MOLESKINE ® LITERARIO

Luego de decantada la primera lista (en la que figuraban nombres conocidos como la peruana Teresa Ruíz Rosas, el español Eloy Cebrián y el chileno Alvaro Bisama), ya salió la shortlist del premio Herralde, los finalistas del prestigioso premio de la editorial Anagrama. En esta ocasión, los autores son de Argentina, España, México y Uruguay. Y al igual que el Goncourt, será el lunes 5 de noviembre la fecha en que conoceremos al ganador.

Dice la nota: "La lista de finalistas está integrada por ‘Ciencias morales’ y ‘Novela total’, de los argentinos Miguel Cané y Pablo Tenembaum, de manera respectiva, y ‘Volveré y conmigo el fuego’ del mexicano Francisco Calderón, en todos los casos seudónimos. Además de ‘En qué piensas cuando no piensas en nada’ del español Rictus Ceballos, ‘La velocidad’ del también español Alfonso Yáñez y ‘La profecía’ del uruguayo Roberto Echavarren.

En 2006, la obra premiada fue ‘La enfermedad’, del venezolano Alberto Barrera Tyszka.En la convocatoria del 2006, Anagrama recibió 172 originales, mientras que este año la cifra aumentó a 201, lo que a juicio de la editorial muestra el creciente interés por este galardón literario.

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Estuardo Núñez, extraordinario sobreviviente de una generación de intelectuales (compañero de salón de Martín Adán y Emilio A. Westphalen ni más ni menos), ha recibido a sus casi 100 años el Premio Southern Perú 2007 a la Creatividad Humana en "mérito a su destacada trayectoria profesional y a su calidad inmensa de pionero de la investigación literaria y de nuestro patrimonio cultural y su difusión a nivel internacional". En entrevista en "La República" Pedro Escribano aprovecha para conseguir el perfil de dos precursores intelectuales suyos: José C. Mariátegui y José María Eguren.

Dice sobre Mariátegui: "Era una personalidad descollante. Era un hombre de pocos años de vida, pero se había distinguido como un periodista de gran calidad. Le gustaba vincularse con la gente joven, confrontar, apreciar las cosas con un criterio nuevo, muy personal que él tenía. Mariátegui no era sectario, era muy amplio. Sí, era un hombre de ideas, pero de ideas que tenían un fin para cambiar las condiciones de la sociedad en que vivíamos."

Y sobre Eguren: "De chaplinesco no tenía nada. Era un hombre de conformación precisa de lo que solía ser un hombre público. Era un hombre que participaba de las nuevas ideas, pero un tanto superficialmente, porque desde el punto de vista ideológico, era un soñador. Sí, era un hombre que participaba en las nuevas ideas, pero en el fondo era un conservador, muy ligado a contemplar las cosas desde un punto de vista muy personal."

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Un homenaje a Blanca Varela fue la presentación del libro Nadie sabe mis cosas, de Rocío Silva Santisteban y Mariella Dreyfuss sobre la obra de la poeta, editado por el Fondo Editorial del Congreso. Ahí se le colocó la Medalla al Mérito del Congreso como reconocimiento a su valor literario y fue presentada por la directora del Fondo Editorial del Congreso, Martha Hildebrandt, la crítica Cecilia Esparza, el psicoanalista Max Hernández y el pintor Fernando de Szyszlo. La crónica en El Comercio.

Dice la nota: "Ante un auditorio lleno, además de las felices editoras, presentaron el libro la directora del Fondo Editorial del Congreso, Martha Hildebrandt, la crítica Cecilia Esparza, el psicoanalista Max Hernández y el pintor Fernando de Szyszlo. Después de la detallada descripción del contenido del volumen a cargo de Cecilia Esparza, en el que se recorren temáticas tan caras a una poeta heredera del surrealismo, como el cuerpo, la maternidad, la plástica, la divinidad o la muerte. A su turno Max Hernández agradeció participar en la mesa, algo que consideraba "una obligación de una amistad de la que siempre estaré en deuda. Tal vez se pueda decir que su poesía es producto del cortocircuito entre un cuerpo de carne y hueso y la escritura", señaló Hernández, quien recordó al mexicano Octavio Paz cuando se refirió a la poesía de la autora de "Ese puerto existe" de esta forma: "Nada menos femenino que la poesía de Blanca Varela, al mismo tiempo, nada más valeroso y mujeril". "Tal vez la poesía de Blanca Varela, hecha de carne y hueso, sea una poesía descarnada, pero en ella palpita ese regenerar de lo sensual, incluso de lo sensorial", señaló. "Este libro es la consecuencia de una vida de coraje, grandeza y temple, y de una voz poética que hizo de la insumisión su ley". Asimismo, las escritoras Mariela Dreyfus y Rocío Silva Santisteban compartieron su entusiasmo por haber llegado al final de un proyecto que nació muy modesto, pero que a lo largo de siete años alcanzó una gran dimensión. "En principio tratábamos de hacer una breve colección de ensayos en torno a la obra de Blanca Varela y, sin embargo, se fueron agregando nuevos textos, lecturas, entrevistas, que exploraban desde distintos ángulos y órbitas su poesía", señaló Dreyfus, quien recordó las tardes de domingo en que en la casa de Blanca Varela en Barranco revisaban fotografías y escuchaban a la autora leer su más reciente poesía. "Creemos que 'Nadie sabe mis cosas' es, de alguna manera, un homenaje generacional de parte de las escritoras que hemos estado cerca de Blanca Varela y que reconocemos en ella su magisterio en la poesía y en la vida", agregó.

Fue Fernando de Szyszlo quien se dirigió al público en representación de la familia de la poeta. El pintor recordó lo que significó Blanca Varela dentro de la generación del 50, influenciada por la obra y militancia literaria de poetas anteriores, como César Moro y Emilio Adolfo Westphalen. "En la generación del 50 cada uno leía más o menos los mismos libros, pero cada uno los disfrutaba de diferentes maneras. A Blanca le gustaba mucho más en esa época la poesía de Rilke y de Neruda. Esa confluencia da un perfil de su poesía. Es una obra que parte de una manera de ver el mundo de forma muy austera. Buscaba eso que Bretón llamaba "lo sagrado laico"; esa sensación de lo sagrado no religioso está muy presente en la austeridad y la cercanía telúrica de su poesía", señaló.

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En la entrevista que le hacen hoy a Santiago Roncagliolo en El País destaco, sobre todo, la perspectiva que tiene sobre el tema de su crónica La cuarta espada. Más que el mismo Abimael Guzmán sería el tema del mal y la maldad.

Dice al respecto: "Te puede llegar a resultar fascinante cómo la maldad puede atrapar a un individuo como él. Te choca que un tipo sin dinero, sin armas, y sin apoyo de gobiernos internacionales pueda llegar a crear la guerrilla terrorista más letal de toda América y de toda la historia del continente americano. Es el único que ha matado más que el Estado, de modo que hasta cierto punto tiene la misma fascinación del poder y del mal que muchos personajes literarios. Creo que el libro puede ser leído incluso sin saber nada de Perú y sin que te interese nada el terrorismo. En sus páginas, el lector encontrará una historia sobre el poder y sobre el mal".

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Josefina Licitra es una cronista argentina que ha colaborado en las revistas Lamujerdemivida, Rolling Stone o Gatopardo. Luego de un año recogiendo testimonios, al fin publica Los imprudentes (Tusquets) que tiene un subtítulo bastante explícito: "Historias de la adolescencia gay-lésbica en la Argentina". La entrevistaron hoy en Página12.

Dice Licitra: "No sé si se entenderá así, pero para mí este libro es más sobre adolescentes que sobre gays. Al ir creciendo me di cuenta de que a esa edad uno es muy chiquito, muy nuevo en todo, aunque se tenga la sensación de tenerla clara. Al mismo tiempo, ahí surgen cuestiones y dilemas que van a permanecer el resto de la vida: se empieza a pensar en el futuro laboral, a definir el deseo. Supongo que esa contradicción, que preguntas tan fuertes aparezcan en una edad tan pequeña, en un punto me conmueve. Mis padres me tuvieron de muy jóvenes, tenían 20 o 21 años, en una época atravesada por la militancia; siempre los vi como adultos militantes, y a medida que pasa el tiempo –ahora tengo 32– miro hacia atrás y veo que eran criaturas. Eran criaturas tratando de construir un mundo."

También dice: "Con la base de que fuera sobre adolescencia y el recorte del tema gay, lo que quise fue contar un cuentito con situaciones reales. No mucho más que eso. Y quería, sí, encontrar alguien capaz de generar suficiente discurso sobre sí mismo como para que mi cuento pudiera estar bien contado. Y justo conocí a Santos, el personaje más fuerte del libro, que me pareció un chico maravilloso, muy rico. Rico en plata y rico como persona. En la editorial se había planteado una historia de adolescentes gays y que fuera algo coral; no pensaba encontrarme con Santos, que tuviera una educación tan buena y tantas herramientas para contarse a sí mismo: podía hablar de arte y comparar su situación con una película. Era muy lindo sentarme a charlar con él, y de hecho me daba vuelta y media en muchas cosas. Un pibe que es una flecha. Me propuse contar su historia de la mejor manera posible; si el libro no daba para contarlo sólo a él, abrirlo a otras historias. Pero no apunté a “uy, miren la tremenda vida de los adolescentes gays” ni a hacer divulgación de nada. La intención era mucho más egoísta: contar un cuento que me gustara."

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De cuaderno en cuaderno (cómo me gustaría decir "de Moleskine en Moleskine"). Hace un par de días comenté la aparición de los Cuadernos Norteamericanos de Nathaniel Hawthorne en Norma y ahora comento la presentación de los Cuadernos de Paul Valery finalmente traducidos al castellano. Aparecen ahí aforismos, poemas en prosa, dibujos, fórmulas matemáticas, disquisiciones filosóficas. ¡Son más de tres mil páginas! La selección y prólogo estuvo a cargo del poeta Sánchez Robayna y lo edita Galaxia Gutemberg. Obviamente, la compra y lectura compulsiva de esos cuadernos se ha convertido en la "primera prioridad" de este servidor... están advertidos los amigos que viajan a España: hagan sitio en su maleta.

Dice la nota: "Robayna señala que «para Eliot, Valéry era el autor de su tiempo que más le interesaba. Por su parte, Adorno confesó que el intelectual que más gravitación había ejercido sobre Walter Benjamin era él; luego, añadía: «Es verdad que se trata de un conservador, pero esto nos debe importar poco, porque llegó muy lejos». También Octavio Paz, aunque con cierto ánimo provocador, afirmó que Valéry era, como filósofo, más importante que Sartre. Hoy día, el premio Nobel de Química Ilya Prigogine ha dicho que en sus Cuadernos están los antecedentes de las concepciones actuales del Tiempo. Creo que éstas son opiniones suficientemente terminantes de la significación de Valéry». Los Cuadernos son la obra de toda vida. «Les dedicó cincuenta años, escribía todos los días de Dios, se levantaba entre las cuatro y las cinco de la mañana -¡qué cosa tan obsesiva!- y durante tres o cuatro horas, hasta el amanecer, se ocupaba en ellos prácticamente de todo, desde dibujos a fórmulas matemáticas, pasando por disquisiciones filosóficas y observaciones sociológicas, dando lugar a miles de páginas, que no se publicaron sino hasta finales de los años 50 en una edición facsimilar, que luego Gallimard recogió en un conjunto ya ordenado. Es una obra mítica que ningún editor español se había atrevido a publicar». Para el autor de esta selección de textos, así como de sutraducción y prólogo, «es como si viéramos pensar a alguien delante de nosotros. De repente, brota una palabra, enseguida otra, Valéry crea un puente entre las dos mediante un pensamiento de tipo analógico realmente sorprendente.Y luego, lo une a una fórmula matemática o a un hecho histórico, liga éste con un fenómeno sociológico y se va creando un admirable red de pensamiento. Y se interesaba por todo: física, matemáticas, psicología, sociología, arte, música, literatura y poesía».

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Antes de que pase el mes, quería volver a recomendar (lo hice en su momento) el número de Letras Libres de octubre dedicado a Mario Vargas Llosa (¿anticipándose con entusiasmo, quizá, al premio Nobel?) Un monográfico excelente que incluye testimonios de sus amigos, ensayos sobre él y uno del mismo autor, y una extensa entrevista de Alonso Cueto al autor. En ella encuentro este párrafo acerca de cuál es el punto de partida de muchas de las novelas de Vargas Llosa. Una contribución más a sus lecciones literarias:

Dice Vargas Llosa: "Cambia mucho. A veces es un personaje, a veces es una situación. En el caso de El Paraíso en la otra esquina, comenzó siendo la idea de Flora Tristán básicamente. Ya después eso se fue enriqueciendo con un contexto político, con paisajes, la historia del siglo XIX, los utopistas, el Perú. Pero al principio fue solamente el personaje. En otras novelas el punto de partida no ha sido el personaje. Por ejemplo, en La ciudad y los perros mi idea inicial era un ambiente, el mundo del Leoncio Prado que era un mundo autosuficiente, de mucha violencia, un mundo darwiniano donde los débiles son aplastados por el fuerte. Los personajes fueron surgiendo luego. En el caso de El hablador era un discurso. Cuando conocí a los esposos Snell en el Instituto Lingüístico de Verano, la primera vez que fui en el año 58, lo que me quedó en la memoria fue la historia que me contaron de un hombre que había llegado a la comunidad y que hablaba y hablaba toda la noche. Hablaba con un discurso absolutamente confuso y diverso donde se mezclaban anécdotas, historias, confesiones personales, comentarios, leyendas. Ésa fue la imagen que me quedó del hablador, ese hombre que habla y que va de pueblo en pueblo, de familia en familia, con ese discurso continuo en el que la gente se va reconociendo, que va como integrando a la comunidad. Pero al comienzo tenía sólo esa idea, no el personaje concreto. En Los cachorros la idea se originó en la noticia que leí en un periódico sobre la castración de un niño que había sido mordido por un perro. Lo que me interesaba era contar la historia de una herida que, a diferencia de otras heridas que se cierran con el tiempo, iba a abrirse. Yo tenía la idea de escribir una historia sobre el barrio y asocié la historia de la herida con la del barrio. Tenía el recuerdo de lo que había sido esa vida de pandilla de un grupo de chicos y chicas que crecen juntos y que siguen unos ritos. La idea de Pichulita Cuéllar, el protagonista de Los cachorros, se asoció de pronto a la idea del barrio y encontró ahí un medio ambiente donde encajaba. Eso me ha pasado en otros libros. Por ejemplo, yo tenía la idea de una historia sobre un anarquista frenólogo desde que leí un libro sobre el anarquismo español y descubrí que un grupo anarquista en Barcelona se había fascinado por la frenología. La frenología, tal como la concebían ellos, desmitificaba a Dios. Era la ciencia del materialismo según la cual el alma está en los huesos o en la cabeza. Esos anarquistas frenólogos me atraían mucho como personajes de una historia pero yo no sabía dónde introducirlos. Cuando escribí La guerra del fin del mundo pensé que allí sí cabían perfectamente, en un personaje como Galileo Gall. En la memoria hay como un gran desván de ideas diversas que con el tiempo se van asociando con otras y van encontrando su lugar en el proceso de escribir. A lo mejor son cosas que uno ni siquiera recuerda y que de pronto vuelven. Supongo que eso te pasa a ti también cuando escribes; tener una serie de ideas que almacenas y usas muchos años después..."

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Aunque se les anunciaba con bombos y platillos, los esposos Angeles Mastretta y Héctor Aguilar Camín no podrán estar en Santiago de Chile donde cerrarían la Feria del Libros presentando sus últimos libros, ambos editados por Planeta; en el caso de Mastreta, su obra Maridos y en el caso de Aguilar Camín La provincia perdida.

Dice la nota: "Los organizadores de la Feria del Libro de Santiago cancelaron la participación en este encuentro de los escritores mexicanos Angeles Mastretta y Héctor Aguilar Camín, por “razones de fuerza mayor”. En un breve comunicado, la Cámara Chilena del Libro informó que “por razones de fuerza mayor absolutamente ajenas” a los organizadores del certamen cultural, se debió cancelar la asistencia de ambos escritores mexicanos a la 27 versión de la feria literaria. La Cámara y Editorial Planeta habían anunciado esta mañana la visita de Mastretta y Aguilar Camín como “la gran sorpresa de la Feria del Libro de Santiago”, que comenzó la semana pasada en el capitalino Centro Cultural Estación Mapocho. Sin embargo, esta tarde la Cámara Chilena del Libro debió emitir un nuevo comunicado anunciando la suspensión de la visita sin dar mayores detalles. Según el programa original, Mastretta iba a participar el próximo sábado en el evento cultural, donde presentaría su más reciente obra, titulada “Maridos”. Mientras que Aguilar Camín debía asistir a la jornada de clausura de la muestra, el próximo domingo, para presentar al público su libro “La provincia perdida”.

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En "Inquisiciones" Abelardo Oquendo hace una interesante acotación acerca de los ensayos sobre "literatura femenina", a partir de la lectura del número doble de la Revista de Crítica Literaria Latinoamericana (63-64).

Dice Oquendo: "Otro par de textos –de la sección Notas esta vez– trata asuntos relativos a la "literatura femenina". Uno lo firma Francisco Peña Rodríguez: "Amor, erotismo y sexo en la poesía de mujeres de la Generación del 2000". El crítico español sostiene allí la existencia en nuestra lengua de la tal generación, con características comunes en España e Hispanoamérica, y se refiere particularmente a algunas de sus integrantes. La cuestión es, frente a este enfoque, si los que elige son realmente los temas clave distintivos de la poesía femenina o si son los que, por deformación de la mirada (¿masculina?) se insiste en buscar, casi exclusivamente, en ella. El segundo texto es de Raquel Pina y versa sobre "La literatura como espacio de resistencia. Mujer y maternidad: la falacia del espacio privado". Parecería, otra vez, que la literatura de la mujer girara tan solo en torno de temáticas propias de su sexo. ¿No será más bien la crítica la que mira obstinadamente ese aspecto, como si nada más contara para las escritoras?

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El extraordinario poeta chileno Gonzalo Rojas, que cumple 90 años, ha sido el gran homenajeado en la FILSA. Aquí les dejo una antología de poemas de Gonzalo Rojas, en la que lamentablemente no está mi poema favorito: "Rimbaud" (que se los dejo aquí).

Dice la nota: "En el marco de la celebración de sus 90 años de vida el poeta Gonzalo Rojas, ganador del premio Cervantes 2003, se mostró visiblemente emocionado ante los homenajes realizados a su figura, en la Feria del Libro de Santiago. Una de las más importantes de la literatura actual chilena dijo estar "contento de dialogar, todo ha sido grato, el hallazgo con los públicos juveniles, un desafío a uno mismo, ¿no?", señaló Rojas, al terminar la lectura de sus obras y diálogos. La Feria del Libro que se desarrolla en el Centro Cultural Estación Mapocho, ofrece una muestra de los trabajos de Rojas, que incluye fotografías y material audiovisual. Según informa radio Cooperativa, tras el homenaje literario, el autor de libros como Réquiem de la Mariposa, retornará a su hogar en Chillán para tomarse un prolongado descanso. Sus obras fueron el centro de las celebraciones, incluso fue el mismo quien recitó los versos de su poema "Féretro", en la Feria Internacional del Libro de Santiago. "

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El diario Correo entrevista hoy a Edgar O´Hara sobre el reciente poemario La soñada coherencia, publicado por Mesa Redonda, que es una antología de Luis Hernández preparada por O´Hara. Por cierto, la fama de Luis Hernández trasciende: Alejandro Zambra, gran lector de poesía y poeta también, está muy interesado y hay otras personas que lo están pidiendo a través de Moleskine.

Dice O´Hara: "Creo que el atractivo de Hernández se basa específicamente en la calidad de su obra, en la que por más desarticulado que pueda parecer un poema ofrecerá siempre un detalle único, un giro singular, una frase inolvidable. Ahora bien, creo que hay una zona de la obra de Hernández que pertenece más a lo que podemos llamar el testimonio (como la droga, las clínicas, la chispa verbal, el desvarío voluntario), y esa zona a veces ha sido confundida con la poesía. Tengo para mí que Hernández no las confundía ni de vainas (y para el caso, sus tres libros éditos confirman la seriedad de su palabra lírica, su hermetismo), pero en sus cuadernos acogió todo como si se trataran –los cuadernos, digo– de partes de su propia persona simbólica. Cada quien tendrá su “visión” de la poética hernandiana; la mía pasa por la edición de sus cuadernos, la poda selectiva, la elección entre distintas versiones. "

Sobre la oralidad del poeta, dice: "[el] balance entre la oralidad desenfrenada de la noche limeña, digamos, o la jerga de la esquina, al lado de la pureza del verbo (para tocar el charango erudito que habita el fondo de esta poesía), es logrado por el poeta con una facilidad que asombra. Y esta facilidad es peligrosa (no lo fue para Hernández, que sentía y actuaba verbalmente desde cimientos sólidos) si uno cree que lo que en Hernández se ve fácil responde a la simple espontaneidad. Digámoslo así: Hernández podía darse el lujo de ser espontáneo. Basta con citar su formación musical. Esto no se adquiere de la noche a la mañana. Cuesta, pues. Igual con sus lecturas, sus citas, sus pasiones. "

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Se viene la Norton Anthology of Latino Literature que incluirá autores latinos con presencia en Estados Unidos desde el siglo XVI hasta nuestros días. En el 2008 verá la luz este nuevo intento de establecer un canon. ¿Entrarán Celia Cruz y Ruben Blades? Por lo pronto, Ilas Stavans, uno de los antologadores, da su testimonio:

"No hay proyecto en el que he estado involucrado que haya sido más desafiante. La antología tendrá unas 2,500 páginas impresas. Su propósito es ofrecer una imagen cabal de las letras hispánicas en los Estados Unidos desde 1534 a la fecha. Colaboran conmigo cinco especialistas: María Herrera Sobek de la Universidad de California en Santa Bárbara; Gustavo Pérez Firmat de Columbia University; Rolando Hinojosa de University of Texas en Austin; Edna Acosta Belén de State University of New York en Albany; y Harold Augenbraum, director ejecutivo del Nacional Book Foundation. Por “latino” proponemos la convergencia de varios grupos migratorios: mexicanos, cubanos, puertorriqueños, dominicanos, colombianos, peruanos, chilenos, españoles y un largo etcétera. La clave, por supuesto, está en esclarecer los parámetros. ¿Debe el explorador español Alvar Núñez Cabeza de Vaca ser visto como latino? ¿Qué decir de Félix Varela, Leonor Villegas de Magnón y José Martí? ¿Por qué no incluir un puñado de autores latinoamericanos de influencia entre los hispanos en EE.UU., digamos José Vasconcelos, cuyo libro La raza cósmica definió a la intelectualidad chicana? ¿Y debe entenderse por literatura solamente la producción artística tradicional (poemas, ensayos, novelas, cuentos, obras teatrales)? ¿Qué decir de los corridos fronterizos o las canciones de Rubén Blades y Celia Cruz? La antología tendrá índices alternativos: uno cronológico y otro basado en el bagaje nacional. Incluirá un CD con música, discursos de figuras como César Chávez y textos en español. Establecer un canon literario lo convierte a uno en blanco de ataque. ¿Por qué está presente Sutano y no Mengano o Perengano? Mi aspiración es módica: sueño con que las claves del acontecer hispánico al norte del Río Grande sean conocidas entre los jóvenes. No hay civilización que pueda madurar sin reconocerse en el derrotero de su propia literatura.

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Empezaron los premios franceses. Y como de costumbre, el primer en fallar es el Gran Premio de Novela de la Academia Francesa 2007 que se lo llevó el griego-francés Vassilis Alekakis con la novela Apres J.C (Stock). El 5 de noviembre falla el Goncourt, el Renaudot y el Interallié, y el 12 del mismo mes, el Medicis y el Femina.

En la novela ganadora: "Alexakis se remonta a la antigüedad a través de las aventuras de un joven estudiante, cuya casera le pide que investigue sobre los monjes del Monte Atos. La investigación le lleva mil años atrás, hasta la construcción del primer monasterio, e incluso hasta la Antigüedad, cuando Atos ya estaba habitado.En su viaje por el pasado, en el que descubre cómo se impuso el cristianismo, el estudiante tiene encuentros sorprendentes, incluida una joven arqueóloga que le regala tres avellanas halladas en un barco español hundido, un poeta peruano instalado en la sagrada montaña o miembros de una comunidad de Salónica que dos veces al año bailan descalzos sobre leña ardiendo."

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A raíz de un post sobre el Maletín Literario chileno en "Puente aéreo", un lector le propuso a Gustavo Faverón dar algunos nombres para un hipotético Maletín Literario Peruano. La propuesta ha sido acogida por Gustavo y por Daniel Salas -quien le dio un toque navideño- y aunque hasta ahora ninguno de los dos ha puesto su lista, yo propongo estos diez libros para introducir en una caja nomás. Un aporte. Pondré detrás de la lista la lista de los demás (el post se irá actualizando). A ver si llenamos la caja. Los libros que propongo están pensados para jóvenes de los últimos años de secundaria.

Actualización 30/10.- Gustavo Faverón ya puso su lista de libros.

1.- El extraño caso del doctor Jeckyll y Mr Hyde (Robert L. Stevenson).- En la primera lectura, una novela fantástica de desdoblamiento y truculencia en medio de un Londres gótico. En las sucesivas lecturas, una novela casi inagotable.

2.- Las narraciones de Arthur Gordom Pym (Edgar Allan Poe).- Un relato de aventuras que conduce a los protagonistas no sólo al autodescubrimiento sino a la aventura final, que es la aventura que no se puede narrar. Una novelita que contiene, en una esencia menos densa, obras un poco más complejas (a las que puede acudir después) como Bartleby el escribiente o incluso Moby Dick.

3.- La casa de cartón (Martín Adán).- Probablemente el lenguaje sea demasiado exigente para los alumnos, pero creo que si logran superar en una primera lectura esas palabras difíciles (no creo que la falta de argumento los desaliente, eso sí) encontrarán reflexiones con las que pueden sentirse no sólo conmovidos sino identificados, escritas además con la sensibilidad de un adolescente genial, pero adolescente al fin y al cabo.

4.- La ciudad y los perros (Mario Vargas Llosa).- Creo que esta novela, leída en el colegio, deja un impacto profundo y una serie de preguntas que bien vale la pena empezar a hacerse antes de salir de la escuela.

5.- El libro de los seres imaginarios (Jorge Luis Borges).- La prosa de Jorge Luis Borges se justifica por sí misma, pero si además esos textos están llenos de estos seres alucinantes el impacto será más profundo.

6.- La verdadera vida de Sebastián Knight (Vladímir Nabokov).- Un juego de ajedrez pero, sobre todo, una historia de amor. Y del amor en serio, nada de estafas: el amor que uno siempre deja escapar porque las palabras que uno quiere decir se posan en nuestro hombro cuando ya es muy tarde.

7.- Los ríos profundos (José María Arguedas).- La sensibilidad del niño Ernesto se corresponde con la naturaleza del mundo andino; una conjugación perfecta. Una novela entrañable que debería reemplazar a "Paco Yunque" y otros textos maniqueos.

8.- El buda de los suburbios (Hanif Kureishi).- Una novela muy divertida, novela de aprendizaje además, con personajes adolescentes en crisis (cuándo no) y que se cionvierte en un prefacio de lo que los lectores adolescentes pueden vivir en la actualidad: la música y las modas, pero también los problemas familiares, el racismo, la crisis vocacional.

9.- Huerto Cerrado (Alfredo Bryce Echenique).- Probablemente no sea el mejor libro de Alfredo Bryce, aunque algunos cuentos suyos como "Con Jimmy en Paracas" son memorables, pero sí el que más puede engancharse con la sensibilidad adolescente. Además, para los hombres les resultará imposible no enamorarse de las chicas que aparecen aquí. Y las mujeres podrán ensayar su ternura con ese Charlie Brown que es Manolo, antes de conseguir para su vida todo lo contrario.

10.- Hospital de ranas (Lorrie Moore).- Una novela estupenda, muy bien narrada, sobre una amistad pero desde la perspectiva femenina. Un deslumbramiento que nos permite acercarnos a la complejidad de "las chicas". Cierto, cierto, la conclusión es un poco deprimente. Pero la vida no es un lecho lleno de rosas, ¿o sí?

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El libro del Bogotá39 en mis manos. Foto: yo

A lo largo de la semana pasada, los Bogotá39 han estado recibiendo sus respectivas copias en triplicado del libro sobre el evento que cuenta con estupendas -¿hay que decirlo?- fotos de Daniel Mordzinski e ingeniosas (angustiantes) preguntas de Gastón García. No quería ser aguafiestas y decir que no lo había recibido y, a juzgar por mis malas experiencias con envíos, no creía que podría llegar a mi casa. Pero llegó. Ahora mismo paso las páginas y los veo a todos. Les dejo aquí algunas de las respuestas a la pregunta: ¿Qué opinas de haber sido elegido para el Bogotá39? (o algo así).

Alejandro Zambra: “Me hubiera sentado mejor un Bogotá 31. La selección en Bogotá 39 me ha puesto muy nervioso, pues hasta ahora me consideraba muy lejos de los 39”

Alvaro Enrigue: “Tal vez 39 escritores sean demasiados para generar cualquier expectativa. Si empezaras a leer hoy las obras de cada uno, cuando llegaras a las fiestas bogotanas apenas llevarías como a tres. Por otro lado, si hubieran sido diez, seguro yo no alcanzaba asiento, así que está muy bien”.

Claudia Hernández: “El gran logro es haber conseguido lo escrito. Los demás es ganancia”.

Daniel Alarcón: “Las listas son interesantes, son divertidas, como las listas que hacemos entre amigos cuando llega el Mundial de fútbol.”

Fabrizio Mejía: “Se acercaron dos niños que se declararon poetas sin ninguna humildad, y nos preguntaron qué libros les podríamos recomendar. Eso fue lo más útil que hice en años”

Joao Paulo Cuenca: “Ya no soy escritor brasileño, acabo de recibirme de escritor latinoamericano”

Jorge Volpi: “Me encanta estar al lado de muchos escritores que admiro y quiero. Me llevo a los amigos, no sé si el nombre vaya a perdurar. Bogotá 39 suena como a línea de metro”

Junot Díaz: “Conozco a muchos de los seleccionados, a unos que les gusta beber y que siempre me meten en problemas con la policía… no mencionaré ningún nombre”

Pablo Casacuberta: “Esta es la primera semana de mi vida en que, consultado acerca de si era escritor, me vi obligado a contestar que sí. Y me gustó eso de ser escritor…”

Ronaldo Menéndez: “En estas cosas existen el éxito, la suerte y la literatura y casi nunca hacen buenos tríos. La literatura me recuerda a un eterno optimista incomprendido que dice: me faltan dos para un trío”

Santiago Nazarian: “Estoy más interesado en encontrarme con los lectores que con los escritores. A los escritores, mejor leerlos”

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Hace un tiempo comenté lo buena que está la carátula de la biografía de Charles Schulz, Schulz and Peanuts, que ha escrito David Michaelis y publicado Harper Collins. Mencioné además la reseña de Michiko Kaktuni. Lo que no podía imaginar era que esa simpática biografía era una bomba de tiempo para los familiares del creador de Peanuts (conocido en castellano como "Snoopy") quienes acusan a Michaelis de haber distorsionado todo. Gracias al lector mexicano Patricio López llego a esta página de cartoon en que reseñan la pelea. También encontré en el diario "Clarín" un eco de la discusión:

Dice la nota: "Una biografía sobre el creador de Snoopy, Charles M. Schulz, salió esta semana a la venta en Estados Unidos y desató polémica. En Schulz y Peanuts, David Michaelis retrata al autor como un hombre tímido y solitario que utilizaba sus dibujos de niños para describir una vida de profunda melancolía. Luego de una investigación que le llevó seis años, Michaelis asegura que era un hombre que se sentía inadvertido y sin amor. Su conclusión surge luego de realizar más de doscientas entrevistas y tener acceso a los papeles familiares. Además, el biógrafo analizó las 17.897 tiras cómicas que Schulz escribió y dibujó. La familia, a través de una entrevista en la revista Newsweek, se mostró en desacuerdo con la imagen que el libro muestra sobre el caricaturista: "De haber sabido que éste era el libro que David iba a escribir, no habríamos hablado con él", dijo su hijo Monte Schulz. Fallecido en 2000, a los 77 años, Schulz abordó un estilo minimalista en el dibujo, que significó una nueva era del cómic y para su autor el mote de genio. Para Michaelis, "lo que nos enseñó Peanuts es que la contradicción y la ambigüedad forman parte de la vida, al igual que la felicidad y la dulzura". Y además agregó: "Tratar de ver a Charles Schulz sólo como una de las cosas es privarle de ser el hombre y el genio que realmente fue."

Por otra parte, las reseñas elogiosas al libro no paran de llegar. Por ejemplo, la semana pasada en The New Yorker ni más ni menos que John Updike le hace una rendida reseña que concluye con este párrafo cuyas conclusiones suscribo:

“Peanuts,” of course, was more than a running autobiographical tease, as the reader can reassure himself by leafing through the lavish “Peanuts Jubilee” or its less lavish, rather jumbled successor, twenty-five years later, “Peanuts: A Golden Celebration.” The elegant economy of the drawing and the wild inventiveness of such pictorial devices as the towering pitcher’s mound and the impossible perspective of Snoopy’s doghouse keep the repetitiveness, talkiness, and melancholy of the strip a few buoyant inches off the ground, and save it from being fey. With the introduction, in 1970, of Snoopy’s friend the tiny yellow bird Woodstock, Schulz gave himself access to a whole fresh realm of tenderness; a sort of parenthood at last crept into the strip, where human parents are invisible. And yet, in the end, it was the woeful personal undercurrent—the frozen memory of a grade-school loser’s unshakable existential angst, a child alone behind his unrecognizably bland face—that set “Peanuts” apart and attracted the devoted loyalty of millions, including future celebrants like the artists Chip Kidd and Chris Ware and writers like Jonathan Lethem and Jonathan Franzen. As Schulz said, most of us are better acquainted with losing than with winning. “Peanuts” was a unique creation, a comic strip at bottom tragic.

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Gracias al blog Paper Cuts del "New York Times" me entero de esta lista en abebooks.com de los diez personajes más terroríficos de la literatura universal. Como para ir preparándonos para buscar disfraces de Halloween. La lista incluye:

1. Big Brother from 1984 by George Orwell
2. Hannibal Lecter from the novels by Thomas Harris
3. Pennywise the clown from It by Stephen King
4. Nurse Ratched from One Flew Over a Cuckoo’s Nest by Ken Kesey
5. Count Dracula from Bram Stoker’s novel
6. Annie Wilkes from Misery by Stephen King
7. The demon from The Exorcist by William Peter Blatty
8. Patrick Bateman from American Psycho by Bret Easton Ellis
9. Bill Sykes from Oliver Twist by Charles Dickens
10. Voldemort from the Harry Potter books by JK Rowling

Para el redactor del post, Dwight Garner, también debieron aparecer: Heathcliff, or Milton’s Satan, or Bulgakov’s devil, or Alex from “A Clockwork Orange” … or, scariest of all, truly, those Pale Green Pants from the Dr. Seuss story.

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Tiempos de elecciones en Argentina, una elección difícil por lo que veo, con mucho ausentismo y con poca confianza en cualquiera de las candidatas. El diarion La Nación aprovecha esta semana de pensamientos argentinos para preguntarle a algunos escritores e intelectuales ( Natalio R. Botana, Tulio Halperin Donghi, Horacio González, Héctor Tizón, Beatriz Sarlo, Graciela Speranza, Luis Gregorich y Juan José Sebreli) cuáles son los textos imprescindibles para desentrañar el enigma del ser argentino. Tenían que escoger solo cinco. Nadie quedó contento.

Dice la nota: "Curiosamente para lo dispuesto por la tradición nacional, Martín Fierro solo es nombrado una vez, lo cual vendría -muchos años de malentendidos de por medio- a corroborar el pensamiento de Borges: "No diré que el Facundo es el primer libro argentino... diré que si lo hubiéramos canonizado como nuestro libro ejemplar, otra sería nuestra historia y mejor". Y está bien citar a Borges en este punto porque, en ese imaginario ranking virtual no deseable, él seguiría inmediatamente, con tres cuentos: "El Sur", "El aleph" y "La muerte y la brújula", lo mismo que Ezequiel Martínez Estrada, con Radiografía de la pampa y La cabeza de Goliat , y Juan Bautista Alberdi, con las Bases y Fragmento preliminar a la filosofía del derecho . Hay finalmente todavía alguna otra coincidencia, como el hecho de que Bartolomé Mitre haya sido elegido, desde muy distintas posiciones, para integrar dos de las listas, y Roberto Arlt figure, no porque sí, con sus Aguafuertes porteñas y Los siete locos en la selección de Beatriz Sarlo y Graciela Speranza, respectivamente.

Sin embargo, es justamente en ese equilibrio entre los que han sido elegidos más veces y los autores y los libros que solo tienen una mención donde está la posible riqueza de este artículo; por ejemplo, cuando Horacio González elige La simulación en la lucha por la vida , de José Ingenieros, "porque en realidad son pequeñas anécdotas traviesas sobre el arte de vivir, entre el sibaritismo y la ciencia". Cuánto sobre nuestra actual forma de encarar la vida nos sigue diciendo ese libro. Lo mismo que cuando Héctor Tizón menciona como obra fundamental el Código Civil de Vélez Sársfield, porque "no ha sido una simple recopilación de viejas leyes [...] [sino] una ley de fondo para que sirviera a un pueblo que aspiraba a vivir a tono con la cultura superior del siglo". Elecciones estas que no desentonan con la de Luis Gregorich, cuando se decide también por Una excursión a los indios ranqueles , de Lucio V. Mansilla, esa "presencia, en los márgenes, de los ranqueles de ahora, olvidados pese a excursiones justificatorias".

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El premio Bruguera, que en su primera edicón ganó Wendy Guerra, tuvo en su segunda edición -que tuvo como única jurado a Ana María Matute- como ganador al español Carlos Peramo y la novela Me refiero a los Játac, una novela sobre las bandas callejeras de Barcelona. El autor se encuentra en Santiago de Chile para la Feria del Libro y ha sido entrevistado en La Revista de Libros. En la entrevista, acepta la influencia de Stephen King. Nuestro Pepe Adolph estará feliz.

Dice Peramo: "La novela, en esencia, es autobiográfica, aunque la línea argumental que se desarrolla en relación a la muerte de Tiny, es completamente inventada. Me refiero a los Játac es, hasta el momento, mi libro más personal, y teniendo en cuenta la repercusión que ha tenido y lo que algunos lectores me comentan de él, he comprendido que la verdadera fuerza de un escritor está en su interior, en su propia voz. Buscar argumentos fuera te puede llevar a hacer lo que ya han hecho otros."

Sobre Stephen King dice: "Le debo mucho a Stephen King, no sólo a su novela El cuerpo. Tengo montones de relatos de terror de mis inicios como escritor en los que se ve claramente cómo lo imitaba, cómo utilizaba sus recursos literarios sin ser del todo consciente de ello. Yo sólo quería ser escritor como él, que me leyera todo el mundo. Stephen King es un autor infravalorado por un amplio sector del mundo literario. Es cierto que su producción es muy irregular y ha tenido épocas en las que ha perdido fuerza, pero ha escrito, al menos, una quincena de novelas que serán clásicos dentro de cien años. Se le recrimina su lenguaje poco cuidado, sus historias a veces excesivamente retorcidas, pero nadie habla de la potencia de sus ideas, de su capacidad para crear personajes que podrían ser tu vecino, tu padre o incluso tú mismo. Ha hecho del estado de Maine su Macondo particular y ha retratado a las gentes de allí con suma habilidad. Aún así, creo que una de sus principales virtudes permanece oculta, y es que nunca ha puesto su lucimiento personal, su mira qué bien escribo, por delante de su obra. Eso es algo de lo que muchos no pueden presumir."

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Lo confieso: no soy un lector de Andrés Caicedo. Lo leí hace más de una década gracias a un regalo de Rafael Chaparro (autor de Opio en las nubes y también fallecido tempranamente) en un Encuentro de Escritores en Barquisimeto. Me regaló entonces ¡Que viva la música!, un libro sumamente importante para la obra de Chaparro, y lo leí interesado pero aunque reconocí el talento no entré en su mundo. Luego, muchos años después, motivado por el entusiasmo de Alberto Fuguet -que debe ver a Caicedo como un precursor de su actituda McOnda y cinéfila-, intenté volver a los libros del colombiano ahora editado por Norma. Tampoco me enganché. Pero algunos lectores -como Fuguet o Chaparro- son fanáticos de Caicedo. O como Sandro Romero, un colombiano que ha dedicado parte de su vida a difundir la obra del escritor suicida y ahora está promoviendo una obra de teatro titulada, sin sutileza de ninguna clase, no la necesita, ¡Que viva Andrés Caicedo!

Dice la nota: "Teníamos muchas cosas en común", dice Sandro Romero para explicar por qué en estos 27 años desde la muerte de Caicedo ha dictado innumerables conferencias y ha montado piezas teatrales basadas en el autor de ¡Que viva la música! Además del montaje acaba de publicar el libro 'Andrés Caicedo o la muerte sin sosiego' y con él dice que pondrá fin a su trabajo sobre el caleño. "Claro que eso dije hace 20 años", asegura el dramaturgo. Al mediodía del 4 de marzo de 1977, Romero vio a Caicedo almorzando, en el emblemático restaurante Los Turcos, en Cali. A la distancia, nada indicaba que esa tarde el autor de Angelitos empantanados se tomaría una alta cantidad de pastillas de Seconal, con las que acabaría su vida, a los 25 años. Desde entonces, la carrera de Romero ha estado marcada por el desconcierto que le generó el inesperado deceso del hombre al que conoció vagamente en los cine clubes de Cali. Luego de la trágica noticia se presentó en la casa de la familia Caicedo y pidió permiso para hurgar el baúl donde reposaban algunos escritos del fallecido escritor, no sin antes aclarar que no cobraría un centavo.

Sobre la obra se informa: "Tres niños de la burguesía caleña, aparentemente inocentes, son los personajes de esta obra, que escenifica partes de algunos textos de Caicedo. En el montaje, son proyectadas imágenes de la única entrevista que se conserva del caleño y de 'Angelita y Miguel Ángel', su película inacabada. "'¡Que viva Andrés Caicedo!' es un recorrido por la música, la literatura, el cine y el teatro que apasionaba a este autor", dice Sandro Romero, director de la obra. Será presentada en Bogotá, el lunes a las 7 p.m., en la Casa del Teatro Nacional, y el martes, a las 7:30 p.m., en el Teatro Colón

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La convivencia de Salvador Dalí, Luis Buñuel y Federico García Lorca en la Residencia de Estudiantes de Madrid ha sido uno de esas maravillosas coincidencias que siempre deparan las anécdotas literarias. Por eso, para muchos es fuente de especulaciones, como si no fuera suficiente el milagro de la coincidencia. Una de esas especulaciones es acerca del supuesto romance que hubo entre Lorca y Dalí que alimentó chismes y libros. Ahora, el tema ha llegado al cine impulsado por el director británico Paul Morrison. La cinta se llamará Little Ashes.

Dice la nota: "Little Ashes, una coproducción entre el Reino Unido y España, está ambientada en el Madrid de 1920 y explora la intensa relación entre sus protagonistas: Dalí, Lorca y el cineasta Luis Buñuel, tras conocerse en la madrileña Residencia de Estudiantes. El filme, rodado principalmente en Barcelona con un modesto presupuesto de dos millones de euros, mostrará cómo la relación entre el pintor y el poeta comenzó como "una amistad" que con el tiempo se hace "más íntima" y "progresa hacia un nivel físico", explicó la guionista, Philippa Goslett. Goslett explica que a pesar de todo, la relación entre el poeta y el pintor no llegó a consumarse: "[Dalí] dijo que intentaron mantener relaciones sexuales, pero que dolía, así que no pudieron consumar la relación. Considerando las enormes inhibiciones de Dalí, no es sorprendente". Como sustituto, el poeta granadino duerme con una amiga, "lo que Lorca llamó su sacrificio final", ante la mirada de Dalí. "Esto fue el principio de su voyeurismo", apuntó Goslett. La guionista se mostró convencida de que "algo ocurrió" entre los dos artistas, frente a la controversia que pueda generar la película. "Para mí, la tragedia verdadera es la de Dalí. Estuvo realmente embrujado por Lorca durante el resto de su vida y hablo sobre él incesantemente, incluso más que de su mujer, Gala", mantuvo Goslett. Los actores que dan vida a Dalí y Lorca son el inglés Robert Pattinson y el español Javier Beltrán, respectivamente, mientras que Buñuel es encarnado por el británico Matthew McNulty.

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Muy interesante la entrevista a Ricardo Piglia en el suplemento Confabulario del periódico "El Universal" de México. El autor de la nota es Juan Manuel Gómez. Desde que leí El último lector me fascina la capacidad que tiene Piglia de hablar de literatura, de libros, de personajes, de lecturas, como si todo eso formase parte realmente de un mundo paralelo. Un lugar habitable, el único sitio donde este Moleskine Literaro realmente tiene sentido.

Le pregunta el autor de la nota si Piglia suscribe que los escritores no tienen por qué hablar de literatura, como argumenta uno de los personajes de Prisión perpetua. Dice Piglia: “No. Justamente ahí pongo el ejemplo de Nabokov porque sus lecciones de literatura están más presentes hoy que la crítica de Jakobson, quien era central en la época del estructuralismo, un gran crítico, que todos admiramos. Me parece que las lecciones de literatura de Nabokov van a persistir y esto prueba que un escritor puede hablar muy bien de literatura. “Yo respeto mucho a los escritores como Onetti o Rulfo, que deciden no escribir de sus lecturas. La distinción que hay que hacer es que un escritor no debe hablar de su propia literatura. Eso sí. Pero puede hablar, a través de su práctica, de la literatura que hacen los demás. El escritor, sin embargo, no puede decir nada de lo que él hace, porque ahí uno se siente diciendo de más o no pudiendo alcanzar a decir lo que ya está escrito. Las cosas que uno dice sobre sus propios textos son muy contingentes y poco fiables. Quiero decir, lo que cualquier escritor dice de su obra a menudo vale menos de lo que dice cualquier lector que lee ahí una cosa que puede contradecir la intención del escritor pero ser más verdadera”.

También habla de lectores: “Raskolnikov hace lo que hace porque ha leído las memorias de Napoleón, porque también él es un lector. Lo que nos interesa en Madame Bovary es la fantasía de un lector, que lee una novela y quiere vivirla. Es la lectora perfecta, porque ella leía esas novelas y ahí encontraba un modelo para vivir. Los novelistas esperamos que los lectores sufran una transformación en su vida después de leer nuestros libros, parecida a la que sufrió Madame Bovary. Aunque a Madame Bovary desde luego no le hubiera gustado Madame Bovary. “Ése es un gran problema de la literatura contemporánea. Por ejemplo Puig ha tratado de escribir novelas que le gustaran a Madame Bovary. Experimentales pero que le gustaran a esa señora triste de provincia que está por ahí. Porque ella se hubiera aburrido con Madame Bovary... “El otro ejemplo es el de Raskolnikov, que no es visto de esa manera, pero él hace lo que hace porque ha leído las Memorias de Santa Helena de Napoleón, y gracias a eso puede imaginar que es posible vivir una vida tan heroica como la de Napoleón, y eso le conduce a esa hipótesis de la cual Nietzsche desprendió toda la teoría del superhombre, de que hay hombres que no responden a la moral habitual, y que tienen derecho a matar. De modo que también Raskolnikov es un lector... “A mí me gustan mucho las novelas, como Los hermanos Karamazov o Rojo y negro (en la que también Julien Sorel es un lector), donde de pronto el aprendizaje de la vida está ligado también a la experiencia de la lectura”.

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Un chino en bicicleta, la novela de Ariel Magnus que ganó el último premio Norma, tiene detrás una historia real asombrosa que Magnus ha recreado. La entrevista en Página12 detalla esa historia luego de colocar la opinión de César Aira -uno de los jurados- sobre el libro ganadro: "una fábula de aprendizaje en la cual proliferan las aventuras, los chinos, y las mil caras de la más feliz de las pasiones argentinas: la amistad"

Dice la nota: "Cuando Ariel Magnus regresó de Alemania, en 2005, se sorprendió por la cantidad de supermercados chinos que había, más o menos uno cada tres cuadras. Pero lo que más lo asombró fue un episodio policial: el famoso pirómano chino Li, apodado “Fosforito”, acusado de incendiar varias mueblerías de la ciudad. El incendio más devastador, quizás el más recordado, ocurrió en agosto de ese año en la esquina de Malabia y Corrientes. Cuando detuvieron a Li –estaba andando en una bicicleta roja por el barrio de Caballito– le encontraron 700 pesos en el bolsillo, una pistola Taurus 380, una caja grande de fósforos, una piedra del tamaño de un puño y una botella de agua mineral con dos litros de nafta. “Parecía una joda, un sospechoso armadísimo, el chino expiatorio”, bromea el escritor en la entrevista con Página/12. “Decidí ir al juicio, seguir el tema. Al principio, quería hacer un libro de crónicas sobre chinos en la Argentina. Se lo propuse a un par de editoriales y me lo rechazaron con mucho entusiasmo.” La prensa, como no podía ser de otra manera, estaba encantada con el “sátiro de las mueblerías” y lanzó la hipótesis de que el pirómano era un soldado de la mafia china que quemaba locales estratégicos para que luego sus paisanos los pudieran comprar baratos y pusieran sus supermercados. El momento mágico en que dos ideas ajenas entre sí se juntan para crear una tercera, novedosa y extraña para quien la formula, sucedió en el baño del juzgado donde condenaron a Li Qin Zhon a cuatro años de prisión efectiva. “Qué pasaría si el chino me secuestrara y me llevara a vivir al barrio chino”, pensó Magnus. Y esa idea disparatada, absurda, fue el embrión de la novela Un chino en bicicleta (Norma), ganadora del premio La otra orilla."

Dice Magnus: "(...) el momento en que se te ocurre una idea lo vivís como algo mágico; tiene algo de azaroso y de improvisación. Ese momento mágico es el que busco cada vez que me siento a escribir, y si una mañana no tuve ese momento, me levanto mal. Mientras Li estaba en la cárcel, yo estaba escribiendo una posibilidad de su vida. Mi fantasía era incrustar un pedazo de ficción en la realidad. No es que lo pienso antes: “Quiero escribir una novela donde la ficción se meta en la realidad”. Poner la realidad y la ficción al mismo nivel es el truquito al que apelo. "

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Jordi Soler nació en México y vive autoexiliado en España. De eso trata, a manera de apunte autobiografico, La última hora del último día editado por RBA. Una novela con la selva veracruzana como telón de fondo. Lo entrevistan en El País.

Dice Soler sobre su novela: "Es una mirada menos comprometida porque ya no vivo en México, y eso me ha permitido reflexionar con mucha distancia sobre el racismo que hay allí. El mexicano indígena es profundamente racista contra el que no lo es, y el blanco y mestizo son muy racistas con el indígena. Hay una desigualdad que tiene que ver con el físico. Si eres indígena y bajito, por más que tengas una mente privilegiada, no llegarás a nada; pero si eres blanco y mides 1,70 metros puedes llegar a presidente. Un ejemplo lo tenemos en el subcomandante Marcos, que dijo que en Chiapas había injusticia, algo que venían diciendo otros durante décadas."

Y sobre el exilio: "El fútbol era como el limbo, que es el lugar que ocupa el exiliado. Éramos muy culés porque no éramos mexicanos y España tampoco era una posibilidad al seguir gobernada por el tirano. En el exilio teníamos dos referentes de España, que no se pueden cambiar: las canciones de Serrat, que escuchábamos con devoción, y los resultados del Barça, que son como son y nadie los puede cambiar"

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Daniel Alarcón se encuentra en Santiago de Chile para participar en la FILSA, donde presentará su novela Radio Ciudad Perdida (Alfaguara). Alvaro Bisama aprovecha y lo entrevista para la Revista de Libros. Dos Bogotá39 en acción hablando de literatura y, por supuesto, de encuentros literarios agotadores.

Dice Daniel sobre la literatura latinoamericana: "No me pidas que comente sobre la literatura latinoamericana, hombre. He leído muy poco, y no me siento capaz de opinar sobre la totalidad de la producción literaria de nuestro continente. No tengo la más mínima idea de cuál sería el tema central de la literatura latinoamericana, ni la china, la africana, la rusa, la gringa. Ni siquiera sé cuál es el tema central de mis propios textos. Sospecho que tienes razón, el olvido y la memoria son una preocupación constante en los dos libros que he escrito. Cuando se trata de una guerra que cobró 70 mil vidas, la pregunta de siempre va a ser: ¿cómo enfrentar ese trauma? ¿Cómo recordar estas víctimas? Una novela no puede resolver este conflicto, pero quizá sí puede ampliar el debate, o impulsar una conversación necesaria. (...) El español latinoamericano es un idioma muy rico, muy diverso. Tiene una agilidad y un encanto envidiable. Cuando estoy en Latinoamérica soy un estudioso de la lengua, de la forma en que habla la gente, de la nueva jerga. El idioma se va renovando constantemente, y nunca morirá. Yo escribo en inglés porque crecí en los Estados Unidos desde los tres años, toda mi educación ha sido en inglés desde la primaria. No es que opté por el inglés, ni que desprecie el español. En alguna crítica me pintaron como un peruanito acomplejado que escribe en inglés para caerles bien a los yanquis. Me dio mucha risa esa interpretación. Es absurdo. Me encantaría escribir en español, pero no tengo las herramientas para hacerlo bien. Cuando se trata de escribir, manejo el inglés mucho mejor, de eso no hay ninguna duda. He vivido toda mi vida en gringolandia, hablando español con mis padres y mis hermanas, y punto. ¿Cómo voy a intentar escribir una novela en castellano?"

Sobre los encuentros literarios: "De los encuentros con escritores no sale literatura, sino una resaca maldita. Seguro hay escritores más disciplinados, gente que puede sentarse en un hotel en una ciudad desconocida y entrar de lleno a la vida imaginaria. Yo no. Mi creatividad viene de la rutina, de una vida cotidiana bastante aburrida, y es lo que más prefiero. Todo los días, de la casa a la oficina, en el metro como un obrero más. Ha sido un año increíble, algo que nunca me esperaba, y de ninguna manera me estoy quejando. Siento que he tenido una suerte alucinante, quizá no merecida. Entonces, el 2008, a trabajar."

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Esto lo dice José Guich, en Correo, comentando el último libro de cuentos de Harry Belevan Cuentos de bolsillo (Fondo Editorial Universidad Ricardo Palma)

Dice: "Suena ocioso entablar debates sobre una tradición de literatura fantástica surgida en predios locales. Frente a lo que hasta hace un tiempo parecía convertirse en muro inexpugnable –el de las poéticas realistas, en todos sus ropajes–, hoy existen suficientes indicios para afirmar, sin temor pudibundo, que ya contamos con un grupo de narradores –nacidos después de 1960– decididos a franquear esa barrera. Algunos nombres ya son referentes indudables, como Carlos Herrera, Enrique Prochazka o José Donayre. Si estos autores, entre otros, encarnan una continuidad respecto a ilustres pioneros como Adolph, Buendía, Durand o Loayza, la discusión deberá ampliarse fuera de los límites de este espacio. Los escritores aludidos, miembros de la Generación del 50, abrieron una vía promisoria, interrumpida bruscamente cuando Vargas Llosa –“realista” implacable y brillante– acaparó, desde 1963, la atención de los medios y de la academia".

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Estoy seguro de que a los franceses la palabra "shortlist" no les hace gracia pero, en fin, aquí tienen la shortlist del premio Goncourt 2007 que falla la próxima semana, el 5 de noviembre. Según las apuestas en la página de los Premios Literarios franceses, la favorita es Olivier Adam y A l'abri de rien (31%) seguido de Philippe Claudel y Le rapport de Brodeck (30%) Pero a estas alturas ¿Quién cree en estas apuestas?

Olivier Adam: A l'abri de rien (Editions de l'Olivier)
Philippe Claudel: Le rapport de Brodeck (Stock)
Clara Dupont-Monod: La passion selon Juette (Grasset & Fasquelle)
Giles Leroy: Alabama Song (Mercure de France)
Michèle Lesbre: Le canapé rouge (Sabine Wespieser)

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A partir de un texto referido a James M. Cain, el autor de El cartero llama dos veces, en el suplemento Laberinto hacen una buena diferencia -para dummies como yo, digamos- entre novela negra y novela policial.

Dice la nota: "La novelística negra hace a un lado el hecho intelectual y pone en el centro lo puramente fáctico. El relato, ahora, no está quieto: se dinamiza; o, lo que es lo mismo, ya no será contado al lector, sino que será mostrado al lector. Marlowe o Archer —los detectives de Chandler y MacDonald, respectivamente— no son externos a los hechos, integran, en realidad, el cauce de la historia, provocando accidentes, recibiendo tundas, fascinándose ante mujeres aristocráticas y hermosas. Allí está la corrupción estatal y las consecuencias de la Ley Seca, y la música del jazz, y los gánsters, y los tugurios clandestinos de venta de whisky. Hasta acá, la reseña tradicional. La obra de Cain, que maneja estos elementos y estos ambientes, se articula a partir de una eficaz inversión de términos: narradas en primera persona, las historias se ubican en la perspectiva de los asesinos. Con una prosa hosca, directa —en la que sin embargo suceden, también, chispazos de claro sentimentalismo—, en vez de un enigma, sus novelas desenvuelven con amargura el crimen que será cometido. El triunfo de “el bien” corresponde consecuentemente al momento en que atrapan a los personajes: no hay investigación policial, ni misterio por resolver, a no ser el desmoronamiento paulatino de los planes trazados: porque una constante que resuena a lo largo de buena parte de la obra de este escritor es la fatalidad o el destino como fuerza que excede, golpea y destruye la vida de los protagonistas. Un hombre cae por culpa de una mujer, por haberse enamorado de esa mujer, comete un crimen, ella es su cómplice: este argumento fundamenta dos de sus novelas más famosas que fueron, además, llevadas al cine: Doble identidad (traducida al español como Pacto de sangre, 1936), y la siempre mencionada, El cartero siempre llama dos veces (1940). Esa relación tan estrecha que establecieron los escritores de género con los guiones de Hollywood no le fue ajena; además, publicó novelas con formato pulp, Galatea (1953), Mignon (1962) y El instituto (1976), entre otras. Murió alcohólico, en 1977, en Maryland, lugar donde había nacido.

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Como "el filósofo de la seducción, el simulacro y la simulación", pero también como "solipcista, autista discursivo" y cada vez más hermético califica Juan E. Fernández Romar al filósofo francés Jean Baudrillard en la nota que le dedica en La Jornada. Un texto didáctico para quien decida introducirse a la obra del pensador metaléptico y viral. Muchas de sus obras, por cierto, han sido publicadas en castellano por Anagrama, incluyendo sus Cool Memories.

Dice el texto: "El desencanto permanente que reflejan sus textos, ocultan en realidad una profunda y creciente nostalgia por aquella época dorada y promisoria que vivió en el París de los años sesenta. A los fans extranjeros de la filosofía francesa contemporánea solía advertirles que ahora “no pasa nada, los años sesenta y setenta fueron otra cosa, una época maravillosa –sobre todo a partir de mayo de 1968. A partir de los años ochenta se terminó todo. Seguimos viviendo de ese impulso que tantos cambios provocó en el pensamiento, pero en algún momento el mundo se dará cuenta de que ya no existe”. Repitió esta advertencia hace más de una década en Buenos Aires, donde también señaló a Francia como “un país cansado de su propia historia y de su antigua grandeza”. No obstante, eran pocos los temas en los que se permitía ser claro. A diferencia de algunos de sus colegas, como Pilles Deleuze o el propio Foucault, cuyas entrevistas suelen ser revisadas para aclarar muchos conceptos, Baudrillard no sólo oscureció progresivamente su discurso escrito, sino que también hizo lo mismo con el lenguaje coloquial que manifestaba al ser entrevistado. Especialmente en ese gusto verborréico por definirse exóticamente. En octubre de 1999, en una entrevista con Le Monde, se le preguntó qué quería decir con eso de ser un autor “metaléptico y viral” . Sin pensarlo demasiado respondió: “Metaléptico es tomar el efecto por la causa, invertir o romper el desarrollo racional de las cosas. Viral es un poco lo mismo: ya no hay causalidad, lo que hay es un enredo de conexiones. Esto corresponde un poco a la idea que me hacía de un pensamiento radical que ya no es crítico y racional pero que desestabiliza el juicio y la escritura. ¿De veras soy viral y metaléptico? Digamos que en mí se trata a la vez de un deseo, de un sueño, y casi de una estrategia sistemática de inversión de las cosas o de prolongación al infinito de las concatenaciones hasta la catástrofe, por lo menos virtual.” No se sentía en la obligación de aclarar nada y asumía plenamente una voluntad solipsista, escudándose en una especie de autismo discursivo que rechaza al lector al tiempo que lo seduce, al prescindir deliberadamente de su comprensión, como si todo el tiempo le insinuase: “Ves, no necesito de ti.”

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La editorial Belacqua publicó hace unos meses los Cuadernos Norteamericanos de Nathaniel Hawthorne, con prólogo de Eduardo Berti, en España. Ahora, la editorial Norma hará lo mismo para todo Latinoamérica. Se trata de una selección de las mejores entradas de los diarios del escritor norteamericano, que contiene 7 cuadernos y más de 500 páginas. En Radar Libros colocan el prólogo de Eduardo Berti.

Dice el prólogo: "Muchos escritores llevaron cuadernos de apuntes, con bocetos e ideas para su uso posterior. El caso de Nathaniel Hawthorne resulta particular porque los “gérmenes de relatos”, como los llamaba Valéry Larbaud, constituyen uno de los ejes más importantes, si no el más interesante, de sus American Notebooks. Hawthorne no publicó en vida sus diarios, ni los dejó listos para que fuesen editados póstumamente. Fue su viuda, Sophia Peabody, quien después del fallecimiento de su esposo, en 1865, tomó la resolución de hacerlos públicos, a partir de una propuesta de James T. Fields, editor de Hawthorne y responsable de la revista The Atlantic Monthly. En total, Hawthorne llegó a redactar tres volúmenes de diarios. Los Cuadernos norteamericanos abarcan el período de 1835 a 1852, etapa de formación y madurez literaria. Vinieron luego los Cuadernos ingleses y los Cuadernos franceses e italianos. Los American Notebooks corresponden a cuando Hawthorne vivía en los Estados Unidos y finalizan con su viaje a Inglaterra, donde cumplió funciones diplomáticas en Liverpool, desde 1853 hasta 1857. Los Cuadernos norteamericanos se componen, en rigor, de siete cuadernos distintos. La primera edición, por cuenta de Sophia Peabody, data de 1868 y llevó por título Passages from the Notebooks, dado que la viuda llevó a cabo una importante tarea de edición, selección y depuración. Para encontrar el primer intento de una versión íntegra hace falta remontarse al año 1900 y, sobre todo, a la edición de 1932 efectuada por Randall Stuart. Llenos de tesoros ocultos, los Cuadernos asombran por su calidad y variedad, ya que incluyen frases aisladas, fragmentos extensos, numerosas ideas narrativas o párrafos puramente descriptivos, estos últimos influidos a las claras por el Walden de Thoreau. “Pocos novelistas han observado la naturaleza con tanta atención”, llegó a escribir Paul Auster al respecto. A Henry James, en contrapartida, le impacientaban las descripciones, a su juicio anodinas, de “un perro, un paseo o una persona conocida en una taberna”. Salvo una decena de fragmentos traducidos en su oportunidad por Borges y Bioy Casares; salvo los pasajes traducidos por Carlos José Restrepo para su versión de El holocausto del mundo; salvo un largo trecho (julio-agosto 1851) conocido bajo el título de Veinte días con Julian y conejito (Anagrama) y que en rigor constituye casi un libro aparte, los American Notebooks permanecían inéditos en castellano. El olvido es imperdonable, máxime cuando estas páginas, además de amenas y rebosantes de imaginación, vienen a completar la imagen del escritor. En un breve ensayo titulado “Hawthorne en familia”, Paul Auster ha escrito que existen múltiples Hawthorne: el maestro de Henry James; el inspirador de la teoría del cuento de Poe; el creador de alegorías; el fabulador romántico; el cronista de la Nueva Inglaterra, y hasta “el precursor de Kafka”, según Borges. La ficción de Hawthorne puede ser provechosamente abordada bajo todos estos ángulos, cree Auster, pero no es menos cierto que existe asimismo “un Hawthorne más o menos olvidado”, a causa de la amplitud de su obra: un Hawthorne privado, amante de las descripciones paisajísticas, paciente cultor de las ideas y de los pensamientos fugaces, viajero e historiador de la vida cotidiana. Las páginas de estos cuadernos desbordan inventiva y son tan frescas que Hawthorne “deja de parecernos una venerable figura del pasado”, como bien ha estimado Paul Auster, para convertirse en un contemporáneo, un escritor en vigencia.

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Así como existe el Maletín Literario chileno, también existe un Maletín Literario canadiense. Pero hay diferencias. Mientras que el chileno irá a la población, el canadiense está dirigido sólo a un hombre: el Primer Ministro de Canadá, el conservador Stephan Harper. Y mientras el chileno tuvo más de una docena de jurados para elegir los libros que se incluyen, el canadiense sólo tiene un jurado: Yann Martel, el canadiense que estará en Chiapas y que ganó el Booker con Vida de Pi. Martel ha decidido enviarle cada dos semanas, todos los lunes, un libro nuevo al Primer Ministro para ver si logra culturizar con mejores lecturas sus horas libres y sensibilizarlo. Hasta ahora no recibe respuesta, pero en la página web destinada a este propósito está a la expectativa. Por otra parte, John Ivison en The National Post no está convencido de que los libros sean los adecuados.

Dice Ivison: "The point is that Mr. Harper's reading list is probably much closer to the average Canadian's than the one drawn up by Mr. Martel. If the plan is to shame Mr. Harper for preferring John Le Carre to Jane Austen, it seems to have backfired. Canadians are unlikely to take kindly to being portrayed as consumers of the cultural equivalent of cheap Liebfraumilch and pickles on toothpicks by some Chateau Lafite Rothschildsipping lefty novelist, even if he does live in Saskatchewan. After all, who among us does not enjoy the guilty pleasure of cranking up Highway to Hell on the car stereo, before sending the kids off to bed with tales of Dumbledore's latest foot-tapping indiscretions?"

La lista de obras enviadas hasta ahora, algunos títulos excelentes, incluye: El principito Antoine de Saint-Exupery - Matar a un ruiseñor de Harper Lee - Maus de Art Spiegelman - Los Watsons de Jane Austen - Miss Julia de August Strindberg - Short and Sweet: 101 Very Short Poems edited by Simon Armitage - Buenos días, Tristeza de Francoise Sagan - By Grand Central Station I Sat Down and Wept de Elizabeth Smart.

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El poeta español Pere Gimferrer será galardonado este lunes, en la Residencia de Estudiantes de Madrid porque no podrá viajar a México, con el premio Octavio Paz. El premio ha sido entregado antes a autores como Gonzalo Rojas, Haroldo de Campos, Tomás Segovia, Blanca Varela y Juan Goytisolo.

Dice la nota: "El escritor español Pere Gimferrer, que este lunes recibe el Premio Octavio Paz, cree que para un poeta "lo más difícil" no es lograr el gran poema que justifica toda una vida, sino "un buen verso, un verso definitivo, como los que abundan en la `Divina Comedia`". De su aspiración a conseguir "versos insuperables" como los de Dante habla Gimferrer en una entrevista con Efe en vísperas de que la viuda del escritor mexicano, Marie José Paz, le entregue en la Residencia de Estudiantes de Madrid el premio. La ceremonia de entrega suele ser en México, pero Gimferrer no tenía fácil trasladarse a ese país dado que los médicos le han "desaconsejado viajar en avión" e ir en barco "resulta un poco complicado". Por eso se pensó en una institución como la Residencia, que tiene vinculación tanto con Octavio Paz, porque en ella vivió el cineasta Luis Buñuel -"uno de sus principales amigos"-, como con el galardonado, que en una ocasión leyó sus poemas allí -"en presencia de Octavio"-. Dotado con 100 mil dólares, el galardón se le concedió a Gimferrer (Barcelona, 1945) por "la riqueza y el vigor de su obra" y por "la forma en la que reescribe la tradición y contribuye a la vanguardia", según figuraba en el acta del jurado. También, por ser "una de las más lúcidas conciencias poéticas contemporáneas" y por alternar el castellano y el catalán en su obra.

Este poeta de aspecto machadiano, que como editor ha "descubierto" a escritores de la talla de Eduardo Mendoza o Antonio Muñoz Molina, tiene terminados otros poemas en catalán "que no forman un libro por ahora", y en 2008 publicará un poemario en español. "Tornado" será su título.

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El suplemento "Babelia" ha elegido para renovarse, con más páginas, la semana del esperado debut de Las benévolas de Jonathan Litell, editado por RDA. Y a él y su tema le dedican el número. Aparece una reseña a la novela por José Carlos Mainer. También una entrevista de Jesús Ruíz Mantilla titulada: "La cultura no nos protege de nada. Los nazis son la prueba". Y una "breve guía de la noche", lista con diversas novelas que tienen como tema común el Holocausto.

Dice Littell: "Aquí, en Las benévolas, el tema es el verdugo, el asesino, sobre el que también se ha escrito, pero yo he querido acercarme a ello desde un punto de vista diferente, con otra perspectiva. Y la cuestión sigue sin contar con respuestas adecuadas. Me fascina el tema del verdugo en general, más en el mundo nazi. Ahí se puede estudiar a fondo, hay mucho material, documentos, unos a disposición de los alemanes, otros que lo han estado a mano de los soviéticos... Por eso lo situé en ese periodo. No quería centrarlo en una época actual, más contemporánea. Se podría, pero... (...) Mi trabajo lo que pretende es ayudar a comprender mejor las decisiones que cada uno tomamos y por qué las tomamos. Yo tengo las mías, mi propia ética, y no creo que ya sólo dispongamos de dos. Si tienes suerte, eliges las más decentes, incluso en tiempos difíciles podemos optar por cosas adecuadas, que eso es lo difícil. Hoy prácticamente nadie cuestiona el valor ético del capitalismo o la democracia y mira que hay cosas que se pueden cuestionar. Lo que me gustaría que aportara este libro es que hoy existen caminos éticos que se pueden seguir gracias a lecciones como aquélla. Aunque también ocurre que muchos chicos y chicas de cualquier Estado americano eligen marcharse a Irak a torturar gente. Éticamente están muy confundidos, está claro. Pero se puede entender esta confusión cuando existen juristas que en ese país legitiman la tortura, ¿qué puedes esperar? Cuando se les da una formación militar con arreglo a eso, ¿qué esperas? Si se pasan de la raya, ¿qué importa? O cuando contratas mercenarios para hacer el trabajo sucio, pues no deberían sorprendernos según qué atrocidades. No hay reglas. El problema es que las barreras que nos ponen no son sociales. No puedes esperar que alguien no te torture porque sea un buen tipo y se apiade, debes exigir que nadie torture a nadie, sencillamente porque existen leyes que lo prohíben y que eso se castigue."

Acerca de los que Mario Vargas Llosa dijo sobre el libro, que es sorprendente pero no deja resquicio para la esperanza, declaró: "Ya, es que yo no creo en la esperanza. No tengo esperanza en nada. Si nos fijamos en el mundo, es todo un espanto. Ser una persona decente se pone difícil. En Occidente creíamos que habíamos encontrado un equilibrio, pero para el resto de la humanidad, la vida es una pesadilla. Todos vamos a morir, ¿qué quiere que esperemos?

También se refiere a por qué no aceptó recoger el Goncourt: "Hice todo por evitarlo pero, por desgracia, sí, me lo dieron. No lo quería. No creo que los premios tengan que ver con la literatura. Tienen más que ver con la publicidad y el marketing, pero no con la literatura. No me gusta eso. Sí, el dinero está bien, es otra cosa. Es que no me gusta la competencia y toda esa basura, a no ser que te interese más el estatus social que el arte. Tampoco escribí este libro para ganar dinero, eso lo puedo asegurar."

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En su "Mea Culpa Donosiano" Rafael Gumucio califica, confundiendo el cinismo con la mezquindad, como "comentarios de buen gusto" los libros de Sebald. Curiosamente, Mercedes Monmany escribe extraordinariamente sobre la urgencia de leer a WG Sebald incluso en obras supuestamente menores como los textos reunidos en Campo Santo. Gumucio debería aprender del propio artículo que ha escrito sobre Donoso y descubrir que uno puede escribir memorias prematuras, pero no comentarios apresurados.

Dice Monmany: "En el reciente, y de nuevo magnífico, libro de relatos y ensayos aparecido en nuestro país de W. G. Sebald, Campo Santo, este autor que revolucionó y reeditó todos los géneros literarios y el método de narrar en nuestros días, creando una estela, cuenta en qué instante preciso de su vida, él, profesor y especialista en literatura comparada, expatriado desde 1970 de su país natal, Alemania, e instalado en la Universidad de Norwich, Inglaterra, tras haber pasado por Suiza, tuvo la idea de que un día le gustaría hacer «algo más que conferencias y seminarios». Como siempre en su caso, esta intuición programática de lo que sería su futuro, toma la voz, inmediatamente, no de un ensayista, sino de un narrador en estado puro. Un narrador que mezcla sin cesar pequeñas y concentradas miniaturas de lo observado; particularidades que encierran una infinita explosión de radiaciones, huellas y referencias culturales y, sobre todo, un sinfín de desvíos y tercos merodeos propios del viajero que no suelta ningún detalle de su presa: «esas similitudes, coincidencias y correspondencias» que conectan sin cesar realidad, «imágenes enigmáticas del recuerdo», «ideas que bullen continuamente dentro de nosotros» y rastros históricos que se niegan a ser enterrados definitivamente.

(...)

Ya sea tratando a su casi doble literario, Bruce Chatwin, enemigo como él del encasillamiento y amante de la promiscuidad de géneros y temas en los libros, o hablando de la compleja figura del suicida y espléndido autor judío Jean Améry, con su «implacable resentimiento» de apátrida un día expulsado de su «propia idea austrocéntrica del mundo»; ya sea reflexionando en otro excelente ensayo condenatorio («Construcciones del duelo: Günter Grass y Wolfgang Hildesheimer») sobre «la incapacidad para el duelo», sobre «la sorprendente paralización de sentimientos con que se respondió en Alemania a las montañas de cadáveres de los campos de concentración», sobre «las estrategias y mecanismos» de defensa de esta misma población alemana y de los escritores de la inmediata posguerra para asumir cualquier culpa o al menos «un duelo adecuado por los seres humanos que, por hechos nuestros, resultaron muertos en gran número»; en cualquiera de estos casos, el ensayista, crítico literario y narrador que es Sebald no se separa ni un solo minuto del humanista estremecido y del pensador irritado por la tendencia a borrar, a cancelar, a no enfrentarse, a ser cómplices de instituir un estado de cosas por el que «recordar es un escándalo»

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Ayer pude ver (pero no tener), con carátula de una lagarto del parque Guell, una edición del libro inédito de José Donoso Lagartija sin cola, editado por Alfaguara. Ahora, en La Revista de Libros, leo este impresionante "mea culpa donosiano" de Rafael Gumucio. Relectura a los cuarenta años. Interesante.

Dice: " Uno de los primeros gestos de Bolaño al desembarcar en Chile, después de veinte años de ausencia, fue confesar que Donoso le parecía un autor de una "línea de flotación" bastante baja. Los jóvenes, entre los cuales tenía la desgracia cronológica de contarme, celebramos en silencio ese ajuste de cuentas. Donoso representaba por entonces lo establecido, lo normal, lo normado. El escritor que escribe bien y que recibe por ello la paradójica corona envenenada del prestigio literario internacional. Donoso era el boom, pero no tenía nada del aura aventurero y húmedo de un Vargas Llosa, de un Cortázar o un García Márquez. Donoso prefería hablar de Henry James, y sus discípulos más cercanos creerse ingleses o madrileños desangelados adictos a la estructura y alérgicos a la convicción. Donoso era la figura misma del escritor que nunca fue, ni nunca será joven. Se habla hoy con cierto romanticismo del "hombre enfermo de literatura"; Donoso era la expresión más viva de esa enfermedad literaria, una enfermedad que un escritor de veinte años no quería por nada en el mundo contagiarse. (...) A Donoso el hombre, pero de alguna manera también a Donoso el escritor se le solían colgar para callado las dos palabras más chilenas de todo el vocabulario castellano. La palabra "fome", es decir aburrido, blandengue, y la palabra "siútico", es decir arribista cursilón que quiere representar algo que está destinado a no ser nunca. La fomedad y la siutiquería, la violencia subyacente detrás de esos calificativos, la profundidad metafísica que esos términos azarosos cubren es el tema principal de la obra de Donoso. Quizás esa descripción vivida y profunda de estos dos adjetivos nos duele tanto, que tendemos a atribuirle al escritor mismo los adjetivos. De alguna forma, Donoso podía ser fome, y podía ser siútico, pero logró hasta el final -con la notable Conjetura acerca de las memorias de mi tribu- escandalizar a los bien pensantes, y romper con los lazos del clan.

Frente a un siglo XXI donde la literatura se ha convertido en un comentario de buen gusto tipo Sebald o Claudio Magris, ante la ironía cómoda de los borgeanos de toda laya, Donoso representa el riesgo y la valentía del siglo XX. El siglo de Proust, de Freud, de Stanislavsky, el siglo de la apuesta, del error, del horror, contra el que no hemos logrado más que sobreponer la burla, la pedantería neoestructural, la ironía, la anécdota periodística. Pienso hoy, después de tanta agua bajo el puente, que lo que odiábamos los jóvenes, lo que despreciaba ciegamente Bolaño en Donoso, no era el gran señor conservador que hablaba de Henry James a la hora del té, sino el revolucionario implacable que fue hasta el fondo de sus pesadillas y las nuestras, y volvió casi ileso a contarnos lo que había en el reverso de todas nuestras certezas. "

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Del 12 al 16 de noviembre se llevará a cabo en San Cristóbal de las Casas, Chiapas, un Festival Literario que llevará el nombre del poeta Jaime Sabines. La lista de personalidades internacionales que asistirán al evento es muy atractiva. En "Milenio" mencionan a algunos:

Entre los invitados internacionales están Bei Dao, de China: Antonio Gamoneda, España: Donald Hall, Estados Unidos; Yaan Martel; Canadá; Cees Nooteboom, Holanda; Tomaz Salamun, Eslovenia; y Fernando Vallejo, Colombia.

Entre los mexicanos destacan Mario Bellatín, Angeles Mastreta, entre otros, y como invitado especial el pintor José Luis Cuevas.

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Como un "optimista de luto" se califica Jorge Eduardo Benavides en la novela que acaba de publicar con Alfaguara, Un millón de soles, que se ubica en la dictadura de Velasco y cierra su ciclo de novelas políticas. En la entrevista con Enrique Planas, Jorge Eduardo comenta sobre el tema de los intelectuales y el poder (tema afín a la novela de Edmundo Paz Soldán Palacio Quemado) y sobre su próxima obra:

Dice: " Me da la sensación de que los militares despreciaban profundamente a los intelectuales, pero les resultaban útiles. Entre los que se acercaron corriendo a presentar sus servicios, hubo muchos que pensaban que los militares necesitaban un vínculo con la sociedad a través de la prensa. A los militares ni se les había ocurrido. El Comercio jugó un papel muy importante en defender la legalidad y las instituciones, y por ello fue acosado constantemente por los militares. Lo mismo que la revista "Caretas". Se infiltraban en sus sindicatos y los cerraban por cualquier motivo. Fue Héctor Cornejo Chávez quien planteó una ley de prensa que era en realidad una vendetta. Y, tras la toma, fue quien ocupó la dirección de El Comercio. Era tan pusilánime que no quiso enfrentarse con los Miró Quesada. Esperó que los policías los obligaran a salir y solo entonces entró al edificio."

Y con respecto a su próxima obra: "(...) es completamente europea. Quiero hacer una novela que transcurre en Damasco, Venecia y Nueva York. Tiene un fondo político muy tenue: el terrorismo islámico. Lo bueno de esta novela es que me permitirá contar explorando otras formas".

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En europa han publicado un Manual Literario que recibió la consulta de más de 200 profesores de 35 países, incluido Mónaco, y menciona la cifra de 3.850 escritores. Se trata de Lettres européennes. Manuel d'histoire de la littérature européenne (Éditions De Boeck Université, Bruxelles, 2007). Pero en una cantidad tan extensa de autores, ¿hay lugar para exclusiones? Parece que sí, según El País.

Dice la nota: "Entre los 3.850 autores no se entran los italianos Primo Levi y Carlo Levi. Tampoco Claudio Magris. Y Elias Canetti, W. G. Sebald o Ingebor Bachmann no son imprescindibles para las letras alemanas. A los británicos les dejan sin los hermanos Durrell, John Le Carré, Wilkie Collins o el siempre subvalorado Woodehouse. Se censura de nuevo al ruso Vasili Grossman y se mantiene en el exilio a Nina Berberova. Entre los españoles faltan Javier Marías, Juan Marsé, Carmen Martín Gaite y Juan García Hortelano y entre los de lengua francesa Jorge Semprún.

"¿Faltan todos esos?", pregunta sorprendida Annick Benoit-Dusausoy. "Hemos confiado en los especialistas. En el caso español nuestros colaboradores son de las universidades de Granada y Zaragoza". Las ausencias pueden justificarse a partir de criterios. Y de otras ausencias. Si todos los autores equivalentes "faltan" en el libro, si se ha decidido, por ejemplo, que sólo figurarán los autores de novelas -o los poetas-, que sólo hay lugar para los fallecidos, que no se habla de los nacidos después de 1945. No es el caso. Javier Cercas, José Sanchis Sinisterra, Andrés Trapiello, Juan Goytisolo, Vázquez Montalbán -con el apellido inevitablemente mal escrito-, Eduardo Mendoza o Miguel Delibes están ahí a justo título, como Vicente Aleixandre o Camilo José Cela ven reconocidos su Nobel. Y esas presencias hacen incomprensibles las ausencias. ¿Olvidos, mala fe, incompetencia? De todo un poco, sin duda. "El autor del capítulo sobre Les temps des idéologies me dijo que era incapaz de explicar de otra manera y en el mismo espacio el periodo del auge del fascismo y del comunismo", constata la coordinadora. Eso convierte en autores a Hitler o Alfred Rosenberg, los dos grandes ideólogos del nazismo, o a Andreï Jdanov, el teórico del llamado "realismo socialista". Sus víctimas, los citados Levi o Grossman, por no buscar otros, no tienen tanta suerte. ¿Seguro que los verdugos merecen mejor suerte que sus víctimas?

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Ayer fui al cine de la CCPUCP por el Festival de Cine Europeo y me encontré con la película de Manoel de Oliveira El valle de Abraham. La película densa, larga, pero bellísima. Lo interesante es que la voz en off decía unas cosas estupendas, unas frases insuperables. Todo el tiempo me la pasé preguntándome dos cosas: ¿Por qué no llevé mi lapicero para escribir en la oscuridad? (el Moleskine lo tenía, pero era inútil sin el lapicero) y segundo ¿Quién puede escribir esas frases tan extraordinarias? Entro al google y lo descubro: el director portugués quería hacer una adaptación de Madame Bovary y le pidió a su amiga, la escritora Agustina Bessa-Luis que hiciera no un guión, si no una novela inspirada en la protagonista de Flaubert. El resultado es El valle de Abraham, la novela primero y después la película ceñida estrictamente a las frases de Bessa-Luis, fiel a lo que declaró en una ocasión: "A partir de esa película [Chronik der Anna Magdalena Bach] pensé que interpretar no tenía que ver con copiar o cambiar el texto originario sino de aceptar el documento literario en tanto que tal, de penetrar, comprender, dar claridad y buscar lo más profundo del pensamiento del escritor".

Los que no la han visto no se imaginan lo que es. Este domingo 4 la repiten en el CCPUCP (después hay funciones en otros lugraes). No olvidaré el lapicero. Les dejo también una entrevista con el director a propósito de la película y su relación con la novela. Ahí encontrarán, además, la mejor definición al vago concepto legal "incompatibilidad de caracteres" cuando el director se refiere a su relación con la actriz protagónica Leonor Silveira: "La expulsé dos veces. Fue un conflicto muy íntimo, difícil de narrar. El conflicto se reduce a que ella es una mujer y yo, un hombre".

Dice Manoel de Oliveira: "[el título] es de la autora de la novela Agustina Bessa-Luis, un título muy afortunado que alude al nacimiento de la Humanidad misma, de Abraham, que tuvo un hijo con una mujer estéril, un milagro. Lo he aprovechado para titular la película y bautizar la casa y el valle. Alude a la idea de la separación, la división. En ese valle todo está unido: las palabras con la música, los hombres con las mujeres, lo masculino con lo femenino... Yo primero le pedí un guión, pero no me satisfizo, así que le encargué una novela y la adapté personalmente. Se trata pues, de una reflexión hecha a partir de Madame Bovary. Y, una curiosidad, no hay ningún personaje en la película que no haya existido en la realidad. Todos han existido y los he conocido. Ritinha, la criada muda, es una mujer que ha parido hijos sordomudos, lo que ha impulsado a su marido recientemente al suicidio. Al contrario de lo que había ocurrido con el guión, la novela, escrita de una forma muy provocativa, me satisfizo plenamente. Es, a la vez, una novela y un ensayo con muchas historias imbrincadas entre sí. Es una novela muy concreta y abstracta a la vez. La verdad, parece escrita para hacerme el trabajo muy complicado y fue esa dificultad, que alcanzó grados de tortura, lo que más me gustó precisamente.

Luego dice: "Yo establezco una gran diferencia entre lo masculino y lo femenino. Lo más importante de la película es que Madame Bovary está escrita por un hombre, está escrita con mentalidad masculina, por lo tanto, no comprende la mentalidad femenina, pero lo intenta. Es esa voluntad de querer entrar en la mentalidad femenina, lo que le hace decir «Madame Bovary c»est moi». Después, está la reflexión femenina de Agustina Bessa-Luis, escrita desde la mentalidad femenina y el punto de vista de la mujer, lo que le permite entrar en la intimidad de esa mujer. Y, finalmente, está la película, dirigida por un hombre, con la mentalidad de un hombre, que tiene un conocimiento de la mujer.

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Faltan un par de semanas para que un grupo de poetas latinoamericanos de las últimas promociones tome por asalto Alemania. Se trata de la Latinale que conducirá a doce poetas por casas de cultura de Berlín, Potsdam, Leipzig, Colonia y Hamburgo. Esta es la segunda vez que se convoca al evento y en esta ocasión el poeta peruano que nos representará es Miguel Idelfonso (la anterior fue Roxana Crisólogo). Aquí la página oficial del evento, que promete un blog. ¡Ah! ¡Berlín! Te recuerdo ahora: ida y vuelta por el Kurfürstendamm cantando éxitos del recuerdo mexicanos (José José, Juan Gabriel, Emannuel) con Guadalupe y Karla. Inolvidable tontodromo con precios en euros. Volveré.

Los autores invitados son: los brasileños Carlito Azevedo y Angélica Freitas, el uruguayo Lalo Barrubia, de la mexicana Amaranta Caballero Prado, la colombiana Andrea Cote Botero, los argentinos Washington Cucurto y Damián Ríos, la boliviana Jessica Freudenthal, los chilenos Paula Ilabaca y Héctor Hernández Motecinos, el peruano Miguel Ildefonso y el ecuatoriano Paúl Puma.

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Ya salió la shortlist del Man Asian Literary Prize 2007 que se ofrecerá en Honk Kong, para premiar obras de escritores asiáticos no traducidos al inglés. Sólo quedaron cinco de 23 obras propuestas. El premio se otorgará el 10 de noviembre. La lista es la siguiente:

Jose Dalisay Jr., Soledad's Sister
Reeti Gadekar, Families at Home
Nu Nu Yi Inwa, Smile As They Bow
Jiang Rong, Wolf Totem
Xu Xi, Habit of a Foreign Sky

Mientras tanto, en The Guardian se sorprenden de que la censurada escritora birmana Nu Nu Yi Inwa esté entre los candidatos. Sus obras sobre familias desintegradas y personajes travestis y gays causan escándalo en su país. Dice la nota de Michelle Pauli:

A Burmese writer, Nu Nu Yi Inwa, is among the authors shortlisted for the inaugural Man Asian literary prize. The Rangoon-based author is in the running with Smile As They Bow, a book which was with the Burmese censors for a year before it was permitted to be published, and then translated. Like most of Nu Nu Yi Inwa's novels and short stories, it is set among the rural poor and social outcasts of Burma. It follows the lives of three young people: Daisy James, a gay, transvestite medium, his partner Min Min and a young beggar girl who falls in love with Min Min at the annual festival of spirits held near Mandalay every August. It will be published in English by Hyperion Est in September 2008. "I'm happy," Nu Nu Yi Inwa is quoted as saying in the Myanmar Times. "For 20 years I have devoted my life to what I love. Despite all of the hardships and obstacles I have had to endure, my name has finally transcended Myanmar's boundaries."

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¿Han leído La información de Martin Amis? Pues esa novela sobre celos y envidias literarias tiene una precursora notable: El príncipe negro de Iris Murdoch. La novela acaba de aparecer en Lumen, con extraordinaria carátula, que está haciendo una Biblioteca Iris Murdoch, y ya muchos andan diciendo no sólo que es mejor que la de Amis sino probablemente lo mejor de Iris (una escritora que, sin duda, hubiera podido arrebatarle el Nobel de las manos a Doris Lessing si aún estuviese viva: el mismo perfil pero mucho mejor novelista al parecer). En el blog El Escorpión Gándara escogió la novela como El Libro del Mes.

Dice Gándara: "La tensión entre conflicto, piedad y empatía más la que hay entre la sentimentalidad profunda (alma) y las relaciones humanas concretas (desalmadas), rematadas por el tira y afloja de la risa y el llanto (se puede reír y llorar con lo mismo) acaban produciendo esa tonalidad característica de las narraciones de Murdoch. Que vivimos bastante solitos entre los otros, no tiene gracia, pero no es nada nuevo. Lo es, en cambio, pintar además el paisaje que media entre los servomecanismos de la conciencia individual y las autopistas de la comunicación de la vida social. 'El príncipe negro' encaja con la poética general de la autora: un escritor que se pasó la vida suspirando por escapar de los empleos y poder escribir a sus anchas, se encuentra final y tempranamente jubilado y bloqueado. Ni una palabra más. Mientras tanto se desencadenan las comunes tormentas del amor, el matrimonio y la supervivencia. Ya puestos, diríamos que está novela va del amor y el olvido. El amor a la escritura, el amor a los seres, y la necesidad paradójica y orgánica de que sean olvidados para poder vivir. Lo que pasa es que no se ama cómo ni cuando uno quiere, y lo mismo vale para el olvido. Esto es una larga y prolija batalla de espíritu contagioso".

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Ayer se entregó, en ausencia, el Premio Nacional de Literatura de República Checa a Milan Kundera. Dicen que se excusó por motivos de salud. Como saben, recién hace unos meses se tradujo al checo La insoportable levedad del ser, libro que se había leído dramáticamente en copias piratas y ahora es un éxito de ventas. La fórmula Amor/Odio entre Kundera y su país se repite de ida y vuelta: sus lectores checos también aman/odian al escritor. La nota es de Katerina Zachovalova:

Dice la nota: "Since then the book's three distributors have sold nearly 35,000 copies, a feat for a classic novel on the small Czech market. They estimate that at least 5,000 more have been sold directly by Kundera's tight-lipped publisher. Pavel said he bought the novel and gave its nicely-bound pirate copy to his daughter. But his anger has not gone away. "I would give him a consolation prize for one book," he scoffed. Readers are still waiting for Czech versions of Kundera's French- penned novels La Lenteur (Slowness), L'Identite (Identity) and L'Ignorance (Ignorance). Fans like Pavel turn to pirate translations on the internet. Two older novels written in Czech - Life Is Elsewhere and The Book of Laughter and Forgetting - were published in exile by Toronto-based 68 Publishers but have yet to come out in the Czech Republic. "Having to copy books today is way worse than during communism," Pavel said angrily. "Back then we had to transcribe them because communists did not like Kundera. Now we have to because Kundera does not like us."

The laureate, residing in France since 1975, is perhaps the best- known - but by no means the only - Czech communist-era emigre whose comeback to his former homeland has gone awry. He was welcomed by a wall of distrust and envy, while some of his readers were hurt by his switching from writing in Czech to penning his works in French. Kundera's friends hurry to his defence. "His relationship to the Czechs is being demonized," Srstka said. "I know him very well and he does not have any ambivalent feelings to the Czech Republic or Czechs." Kundera, known for his perfectionism, insists on revising his older Czech-written works for new publication and on translating his French-penned novels to Czech himself, his associates maintain. He has been translating his French-written essays in recent years, allowing them to come out in Czech. "It is a lot of work but he does it nonetheless," Srstka said. But not unlike rejected lovers, Kundera's Czech fans were immediately put off by the news that the master himself does not plan to attend Thursday's ceremony. "He is honestly ill," insisted Srstka, who agreed to accept the prize on Kundera's behalf. "Otherwise he would have arrived and accepted the award himself."

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¿Saben uds. qué es el Maletín Literario? Se trata de un maletín que contiene 49 obras literarias, seleccionadas por 13 intelectuales chilenos (entre los cuales están Alberto Fuguet, Omar Lara, Rafael Gumucio y José Miguel Varas), que se entregará a 400,000 familias de escasos recursos de Chile desde el 2008 hasta el 2010. La inversión de 11 millones de dólares es el motivo principal de discusón, que incluye también las acusaciones de demagogia y, por supuesto, la crítica a los libros elegidos. Pues bien, el tema ha llegado a oídos internacionales y The Economist escribe al respecto un artículo simpáticamente titulado: "Let them eat Kafka".

Les dejo aquí la lista en PDF de libros que incluye el maletín, y esta suerte de "descargo" de Alberto Fuguet acerca de su participación en el proyecto.

Dice la nota: "The list comprises fiction and poetry for both adults and children. It ranges from Chile's Ms Allende and Pablo Neruda to J.D. Salinger's “The Catcher in the Rye” and Franz Kafka's “Metamorphosis”. This is unexceptionable fare. But is the book box the best way to achieve Ms Bachelet's laudable aim? (...) But critics see the book box as a populist gesture. “It's like dropping bank notes out of the sky,” complains Verónica Abud of La Fuente, a charity that promotes reading. “Who says that a plumber in a poor district of Santiago will actually want to read Kafka?” For less than the estimated $11m cost of the book box, La Fuente has set up 60 libraries in schools and neighbourhoods. Since only 7% of Chileans belong to a library, there is scope for plenty more."

En The Literary Saloon comentan así la lista: "Pretty eclectic -- from Asterix to One Hundred Years of Solitude. The Chilean picks (Allende, Manuel Rojas, etc.) are understandable, but there are a couple of real head-scratchers. Viktor Frankl ? Tim Burton's The Melancholy Death of Oyster Boy ? Not that they're necessarily bad choices, but how did it even occur to them to include these ? "

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Y ya que estamos mencionando el premio, les dejo este enlace de El País donde reproducen el discurso de Amos Oz al recibir el Príncipe Asturias de las Letras. Aquí el inicio:

La mujer de la ventana

Si adquieres un billete y viajas a otro país, es posible que veas las montañas, los palacios y las plazas, los museos, los paisajes y los enclaves históricos. Si te sonríe la fortuna, quizá tengas la oportunidad de conversar con algunos habitantes del lugar. Luego volverás a casa cargado con un montón de fotografías y de postales.

Pero, si lees una novela, adquieres una entrada a los pasadizos más secretos de otro país y de otro pueblo. La lectura de una novela es una invitación a visitar las casas de otras personas y a conocer sus estancias más íntimas.

Si no eres más que un turista, quizá tengas ocasión de detenerte en una calle, observar una vieja casa del barrio antiguo de la ciudad y ver a una mujer asomada a la ventana. Luego te darás la vuelta y seguirás tu camino.

Pero como lector no sólo observas a la mujer que mira por la ventana, sino que estás con ella, dentro de su habitación, e incluso dentro de su cabeza.

Cuando lees una novela de otro país, se te invita a pasar al salón de otras personas, al cuarto de los niños, al despacho, e incluso al dormitorio. Se te invita a entrar en sus penas secretas, en sus alegrías familiares, en sus sueños.

Y por eso creo en la literatura como puente entre los pueblos. Creo que la curiosidad tiene, de hecho, una dimensión moral. Creo que la capacidad de imaginar al prójimo es un modo de inmunizarse contra el fanatismo. La capacidad de imaginar al prójimo no sólo te convierte en un hombre de negocios más exitoso y en un mejor amante, sino también en una persona más humana

(...)

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Hoy Amos Oz recibirá, de manos de los Reyes de España, el premio Asturias de las Letras en una ceremonia cuyo gran ausente será Bob Dylan. Por eso, Oz ha estado presente en diversos medios a lo largo de la semana, hablando sobre política, sobre el idioma hebreo o sobre literatura. En "El Cultural" de El Mundo le hacen una larga entrevista titulada tétricamente: "La literatura consiste en invitar a los muertos a tomar café". Además, Germán Gullón hace una reseña a la novela Fima, publicada originalmente en 1991 y traducida recientemente por la editorial Siruela, cuyo protagonista es uno de esos entrañables personajes fallidos pero nobles, como podría serlo Woody Allen o el profesor nabokovniano Pnin. O el Chapulín Colorado, ya que estamos.

Dice Amos Oz: "Para mí, la literatura consiste en invitar a los muertos a tomar café en mi casa para hablar con ellos. Es una forma de comunicar con los tiempos que se fueron, con los que ya no están aquí. Esa sensación la tuve de una forma más fuerte, claro está, cuando escribí Una historia..., pero puede aplicarse a mi forma de ver la literatura en su conjunto".

Sobre el fanatismo, al que le ha dedicado innumerables conferencias y un libro, declara: "Nunca he conocido a nadie que sepa reírse de sí mismo que sea un fanático. Si el sentido del humor se pudiera vender en cápsulas, se arreglarían muy rápidamente la mayoría de problemas en el mundo. Daría un brazo por inventar esas pastillas y ganar con ello el premio Nobel de medicina, no el de literatura. No me fío de esa gente que camina como un signo de exclamación".

Y sobre la literatura en castellano dice: "Siempre he sentido un amor profundo por España e Hispanoamérica. Desgraciadamente no hablo su lengua, pero he leído todo lo que se ha traducido al hebreo. Me siento muy próximo a la literatura hispánica porque tiene una mezcla de humor, tragedia, calidez y transparencia, a veces incluso en el mismo párrafo. Esa combinación entre comedia y drama está muy cerca de mi forma de ver el mundo y también he querido reflejarla en mis libros. Al fin y al cabo, son dos ventanas desde las que observar el mismo paisaje. "

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Bajo el título "Dos miradas sobre el oficio de narrar" el diario La Nación hace un resumen de la conversación entre dos exitosos escritores argentinos, y grandes amigos según creo desde el nunca bien ponderado encuentro literario de Mollina en 1993, Pablo de Santis y Guillermo Martínez. El encuentro es parte del ciclo ADN.es presenta. Me entero ahí, por ejemplo, que Pablo detesta los blogs: "una proliferación de opiniones que no me parece interesante" dice. Una lástima porque él sería un blogger estupendo.

Dice la nota: "Casi como un reflejo de su escritura, los escritores no difirieron mayormente en sus respuestas, pero sí en el modo de darlas: más extensas, detalladas y reflexivas las de Martínez; breves hasta el monosílabo, irónicas y contundentes, las de De Santis. ¿Creen que es cierto que los adolescentes leen menos?, quiso saber Nelson Castro. "Lo primero en la literatura es la voz humana. Si no está el cuento para dormir, es difícil la conexión con la literatura. La narrativa está presente en el habla cotidiana, algo en el ser humano lo vincula con la narración", opinó De Santis. "Es cierto que la literatura no tiene hoy un lugar privilegiado, pero tampoco puede imponerse. Lo máximo que se puede hacer es mostrar ese mundo", comentó Martínez. "Leer requiere entrenamiento y persistencia, por eso es central el papel de los adultos que acompañen en los primeros pasos."

¿Qué tanto pesa la realidad social y política en la escritura?, se les preguntó. Poco, coincidieron. "La realidad, como el humor, debe aparecer en todo caso de manera espontánea, casi involuntaria, en los libros", apuntó De Santis. "Pienso la literatura como algo abstracto, como un ejercicio de reflexión similar a la construcción de un teorema matemático. Para hacer eso uno trata en realidad de apartar al mundo", abundó Martínez. La política y el mundo intelectual se presentaron como esferas casi irreconciliables. "No creo que el mundo cultural sea la mejor herramienta para los cambios políticos. Hay algo en la política que espanta a los intelectuales", dijo Martínez, quien recordó sus años de militancia en la izquierda y se permitió un regreso de ese idealismo: "No puedo creer que de aquí en más lo único sea el capitalismo y la fábrica de pobres". A pesar de ese escepticismo -y de rechazar la figura del escritor que defiende causas políticamente correctas-, ambos narradores hicieron sus planteos políticos. "Creo que en la Argentina hay algunos problemas que se podrían resolver fácilmente, como las muertes en las rutas o la niñez en la calle", apuntó Martínez. Lejos de los conceptos más estereotipados, ambos coincidieron en evitar la condena a la TV y rescataron programas, como Los simuladores -"un ejemplo de cómo se puede hacer algo ingenioso sin ser solemne", dijo Martínez-, Científicos industria argentina y Ver para leer , que conduce Juan Sasturain por Telefé. Y tuvieron visiones interesantes sobre Internet. "Creo que reavivó la correspondencia epistolar y no se opone a la lectura, todo lo contrario. Hay foros literarios y clubes de lectura que funcionan y que las editoriales reconocen", dijo Martínez. De Santis fue más escéptico. "La posibilidad infinita de variantes crea una cierta angustia. El conocimiento tiene que tener alguna limitación", apuntó. Y siguió con los blogs: "Es una proliferación de opiniones que no me parece demasiado interesante".

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Una nueva entrevista a Margo Glantz, ahora en "Milenio" por su novela (¿o ensayo?) Saña (Era) que espero conseguir pronto no sólo por el fragmento que leí en Sarita Cartonera sino porque Mario Bellatin me comentó que era una obra extraordinaria. Y yo a Bellatin, tan avaro en elogios, le creo siempre.

Dice Margo sobre su libro: “Se trata de textos que llamaron mi atención, ya sea míos o sacados de otros libros, noticias en el periódico que me parecieron particulares o también de revistas de modas y hasta de frases sueltas que alguien dice y se encadenan con diversas situaciones. (...) Alguien me decía que en una tribu africana, el hecho de que alguien toque un árbol que pertenece al clan de los enemigos, produce una guerra sin cuartel, donde acaban con todos los miembros. Y muchas veces la enfermedad de la saña no sabe uno de dónde viene”.

Y luego agrega: "El tema principal es el encarnizamiento, algo que se da lo mismo en las comunidades más primitivas, que en las más desarrolladas. Me interesa porque es una característica de lo humano, y como todo escritor me gusta explorar cosas que pertenecen a lo humano. Uno de los aspectos más terribles de la humanidad es la saña con que se realizan ciertas cosas: todos los días lo vemos, no se puede pensar que en México estamos libres de saña con todos los decapitados que aparecen en las calles, la manera como los matan, cómo torturan a la gente (...) Creo que hay algo que puedo compartir con otra gente, porque están despojados de todo lo que le rodea. Al dejarlos en su desnudez más evidente, uno ve más cosas: todos tenemos rabia, odio, encono, pero la saña va más allá: es el deseo casi perpetuo de hacer el mal. Hay gente que goza haciendo el mal."

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Y finalmente la edición en castellano de la novela-sensación del año pasado en Francia, Las Benévolas de Jonathan Littell (ganadora del premio Gouncourt), ingresó a librerías en su edición castellana de RBA. La tirada inicial: 50,000 ejemplares. Para estar a tono, en el ABC publican una entrevista a Littell por parte del escritor francés Richard Millet que se realizó en Beirut. ¿Quién escribe las mejores obras sobre la guerra y la violencia?, le pregunta Millet. Littel está convencido de que no son precisamente aquellos que "tienen las manos en el fuego", como escribió hace años Miguel Gutiérrez refiriéndose a la literatura peruana.

Dice Littell: "¿Quienes participan en las guerras son los más adecuados para escribir acerca de ellas? Yo opino que las mayores obras maestras sobre la guerra las escribieron personas que, incluso aunque hubieran tenido una experiencia de la guerra, no habían tenido una experiencia directa de las cosas que contaban. Recurrieron a su propia experiencia para infundir realidad a otra experiencia, mucho más alejada de ellos. Stendhal nunca estuvo en Austerlitz; hizo la campaña de Rusia y la de Italia, pero no estuvo en Austerlitz. Ahora bien, la escena magna que describe en sus novelas, y de una forma que volvió a inventar por completo la forma de contar la guerra por escrito, es la de Austerlitz. Usa todo cuanto conoce para inventar, o volver a inventar, esa escena bélica completamente alucinante en donde no está la guerra, esa batalla en donde no está la batalla. Tolstoi hace otro tanto en Guerra y paz; escribió acerca de una guerra que ya tenía cincuenta años cuando él la escribió.

Y luego aclara: "Podemos ser testigos. Podemos ser escritores. Y puede suceder que alguien sea escritor y testigo; pero no está claro si el escritor testigo es el más adecuado para escribir cosas que ha presenciado. Creo que para escribir de verdad hay que ir más allá de la postura del testigo. La escritura va más allá de la simple transcripción de la realidad o más allá del reportaje cuando se acumulan dimensiones al tirar de cosas que proceden de diversos niveles: la infancia más remota y, al mismo tiempo, las cosas externas, y se pone todo en resonancia. Si en la infancia más remota está ya la guerra y queremos hablar de esa guerra, no habrá desfase, y por lo tanto no habrá resonancia, y por lo tanto no habrá arte. No podremos sacar las cosas de las gangas en que están encerradas."

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Jorge Eduardo Benavides presentó el martes en Lima Un millón de soles (Alfaguara), y ahora estará partiendo a su adorada Arequipa -aunque es hincha del descendente Cristal y no del Melgar FC- a hacer lo mismo. En el diario "El Peruano" Ernesto Carlín lo entrevistó y además, colocó la entrevista en el blog "Tanque de Casma". Excelente foto de Jorge Eduardo, además, todo hay que decirlo. Los lectores que ya terminaron el libro coinciden: es lo mejor, hasta ahora, de Jorge. Yo lo leeré este fin de semana.

Actualización 26/10.- Hoy aparece una entrevista a Jorge Eduardo Benavides en el diario "Expreso" por Tomacine Sinche, y otra en "La República" por Pedro Escribano.

Dice sobre la novela sobre la dictadura de Velasco en lo 70: "Las características de Velasco se pueden tomar como virtudes o defectos cuando son en exceso. Yo le temo mucho a los que aman a la patria cuando llegan a hacer lo que hizo Velasco. Fue muy sincero sobre lo que quería hacer por el Perú. No se trataba de hacer una novela de buenos y malos, sino como una dictadura pervierte hasta lo mejor. Ten en cuenta que es una novela, pero sí es verdad. Yo recuerdo que el ministerio de Pesquería tenía hasta sauna. Al periodista Baella Tuesta lo deportó un ministro, Meneses Arata, porque denunció estos dispendios. Pero luego llegaron Fujimori y Montesinos y quedaron como bebes de pecho.

También habla sobre la documentación: "Parte de la documentación son las experiencias que viví de pequeño. Me acuerdo de los desfiles militares, de los discursos en cadena de Velasco, de los anuncios en quechua en la televisión. También de anécdotas propias y de mis hermanos y amigos. Además, la documentación ha sido exhaustiva. Hay una abundante bibliografía sobre la época."

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Coincidencias. Justo estaba escuchando la versión de un poema de Rimbaud ("Mala sangre") versionada por La Liga del Sueño, estupenda por cierto, y me encuentro con esta noticia: la punk mítica Patti Smith ha sido invitada para inaugurar una exposición titulada 'Vida y hechos de Arthur Rimbaud (1854-1891) en la Casa Encendida de Madrid, donde se expondrán manuscritos, cartas, fotografías, retratos y reliquias. ¿Y que dijo Patti? Pues que Rimabaud era un punk. ¡Obvio!

Dice la nota que, luego de calificarlo como "el primer niño punk" del mundo, Patti Smith dijo sobre Rimbaud que era un "gran genio lingüístico, tan bendecido como maldecido" y ha confesado que se enamoró del rostro del poeta y de sus versos con sólo 16 años. La intérprete ha alabado su "inteligencia suprema y su amor, combinados con la energía anárquica de la juventud".

Actualización 26/10.- Hoy aparece una entrevista en "El País" a Patti Smith, en la que declara: "Era un joven impetuoso, empeñado en labrarse una reputación y una fortuna como comerciante. Al igual que en su poesía, oscilaba entre extremos. Probó todas las formas de hacer dinero y no destacó en ninguna, era demasiado amateur. Lo mismo que Jean Genet; se presentaba como ladrón, y carecía de la profesionalidad suficiente (...) Hay Rimbaud en la imagen o la obra de Dylan, Jim Morrison, Hendrix. Veo ecos suyos en Kurt Cobain, en su relación de amor-odio con su público. Sin saberlo, Rimbaud escribió el manual de cómo ser una estrella del rock mítica".

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El filósofo Slavoj Zizek estuvo de paso por Madrid y tomó doble desayuno (y una coca-cola diet para acallar la mala conciencia). José Andrés Rojo lo siguió y conversó muy brevemente con él para "El País".

Dice la nota: "A las nueve y media de la mañana, Zizek ya ha desayunado un par de veces, primero en su habitación y luego en el comedor, así que se toma una coca-cola y dice que es un tipo compulsivo que no deja de trabajar: "Si no lo hago, me siento culpable". Todavía defiende la lucidez de Marx para analizar el capitalismo, critica los mitos de la sociedad occidental (como el de la tolerancia) y reivindica la necesidad de mantener altas las espadas y luchar por la libertad. Ahora está con Hegel, "siempre ha sido uno de mis referentes", pero esta vez va en serio. "Siempre piensas que tienes que hacer el libro, y ya no puedo aplazarlo más, ya voy siendo mayor". En la que va a ser su obra definitiva (Zizek publica con frecuencia y aborda temas muy distintos, como si luchara permanentemente en varios frentes), pretende poner en relación a Hegel con el cristianismo. "Para ellos, lo que ocurre de verdad es que Dios muere en la cruz y que nos ha dejado solos, y que por eso no queda más remedio que vivir en una comunidad igualitaria. Ya no existe un Dios en las alturas al que exigirle cuentas, vivimos ya en el desorden y lo que vaya a pasar es asunto nuestro". Por si las cosas fueran a tergiversarse, Zizek se confiesa de inmediato ateo y reniega de un Papa, como Juan Pablo II, al que le gustaban los numeritos paganos de "una Virgen ascendiendo a las alturas y cosas por el estilo". Y añade: "El ateísmo hoy pasa por los caminos del cristianismo. No por ese ateísmo hedonista que se ha convertido en una obligación". (...) Zizek estuvo recientemente en Madrid camino de Valladolid, donde recibió uno de los premios, el de Humanidades y Pensamiento, de la Fundación Cristóbal Gabarrón. Dio una conferencia en el Círculo de Bellas Artes, y llenó. Habló de Platón. Ideas e ideas como proyectiles: "Estamos en una situación complicada, y por eso me acuerdo de T. S. Eliot, que decía que a veces hay que elegir entre la muerte y la herejía. Quizá ha llegado el tiempo en Europa de ser de nuevo heréticos, de reinventarnos".

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Eso es lo que alguien ha pagado por la primera edición británica de Harry Potter y la piedra filosofal. Y empezó la subasta. Hay 499 ejemplares más por ahí.

Dice la nota: "Un ejemplar del primer libro del famoso mago juvenil Harry Potter, creado por la escritora británica JK Rowling, se vendió hoy en Londres por cerca de 39 mil 400 dólares (unos 429 mil pesos), informó la casa de subastas Christie's. El volumen de Harry Potter y la piedra filosofal, de pasta dura y publicado en 1997, pertenece a la primera edición de la novela que inició la saga del aprendiz de brujo, de la que sólo se imprimieron 500 copias, en contraste con el gran éxito posterior de la obra. El alto precio pagado por el libro, cuyo valor estimado ascendía a 24 mil dólares, se debe a que muchos ejemplares de la primera edición se distribuyeron en bibliotecas escolares, de ahí que se hayan convertido ahora en un bien escaso y muy preciado. Crispin Jackson, responsable del departamento bibliográfico de Christie's, describió el lote -de cuyo comprador no se divulgaron detalles- como "el mejor ejemplar" de Harry Potter y la piedra filosofal. La colorida portada del libro muestra a Potter con sus inseparables gafas redondas y una mochila al hombro frente al Hogwarts Express, el tren que transporta a los aprendices de brujo desde el andén imaginario "nueve y tres cuartos" de la estación londinense de King's Cross hasta la escuela de magia de Hogwarts.

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Y como si quisiera apoyar la incursión plena en el género policial de Javier Arévalo, hoy en Página12 aparece una entrevista al escritor argentino Vicente Battista, uno de los "especialistas" del género en ese país, quien ganó el Planeta con Sucesos argentinos. Su nuevo libro, los cuentos de La huella del crimen.

Dice la nota: “El policial me interesa como fenómeno literario”, dice Battista. “No es casual que, más allá de los clásicos del género –Chandler, Hammett–, prácticamente todos los grandes escritores del mundo lo hayan incursionado: Graham Greene, Hemingway, Borges, Bioy Casares, Walsh. ¿Por qué les atrae tanto? Cuando empezás a tirar líneas y ver qué pasa, descubrís que el hecho policial nace con el hombre. (...) ¿Para dónde evoluciona el policial? Battista rebobina hasta la fundación de Poe con Dupin, avanza por Agatha Christie y Arthur Conan Doyle como emblemas de la literatura “de enigma” que no cuestiona a la sociedad ni al sistema, sigue por la franja “negra” que sí lo hace (Hammett, Thompson) y semblantea un panorama institucional ultracorrupto y violento (sin panegíricos, dice), repara en los repudios de Borges y Bioy a esta última vertiente y, finalmente, desemboca en lo que observa como un resurgimiento de las raíces del género a partir de Crímenes imperceptibles, de Guillermo Martínez, y de El enigma de París, de Pablo De Santis. “No hablo de la calidad de los libros, porque los dos son magníficos escritores”, aclara Battista. “Quiero señalar, nomás, un pequeño trasfondo político: ambas transcurren lejos de la Argentina y los órdenes sociales no son cuestionados. No es casual. Pareciera que ese tipo de novela vuelve a tener vigencia y a interesar. Por la calidad literaria de estos dos autores, bienvenido sea. Ahora, que sean políticamente más lavadas, queda en manos de los teóricos de la literatura, o de los sociólogos.”

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Hoy en la librería Crisol, Javier Arévalo presentará -acompañado de Enrique Sánchea Hernani y Milagros Leyva- su nueva novela, Señor, por tu venganza (Planeta) que encaja en el género policial. En "La República" le hacen una entrevista.

Actualización 26/10- Hoy entrevistan a Javier Arévalo en el diario "Correo"

Dice Javier sobre su novela: "Esta vez sí me apropié del género policial. Mi novela anterior, Él cazaba halcones, era solo un thriller para niños. Me interesan los géneros populares. Gracias, Señor,.. la concebí como un policial en el que reverberan otros contenidos, otros temas, que se desprenden de ella. Me interesa que la novela cuente y entretenga en el sentido de que quieres saber qué va a pasar (...) A lo largo de toda la novela hay una intención de dejar en claro que todo lo que decimos son versiones, que la realidad es una representación mental, que los seres humanos construimos la realidad a partir de un discurso, que todo aquello que sabemos, que todo aquello en lo que creemos ha sido escrito por alguien y que nosotros depositamos fe en ese texto. La Biblia, el Corán, por ejemplo".

Y sobre el éxito de algunos escritores peruanos de las nuevas generaciones declara: "(...) el crecimiento como autor tiene que ver con los sellos que te respaldan. Si te das cuenta, cada autor peruano que ha cruzado las fronteras tiene mucha más repercusión que alguien que hace carrera en el interior de Latinoamérica. Los autores peruanos han sido siempre descubiertos en algún otro lugar. No son promovidos por su propia cultura ni por su prensa ni su sistema de difusión literaria. Y es una de las razones por las que yo he firmado contrato con Planeta por dos novelas. Sin sello, sin organización atrás, sin promoción, un autor no existe.

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John Updike no sólo es un novelista notable sino que, además, sus reseñas de libros son para muchos paradigmas de lo que debe ser una reseña (vean, al respecto, el post elegiaco de John Freeman en The Guardian). Updike, quien alguna vez escribió "The world craves book reviews far more heartily than it craves books. They excuse us from reading the books themselves." ha sido invitado por el blog "Critical Mass" (blog colectivo de una asociación de críticos literarios norteamericanos) para hacer una lista de los cinco libros de crítica literaria que no deben faltar en la biblioteca de un escritor de reseñas. El infaltable Jean Francoise Foguel, quien escribe sobre el tema, comenta esa lista decretando que está de acuerdo con cuatro de los libros. Cuatro de cinco, nada mal Mr. Upidke. La pregunta es: ¿Cuál será el quinto de Foguel?

Nota para ser leída exclusivamente por Gustavo Faverón: anotar la lista y reunir los libros para consulta en la biblioteca del demorado blog colectivo "El trabajo ajeno"

La lista de Updike incluye:

1. Mimesis de Erich Auerbach
2. Aspectos de la novela de E.M. Forster
3. Criticar al crítico y otros ensayos de T.S. Eliott
4. El Castillo de Axel de Edmund Wilson
5. Sade, Fourier, Loyola de Roland Barthes

Dice Foguel sobre el quinto libro, con el que no concuerda: "Updike cita a Barthes como al autor que le hizo creer que había una respuesta universal en el estructuralismo. Pero a mismo tiempo mata también a Barthes diciendo que estuvo convencido del método «at least during the reading» de su ensayo sobre tres autores, es decir, durante el mero tiempo de la lectura. Me parece excelente recordar la diferencia entre ser seducido y creer de verdad. La crítica no puede ser un flirteo.

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Es genial. Como muchos saben (y si no, pregúntenle a los muchachos de Cinencuentro), los hermanos Coen han hecho una película de la novela de Cormac McCarthy No Country for Old Men (traducida como "No es país para viejos" por Mondadori) y resulta que en el Time han juntado a los tres para una extensa conversación que no se puede resumir. Sucedió en Manhattan, en un hotel con vista al Central Park y, dice la nota, nadie vio jamás por la ventana. Léanla uds. mismos y disfruten. Les pongo un aperitivo nada más:

CORMAC MCCARTHY What would you guys like to do that's just too outrageous, and you don't think you'll ever get to do it?

JOEL COEN Well, I don't know about outrageous, but there was a movie we tried to make that was another adaptation. It was a novel that James Dickey wrote called To the White Sea, and it was about a tail gunner in a B-29 shot down over Tokyo.

C.M. That was the last thing he wrote.

J.C. Last thing he wrote. So this guy's in Tokyo during the firebombing, but the story isn't really about that. He walks from Honshu to Hokkaido, because he grew up in Alaska and he's trying to get to a cold climate, where he figures he can survive, and he speaks no Japanese, so after the first five or 10 minutes of the movie, there's no dialogue at all.

C.M. Yeah. That'd be tough.

J.C. It was interesting. We tried to make that, but no one was interested in financing this expensive movie about the firebombing of Tokyo in which there's no dialogue.

ETHAN COEN And it's a survival story, and the guy dies at the end.

C.M. Everybody dies. It's like Hamlet.

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En la revista "Qué Pasa" de La Tercera de Chile, el argentino Alan Pauls recomienda con entusiasmo un libro de ensayos publicado potr Seix Barral, cuyo autor es el enemigo declarado de Oprah (dice que hay un artículo sobre ella, qué curiosidad), es decir Jonathan Frazen. El libro apareció en Seix Barral y se titula Cómo estar solo. Por cierto, entre las recomendaciones de Pauls está el blog de Daniel Link, del que dice algo con lo que concuerdo plenamente: "el blog del escritor Daniel Link se acerca mucho a lo que uno siempre soñó que sería un blog y los bloggers argentinos -cambiar por peruanos también. N.d.E- se encargaron de frustrar"

Sobre el libro dice: "Como lo prueba la portentosa gaffe de la editorial Seix Barral, que no vaciló en catalogarlo en el rubro "Superación personal", Cómo estar solo es un título peligroso. Promete algo que no cumple (un recetario de cocina existencial) y disimula todo lo que encierra (una autobiografía atribulada). Pero hay algo en su formato -una modestia, un lirismo de título de canción, incluso una audacia: la de añorar algo que nadie que no fuera Greta Garbo se atrevería a añorar sin ruborizarse- que, una vez leído el libro, no podría ser más atinado. A mitad de camino entre el periodismo y la memoir, cada uno de los ensayos que compila este libro es la puesta en escena de una condición solitaria, la del escritor high brow, formado en el limbo de la alta cultura, en medio de un paisaje sociocultural signado por la hegemonía de la cultura de masas. Estar solo, pues, es al mismo tiempo una condena y una voluntad, una tragedia y una militancia, un destino y un estandarte; en pocas palabras, una condición ambivalente. Cualquier escritor expeditivo sortearía su naturaleza problemática eliminando uno de los componentes en juego y quedándose con el otro: eliminando la condena (la melancolía), por ejemplo, y quedándose con la voluntad (la militancia). Franzen, en cambio, se queda con los dos: perora y se entristece, impreca y duda. Hable de un padre enfermo o de la guerra contra el tabaco, de la literatura erótica barata o de la crisis del correo público, de Oprah Winfrey o de las paradojas de la intimidad, lo que le interesa es siempre la inestabilidad, la oscilación, el vaivén complejo, conflictivo, a menudo insostenible, que supone el hecho de convertir en una causa política (una elección) una soledad obligada. Desprecia la televisión, se burla del fast sex y deplora el tecnoconsumismo contemporáneo, pero jamás oculta que lo que acecha detrás de esos rencores no es orgullo sino indefensión, fragilidad, incluso falta de convicción: el resentimiento, quizá, del que sabe que ha perdido el tren. Las filípicas antiprogresistas de Cómo estar solo no son nuevas; ya estaban cifradas en la posición "apocalíptica" que Umberto Eco describió hace décadas en un ensayo pionero sobre la cultura de masas. Lo que es nuevo, quizás, es la solución Franzen, que -a la vez moralista y confesional- funda su ética en la negativa a sacrificar nada. La lección de este libro jugoso e irritante es de algún modo la del New Yorker (revista que publicó originalmente buena parte de los artículos que lo integran), la del mejor periodismo norteamericano: la idea de que sólo hablando del mundo se puede hablar del yo, y sólo despellejando el yo se puede comprender algo del mundo. En la vieja huella del reaccionarismo de izquierda, Franzen se da el gusto de disparar a mansalva contra los Malos (ciudades, tecnología, idolatría catódica), pero ese ejercicio crítico, por justo, pertinente y sagaz que sea, no es una jactancia dogmática sino la clave de una interrogación de sí, una puesta al desnudo en la que el sujeto crítico corre tanto riesgo de naufragar como los males contra los que disparaba."

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Amos Oz se encuentra en Oviedo, a punto de recibir este viernes el Premio Príncipe Asturias de las Letras. Y desde ahí está agitando desde ya el cotorro con sus críticas de amor-odio hacia Israel: "Amo a Israel incluso cuando tengo ganas de enterrarlo". Además, también nos dejó de regalo en qué consiste su disciplina literaria:

Declaró: "Me levanto a las cinco de la mañana y paseo por el desierto. Eso me viene bien para mantener cierta distancia frente a la grandilocuencia de algunas palabras (nunca, para siempre, jamás). La mañana la dedico a mi obra literaria, luego hago una siesta y por la tarde me toca batallar por la paz. Escribo a mano, con bolígrafos diferentes (uno azul, otro negro) según sea una novela o un artículo contra el Gobierno diciéndole que se vaya al infierno. Nunca los mezclo".

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Brasil será el país invitado en la Feria del Libro de Santiago de Chile (FILSA). Para ello se ha ideado el slogan "El carnaval de la cultura". La delegación contará con 16 autores invitados, entre los que destacan Thiago de Mello, Carlos Heitor Cony y Moacyr Scliar. Seguro, como con la participación de Perú el año pasado, los criticos santiaguinos dirán que faltan los más más (Nélida Piñón, Rubem Fonseca). El artículo de Alvaro Matus en la "Revista de Libros" menciona no sólo a los clásicos y célebres (y a los jóvenes, aunque se equivoca al decir que Verónica Stigger era la única brasileña del Bogotá39, también asistieron Adriana Lisboa, Santiago Nazarain y Joa Paulo Cuenca) sino a los que llama "experimentales y chiflados". Algunos de ellos son Dalton Trevisan, Silviano Santiago y Joao Gillberto Noll:

"Difíciles de encontrar, pero insoslayables, son los cuentos de Dalton Trevisan (1925). Construidos con diálogos rápidos y certeros, casi a la manera del guión cinematográfico, la mayoría de sus relatos están centrados en conflictos conyugales. En Pao e sangue, por ejemplo, Joao y María se asesinan alternadamente a lo largo de los 22 relatos del libro. De la vida privada del autor se sabe que estudió derecho, que se casó y que tiene dos hijas. No circulan fotografías suyas, nunca ha dado entrevistas, tampoco asiste a ceremonias públicas. La prensa no demoró en bautizarlo "El Vampiro de Curitiba", en alusión a la ciudad donde ambienta todas sus historias.

Ediciones Corregidor, de Buenos Aires, ha editado los libros de Silviano Santiago (1936), prestigioso ensayista, narrador y profesor de literatura en diferentes universidades de Francia y Estados Unidos. En la senda de Piglia, Sebald o Pitol, la literatura de Santiago avanza por el incierto camino en que la ficción se cruza con la realidad. En la década del 80 publicó uno de los libros más importantes de los últimos 30 años: En libertad. Allí, el autor adopta la voz de Graciliano Ramos para crear un diario falso, en el que el destacado autor de Vidas secas habría escrito cuando salió de la cárcel, en 1937. Los libros de Santiago subrayan la imposibilidad de decir qué fue lo que ocurrió a través de narradores que dudan, testimonios que se superponen, documentos apócrifos: "Es algo -agrega el autor- que está en el Nouveau Roman, en las novelas de Lobo Antunes o en el cine de Won Kar Wai. Se trata de una búsqueda profunda de la verdad poética, que me interesa mucho más que la verdad realista: todo buen relato es una historia mal contada, porque si estuviera perfectamente narrada no habría para qué leerla, estaría todo dado".

Otro escritor de la incertidumbre contemporánea es Joao Gilberto Noll, cuya obra está comenzando a ser rescatada por la editorial Adriana Hidalgo. Tanto en Lord (2006) como en Bandoleros (2007) vemos lo que ocurre, pero jamás sabemos por qué ocurre. En la primera novela el narrador se encuentra en Inglaterra, mientras que en la segunda viaja a Estados Unidos. En las dos, sin embargo, se manifiesta la principal obsesión de Noll: la disolución de la identidad. Sus personajes, a menudo sujetos desorientados, parecen huir de la familia, de la pareja y del trabajo, como si en ese movimiento fuera posible encontrar algún resto de silencio, de equilibrio, quizá un encuentro verdadero.

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Jean Hannah, en el blog de The Guardian, cita unas declaraciones de sir Jonathan Sacks en las que lamenta que el Canon Literario británico se haya quebrado y nadie lo toma en cuenta por culpa de las nuevas tecnologías, lo que conlleva a la desintegración de la identidad nacional. Pero para Hannah eso no es necesariamente una mala noticia. Interesantísima discusión que podría ser importada al Perú (y a Latinoamérica... la propondré para el Bogotá39 en Cartagena de Indias): ¿Necesitamos un canon literario?

Dice el post: "Multiculturalism, according to Chief Rabbi Jonathan Sacks, is done. And he claims the British literary canon, along with a cohesive British national identity, is a regrettable casualty of a movement that was intended to give everyone an opportunity to feel at home but which has ended up giving no one an incentive to assimilate. In an excerpt from his new book, The Home We Build Together: Recreating Society, published in the Times, Sacks laments the decline of the British literary canon as a result of the current revolution in information technology: "With the new technologies," he writes, "the idea of an autonomous national culture disintegrates. Until recently, national cultures were predicated on the idea of a canon, a set of texts that everyone knew. In the case of Britain they included the Bible, Shakespeare and the great novels. The existence of a canon is essential to a culture. It means that people share a set of references and resonances, a public vocabulary of narratives and discourse. Until the early 1950s a politician could quote the Bible and expect people to know what he was alluding to. No longer."

Yes: in the last 60 years the ease with which the common man could quote Bible passages at will has certainly been drastically reduced. But is this necessarily evidence of a fraying national culture? The assumption that this set of texts was universally known in Britain is itself fallible: while these texts were undoubtedly familiar to anyone with a solid middle-class education, their accessibility, with the exception of the Bible, to those outside the echelons of the well-educated was limited. Arguable, then, that the national culture that was established on the back of this canonical literature did not necessarily emerge from the collective imaginings of the British community as a whole but rather from that of a relatively small, privileged group. And yes: contemporary technology has resulted in the publication of a great deal of rubbish, a great deal of narrow-mindedness, and a great deal of material that can be very divisive. There certainly are instances in which, as Sacks writes, ostensibly new tolerance has proved to be more detrimental that the old version - in the idealised canonical age, no doubt, authors did need to actually write their books to become bestsellers. The immensity of choice means that worthwhile voices may be drowned out by louder, less worthy ones."

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Las entrevistas a Santiago Roncagliolo por La cuarta espada (Debate) no cesan. Ya ni sé qué fotografía nueva poner. En el periódico ADN.es apareció ayer una entrevista y hoy aparece una en Perú21 por Gonzalo Pajares. En esta última, desde luego, se vuelven a referir a las críticas al libro hechas en el Perú y Santiago vuelve a contestar a la defensiva. Santiago debe aceptar que si uno hace una crónica periodística sobre un personaje tan complejo y crucial para nuestra historia como Abimael Guzmán, al que muchos investigadores le han dedicado décadas de estudio, es obvio que van a aparecer algunas opiniones más enteradas que discutan el trabajo. Hay que escuchar esas críticas, considerarlas e incluso, si nos ayudan a entender mejor al personaje central del libro que hemos escrito, agradecerlas.

Dice en la entrevista: "La cuarta espada no es sobre teoría marxista. Es un reportaje sobre personas. No me interesan sus fundamentos teóricos sino sus rasgos psicológicos. Y no me interesa hacer un libro para académicos sino uno que pueda leer cualquier peruano que quiera comprender cómo llegamos a tal violencia (...) no soy solo un literato. Colaboro con El País, con El Comercio y con otros medios de seriedad comprobada y de prestigio internacional. Y este libro no es una novela. No hay nada inventado. Es un reportaje rigurosamente periodístico. Las entrevistas están grabadas. Las fuentes están documentadas. Me interesa que critiquen mi trabajo, pero prefiero que lo hagan después de leerlo"

Y sobre las críticas de que su libro, en realidad, sólo repite informaciones recogidas anteriormente aclara: "Es difícil repetir algún libro porque no existe ninguno sobre Guzmán. Y menos con fuentes de Sendero Luminoso. Este, además, incluye un retrato de Elena Iparraguirre sobre su relación con Guzmán. Y una declaración muy elocuente de ella sobre la extraña muerte de Augusta La Torre. Y el testimonio del hombre que estuvo a punto de matar a Osmán Morote y que explica por qué sobrevivió al operativo 'Mudanza 1'. Y la versión de Nancy Obregón y de los campesinos cocaleros sobre la relación entre Sendero y el narcotráfico. Y una descripción de la vida cotidiana de Guzmán en la clandestinidad. Y pruebas de las luchas internas de Sendero durante el Congreso del 88, que cambió el curso de la guerra. Si alguien sabía todo esto, ¿por qué no escribió este libro? El interés internacional ha sido inmediato y, en el Perú, ya estamos por la segunda edición. Le habría ido bien."

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En medio del Foro Vargas Llosa que dirige Juan José Armas Marcelo, Mario Vargas Llosa se reunió ayer con el centenario Francisco Ayala y Jorge Edwards, para hablar de Benito Pérez Galdós y su libro La casa de Shakespeare que no había sido reeditado desde 1906, en que se publicó por primera vez. Ahí Vargas Llosa, acostumbrado como nos tiene a sus opiniones contundentes (¿recuerdan el discurso sobre la novela que iniciaba pidiendo disculpas por decir un exabrupto?), declaró: "Galdós es el más grande novelista de nuestra lengua". El acto se complementó con la presentación del tomo VII de las «Obras completas» de Ortega y Gasset.

Dice la nota: "El autor de «Conversación en la catedral» fue el primero en glosar al autor de «Fortunata y Jacinta»: «Galdós es el más grande novelista de nuestra lengua, nuestro Balzac, nuestro Dickens. Su librito «La casa de Shakespeare» es un reportaje, sí, pero escrito con la sabiduría de una gran novelista». (...) Jorge Edwards destacó que «Galdós era un español atípico, un anglófilo y en este librito vierte muchas de sus reflexiones sociales y políticas, y es un homenaje a los monumentos democráticos y literarios británicos, un homenaje a un país que respeta la ley, pero también respeta s sus intelectuales».

Por otra parte, Fernando Rodríguez Lafuente, director del ABCD de las Artes y las Letras celebraba este encuentro entre Vargas Llosa y Ortega y Gasset, «dos auténticos liberales en un siglo antiliberal».

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Para los que estamos en esto de los blogs hace muchos años, el nombre de Hernán Casciari es el primero que se nos viene a la mente cuando mencionamos la palabra "blog". Ninguno como él supo, tempranamente, todas las posibilidades que brindaba este formato. Y nadie como él, al menos en castellano, las explotó con tanto humor. Sus blogs, Orsai , el divertido Diario de Letizia Ortiz que mantuvo en vilo a todos días antes del matrimonio, la weblog de una mujer gorda y esa maravilla de novela bloggera Más respeto que soy tu madre, son imprescindibles para los qe estamos en este medio. Y desde hace un tiempo suma un nuevo blog a su larga lista, Espoiler, donde hará crítica de TV. Por eso hoy aparece una entrevista al teleadicto Hernán en "Página12". Debo anotar que estoy de acuerdo con Hernán: basta de escritores que usan Olivetti.

Dice Casciari: "(...) hoy la literatura se está haciendo en televisión; el cine está devaluado desde el momento en que se intenta hacer la remake de Astroboy. No hay nada que merezca la pena. Lost, Los Soprano, Californication, en cambio, son la gran apuesta cultural de este siglo (...) La literatura de hoy está hecha por gente asquerosamente inteligente que tiene ganas de sobresalir, pero cerebralmente. Y los grandes riesgos estéticos de este principio de siglo los están poniendo sobre la mesa los guionistas de TV, ni siquiera los del cine. Intento ser un escritor que no se encierra en la cocina con la Olivetti. Prefiero estar conectado y viendo la temperatura de la calle. Escribo folletines y literatura en directo. Ante cada nuevo capítulo, sé que hay personas del otro lado esperándolo. De qué manera lo hago forma parte de algunas estrategias de marketing y un poco de reflejos. ”.

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Los homenajes a Gabriel García Márquez se multiplican en este año cabalístico (40 de Cien años de soledad, 25 del premio Nobel y 80 de vida). También en el Perú. La Universidad Nacional Mayor de San Marcos toma la posta.

Dice la nota: "En el año de los homenajes a Gabriel García Márquez, la Universidad Nacional Mayor de San Marcos será la sede en que se reunirán distintos intelectuales para hablar sobre Cien años de soledad. "Congreso Internacional Los Cien Años de Macondo: Epopeya de un Pueblo Latinoamericano" es el nombre del evento académico, que será inaugurado hoy a las 11 am en el auditorio de la Facultad de Letras de la citada casa de estudios. El escritor José Antonio Bravo tendrá a su cargo la conferencia magistral "Cien años de soledad. Para una definición de la palabra novela".

El jueves 25 las sesiones se iniciarán a las 11 am, con una mesa sobre el universo femenino en la novela. Participarán, entre otros, Mariela Dreyfus y, en otros temas, José Güich, Selenco Vega, Carlos Eduardo Zavaleta y Edgardo Rivera Martínez. El cierre del evento estará a cargo de Agustín Prado, Óscar Coello, Antonio González Montes y la conferencia magistral del crítico Julio Ortega. "

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La escritora española Almudena Grandes, conocida por su novela erótica Las edades de Lulú, está en Colombia para presentarse en un evento en la Biblioteca Luis Angel Arango y presentar además su nueva novela El corazón helado. Nuevamente el tema de la Guerra Civil asoma en una novela española. Están advertidos.

Dice Grandes sobre su novela: "Sabía que iba a ser muy larga. Venía de una novela de 600 páginas: 'Los aires difíciles'. El tamaño era un factor que me inquietaba, por supuesto. Pero me preocupaban tantas otras cosas. Empezando porque el argumento y los personajes son míos, pero el tema es colectivo. Es un tema de todos los españoles de mi generación. Eso me hacía sentir todavía más responsable de lo que escribía. Es un tema común, colectivo, porque el tema no es la historia, sino la memoria. (...) Quería escribir una novela política, que no fuera panfletaria. Los panfletos en la escritura son un negocio malísimo, tanto para la propia novela como para la ideología que pretende defender. Así, decidí contar la historia desde el punto de vista de los personajes y sus sentimientos. También, quería que la novela fuera sentimental y, a la vez, seca. Esta novela ha sido el ejercicio de equilibrio, he estado en la cuerda floja todo el tiempo. Así que el tamaño no me preocupaba tanto".

Sobre Las edades de Lulú dice: " Es una obra que ha hecho por mí lo que pocos libros han hecho por sus autores. Yo quería escribir y por él soy escritora. Se ha hecho tan grande que a veces tengo la sensación de ser su hija y no su madre. Considero que 'Lulú' está por encima de mí, fue complicado el tema del erotismo y el encasillamiento. Hubo un intento de encasillarme, pero la segunda novela apagó eso. Tenía tantas ganas de que me tomaran en serio. Es que te puedes quedar como escritor de una sola novela. Por eso en la segunda novela sentía que me jugaba la vida en cada adjetivo. Ahora, me parece mentira lo que te estoy contando."

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Ayer en la noche, con la presencia de la Presidenta de Chile Michelle Bachelet (¿algún día un Presidente de Perú inaugurará una FIL Lima?) y del poeta Gonzalo Rojas, quien este año es víctima de homenajes múltiples por sus 90 años, se inauguró la Feria Internacioal del Libro de Santiago de Chile. Este año tendrá como País Invitado de Honor a Brasil. Alvaro Matus escribe en "Revista de Libros" un comentario urgente sobre la desconocida literatura brasileña. Y en El Mercurio hoy hacen una relación de stands y qué pueden encontrar en cada uno de ellos. Mientra tanto, en el periódico "Milenio" comentan algo más sobre los temas que se tratarán en la FIL Santiago (FILSA) en la que Perú participó el año pasado como País Invitado de Honor. Esta vez tres peruanos irán a la feria: Carlos Germán Belli, Julio Ortega y Daniel Alarcón. Les dejo también la página oficial de la FILSA.

Dice la nota de "Milenio": "Como un preludio de los 120 años de la primera edición de “Azul” de Rubén Darío, la pregunta por la identidad latinoamericana atravesará todo el debate de la Feria Chilena del Libro que este año congregará a pensadores como Tomás Eloy Martínez, Ernesto Cardenal y Augusto Boal. El evento, que abre este miércoles sus puertas al público, estará centrado también en la creación brasileña, pero sin dejar de lado el debate inacabable entre vanguardia, identidad y conflicto social. Desde estudios sobre la intertextualidad en los libros del escritor Roberto Bolaño hasta ensayos sobre lo horroroso maravilloso en el surgimiento de la literatura latinoamericana coparán las discusiones que irónicamente se efectuarán en una estación de trenes abandonada. Recitales de poetas indígenas, análisis sobre la literatura amazónica, libros sobre idealismo y homosexualidad, además de debates sobre digitalización editorial marcarán el evento, que cierra el 4 de noviembre. La reunión servirá además como una instancia de discusión política, desde donde políticos, intelectuales y editoriales debatirán sobre la definición de iniciativas regionales para impulsar tanto la creación como la lectura.

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Mientras Doris Lessing causa sorpresa en Inglaterra por las declaraciones que ofreció a Juan Cruz, en "El País" (en la que declaró "El 11-S fue terrible, pero si se repasa la historia del IRA, lo de los americanos no resulta tan terrible.") en el Perú la nueva Premio Nóbel ha originado un enfrentamiento distinto. Rocío Silva Santisteban publicó una airada columna en "La República" -republicada en su blog- titulada "Doris Lessing y el machismo literario internacional" en la que desestimó todas las críticas que se le han hecho al premio (en especial la de Harold Bloom y la de Marcel Reich-Ranicki) diciendo que son frutos del machismo y la mezquindad incapaz de celebrar a una autora post-feminista. Por su parte, Gustavo Faverón contestó en un post titulado "Femifobia" en el que duda que las críticas de ambos críticos esté guiada por el machismo o la "femifobia", digamos. En la sección de comentarios de ese post, además, replica la misma Rocío Silva Santisteban.

Aunque comparto plenamente los comentarios de Rocío sobre la ociosidad de los periodistas culturales, especialistas en voltear cables (en realidad, ni eso) e incapaces de averiguar un poquito más sobre la información que reciben -y eso no es cuestión de espacio sino de talento, porque el mismo espacio ocupa un cable que una nota que rescate lo esencial del cable, desheche el ripio y lo reemplace por mejores datos-, no me queda claro si las críticas contra Lessing provienen de conceptos machistas o, simplemente, ante la sorpresa de un premio otorgado a una mujer que dio su mejor golpe hace 40 años. Nadie niega la calidad de Lessing y quizá debió ser premiada en los 70, como ella irónicamente sugirió. Pero ahora ¿por qué no premiar a alguien que esté en pleno apogeo creativo y que tenga una obra compleja, con desniveles no tan abismales, y (en todo caso) cuyas opiniones sean más relevantes en la actualidad, como eran muchos de los candidatos (incluyendo a las mujeres)? Por otra parte, habría que sospechar también si la defensa a Lessing que hace Rocío no es producto del fenómeno inverso: cerrar filas ante una luchadora social y post-feminista. Y esto, al parecer, sin importar si es buena o mala escritora (lo que se desprende del texto de Rocío se puede inferir algo así como: "es posible que ella no sea tan buena, pero ¿quién lo es si todos tienen desniveles?")

PD.- no he leído la obra de Lessing, salvo la primera parte de su autobiografía, pero sí he leído todo lo traducido por Anagrama de Claudio Magris -salvo el último libro, que aún no llegó a Lima- y debo decir que dudo mucho que Lessing, o cualquier otro autor actual, tenga una obra tan compleja y rica en matices como la suya, con por lo menos tres títulos excepcionales como El Danubio, Microcosmos y A ciegas. No entiendo, por eso, cuando afirma que la obra de Lessing es "más rotunda" que la de Magris. ¿Qué significa realmente esa frase en el contexto de un artículo donde sostiene, además, que la literatura no es una "carrera de caballos"?

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Una de las anécdotas más famosas de la literatura norteamericana es aquella que cuenta que Raymond Carver no era minimalista, que sus párrafos estaban llenos de sentimentalismos y refelexiones, pero que su editor Gordon Lish, también escritor, corrigió aquellos "excesos", contra la voluntad del autor incluso, y convirtió a Carver en el maestro del minimalismo. Luego hubo una disputa por saber si Carver le debía su fama a Lish que concluyó con un argumento genial: si Lish pudo hacer eso por Carver, ¿por qué no pudo hacerlo por sí mismo? Ahora, con afán de "reescirbir la historia" la viuda de Carver, Tess Gallagher, pretende publicar los cuentos antes de la tijera de Lish. ¿Valdrá la pena? ¿No es un riesgo demasiado grande publicar versiones que el autor deshechó en vida? Ya se anuncian líos judiciales de parte del editor de Carver que piensa que la edición de Tess sería ilegal. La noticia está muy bien detallada en The New York Times, que incluye el ejemplo de un cuento sin correcciones, y también aparece en The Guardian bajo el estupendo título "Less said the better"

Dice la nota en NYT: "Tess Gallagher, the widow of Raymond Carver, one of the most celebrated American short-story writers of the 20th century, is spearheading an effort to publish a volume of 17 original Carver stories whose highly edited versions were published in “What We Talk About When We Talk About Love,” his breakout 1981 book. Largely as a result of that collection, which became a literary sensation, Carver was credited with popularizing a minimalist style. But many of his fans have been aware of reports that Gordon Lish, Carver’s first editor at Alfred A. Knopf, had heavily edited, and in many cases radically cut, the stories before publication to hone the author’s voice. At the time, Carver begged Mr. Lish to stop production of the book. But Knopf went ahead and published it, to much critical acclaim. Ms. Gallagher, who is also a novelist and poet, wants to see the original stories published as a volume called “Beginners,” the title that Carver gave to the story that became the title story in “What We Talk About.” “I just think it’s so important for Ray’s book, which has been a kind of secret, to appear,” Ms. Gallagher said by telephone from her home in Port Angeles, Wash. But, she added, “I would never want to take ‘What We Talk About’ out of publication.” Those versions of the stories, she said, “are now part of the history.” Ms. Gallagher’s plan has created controversy. Carver’s later editor, Gary Fisketjon of Knopf, which holds the copyright to “What We Talk About,” is deeply opposed to the idea. “I would rather dig my friend Ray Carver out of the ground,” he said. “I don’t understand what Tess’s interest in doing this is except to rewrite history. I am appalled by it.”

También se lee: "Carver acknowledged in the letter that Mr. Lish had “made so many of the stories in this collection better, far better than they were before.” But because several people — including Ms. Gallagher and the writers Richard Ford, Tobias Wolff, Geoffrey Wolff and Donald Hall — had already seen some of the stories in their earlier versions, Carver wondered, “How can I explain to these fellows when I see them, as I will see them, what happened to the story in the meantime, after its book publication?” Carver, who had recently met Ms. Gallagher (he later divorced his first wife, Maryann Burk) and stopped drinking, wrote: “If the book were to be published as it is in its present edited form, I may never write another story, that’s how closely, God Forbid, some of those stories are to my sense of regaining my health and mental well-being.” He then detailed what he wanted restored. Mr. Lish disregarded Carver’s plea and published the edited stories. Writing in The Washington Post, Doris Betts praised Carver’s “verbal skill, the distilled pungency, the laser focus of his implacable vision.” Michael Wood, writing in The Times Book Review, said “his writing is full of edges and silences, haunted by things not said, not even to be guessed at.” Ms. Gallagher said the critics hadn’t read the real Carver. “Ray really resisted this whole thing of being dubbed a minimalist,” she said. She added that those who viewed Carver’s later stories as more expansive than his early work, simply never knew that he had always been expansive. Reached by telephone, Mr. Lish said he was “very skeptical about anyone having what you describe as the original manuscripts,” he said, adding “The Carver matter is a dead letter with me.”

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George Steiner estuvo en Barcelona y ofreció una conferencia titulada "Recordando el futuro". No se calló nada su resentimiento contra Europa, a la que llamó acomplejada y dijo que "tiene muchos muertos, está llena de fantasmas". Y también habló de literatura, dando un voto de confianza a la literatura de América.

Dice la nota: "La globalización deja esporas de descontento y crecen como hongos los nacionalismos: «Nos preguntamos quiénes somos. Gales y Escocia exigen autogobierno, en Galicia has de saber gallego para dar clases en la Universidad... ¡Una ficción filológica fascinante! ¿Qué va a pasar en Bélgica con valones y flamencos, o en Cataluña y en el País Vasco...? Viena dio a Freud y Kokotscha, pero también las matanzas de judíos. Hoy es una ciudad turística, sin ningún interés cultural...» ¿Y qué lugar queda a la literatura? Steiner observa pocas presencias reales. «Hay cine, ciertas formas de televisión, buena música y arquitectura... Si hoy viviera Shakespeare escribiría grandes guiones, sería un cineasta espectacular». Los buenos novelistas están en América, del norte y del sur. Steiner sonríe maliciosamente y recalca la última frase."

También mencionó a la premio Nóbel Doris Lessing:"Que den el Nobel a una señora de 88 años resulta inquietante, y que conste que admiro a Doris Lessing...»

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No sé si es precisamente un falso dilema, pero sí me parece obvio que la dicotomía andinos/criollos resulta arbitraria, insuficiente y prejuiciosa para empezar, si quiera, a entender la complejidad y riqueza de la literatura peruana. Algunos insisten en eso porque no tienen más que ofrecer (les "hirve" la cabeza como a Caballasca cuando quieren salir de la dicotomía). Otros, en cambio, hacen algo para superarla, como el texto que publiqué de Luis Nieto Degregori hace unas semanas. Y como este estupendo artículo que publica hoy Alonso Cueto en su columna de Perú21 titulado "Falsos dilemas".

Dice el artículo: " Una de las características de la literatura es su capacidad por incluir la variedad de lo humano. Un escritor abarca territorios desde varias perspectivas y, con frecuencia, es difícil definirlo o catalogarlo en una sola. Me parece que esta verdad general puede aplicarse para comentar los falsos dilemas que vienen usando (otra vez) algunos agitadores que, con los conceptos antagónicos -y moralizantes- de 'andinos' y 'criollos', pretenden establecer diferencias entre escritores peruanos. Mario Vargas Llosa, por ejemplo, no es un 'criollo' propiamente hablando. Catalogarlo de ese modo simplifica y desnaturaliza su gran obra narrativa y lo somete a una serie de malentendidos. Autor de una gran novela sobre los territorios de la selva, su galería incluye las llanuras por las que caminan los rebeldes de Antonio Conselheiro y, también, el sol ardiente que ilumina el delirante uniforme del presidente Trujillo. Arguedas, por otro lado, convocado como un modelo, tampoco es un escritor cuya obra puede ser agotada con la categoría de 'andino'. En ese caso, también, su gran proeza narrativa sería simplificada y desnaturalizada. No solo describe ese laboratorio de migraciones y conflictos que es Chimbote en su última novela sino que, en sus obras cumbres -Todas las sangres y Los ríos profundos-, los personajes limeños, o con vinculaciones a la capital, están siempre presentes. Arguedas y Vargas Llosa no son, por otro lado, personajes o modelos antitéticos. No solo se leyeron y admiraron mutuamente sino que sus obras, en cierto sentido, tuvieron un aspecto común fundamental: las relaciones entre la vida de sus personajes y el marco impuesto por la sociedad peruana. Lo mismo puede decirse de Ciro Alegría, Julio Ramón Ribeyro, Alfredo Bryce o cualquier escritor realista. Todos incluyen aspectos de distintas partes de nuestra cultura. En un país tan variado como el nuestro, no hay culturas 'puras' o 'únicas'. No estoy contra de las clasificaciones y de las divisiones pero, creo, interesan solo a dos tipos de personas: los profesores, por razones didácticas, y los agitadores, por razones estratégicas. Ninguna obra literaria de valor está escrita bajo concepciones morales del mundo. Los inquisidores que las esgrimen nunca han gozado leyendo un libro. Están demasiado ocupados categorizando y clasificando moralmente a sus autores. Solo eso los hace felices.

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Dice Gándara: "El párrafo de ayer fue extraído del compendio pluriforme de W. G. Sebald (1944-2001), 'Campo Santo' (Anagrama), en concreto de uno de sus ensayos titulado 'Entre Historia e historia natural. Sobre la descripción literaria de la destrucción total'. En él se pregunta Sebald por qué la destrucción de las ciudades alemanas por los bombardeos aliados no ha sido objeto de descripción literaria, ni impulsó literatura alguna en el área de esa lengua. Antes de examinar tanto las excepciones como las causas del silencio, Sebald sugiere que lagunas como ésta son suficientes para preguntarse por la función de la literatura: me temo, visto el conjunto de los ensayos aquí reunidos, que la respuesta no es muy optimista y que, cuando la literatura de ficción no es insuficiente o ampliamente rebasada por la experiencia, acaba resultando un refuerzo del imaginario establecido (a este respecto léase el ensayo sobre 'Construcciones del duelo', especialmente dedicado a Günter Grass, a su colaboración en la campaña política que colocó a la socialdemocracia en el poder y a la obra concomitante). Creo que una cuestión legítima para quien esté interesado por las literaturas nacionales (o mundiales) es la de averiguar dónde se sitúan las zonas de olvido, los territorios en blanco de los mapas. También para quien esté interesado sencillamente en conocer el país en que vive, por poner un ejemplo cercano, el nuestro.

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Un documental aún inédito, en el que Jorge Luis Borges comenta su cuento "El Sur" y hace de Dahlman es la noticia del día en Argentina. Se llama "Borges, un destino sudamericano" y hoy será exhibido por primera vez en ese país (ya antes pasó por Madrid) el auditorio de la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires. En ADN Cultura adelantan algunas de las palabras de Borges. El mediometraje fue grabado en 1977 por José Luis Di Zeo y Tadeo Bortnowski y ha sido recuperado 30 años después. Además, Di Zeo ha comentado los pormenores de la filmación. Nos enteramos entonces, por ejemplo, que Borges se peleó con la maquilladora... ¡Estaba hecho una Frances Farmer!

En una nota aparte, el director cuenta los pormenores de la actuación de Borges como su personaje, Dahlman: "Borges, más que actuar, jugó con un cuchillo, pero se lo tomó muy en serio. Ese día, se levantó a las cinco de la mañana en su casa de Maipú, esperando que pasáramos a buscarlo. Estuvo nervioso, se peleó con la maquilladora y pidió perdón por tartamudear un poco. Fue extraordinario. (...) Al llegar al lugar de filmación, Borges tuvo miedo y al principio no quiso bajar del auto. Luego accedió, pero, apenas empezó el trabajo, metió el bastón en un agujero en la tierra y casi se cae. De modo que cuando hizo lo que el relato exigía no le pedimos más. Ya estaba. Había dado mucho. No hacía falta más. Al principio decía que no a todo; todo le parecía mal. Luego, lo fue haciendo. Jugó".

Borges dice en la cinta: ""Mis cuentos siempre son autobiográficos, posiblemente los hechos no sean autobiográficos, pero siempre proceden de una emoción. Todo cuento es autobiográfico, pero eso es verdadero sobre todo en el caso de `El sur´ (...) La primera mitad es pedestremente autobiográfica, precede de un accidente que tuve y una internación posterior y además está la historia de mi abuelo en un juego de asimetrías y anacronismos" También narra las similitudes entre en Juan Dahlmann -el personaje de "El Sur"-, y él mismo. "Yo busqué que Dahlmann fuera un hombre sedentario, un hombre literario, posiblemente un cobarde pero que tiene un pasado épico, porque le gusta imaginar que sus mayores tienen un pasado épico", cuenta Borges. "Dahlmann trabajó como secretario de una biblioteca municipal, yo también trabajé como pinche de una biblioteca del barrio de Almagro", rememora Borges en el film.

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En el periódico Milenio aparece una entrevista a la mexicana Cristina Rivera Garza, una de las escritores más interesantes de la actual literatura latinoamericana. Ella presentará este jueves su nueva novela La muerte me da (Tusquets), a la que califica de thriller.

Dice sobre su novela: "En este libro hay muchas vueltas de tuerca y subversiones internas; ciertamente se juega mucho con los elementos del thriller, desde el punto de vista de sus personajes y trama, fundamentalmente. Pero también es un libro que por su propia naturaleza, al darse la vuelta y criticarse a sí, tampoco los respeta. Hablamos de un thriller peculiar. Hay un detective y asesinatos que ocurren en el cuerpo masculino como el sitio de la violencia y a través de cortes peculiares y significativos, como es el de la castración. Esto mismo trata de encarnarse en la forma de la novela. De entre las cosas que como autora soy conciente está el tránsito del corte del cuerpo al corte de la escritura, y convertirlo en eje a partir del cual se entretejen las acciones novelísticas. Esta es una preocupación deliberada y conciente. En La muerte me da el fragmento es motivo de curiosidad y exploración, entendido aquél como parte intrínseca de la condición humana en la época contemporánea."

También dice: "Es un caso para seguirse, como el de otros quienes han estado en la literatura y el asesinato a la vez, y tiene que ver con la fragmentación, un recurso no sólo estilístico y de moda sino más cercano a las maneras de experimentación del ser humano en el mundo contemporáneo".

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En su columna de hoy, Abelardo Oquendo comenta un diálogo del recientemente fallecido Francisco Umbral sobre el escritor gallego Alvaro Cunqueiro. Dice Umbral que, de haber nacido Cunqueiro en Colombia, hubiera tenido más suerte con la crítica. Al final, esto de las nacionalidades es como una fortaleza asediada o, ay, un matrimonio: Los que están dentro de las murallas quieren salir y los de fuera, entrar. Pongo la columna íntegra.

"Hablando sobre la muerte de Francisco Umbral alguien recordó el otro día un artículo suyo sobre Álvaro Cunqueiro, un escritor gallego que ganó el Premio Nadal en 1968 con una novela de gran imaginación: Un hombre que se parecía a Orestes. Umbral decía que si Cunqueiro hubiese nacido en América Latina habría alcanzado tanta fama como un autor del boom de la novela latinoamericana, pero que tuvo la mala suerte de nacer en España, un país europeo.
-En 1968 no era tan europeo.
-Pero no era ni Cuba ni Colombia. Así, aunque el realismo mágico alentaba poderosamente en Cunqueiro desde antes del deslumbramiento que causó García Márquez, no llamó la atención porque no venía de ningún lugar presuntamente exótico, lleno de pobres, de analfabetos y de revolucionarios.
-¿Y no sugería que a García Márquez le habría ido menos bien de haber nacido en Galicia?
-Algo así se infería de su artículo. De alguna manera Umbral parecía creer que su propio brillo aparecería multiplicado de haber nacido en un país atrasado de América.
-Me parece que estaba pensando a partir del refrán "En el país de los ciegos el tuerto es rey". Lo subrayado por Umbral era la ventaja de ser un buen escritor procedente de una región donde los grandes escritores son aves raras. Ventaja consistente en que su obra viajaba a los países "grandes" preservando su excepcionalidad de origen.
-Yo creo que hay ventajas todavía mayores en realidades como las nuestras. Por lo pronto, como entre nosotros el techo es bajo, se alcanza con relativa facilidad. No se requiere de mucho talento para estar entre los que destacan. Inclusive es fácil ingresar a la historia de la literatura nacional respectiva. Lo mismo, pienso, vale para las demás artes.
Pero los escritores y los artistas de estos lares tienen una visión muy distinta. Se sienten víctimas de un medio chato y un Estado indiferente al que culpan por tratarlos como ciudadanos comunes y corrientes. Por eso tantos se van.
-Y de ser algo aquí pasan a ser nada en el extranjero.
-Salvo uno que otro milagro."

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Hoy lunes empieza en Arequipa el Primer Festival del Libro. Les dejo aquí la nota de prensa y el afiche para los que se puedan dar una vuelta. Va hasta el 31 de octubre. ¡Buena suerte!

Por primera vez se desarrollará en la Blanca Ciudad el Primer Festival del Libro, Arequipa 2007, lo que promete ser el evento cultural más ambicioso de los últimos tiempos ocurridos en nuestra ciudad, ya que han asegurado su participación la mayor cantidad de editoriales nacionales y extranjeras, libreros y escritores.

Este Festival se iniciará del 22 al 31 de octubre en las instalaciones del Complejo Cultural Chávez de la Rosa de la Universidad Nacional de San Agustín, y que ocupará todos su ambientes por más de un centenar de stands, donde las principales editoriales ofrecerán los libros a precios promocionales y también se contará con un stand especialmente acondicionado para los más pequeños; asimismo, se realizarán conferencias, mesas redondas, presentaciones de libros, contando con la presencia de escritores de reconocida calidad y que son activos agentes culturales como, Jaime de Althaus, Antonio Cisneros, Arturo Corchera, Jorge Eslava, Rocío Silva Santisteban, Jorge Eduardo Benavides, Miguel Ángel Huamán, Julio Cotler, Lorenzo Osores, Oswaldo Reynoso entre otros. El Primer Festival del Libro, Arequipa 2007 no sería posible sin el auspicio de la Universidad Nacional de San Agustín, el Gobierno Regional, el instituto Cultural Peruano Norteamericano y de la empresa privada.

La invitación está hecha a todo el público arequipeño y los preparativos listos, el Complejo Cultural Chávez de la Rosa de la UNSA, ubicado en la esquina de las céntricas calles San Agustín y Santa Catalina que albergará en sus instalaciones al Primer Festival del Libro, Arequipa 2007, abrirá sus puertas del 22 al 31 de este mes, durante 10 días, esta celebración al libro y la lectura, transformará el espíritu de Arequipa y será la caja de resonancia cultural del sur del Perú.

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Todo el mundo lo sabe: basta que Oprah hable de un libro en su programa y en su web para que todas las librerías de EEUU pidan por lo menos un ejemplar, para que los centenares -si no miles- de Clubes de libros lo coloquen en su lista, para que los fans de la conductora de TV lo compren y, por todo ello, el libro se convierta en un best-seller. Lo mismo da si se se resisten a ello como Jonathan Frazen (quien se negó a que su libro tuviera el sello de "recomendado" por Oprah) o si participan gustosamente pese a su fama de huraños, como Cormac McCarthy, el resultado es el éxito de ventas. ¿Y qué libro está leyendo ahora mismo Oprah? Pues ni más ni menos que El amor en los tiempos del cólera que, según anota El Tiempo, ya es un éxito de ventas este mes en EEUU. El factor volvió a multiplicar.

Y ojo que Oprah no recomienda sólo libracos. Ha demostrado que ella, o sus consejeros, tienen un gusto excelente. Entre otros libros, han recomendado últimamente Middlesex de Jeffrey Eugenides, La carretera de Cormac McCarthy, Luz de Agosto y El sonido y la furia de William Faulkner, El corazón es un cazador solitario de Carson McCuller y Anna Karenina de Leon Tolstoi. De Gabo había comentado antes Cien años de soledad.

Dice la nota: " La famosa presentadora de televisión escogió la obra del escritor colombiano Gabriel García Márquez para su club de lectura, a propósito del próximo estreno de la versión cinematográfica del libro. Para la semana que finalizó el 18 de octubre, la historia de amor entre Fermina Daza y Florentino Ariza ocupaba el primer lugar entre los libros de ficción más vendidos en Canadá por el minorista en línea Amazon. Al mismo tiempo, en Amazon de Estados Unidos el libro llegaba el jueves pasado al octavo lugar (la semana anterior había ocupado el quinto puesto). En la lista del diario USA Today, publicada el 11 de octubre, la novela estaba en el lugar nueve entre los libros de ficción más vendidos, mientras que en la clasificación de Barnes & Noble, la cadena de librerías más grande de Estados Unidos, estaba el jueves en el puesto 14. La editorial que posee los derechos de publicación de la novela en Estados Unidos y Canadá, Vintage Books, filial de Random House, no quiso revelar datos exactos de ventas, pero su vocero, Russell Perreault, confirmó que imprimieron 750.000 copias adicionales de la traducción en inglés (realizada por Edith Grossman) y 30.000 extra en español, desde que Winfrey anunció su selección para el club de lectura el 5 de octubre (...) Sobre la novela de García Márquez esto fue lo que dijo: "Es una de las historias de amor más espectaculares que he leído. Es una novela seductora sobre una relación amorosa apasionada pero turbulenta que se extiende por 50 años".

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Hace unos días coloqué un post donde anunciaba la aparición del poemario La soñada coherencia de Luis Hernández, editado por Mesa Redonda. Un anónimo dejó entonces un comentario en el que hablaba de los errores de la edición. Lo curioso es que la edición no había salido aún de imprenta. Lo rectifica así en este email uno de los editores. ¿Clarividencia del anónimo? No, simplemente un ejemplo más de la mala leche, la envidia y la mediocridad que pulula anónimamente en los blogs literarios. Felizmente, los chicos de Mesa Redonda no se amilanan y siguen adelante. Bien por ellos.

Dice la carta: "Estimado Iván: En primer lugar quiero agradecerte por el espacio que le diste en tu blog al libro de Luis Hernández, La soñada coherencia. Por otro lado, leo con asombro un comentario anónimo colgado el día 18 de octubre que dice: "si revisas bien la soñada coherencia verás que tiene varios errores ortográficos en los poemas. de todas maneras vale el esfuerzo. tendremos alguna vez una edición crítica de la poesía de Luchito???????" . Me parece pertinente comentarte que el libro recién se ha distribuido el día 19 de octubre durante la tarde, por lo que es imposible que alguien pueda afirmar algo acerca de La soñada coherencia antes de haberlo leído. Se que Sandra habló contigo y ya te tiene al tanto de este tema. La día sábado te escribí un post, como respuesta al malintencionado comentario, pero me imagino que se habrá escondido entre tantos comentarios que debes recibir diariamente. Un fuerte abrazo!

Juan Miguel Marthans B.

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En efecto, si han leído atentamente el post que coloqué antes sobre Martin Amis sabrán que Anagrama espera publicar pronto la traducción de House of Meetings. Y nosotros esperamos pronto leerla. Aquí, Pedro B. Rey escribe una breve síntesis sobre la carrera literaria de Amis que incluye el punto de inflexión que debería significar House of Meetings.

Dice la reseña: "House of Meetings ( Casa de citas ) tal vez inaugure un nuevo giro en la carrera del escritor, que en sus páginas reinventa su propia literatura. Con excepción de esporádicos párrafos de humor negro (Amis no puede por momentos con su genio), no hay lugar para comedias. House of Meetings no transcurre en Londres ni en Nueva York, sino en la ex URSS. Retrata a un trío de personajes y, a través de ellos, más de medio siglo de avatares de un país elefantiásico. Amis usufructúa la información sobre el gulag de que dispone, pero la lógica cotidiana del campo de trabajos forzados apenas forma una sección del libro, como si el novelista entendiera que esa tarea ya fue cumplida por Solyenitsin y, sobre todo, de modo insuperable, por Shalamov. La novela narra entonces la historia, a través de las décadas, de un tortuoso triángulo amoroso entre dos hermanos (el narrador, su hermano Lev) y una mujer (Zoya, una atractiva judía, esposa del segundo). A principios de milenio, el narrador innominado, después de haber huido de la URSS en 1983, vuelve en un crucero turístico, ya anciano, de visita al campo de concentración siberiano donde pasó diez años de su vida, desde 1947 hasta 1956. Le escribe a su hija norteamericana, de la que poco y nada sabremos, a modo de expiación. Quiere contarle por escrito qué clase de monstruo es: un hombre curtido en un ejército que, al avanzar hacia Alemania a finales de la guerra, tuvo su educación sentimental en la violación sistemática, un hermano envidioso, un oportunista, un monstruo de cinismo. Escrita en "inglés-inglés", según subraya el narrador, que retorna con su extensa carta al pasado, Amis vuelve a desplegar en House of Meetings un gran artificio verbal. Es su novela más cruda. No es difícil imaginar que, en la hipotética lista de todos sus libros, junto a su título conste la tan codiciada A.

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El chato Martín Amis no deja de hacer noticia. Más allá de la pelea con Terry Eagleton (antes comentada en este blog) y de la publicación exitosa de su última novela, House of Meeting, Amis sigue haciendo noticia ya sea porque empezó ya su próximo libro (que se titulará The second plane y tendrá como tema el atentado contra las Torres Gemelas) o porque su esposa, la guapa Isabel Fonseca, también publicará pronto una novela (que, dicen, tiene algunos datos autobiográficos). En el ADN Cultura lo entrevistan en su casa, mientras acomoda algunos libros que le acaban de llegar y su hijo se baña en la piscina.

Dice sobre su nuevo libro: "A principios del 2008 saco un nuevo libro, The second plane, basado en ensayos periodísticos que escribí entre 2001 y 2007 sobre el 11 de septiembre, más un par de cuentos cortos sobre el tema. Arranca con una nota que publiqué el 18 de septiembre de 2001, que no está mal, pero denota a una persona tan shockeada con lo que pasó que parece alucinada: está llena de fiebre y de rumores. En esa nota, de manera ligeramente naïve también culpo a Occidente; por esta inocencia de la izquierda racional, no pude evitar pensar que tenía que haber una razón detrás del atentado. A mí me tomó años darme cuenta de que esto no tiene nada que ver con la razón, de que los responsables son grupos que explícitamente renuncian a la razón, y por lo tanto también a la moral, porque la moral se basa en ella. Sin razón y sin moral, estamos frente a un culto a la muerte doblemente loco, porque es una ideología dentro de una religión. Estamos frente a un problema que, naturalmente, tiene que ver con una masculinidad en crisis".

También explica las razones para abandonar Uruguay, donde vivió tres años, y sus primeros meses como profesor universitario: "De haber tenido voluntades libres, Isabel y yo posiblemente nos hubiéramos quedado en el Uruguay. Pero en vez de voluntades libres tenemos hijos, y la escuela de Punta del Este nos encantaba y era muy dulce, pero adecuada sólo para cuando Clio y Fernanda eran chiquitas. Además, tengo tres hijos grandes que están instalados cerca de Londres y eso fue lo que nos trajo aquí en vez de llevarnos a Nueva York. Todas las razones que nos trajeron tuvieron que ver con chicos. Respecto a los otros chicos, los alumnos, la cosa recién empieza pero estoy entusiasmado. Entre las clases, Will Self y yo armamos una sesión abierta para hablar sobre el oficio de escritor. El primer consejo que Will les quería dar a los aspirantes a escritores era que se consiguieran un trabajo de verdad, pero al final lo modificamos y les recomendamos que se consiguieran un trabajo que les diera un ingreso fijo de día y escribieran al volver a casa. Will rechazaba de plano la idea de que se pudiera enseñar a ser un escritor autosuficiente, pero conseguí que moderara el discurso. Aunque, la verdad, son pocos los que pueden lograrlo: los metería a todos en el vestíbulo de casa y sobraría lugar".

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La editorial Lumen se ha animado a publicar la nueva obra de Alejandro Rossi, publicada por Era hace varios meses en México, titulada Edén, vida imaginada. En el diario "El País" conversan con el autor acerca de esta publicación con tintes autobiográficos que ha tenido una excelente crítica en México.

Dice la nota: "Es el relato del hombre adulto a partir de las vivencias del adolescente. "Hay un viejo dicho que me gusta mucho. Dice: 'El niño dicta, el hombre escribe'. Recoge bastante de lo que hay en este libro y serviría para entender aquello de vida imaginada (...) Después de una larga vida de trotamundos, ha encontrado su refugio en la biblioteca de su casa en San Ángel, al sur de la Ciudad de México, donde la literatura clásica y moderna conviven con la filosofía. El escritor sale poco debido al maldito enfisema pulmonar que le obliga a depender de la bombona de oxígeno las 24 horas. Es la factura de tantos años de tabaco. Vivir a 2.450 metros de altura tampoco ayuda a sus maltrechos pulmones. Rossi guardó con mucho celo la historia de Edén, vida imaginada. "Son temas literariamente muy buenos y, curiosamente, uno tiene un poco de miedo de acercarse a ellos. Son como los ahorros que uno guarda en la vida, de manera que puede decir: 'tengo todavía estos dos o tres temas. Tengo estos ahorros aquí. Puedo acudir a ellos en cualquier momento. Todavía me quedan dos o tres historias que puedo sacar de esta pequeña cuenta de banco literario, pero estoy casi al final (ríe)".

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La edición del libro Los años de Orígenes, de Lorenzo García Vega, re-editado por la editorial argentina Bajo la Luna, le da pie al extraordinario escritor cubano Antonio José Ponte para comentar acerca de la importancia del grupo intelectual cubano alrededor de la revista Orígenes para la literatura cubana y, por ende, latinoamericana. La reseña en "La Nación".

Dice la reseña: "Quien intente leer hoy, dentro de Cuba, la literatura escrita por cubanos del exilio, tendrá que procurársela con traficantes escurridizos, pagándola a altos precios. Pues ninguna librería o biblioteca pública dispone de ella y, aunque las editoriales estatales han divulgado últimamente algún que otro libro de cubano ido (preferentemente difunto), la literatura del exilio permanece desconocida para los lectores de la Isla. Hace más de dos décadas, cuando empezaba yo a curarme de esa ignorancia, cabían dentro de la censura los nombres de José Lezama Lima y de Virgilio Piñera, sin importar que ninguno de ellos hubiese abandonado el país. En aquel panorama tampoco existían Jorge Luis Borges, Octavio Paz o Mario Vargas Llosa. Pero ningún título entre los que perseguí por las catacumbas de la ciudad se me hizo más inencontrable entonces que Los años de Orígenes , de Lorenzo García Vega (Matanzas, Cuba, 1926). Incluso viejos lectores, generosos en el préstamo de ejemplares, me disuadían de leerlo. Mejor haría en visitar otras páginas, que de aquellas escritas por García Vega se escapaban vapores mefíticos. El rencor con que habían sido perpetradas, el balance arrojado de títeres sin cabeza, desaconsejaban dedicarle tiempo. Aquel libro era obra de un desequilibrado, revancha de un escritor sin valía en quien alguna vez se encaprichara el magisterio de José Lezama Lima. Lorenzo García Vega despertaba encendidos rechazos tanto en La Habana como en Miami y en Madrid. Era el más exiliado de los exiliados. Sobre su obra pesaba, además de la censura política, la maldición de quienes alguna vez la frecuentaron. Y tantas advertencias en su contra me empujaron, claro está, a buscar lo que escribiera.

(...)

Vuelto a leer ahora en su edición argentina, Los años de Orígenes me ha permitido olvidar lo suficiente a Orígenes y a Lezama Lima como para centrarme en quien narra. Notario de Orígenes , como suele titularse él mismo, Bartebly dispuesto a hacerlo aunque no haya dado con el modo, tan fracasado como un pupilo del Instituto Benjamenta, este narrador termina convirtiéndose en una de las más apreciables cabezas de la empresa Orígenes . Hasta el punto que, obligado a elegir tan sólo un par de títulos origenistas, yo colocaría a Los años de Orígenes junto a Paradiso . (Quedan fuera poesía espléndida y ensayos excelentes. Quedan fuera los cuentos y las piezas teatrales de Virgilio Piñera. ¿Y quién me obliga a restringirme, si no un enfásis de reseñista?) "

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Luego de recibir varios de los premios literarios más importantes del idioma, la escritora mexicana Elena Poniatowska le dará su nombre a un premio convocado en México DF. Esperemos que no exista ningún requisito previo para ganarlo, como actualmente parece ser que lo tiene el Premio Rómulo Gallegos que ella consiguió este año.

Dice la nota: "Con un monto anual de 500 mil pesos se estableció el recién creado Premio Iberoamericano de Novela de la Ciudad de México, que lleva el nombre de la escritora Elena Poniatowska, el cual distinguirá a “la mejor novela publicada en español”. Instituido por el Gobierno del Distrito Federal, por medio de la Secretaría de Cultura, el Premio Elena Poniatowska fue creado en reconocimiento a la trayectoria literaria de la reconocida autora. El monto económico, así como las características de los trabajos que podrán participar (novela publicada) se dieron a conocer en el acto formal de clausura de la séptima Feria del Libro del Zócalo, en el que estuvieron presentes el jefe de Gobierno, Marcelo Ebrard; Elena Cepeda, titular la Secretaría de Cultura capitalina, y la autora, quien dijo sentirse contenta y agradecida con la creación del premio y por estar cerca de la gente. “Ustedes, finalmente, son la hierba en la tierra que me ha hecho crecer en este país, al que amo profundamente”, se dirigió Poniatowska a los asistentes a la carpa principal del encuentro editorial.

Las casas editoriales podrán inscribir las novelas publicadas en español entre el primero de enero y el primero de diciembre de 2007. El cierre de la convocatoria será el 10 de diciembre. El premio se dará a conocer el 8 de marzo de 2008.

Etiquetas: mexico, NOTICIA, poniatowska, PREMIO

Cuando ingresé a la Universidad, a mediados de los años 80, el nombre de Oswaldo Soriano era clave. Había que leer, aunque era inhallable en Lima, Triste, solitario y final. Sin embargo, los años han pasado y tengo la impresión que cada vez se lee menos a Soriano. Pero sin duda el personaje detrás del autor (el periodista disperso, el futbolero, el malhumorado, el amante de los gatos y el cine en bovinas) aún encandila y deja su huella en algunos lectores. Un director de cine argentino estrena esta semana "Línea Sur" en la que viaja a Patagonia siguiendo los dictados de Soriano.

Dice el director, Fabian Fattore, que intenta: "Hacer un viaje a la Línea Sur guiado por los libros de Soriano. Para conocer ese lugar, para reconocerlo. Para buscar las historias de Soriano, sus protagonistas y testigos”

“Lo más corriente hubiera sido adaptar sus historias, o hacer alguna película sobre él” [dice Fattore, y cuenta que su mirada cinematográfica tiene algún punto de contacto con Koker, del iraní Abbas Kiarostami] “Fui filmando la película en varias etapas, ajustando el registro –dice–. Al comienzo hubo un diálogo más directo con lo que yo veía; después empecé a intentar registrar lo que Soriano había imaginado en sus libros. En ese origen medio inasible de su obra me pareció encontrar un tono narrativo que me interesaba. La película intenta moverse en dos líneas, en eso que ahora se llama la frontera imprecisa entre documental y ficción. Da las cartas, y el que las ve, las ve (...) Leí todas sus novelas y también los libros que recopilaban artículos. Era un gran escritor y tenía una enorme lucidez como analista político. Tenía una capacidad de síntesis notable y un estilo directo que me gusta mucho: dice cosas, hace pensar y también entretiene. Y creó unos personajes fabulosos. Es bastante, ¿no?”.

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La presentación del libro Prisión perpetua, en una reedición en Anagrama, llevó a Ricardo Piglia a Barcelona. En "El Tiempo" colocan una nota sobre la presentación.

Dice la nota: "El escritor argentino acaba de publicar en España el libro 'Prisión perpetua', y expresó en Barcelona su convencimiento de que "vivimos con la idea de que no podemos conocernos, pero sí narrarnos". Sobre la "problemática de la recomposición de la propia persona" giran las dos novelas cortas que integran el volumen: "Prisión perpetua", que da nombre al conjunto, y 'Encuentro en Saint Nazaire'. Al hilo de su reflexión, Piglia sugiere otra idea: "Quizá es loco aquel que no puede narrar su propia vida, que vive en la fragmentación". El resto de los mortales, añade el autor argentino, son todos "expertos en la narración, aunque luego el resultado sea más o menos acertado, pero la práctica de narrar es central en nuestras vidas, es un punto de conexión entre todos nosotros".

Las dos historias que componen 'Prisión perpetua' fueron escritas en 1988 y con motivo de la presente edición española el propio Piglia ha sido el primer sorprendido al descubrir que se trata de "relatos gemelos". En 'Prisión perpetua' el autor cuenta fragmentos de su vida "sin incurrir -dice- en la confesión sentimental ni en la autoindulgencia, mientras que 'Encuentro en Saint Nazaire'" fue escrito durante una estancia de tres meses en la Casa de los Escritores Extranjeros y de los Traductores de Saint Nazaire, en el occidente de Francia.

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Rodolfo Rabanal empieza el artículo central de Radar Libros con este párrafo: "La semana pasada supe que en Mérida, España, una compañía teatral argentina ha puesto Antígona, con sostenido éxito, en el marco del festival de esa ciudad. Hay otra representación en Londres a manos de actores ingleses y una tercera en Berlín (me refiero siempre, claro está, a la célebre tragedia de Sófocles). No indagué en otras ciudades del mundo pero no sería para nada sorprendente que en este mismo momento Antígona ocupe la atención de cientos de espectadores en muchas otras partes". De inmediato recordé, obviamente, la extraordinaria puesta en escena de Yuyachkani de aquella traducción libre, adaptación o recreación, que hizo de la obra de Sófocles José Watanabe. El libro de Watanabe es de una belleza impresionante, hay que subrayar, y merecería una reedición. Y también recordé el post de Gustavo Faverón que hace unos días la mencionba coincidentemente. Sin duda, mientras exista dictaduras de cualquier tipo la obra de Sófocles seguirá manteniendo vigencia.

Dice la nota: "¿Es tan actual Antígona como para convencer a elencos y empresarios teatrales de su enorme vigor y pujante belleza? ¿Qué tipo de identificación se desprende de esta obra para que, sobre todo el público joven, acuda a las salas con la vaga certeza de ver "algo nuevo" y salga después de ellas con la convicción de haber asistido a un tónica revelación de carácter generacional? Antígona no es, desde luego, un canto a la alegría. Sus profundidades eróticas, si las tiene, no son evidentes. Su final no es precisamente feliz y su desarrollo es tenso, rápido, poseedor de un suspenso que parece una amenaza. Yo recuerdo la versión cinematográfica de George Tzavellas, con Irene Papas, y hace poco vi a la espléndida –y bella– Svetlana Beriosova en el ballet de John Cranko, con música de Mikis Theodorakis, en una filmación de esos años, entre 1958 y 1960, y en ambos casos me sentí en presencia de una suerte de portento (...) ¿Es Antígona actual? Lo es hasta tal punto que los nazis tomaron siempre partido por Creonte. Lo es, porque el tipo de confrontación que plantea no se detiene en el campo de la vida política, ya que con reveladora eficacia desnuda y escenifica otras antinomias esenciales de permanente vigencia. Ahí está el eterno conflicto entre la mujer y el hombre (el amor como un encuentro de opuestos), la eterna confrontación de géneros, los choques generacionales (una joven y un hombre adulto), lo íntimo y lo público bajo la luz cruda de mandatos contrarios. Uno percibe que la apelación de Antígona hunde sus argumentos en las más profundas razones del ser, su discusión advierte al Poder sobre los límites vulnerables de su naturaleza y exhorta al cumplimiento de mandatos indiscutibles: respetar a los muertos, considerar la esencia del amor. Me parece –sin caer en sexismos demagógicos– que no es casual que Antígona sea mujer, del mismo modo que no fue casual que fueran las Madres y no los padres quienes desafiaran al régimen de Videla. No necesariamente todas las mujeres serán más valientes que los hombres, pero no es corriente que un hombre se comporte como Antígona y sí es posible que muchas mujeres lo hagan. Sófocles lo sabía.

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Carlos Sotomayor entrevistó para "Correo" a Patricia de Souza cuando pasó por Lima para presentar su novela Ellos dos, publicada por San Marcos. Este fin de semana apareció la entrevista.

Sobre el carácter reflexivo de la novela dice: "Ese tono reflexivo es la necesidad que siente ella de conocerse, de observarse, realizando un trabajo de arqueóloga para recomponer los pedazos de la realidad y del pasado. La recomposición es la interpretación de signos que se transforman en otros nuevos en el texto. Pienso en todo texto memorístico, en Las memorias de Ultratumba, de Chateaubriand, o en La búsqueda del tiempo perdido, de Proust. Por eso también a veces el lenguaje envuelve, rodea, para atrapar, luego, se corta, cuando no puede y se da cuenta que la experiencia es inabarcable. Sólo quería precisar una cosa, en este libro específicamente hay un trabajo de traducción entre el francés y el castellano, es decir, he sentido y pensado en los dos idiomas y he pasado del uno al otro para finalmente escribirlo en mi idioma materno por elección. Me gusta esa idea del francés como caja de resonancia, como eco".

Y sobre la llamada "auto-ficción" declara: " Es importante en el sentido de que todo lo que vivo se va a transformar en una autoficción. El hecho de utilizar la primera persona tiene mucho que ver, es la trascendencia de la propia experiencia, de ese “yo no soy mejor, pero al menos soy otra” que yo he tomado de Jean Jacques Rousseau. No se me olvida que todo texto confesional, en que tenemos la impresión de que estamos confiando un secreto, busca una cierta absolución, deshacerse de su carga afectiva mediante este método. Y ese es su riesgo, que no siempre termina por resolver nada, pero el libro aparece como objeto. Y acompaña. "

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Extarordinaria la costumbre de los jurados del premio Booker de comentar el día a día, las minucias, los detalles y hasta las infidencias que rodearon a la decisión del jurado. Un asunto de transparencia, claro, pero también un tema de análisis literario: los premios y los jurados no son infalibles, pero no por eso resultan equívocos. En la página oficial del Booker, el presidente del jurado Howards Davies publica su blog con las entradas diarias de lo que significaron las reuniones y discusiones del premio. Y otro de los miembros del jurado, Giles Foden, publica en The Guardian un extenso comentario sobre por qué eligieron a la ganadora, cuáles fueron los criterios y, oh maravilla, qué consideraciones hizo que las otras no ganaran.

También les dejo una entrevista en The Guardian a Ann Enright luego del premio y un comentario en el mismo periódico de Robert McCrum titulado: "It's time to ditch the prize guys"

Dice Foden sobre la ganadora: "Judges applauded The Gathering for its controlled prose, sentence by sentence. They were impressed by its figurative language. They wondered at how unflinching Enright was in the face of what was pretty grim, unappealing material. Would the subject matter deter readers? asked one judge. Was that a literary question? asked another. You ask (to employ Hamid's mode of address in The Reluctant Fundamentalist) how we decided. While always civilised, it was difficult. Each book had its advocate. The first choice of one was often the sixth or fifth choice of another. In the end, we voted, first by a weighted system which biased the outcome towards our more preferred choices, then by a first-past-the-post system. In each case The Gathering won. Enright's novel had the support in depth and range other titles were not able to muster. It is, perhaps, a book people admire rather than immediately warm to, and this admiration won the day for her. Admiration for the unflinching ferocity of her vision and her skill with figurative language, admiration for the way in which she conveys feeling in carefully modulated prose which, sentence for sentence, matches anything being written in English today. Together we were happy to award her the prize on that basis. It was a collegiate decision. That is how it should be for the Man Booker. I hope many other readers will join us in our admiration for the many fine books on the shortlist and longlist.

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Y ya que hemos mencionado a Peter Nadas y la literatura húngara, prestemos oídos a la recomendación que hace en la Revista de Libros el crítico Ignacio Valente: Dezsö Kosztolányi, a quien considera incluso superior al súbitamente célebre Sandor Marai. Kosztolányi murió en 1936 y Ediciones B. ha traducido varias de sus novelas como Alondra, Anna la dulce y la última de ellas, a principios de año, Kornél Esti: un héroe de su tiempo.

Dice la nota de Valente: "Kosztolányi escribe como los clásicos. Alguna vez dijo de sí: "Yo soy poeta latino", y la atribución es acertada: en lo verbal por la austeridad, y también en lo biográfico, donde Séneca sería un punto de referencia posible. La perfección de su prosa se debe en buena parte a su condición de poeta, pero no en el sentido convencional de introducir en el relato metáforas brillantes (que suelen contaminar la narración), sino en el sentido opuesto: por la palabra exacta; por aquello de "era un poeta y amaba la precisión". Extraño híbrido de dandy y estoico sobre un trasfondo cristiano, nuestro autor abarcó un amplio espectro formal, que iba del modernismo y esteticismo post-romántico a lo que sería más tarde el nouveau roman (por su desnuda objetividad narrativa). Otro dato importante detrás de su narrativa es su condición de gran traductor: por ejemplo, de Shakespeare y Wilde, de Goethe y Rilke, de Baudelaire y Maupassant, de Unamuno y Machado, todos ellos presentes en su maestría.Hacía el final de su vida, Kosztolányi escribió una novela muy distinta de las anteriores: Kornél Esti. Un héroe de su tiempo. De partida nos sorprende lo de héroe -¿edificante?-, hasta que entendemos la irónica ambigüedad de la expresión. Se trata de un antihéroe por excelencia. Kornél es un disidente nato, un bromista irreverente, un escritor frustrado, que hace pacto con un escritor de éxito: éste, que carece de una vida interesante y sólo sabe escribir, recibirá de aquél la información de una vida aventurera, para narrarla entre los dos. La novela se presenta como el producto de esta cooperación; no tiene línea argumental ni unidad, sino que está hecha de fragmentos discontinuos de la vida de Kornél, algunos de los cuales parecen reflejar episodios biográficos de Kosztolányi. No cabe hablar aquí de estilo conciso y apretado. Hay pasajes memorables, pero el resultado es desigual; está por debajo de la calidad de Anna la dulce y de Alondra, que es excepcional. Porque estas dos novelas, que no han ganado ni al parecer ganarán ya la popularidad de las obras de Márai, contienen más belleza, más arte, más sustancia y un más sutil secreto humano. Confío en que no les faltarán lectores, menos abundantes pero capaces de un gozo más intenso y puro."

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La semana pasada se me pasó comentar la reseña de J. Ernesto Ayala-Dip que apareció en "Babelia" del libro de culto -y más de culto luego del suicidio del autor ocurrido en el 2001- del argentino Jorge Barón Biza, El desierto y su semilla, que acaba de ser publicado en España por la Editorial 451. Felizmente, una nueva reseña, esta vez del inefable Miguel García Posadas en el ABCD las letras, me da la oportunidad de mencionarlo. Además, les recomiendo mucho esta extensa nota sobre la novela y su autor rescatada del caché de Google, que apareció en Página12 y fue escrita impecablemente por Daniel Link.

Dice Miguel García Posadas: "Marcadamente autobiográfica -la solapa de cubierta trae un texto autorial estremecedor-, como lo revelan algunas de sus fuentes, reconocidas por el propio escritor en un capítulo elaborado a tales efectos, y trasluce sin demasiadas veladuras el propio texto, El desierto constituye, en buena medida, la historia de la madre del protagonista, que es el narrador. Historia dramática que comienza con la horrible desfiguración de su rostro, perpetrada por su marido, un mediocre novelista, que le arroja a la cara un frasco de ácido vitriólico. A partir de este arranque, casi toda la narración se articula en torno al largo proceso de curación de la agredida, en Argentina, pero también en Italia, que se resuelve de modo trágico con el suicidio de la protagonista, en cuya persona se ha querido ver un trasunto, si no una alegoría, de un país tan desfigurado por el populismo peronista como por el autoritarismo fascistoide de sus «caudillos» militares. Cabría incluso contemplar todo el texto como una metonimia profunda del desastrado acontecer argentino del siglo XX. De hecho, la materia propiamente política solo ocupa las páginas finales (...) toda la novela tiene un aire cruel, sombrío, ingrato: maldito, sí. Y la parábola vital del autor se incardina dentro de la misma orientación. (Esta literatura no ha abundado en Argentina y, en general, en Latinoamérica, salvando quizá algunos textos aislados de Borges dominados por la obsesión del cuchillo.) Y esta es la impresión que perdura en el lector de este texto al que no cabe negar una evidente solvencia narrativa y estilística y cierta sabiduría «enciclopédica», como revelan sus invocaciones a Goethe, Keats o Celan, y las disquisiciones sobre la teoría literaria, que incorpora los hallazgos más recientes del discurso crítico y se sitúan en un contexto presidido por el sarcasmo. Hay, como ya señalamos, un cuidado índice de fuentes".

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Una de mis misiones el día que pasé en Madrid, hace un mes, fue encontrar algunos de los libros del húngaro Peter Nadas. Había leído ya La propia muerte (Galaxia Gutemberg) y me pareció estupendo. Lamentablemente, si uno no busca otras obras suyas traducidas (como El libro de los recuerdos que publicó Seix Barral) en las librerías de viejo no las encuentra. Pero vale la pena insistir y sin duda lo haré cuando pueda ir por más tiempo a España. Por lo pronto, gracias a "The Literary Saloon" me entero de esta entrevista a Peter Nadas en una página virtual dedicada a la literatura húngara a raíz de un libro de cuentos recientemente traducido al inglés bajo el título Parallel Stories. Ahí habla sobre el paralelo, que aparece en sus relatos, entre erotismo e historia. Y también sobre el tema del compromiso del escritor.

Dice Nadas sobre el compromiso del escritor: "Stepping in front of the public and voicing your opinion does entail a risk. I think this problem emerged in the 1950s. Jean-Paul Sartre realized that he was speaking and speaking, but to no avail: nobody heeded his words, only those who thought the same anyway. Sartre was puzzled by this. Earlier writers might have had the impression that, since they were standing on top of the pyramid of written culture, many people listened to what they said. Yet I think this was a self-delusion even then. The opinion of writers is always important – but only in hindsight. I have a civil consciousness, so when I am asked I voice my opinion. Not always, but sometimes I do. When I speak, it is not the writer, but the civil person speaking who feels that it is part and parcel of his mental health and democratic self-consciousness to say what he thinks is right".

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El mexicano Christopher Domínguez Michael es uno de los más incisivos, y por eso de los mejores, críticos de nuestra lengua. No pueden dejar de leer, por ejemplo, sus artículos o reseñas en Letras Libres o su estupendo blog en la revista. Ahora, el crítico se encuentra en Chile donde disertará sobre Gonzalo Rojas (en el auditorio de la Universidad Andrés Bello) y Roberto Bolaño (en la Cátedra Bolaño de la Universidad Diego Portales). Lo entrevistan en la Revista de Libros.

Dice sobre Gonzalos Rojas: "En el caso de Gonzalo Rojas lo conocí muy joven, en el mundo de los exiliados chilenos en México, donde tuve amistades esenciales. Gonzalo estaba en Venezuela, pero pasaba por la ciudad de México. Primero lo conocí como un personaje familiar. Poco después, como un poeta asombroso y a ello se sumó que Gonzalo importaba mucho en el ambiente internacional que rodeaba a la revista Vuelta. En México nos importa mucho su poesía y a veces nos desconcierta que no ocupe en Chile un lugar más destacado. Me sorprende, para empezar a hablar de Bolaño, que al intervenir en la discusión sobre cuáles son los cinco poetas de Chile, él no mencione a Gonzalo, que es, además, un poeta que quizá ha escrito sus mejores poemas después de los 70 años, lo cual es raro en cualquier literatura".

Y sobre Bolaño: "Es el descubrimiento creciente, en México y en todo el mundo, de un escritor crucial. Sus años mexicanos -no cómo fueron en realidad, sino que él los hizo literatura- lo convierten en un fantasma que nunca se alejará de México... Creo que ese fantasma es ya tan importante como el de Malcolm Lowry. En México nos gusta adoptar extranjeros, pese a la injustificada y falsa reputación que tiene nuestra literatura de nacionalista. México es norte y sur, este y oeste, un cruce de caminos. Me gusta Bolaño (a quien, debo aclarar, nunca conocí ni cuando él era joven y yo niño ni después, en sus años de fama) en el México del cambio de siglo. Ha sido una mirada reveladora. Naturalmente, su México es una ficción literaria que se puede compartir o que resulta, para algunos, desenfocada y hasta irritante. Y me da mucha curiosidad saber qué representa Bolaño para la literatura chilena actual. (...) La opinión de Bolaño no era infalible como no lo es la de nadie. Algunos de sus amigos me gustan, otros no. Daniel Sada, para hablar de un mexicano, era un narrador extraordinario mucho tiempo antes de que Bolaño se apareciera. A su vez, Bolaño se convirtió en un escritor famoso e influyente, como ocurre con los hombres de talento. Era lógico que ofreciese su canon a los lectores. Todos lo hacemos o tratamos de hacerlo.

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Con el Premio Nobel el nombre de Doris Lessing seguirá sonando por muchos meses, obviamente. Este fin de semana, en el diario "El País" Juan Cruz consigue entrevistarla a una semana de haber recibido el premio, a pesar de los achaques (tos, una ligera diarrea y cistitis por culpa del stress) y de la opinión contraria de su gato. Por otra parte, en el suplemento Radar aparece una mítica entrevista a la autora hecha por María Elena Walsh y Sara Facio en 1980. En ambos textos la presencia de los gatos es tan abrumadora como la de la literatura o los conflictos sociales.

La entrevista de Juan Cruz está destinada casi exclusivamente a hablar de temas políticos o sociales. Al final dice Lessing: "Estoy enfadada. Tengo la edad que tengo y sigo enfadada. No se me va, no se me va, siempre está ahí. (...) No se ha ido. No sé por qué. Siento, como sentía mi padre, ira, ira de que esto sucediera. La II Guerra Mundial había que lucharla, pero la primera guerra fue tan innecesaria... (...) Sigo soñando, pero ya no como naranjas. Soy demasiado vieja para comer naranjas. Eso es hacerse vieja: no como de esto, no como de lo otro... Pero sigo leyendo mucho, y soñando (...) Yo tengo una situación en mi vida de la que no hablo. Tengo un hijo inválido, al que tengo que cuidar. Así que mi vida no es en absoluto lo que yo esperaba. Y no puedo hablar de ello. Ya no es mi vida, ya no vivo mi vida"

Mientras en la entrevista de Walsh, 17 años atrás, declara: "(...) no participé de los movimientos feministas. No estoy en desacuerdo en general, pero nunca necesité integrarme a ellos para tomar conciencia. Para eso basta con indagar en los personajes femeninos de los grandes novelistas –Tolstoi, Stendhal– y, simplemente, mirar alrededor. Mi madre, por ejemplo –y conste que no la critico– fue todo un modelo de frustración, una vida desperdiciada. Sé que actualmente la situación es muy dura en muchos países donde las mujeres tienen que partir de cero, pero en Inglaterra vivimos una era posfeminista, las luchas iniciales se libraron hace mucho tiempo. Por otra parte, los problemas de la mujer se reducen a uno solo: la independencia económica, que se gane la vida con su trabajo.

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Al parecer, Alonso Cueto ha aprovechado el reciente viaje a Europa para saquear las librerías de novedades. En este recuadro de "La República" nos comenta qué está leyendo o ha leído esta semana:

"He terminado un libro que me ha conmovido mucho, El olvido que seremos, de Héctor Abad. Es la memoria de su vida con su padre. No hay en el libro frases solemnes, ni verdades generales ni un ánimo celebratorio de su padre. Se trata de una historia sin héroes, lo que hace que el padre sea más humano y por eso más inolvidable. El libro es un ejemplo de cómo una crónica personal se puede convertir en una historia universal. He terminado también La muerte lenta de Luciana B, de Guillermo Martínez, una novela de crímenes, con personajes magníficos como el misterioso y perverso escritor Kloster. Martínez aprovecha las tramas de Borges e incorpora en ellas a los turbios personajes de Roberto Arlt. He leído también el último libro de Coetzee [Diario de un mal año] que me pareció un brillante ejercicio de originalidad, con pasajes brillantes, pero finalmente fallido. Hay algo que me molesta con frecuencia en Coetzee: su tendencia a dictaminar y a sermonear al lector. Me parece que ninguno de los últimos libros de Coetzee se acerca a su obra maestra, Desgracia. Creo que con frecuencia podemos explicar por qué no nos gusta un libro, pero es más difícil explicar por qué nos gusta. La buena narrativa es, hasta cierto punto, un misterio".

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La novela de Alejandro Zambra, La vida privada de los árboles, ha sido comentada en "Babelia" este fin de semana. En la reseña, Lluis Satorras dice: "De sus originales textos [Zambra] ha suprimido todo elemento secundario. Podados como los árboles (o los bonsáis) sólo contienen lo más esencial" Si ero fuera cierto, las novelas de Zambra me parecerían pésimas, terrible, porque en el arte lo esencial muchas veces está en aquellos detalles que algunos podrían considerar "accesorios". Detalles que, ciertamente, un escritor auténtico como Zambra jamás desestima.

Dice también la reseña: "Verónica pinta, Julián da clases y escribe, y resulta que en el día de hoy ella no ha regresado de su clase de dibujo. La narración es la pequeña historia de esa espera y se nos dice que "cuando ella regrese la novela se acaba". El escribir es el mismo transcurso de la existencia cotidiana. En la espera, Julián lee y piensa en la novela que ya ha escrito que es precisamente Bonsái y lee a Daniela, para distraerla, fragmentos de un libro titulado La vida privada de los árboles. Lo que hace verdaderamente meritoria la novela es la finura con que se imbrican vida y literatura y cómo a pesar de la austeridad del lenguaje, las peripecias emotivas, galantes o dramáticas, de esos personajes emocionan al lector, que percibe ásperamente la fragilidad de la vida y los sentimientos. Y cómo los seres humanos se agarran a ellos y quieren permanecer en una familia "de esas que pasan la tarde del sábado haciendo tareas de ciencias o mirando películas de Tim Burton".

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Uno de los escritores más importantes de la literatura estadounidense, William Gass, otro de los eternos candidatos al Premio Nóbel, acaba de recibir el St. Louis Literary Award. A Gass, además de ser considerado un cuentista notable, se le atribuye el haber creado el térmio "metaficción" en los años 70.

Dice la nota: "William Gass' prose is a triathlon for readers.Parts seem easy. Just like riding a bike. But then it becomes hard-going, and those with untoned brain cells start wheezing, recognizing that they may not conquer the formidable hills. Or the incredible length. For many readers, it's too much: They don't even start. Yet Gass, 83, is universally recognized as an ironman of the literary world. He's the most esteemed writer living in St. Louis and one of the country's most respected writers — even if not one of the most read. On Wednesday, he will receive the St. Louis Literary Award, an annual event whose 39 previous honorees include Joan Didion, Richard Ford, Arthur Miller, Saul Bellow, David McCullough, Eudora Welty, T.S. Eliot and Tennessee Williams. Gass is only the second to receive it while living in St. Louis. (The other was his Washington University colleague, poet Howard Nemerov). The award always goes to a writer with a substantial body of work. That's Gass, says his longtime intellectual sparring partner Harold Bloom. Bloom calls him "a remarkable fusion of philosopher and fiction writer. He more than deserves the award."

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En una entrevista realizada hoy para El Comercio, Santiago Roncagliolo se defiende de algunas críticas (el ya célebre símil con Luke Skywalker, por ejemplo) y comenta por qué se coloca él como personaje del libro (algo que, supongo, no le debe causar problemas a nadie que sepa lo que es una crónica literaria).

Dice la entrevista: "Técnicamente, el cómo narrar esta historia fue uno de los temas que más problemas me dio. La decisión final vino del hecho de que muchas de las fuentes no se identificaron. Un agente de inteligencia me citó en el Tip Top a la medianoche, los senderistas me hablaban pero no querían que citara sus nombres, todo el mundo se cubre las espaldas para evitar mostrarse públicamente. Yo quería hacer una historia normal, una biografía en tercera persona, pero el problema radicaba en las fuentes. Incluso las propias declaraciones de Guzmán no tienen una referencia bibliográfica. Son treinta y nueve volúmenes en el archivo de la policía. ¿Cómo le dices al lector de dónde salió la cita? Lo único que podía hacer era dar una señal de honestidad y humildad: Vi esto, escuché esto, no daré una versión mía porque ni siquiera sé qué tan cierto es lo que me han dicho. Eso me obligaba a decir quién era la persona que filtraba todas esas declaraciones y versiones de la realidad. Por un lado, mi propia historia personal me servía para situar qué era lo que había estado pasando en el Perú desde los izquierdistas exiliados de los 70 hasta la despolitización de la universidad peruana en los 90 y por otro, me permitía la posición de un narrador honesto con sus orígenes. Curiosamente, meterme en la historia me permitió mantenerme fuera de ella.

Con respecto a la polémica introducción dice: "Eliminé las partes personales al mínimo, pues imaginaba que eso podría ser lo peor entendido del libro. Pero durante la investigación yo también tuve una gran transformación. De hecho, si al principio yo era un tipo bastante cínico, que lo único que quería era sacar una buena historia, toda la investigación fue el encuentro de mi propia historia y de mis propias contradicciones. Los integrantes de Sendero Luminoso venían de las universidades, eran adoctrinados en el marxismo, y el marxismo es una lectura del mundo. Y en el Perú, un mundo tan desigual, es muy potente porque no solo te explica en qué mundo vives sino quién tiene la culpa y con quién tienes que acabar para cambiarlo. Y además tiene la estructura de una religión. Es un código de ética con un paraíso prometido. "

También dijo: "Hay quienes creen que la manera en que yo hablo, que tiene que ver con la cultura popular, con el periodismo o con el cine, no es la manera adecuada para hablar de estos temas. Curiosamente, lo que más me impacta es que a los protagonistas de esta historia nunca les pareció esto un problema".

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Hace unos días, el escritor norteamericano Daniel Mendelsohn estuvo en Madrid presentando la novela Los hundidos (Destino), una novela épica que ha llamado la atención en su país por ser la versión no de un testigo del Holocausto sino de un nieto de las víctimas. Mercedes Monmany escribe en el ABCD las letras una reseña en la que destaca que califican la novela como una anti-Jonathan Littell, recordando que Los clementes ve la perspectiva nazi. También relaciona la novela con Todo está iluminado de Safran-Foer.

Dice la reseña: "En cierto modo, Los hundidos entroncaría con una reciente tradición de la nueva literatura judía americana: la literatura, por así llamarla, del «regreso», a la manera de lo que hizo Jonathan Safran Foer en su bellísima novela, y más tarde película, Todo está iluminado (Lumen). Una poética narración, que también contaba con su joven «guía» ucraniano de nuestros días, conduciendo al estadounidense en busca de huellas de su familia desaparecida. Nietos o descendientes de segunda generación de aquellos aniquilados durante el Holocausto, que volvían a recorrer los últimos momentos, imaginarios o no, que precedieron a la total desa-parición de cualquier huella judía en esta zona de la Europa Oriental. ¿Y qué mayor enigma para un descendiente que ir hacia el encuentro de un muerto al que se le ha negado la tumba, como ya dijo Paul Celan en su célebre poema? La epopeya épica y elegíaca de Mendelhson ha sido presentada a menudo como un anti-Littell. Es decir, como una obra escrita desde el otro lado de los criminales nazis, como hizo Jonathan Littell con su monumental Les Bienveillantes (Las clementes, de próxima aparición en RBA), al abordar narrativamente la inmersión en la mente de un nazi. Es decir, alguien de la parte de los monstruos, no de las víctimas. Aunque también podría ser enfocado como un anti-Auschwitz. Algo fuera de la narración traumática de campos y muertes programadas en la gran operación de exterminio hitleriano. Así lo explica el autor: «La terrible ironía de Auschwitz es que el alcance de lo que muestra es de tal envergadura que lo colectivo y lo anónimo, el alcance absoluto del crimen se afirma constante y paradójicamente a costa de cualquier sentido de vida individual». Como un paleontólogo, Mendelsohn hace revivir al lector toda la conmoción y emoción correspondiente a los terribles hechos narrados. Y lo hace a partir de un mínimo rastro de esqueleto de mosquito atrapado en el ámbar, con toda su vida aún palpitante, con todo el sufrimiento atravesado, en medio de aquella inmensa tragedia que los devoró a todos. Un sufrimiento en ocasiones imposible de imaginar, de concebir tan sólo, a través de las gélidas, lacónicas, mecánicas, pavorosas y archisabidas cifras de la enormidad

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