más. No importan los sentidos, ni los del narrador, ni los del lector. Ésos tienen su función en otra realidad que no es literaria, en la que el lenguaje "sólo" es un medio de comunicación que describe la misma realidad a la que se subordina. En la literatura de Flaubert el lenguaje no comunica y refleja arbitrariamente, sino ve, oye, huele y siente, forma sus propios sentidos. Hay dos opciones. O Flaubert no es realista porque no le interesa en absoluto la realidad. O es realista metafísico porque se mueve dentro de una realidad del habla vasta y abarcadora que rebasa no sólo los límites de la provincia francesa decimonónica, sino también los de la percepción sensual.

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Grecia Cáceres ha publicado en la editorial Estruendo Mudo su novela La vida violeta, que antes había sido editada, en francés, en París en el año 2003. La presentó en la FIL Lima y ahora "El Peruano" le hace una entrevista:

El diario resume así el argumento: "Una secretaria, Violeta, vive en la Lima de mediados del decenio de 1960, durante el primer gobierno de Belaunde. Su rutina es leer fotonovelas, género sumamente popular en la época. Llega a internalizar tanto su lectura que comienza a interpretar su entorno como si participara en estos dramas fotografiados."

La autora dice: "En la literatura peruana tenemos –no diría grandilocuencia– ideales muy altos de la literatura y la novela total, de reflejar un mundo. Los subgéneros son vistos con avidez, resquemor y atracción. La novela rosa, la sentimental, la fotonovela, la radionovela, ese universo femenino sigue teniendo una lectura más ligera

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La reseñista Patricia Espinoza, en El Financiero, comenta el libro Un placer fugaz , la correspondencia de Truman Capote, y afirma que el narrador estadounidense no era un buen escritor de cartas. ¿Por qué? Porque evidentemente, a diferencia de otros autores de correspondencia, Capote usaba las cartas sólo para mandar noticias, informaciones, comentarios, etc. Eso no quiere decir que no supiera que la posteridad cogería esas cartas y las haría públicas, él estaba conciente de su trascendencia. Pero, simplemente, usaba la herramienta para cosas concretas y no pensando en los futuros lectores. ¿Es un error eso? No creo. Lo que sí creo es que se hubiera sentido mucho más cómodo con el email.

Dice la reseña: "Según explica en el prólogo: «Truman escribía a sus amigos sin reservas, inhibiciones ni formalismos». Pero aún así es evidente que el género epistolar no era algo que el escritor valorara. Muy por el contrario, parecía considerarlo una pérdida de tiempo. Es sabido que Capote prefería desplegar su extravagante personalidad («Soy alcohólico. Soy drogadicto. Soy homosexual. Soy un genio») en las reuniones sociales que se celebraban en Nueva York. Durante años fue el centro de atención del mundo artístico y literario con su inagotable caudal de chismes y anécdotas maliciosas. Clarke dividió la correspondencia de Capote en cuatro secciones. Estas abarcan los primeros pasos del escritor en la escena literaria; su larga estadía en Europa durante la década del 50; los años dedicados a la escritura de «A sangre fría» (la novela «no ficcional» que lo catapultó a la fama en 1966 y que narra el brutal asesinato de una familia de Kansas) y sus últimos años de decadencia, en donde el escritor se ve cada vez más sumergido en las drogas y el alcohol.

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Hoy en Vano Oficio tendremos una cita con Madame Bovary, la espléndida novela de Gustave Flaubert considerada por muchos como la novela más importante del siglo XIX. La reunión contará con el apoyo del psicoanalista Luis Herrera, el joven escritor Victor Miró Quesada, el actor y comunicador Jaime Lertora y la cantante Cecilia Barraza. Como ven, un panel bastante surtido para hablar de esta mujer no necesariamente hermosa, como la ponen en la película de Chabrol, pero que definitivamente cambió la literatura.



Hoy a las 11:30 en el canal 7, TV Perú.

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