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MOLESKINE ® LITERARIO

Notas al vuelo en cuaderno Moleskine® .

Literatura peruana en proyección

9.30.2007
Inca Kola. Fuente: ploung perú3

Como saben, el Perú es el País Invitado de Honor en la Feria Líber que se está celebrando en Barcelona ahora mismo. Desde el suplemento Babelia, que publica El País, me pidieron un artículo de 900 palabras sobre la proyección actual de la literatura peruana. No querían un who is who, me especificaron, sino unas notas de guía para saber cuál es -o debería ser- el rumbo de la literatura peruana que está teniendo cierta resonancia (Curb Your Enthusiasm) en España y América Latina. En fin, les dejo aquí el enlace al texto que apareció el sábado en Babelia.

Dice el final del texto: "¿Cuál es el rumbo de la literatura peruana actual? Habría que decir que el desconcierto, pero queda mejor decir que la pluralidad. Muchos temas, diversos estilos, pocas reglas. La pluralidad y la dispersión no es una respuesta, como podría creerse, a la falta de ambiciones o al descreimiento, sino a la movilidad del canon literario. Si no se toman en cuenta las variantes perdemos el sentido global. Cuando hablamos de "literatura realista", por ejemplo: ¿es Alonso Cueto en La hora azul realista del mismo modo como lo es Enrique Prochazka (Casa), Carmen Ollé (Retrato de mujer sin familia ante una copa), Santiago Roncagliolo (Abril rojo) o Edgardo Rivera Martínez (País de Jauja)? ¿Puede calificarse la obra de Mario Bellatín (El Gran Vidrio) como fantástica, o la de Peter Elmore (El fondo de las aguas) como policial? Del mismo modo, en poesía la palabra "vanguardia" resulta insuficiente para entender conceptos poéticos tan insulares como el de Jorge Eduardo Eielson o Carlos Germán Belli, por poner dos ejemplos. ¿Son los nudos verbales de Eielson vanguardistas como lo son las sextinas de Belli? Es lo de siempre. Durante décadas cualquier concepto de literatura nacional ha resultado pronto obsoleto porque, en lugar de hacer hincapié en la diversidad, buscan simplificar en trazos y esquemas algo que siempre se les escapa de las manos. Frente a las dicotomías y las divisiones doctrinarias, las obras más interesantes que han aparecido en Perú (y añadiría en Hispanoamérica) son las que han logrado unir los dos ángulos. Obras de ciencia-ficción con contenido social, poemas vanguardistas con métrica perfecta. Lo que era difícil digerir en los años setenta, resulta muy simple y hasta obvio en los poetas y narradores más jóvenes, aquellos que a duras penas pasan los 30 años (por ejemplo, narradores como Daniel Alarcón, Luis Hernán Castañeda, Johann Page, Edwin Chávez, Carlos Yushimito o Ezio Neyra; poetas como José Carlos Irigoyen, José Miguel Herbozo, Cecilia Podestá o Diego Lazarte). Escapar de los moldes, buscar sus propios antecedentes, mezclar géneros, desconfiar de los conceptos más inmediatos de nacionalidad y no aspirar a la "consagración" dentro de un canon unidireccional es lo suyo. O debería serlo. De lo contrario, la literatura peruana seguirá siendo una lista de nombres y títulos de interés nacional que sirve para solventar la canasta básica familiar de profesores y críticos literarios, y una lista alternativa de escritores excéntricos donde los lectores encuentran respuestas o mejor aún, muchísimas preguntas".

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Juan Forn

Juan Forn. Foto: Romina Franceschin. Fuente: Radar libros

El escritor argentino Juan Forn, a raíz de una enfermedad, debió dejar su labor periodística y dedicarse de lleno a escribir. El resultado es María Domécq, una novela autobiográfica que publica Emecé y donde convergen su profesión periodística con su enfermedad, su vida en Villa Gessell y una extraña historia, que leí en La tierra elegida, sobre Madame Butterfly y los orígenes reales de esa ópera. Un texto de auto-ficción, dirían en Francia. En Radar libros le hacen una entrevista al respecto, poniendo énfasis en que estamos ante la mejor novela del autor argentino.

Dice la nota: "El libro de Forn comienza con la historia de Butterfly, "una pequeñísima anécdota de la vida portuaria japonesa", que entre 1885 y 1905 se convirtió, en diferentes manos, "en nouvelle francesa, opereta europea, cuento norteamericano, vaudeville atlántico y, por fin, gran ópera italiana". Esa materia prima, que le sirvió para escribir una nota para este suplemento en 1999, la que cierra a la vez La tierra elegida, se engarza con un asunto vinculado a la figura emblemática, al prohombre del bronce familiar, cuando un historiador le sugiere a Forn que el almirante Manuel Domecq García, su bisabuelo, pudo haber inspirado al protagonista occidental de Madame Butterfly. El indicio conduce a una posible rama "podada", en sombras, de la familia: un hijo japonés del marino. Pero eso no es todo, amigos, porque tras el cataclismo del páncreas a Forn se le aparece, en pleno proceso de recuperación, una mujer que leyó su nota y le cuenta que ella también es bisnieta del almirante y nieta de "la loca del altillo" –otra rama podada, en este caso porque esta hija del hombre de la Armada era "retrasada"–. La aparición de esta mujer que padece lupus, María Domecq, propicia el repaso por lo conocido y el rastreo de lo desconocido, velado, en la familia del narrador, que descubrirá entre otras cosas que el bisabuelo mítico y heroico fue el ideólogo de las masacres de la Semana Trágica, a comienzos de 1919, "el responsable del primer pogrom en territorio argentino –escribe–, el organizador del primer grupo paramilitar a gran escala en la historia de nuestro país". El fabuloso viaje de la novela retrocede hasta la guerra del Paraguay, donde murió el tatarabuelo Tomás Domecq, pasa por la guerra ruso-japonesa de comienzos del siglo XX –el almirante fue el encargado de llevar hasta allí dos naves que el gobierno argentino le vendió a Japón– y por la Segunda Guerra Mundial, de la que el tío abuelo "bastardo" Noboru Yokoi participó a raíz de su alistamiento en el Ejército Imperial, y desembarca de este lado del Atlántico, con el afincamiento de este hombre y sus dos hijos en la comunidad Yuba, cerca de San Pablo".

Entrevistado, Juan Forn declara: "Elegí escribir y no era lo mejor visto en el entorno de mis amigos de la adolescencia y hasta en mi familia; ya dentro del ambiente, elegí apasionadamente cierta clase de literatura, contra opiniones de gente con estéticas muy diferentes, y lo confrontacional fue una especie de combustible para mí. Pero la confrontación es binaria y lentamente fui descubriendo algo que cualquier pelandrún vería en los textos orientales, hojeando apenas el Tao Te King o el I Ching, algo que también dice Todorov: los opuestos no están en los antípodas. Los opuestos son absolutamente vecinos. Y que del blanco al negro hay un paso ínfimo, que en la práctica son dos largas comarcas del gris. Exactamente lo mismo que el Yin y el Yang: uno está dentro del otro y dialogan. Lo siguiente a eso, para mí, fue la relación vaso medio lleno, vaso medio vacío. Me he pasado la vida, por estilo, viendo la parte vacía. En el periodismo cultural, o como editor, trabajaba mirando esa mitad. Y llevo unos años diciéndome, todas las mañanas, "a ver, cuáles son las cosas que conforman el lado medio lleno". Me las digo a mí mismo, camino por la playa, miro los árboles y el sol, a mi hija y a mi mujer, a mis amigos geselinos y al libro que estoy leyendo. Confío en que eso, con el tiempo, salga solo. Por ahora, todavía, conviven momentos de alegría absoluta con otros en los que, agh, me sale el agreta porteño de adentro"

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El final de Lezama

José Lezama Lima. Fuente: Letraslibres

Tomás Eloy Martínez ha escrito un texto en el que recuerda las últimas horas de ese escritor cubano inmenso, José Lezama Lima, autor de la persistente Paradiso. El "peregrino inmóvil" lo llama. Una imagen más para alimentar el mito del lector voraz, del intrincado barroco, que vivía enfermo encerrado en su pequeño departamento de La Habana que jamás abandonó, asediado al mismo tiempo por el asma y por la fama casi incomprensible, irónica, para un autor tan hermético.

Cuenta Tomás Eloy Martínez: "Al caer la tarde llegó a la casa Roberto Fernández Retamar, el hombre fuerte de la cultura cubana. "¿Tú también vienes a verme morir?", bromeó el poeta. "No pienso darles el gusto. Hasta Fidel imagina que ya he bajado a la mansión del Hades, pero estoy en Guanabacoa, bailando una rumba en cueros". La papada se le plegaba enorme sobre el pecho. Cada tanto, el poeta se la palpaba y repetía, con la voz entrecortada: Hinchado está el mulo, valerosa hinchazón/ que le lleva a caer hinchado en el abismo. Cuando Retamar se marchó, Lezama trató de levantarse. Un desmayo fulminante lo derrumbó en la cama. El doctor Moreno se dio cuenta que ya no podía perder tiempo y que ésa era una oportunidad de providencia. La neumonía estrangulaba los pulmones del enfermo y le apagaba la vida. Los camilleros que montaban guardia intentaron llevarlo a la ambulancia pero fueron vencidos por el cuerpo descomunal del poeta. Los vecinos más fuertes del barrio acudieron a socorrerlos. Aun así, se les quedaba estancado a cada paso. Les cerraban el paso los muebles, las figuritas de porcelana, las torres de libros. Tuvieron que quitar las persianas del balcón y abrir un hueco en la mampostería porque el cuerpo afiebrado seguía hinchándose. Antes de las seis de la tarde, Lezama despertó en una cama del hospital. Lo primero que hizo fue pedir que le llevaran un flan con crema. Apenas podía respirar y, por primera vez en la vida, una sola cucharada lo sació. Cuando el poeta Cintio Vitier entró en el cuarto para darle un abrazo, Lezama le dijo que los médicos exageraban lo que era "un simple catarrito". El doctor Moreno contó que ya estaba en agonía y no se daba cuenta. Las flemas aumentaban y le enrarecían la respiración. Tuvieron que entubarlo, inyectarle más antibióticos, ponerle broncodilatadores. La abnegada María Luisa lo tenía de las manos y lloraba tragándose las lágrimas. A las dos de la mañana del lunes 9 de abril le oyó decir, con el hilo de voz que le quedaba: "Ave María, me cubre la manta negra". Tenía los ojos muy abiertos, llenos de curiosidad por el mundo que dejaba. La eternidad que había empezado con Paradiso ahora también tenía un fin.

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Roth anti-Bush

Philip Roth. Fuente: la fama fatal

Desde una habitación de hotel, Philip Roth fue entrevistado por la televisión británica. La entrevista, que fue subida a la página de New York Time, tiene la pregunta obligada sobre el gobierno de Bush. Y esto es lo que dice:

"He vivido mi vida de estudiante durante el período del macartismo, y estaba muy alerta a la cuestión política. Era un período desagradable. Escribí un libro sobre el período McCarty, Me casé con un comunista. Viví ya de adulto durante la más fascinante, sensacional y terrorífica de las décadas: la de la guerra de Vietnam. Y esto es algo distinto a aquello. Puedo afirmar, después de haber hablado con un cierto número de personas, que nunca escuché a la gente tan desesperada. Durante la guerra de Vietnam estaban enojados, la oposición era enorme y finalmente logró que la guerra termine. Recuerdo que Norman Mailer dijo algo muy interesante. Porque Lyndon Johnson quería ser reelecto, pero no podía hablar en ningún lugar de Norteamérica. A cualquier lugar que iba, estaba en peligro de ser asesinado. Y Norman Mailer dijo: 'Quién hubiera pensado que Lyndon Johnson no podría soportarlo'. Y nadie podría soportarlo, si ejerces cierta presión sobre él. Pero no hay presión, excepto de algunos columnistas, algunos periodistas. Pero no del Partido Demócrata. No de nuestro ex presidente Clinton. Y no de su mujer, que se va a postular para presidente. El impacto que tuvo el 11 de septiembre en Norteamérica fue devastador. Apareció esta administración criminal, que dejó al país en bancarrota, que nos mandó a la guerra innecesariamente. ¿Qué podría ser más criminal que eso? Han destruido todos los programas sociales que existían. Han mentido. Han alienado a Estados Unidos del resto del mundo. Han destruido el prestigio moral que Norteamérica todavía tenía. Es una catástrofe".

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Hiperventilación

Carátula de la novela. Fuente: agreda.blogspot.com


La hiperventilación es una respiración rápida o profunda, generalmente causada por ansiedad o pánico. Pero para Camilo Marks, el crítico de la Revista de Libros, "hiperventilado" es un autor muy promocionado como Daniel Alarcón. Cuando un crítico pretende ser ingenioso en el ataque ya sabemos por dónde va la mano; más aún si lo hace de una manera tan fallida. En su columna habitual, el iracundo y furibundo Marks (y por lo tanto, más cerca a la hiperventilación que el propio Daniel) pretende criticar Radio Ciudad Perdida (Alfaguara) pero lo único que hace es sumar una serie de adjetivos pretendidamente ofensivos sobre su prosa, sin mediar explicación ni ejemplo que nos permita ver a qué se refiere. Llama a técnicas tan usuales como el flashback o el racconto "viejos trucos" (y curiosamente, hace unos meses alabó la última obra de Cueto en la que esos mismos "trucos" aparecen constantemente). Lo único que queda claro al leer la reseña es que Camilo Marks tiene prejuicio contra un autor que le parece excesivamente promocionado, y ha leído su obra con el rabillo del ojo. Un vicio de muchos críticos actuales, incapaz de separar sus odios y filias editoriales de los textos que leen. No se hiperventile, don Camilo.

Actualización 01-10.- Gustavo Faverón ha escrito respecto a la crítica de Marks en Puente Aéreo

Dice la reseña: "Alarcón es bilingüe y Radio Ciudad Perdida fue concebida en la lingua franca del mundo de hoy con el título Lost City Radio; tal vez porque el novato hombre de letras no se siente seguro en español, la traducción al castellano de su ficción ha estado a cargo de Jorge Cornejo. Sea lo que fuere, el hecho importa poco a la hora de juzgar los méritos de esta obra, que bien pudo haber sido redactada en swahili, húngaro, serbocroata o ucraniano. A decir verdad, son escasos. En general, el texto es estilísticamente pobre, reiterativo, opaco, sin ningún rasgo particular que lo distinga de cientos de productos similares forjados a medio camino entre la internet, la wikipedia o el youtube y el esfuerzo denodado por crear algo desconcertante, con vagas y muy genéricas alusiones políticas, económicas y sociales (...) Alarcón sabe o parece saber que una intriga de casi 400 páginas no puede sustentarse sobre la base de episodios como los descritos. Por lo tanto, acude a los viejos trucos del flashback o el raconto con el fin de proporcionar un grado de espesor o intensidad a sus personajes. Sin embargo, esos esfuerzos se traducen en una prosa de laboratorio, mortecina, con extensos pasajes de un acartonamiento difícil de tragar pese a los giros singulares, las volteretas sintácticas, el tono futurista y apocalíptico del argumento.En todo caso, se trata de una labor fabricada, elaborada en exceso, manipulada con recursos obvios. Si Radio... pretende intranquilizar, está lejos de conseguirlo, pues cansa y agota pronto. En lugar del cuadro devastador que, con seguridad, el novel aspirante a novelista quiso insinuar, tenemos una historia sin historia, un volumen sin ningún propósito aparente o, cuando menos, de cierta claridad.

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Tree of smoke

Smoke tree. © John Gerrard. Fuente: blown away

Aunque ya hace unos meses Rodrigo Fresán comentó brevemente Tree of smoke, la nueva novela de Dennis Johnson, hacía falta la reseña que extendiera esas primeras impresiones. La estuve esperando y llegó cuando menos la imaginé. Ayer salió en Radar Libros de Página12. Ahora sólo queda seguir el orden natural de las cosas: comprar la novela y coincidir plenamente con Fresán (aunque mi amigo Mauricio Salvador reniegue).

Dice la reseña: "Bienvenidos a la novela vietnamita que acaba con todas las novelas escritas sobre Vietnam hasta la fecha porque aquí Vietnam no es apenas el nombre de una guerra alucinante y alucinada. Aquí, en Tree of Smoke, el nombre del mundo es Vietnam. Porque en esta magnum-opus el enorme Johnson (uno de los más grandes escritores norteamericanos aunque circunstancialmente nacido en Munich, en 1949) escribe su Vietnam era una fiesta y, se sabe, hay muchos tipos de fiestas. Escrita y anunciada a lo largo de varias décadas, la memoriosa y alternativa Tree of Smoke –que traducirá Mondadori– es, también, una suerte de prequel a todo lo que Johnson ha venido escribiendo. Aquí –con ropa de combate o borrachos en crepúsculos color anaranjado napalm o mirando al cielo y rezando por no acabar bajo tierra– aparecen, juveniles e iniciáticos, varios de los personajes e hijos de Jesús que Johnson ya nos presentó en libros anteriores en su escritura (con especial presencia del malogrado Bill Houston en Angeles descarriados –Anagrama–, su primera novela celebrada en su momento por Philip Roth como "una pequeña obra maestra") pero posteriores en su tiempo y espacio. Aquí, también, vuelve a demostrarse que Johnson es un perfecto genio a la hora de combinar la contemplación del bushido con el estallido del pop.

Y finaliza así: "Digámoslo así: en Tree of Smoke Denis Johnson –ermitaño, no hace declaraciones, no acude a fiestas, vive lejos (mi ejemplar dedicado de Tree of Smoke me llegó desde un sitio llamado, en español, Doce Pasos en North Idaho), ¿combatió en Vietnam?, creo que sí pero no he leído entrevistas que lo confirmen– hace por la guerra de Vietnam exactamente lo mismo que hizo Herman Melville por la caza de ballenas en Moby Dick. Eso."

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El diccionario Marías

Javier Marías. Foto: Gorka Lejarcegui. Fuente: babelia

Excelente la idea de María Luisa Blanco de presentar a Javier Marías, ahora que está en la cresta de la ola por la presentación de su última novela (que cierra la trilogía Tu rostro mañana) titulada Veneno y sombra y adiós (Alfaguara), a través de un diccionario particular con una serie de entradas que tienen que ver con el mundo del escritor español. Además, también en "Babelia" aparece una reseña a la nueva novela, a cargo de José Carlos Mainer, que culmina con la frase: "Valía la pena esperar un lustro para completar la lectura que iniciamos en el año 2002. Con este "Adiós", el rostro huidizo de Jacobo Deza ha quedado retratado definitivamente en nuestra memoria". Por otra parte, en el suplemento ADN Cultura del diario La Nación aparece una entrevista a Javier Marías, en la que se menciona entre otras cosas el desprecio célebre que tiene Marías por cosas como las computadoras, los celulares y el email.

Dejo algunos de los tópicos de Javier Marías publicados en Babelia.

CONTAR.- La primera frase de las 1.600 páginas que componen Tu rostro mañana es: "No debería uno contar nunca nada...". El contar o no contar es uno de los temas del libro y su autor opina que contamos cosas constantemente sin pararnos a medir su trascendencia: "Tengo la sensación de que contar es uno de los desencadenantes de todo, de cosas buenas, pero también de tragedias espantosas". En una conversación que en la novela sostiene el narrador con su padre, éste le dice: "Si hay algo de lo que estoy contento es de no haber hecho daño a nadie por haber contado lo que no debía". Hoy Marías lamenta que el silencio haya perdido su prestigio: "La gente no aguanta un minuto de silencio, por eso hay música en todas partes. Es un bien preciado porque es una de las cosas que nos permite pensar".

HUMOR.- "Yo tengo fama de muy serio, o incluso de arrogante o de altivo, y de todas estas cosas que estoy harto de oír. Creo sin embargo que en mis novelas hay mucho humor, pequeñas bromas y hay alguna escena que aspira a ser cómica o en todo caso es un poco disparatada. El humor es una de las pocas cosas que nos salva. En el libro hay un momento que dice: "Callar es lo que nos salva", yo creo que sobre todo nos salva el humor. No puedo evitar ver la parte chistosa de las cosas. En el entierro de mi madre hace 30 años y en el de mi padre hace dos, recuerdo que al escuchar al cura no podía evitar una risa interior. Siempre me ha interesado la mezcla de lo grave y lo cómico, no es fácil combinarlas y no sé si me sale bien. Lo combina en cine Billy Wilder, lo combina Shakespeare, desde luego, Mankiewicz en cine y Molière en teatro, pero no es tan frecuente".

AZAR.- Muy presente en todas las novelas de Marías, para quien el azar no sólo existe sino que determina buena parte de nuestras vidas. Rechaza la soberbia contemporánea que quiere abolir el azar en aras a la explicación racional de todo, pero alerta sobre el azar en la literatura: "La vida es muy mala novelista, si uno mete en una novela las cosas que suceden en la vida, que está llena de azares, no hay quien se la crea. La novela es una representación de la vida que no admite todo lo que la vida tiene".

FUTBOL.- Aficionado desde los 7 años e hincha del Real Madrid, este deporte no sólo le proporciona un gran placer sino que le ha inspirado un buen número de artículos y cuentos que reunió en: Salvajes y sentimentales. "Algunos de los momentos más emocionantes de mi vida los he vivido con el fútbol. Tiene un elemento de representación que le emparenta con el teatro y el cine; y la solidaridad y el empeño común que tiene el juego es un trasunto beneficioso y pacífico de las batallas. Si no existiera el fútbol probablemente habría más peleas". Hace unos años, cuando el Numancia de Soria subió a primera división el escritor ofreció a los jugadores una prima económica si se mantenían en la categoría: "De niño pasábamos muchos veranos en Soria y siempre he tenido simpatía al equipo de allí. Les di cinco millones de la época, los que gané en un premio literario".


Actualización 01-10.- Javier Marías, desde el Hay Festival, ha sido entrevistado nuevamente en El País.

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Dickens por Vargas Llosa

Charles Dickens en pleno escenario. Fuente: ucla.edu

Los autores como Alessandro Baricco o Mario Vargas Llosa, que suben a escena a contar cuentos representándose a sí mismos, tienen un ilustrísimo predecesor: el británico Charles Dickens. Así lo recuerda el mismo Mario Vargas Llosa en este estupendo artículo que aparece en el diario La Nación de Argentina: "Dickens en escena".

Dice Vargas Llosa: "La historia de Dickens en los escenarios está maravillosamente recreada por el profesor Malcolm Andrews, en un libro que acabo de devorar y que es una pura delicia: Charles Dickens and His Performing Selves. Dickens and the Public Readings (Oxford University Press, 2007). La erudición se alía en sus páginas con la devoción por el personaje y por sus libros y, leyéndolo, uno llega a contagiarse del hechizo que el autor de Oliver Twist y tantas historias memorables inspiró a sus contemporáneos y a emocionarse con éstos hasta las lágrimas cuando, además de leerlo, pudieron verlo y oírlo reproduciendo, sobre las tablas de un teatro o las plataformas de los vastos auditorios donde se presentaba, las aventuras y desventuras de Little Dombey, Nicholas Nickleby, Mr. Pickwick y tantos otros héroes o villanos de papel. Las razones que Charles Dickens dio a su familia y amigos para subir a escena fueron económicas. En efecto, cuando tomó aquella decisión su vida familiar experimentaba una crisis que terminaría en la separación matrimonial, y todo ello le acarreó muchos más gastos que antaño. Sus presentaciones públicas le dieron excelentes ingresos; tanto, que el profesor Andrews ha calculado que los escenarios le hicieron ganar en esos últimos diecisiete años más dinero que todos los libros y artículos que publicó en toda su vida. Pero la razón profunda no era la necesidad de nuevos ingresos, sino una vocación histriónica, o, por lo menos, de contador ambulante de cuentos, que se manifestó en él desde muy joven. Hay una deliciosa anécdota que cuenta su hija Mamie: un día, dormitando en el sofá, espiaba con los ojos semicerrados cómo escribía su padre. Advirtió, de pronto, que, a la vez que hacía correr la pluma sobre el papel, hacía muecas, gestos y mascullaba frases entre dientes, mimando aquello que contaba. En una de ésas, lo vio ponerse de pie y correr a un espejo de la habitación y, contemplándose en él, enfrascarse un momento en una delirante representación en la que hacía morisquetas, guiños y caras, como midiendo las expresiones que quería describir. Y lo vio, con el mismo ímpetu, regresar a su escritorio y seguir escribiendo. Su padre escribía actuando. No es raro, por eso, que, en una de sus cartas, Dickens afirmara: "Todo escritor de ficciones escribe para el escenario". Por lo menos no hay duda de que él lo hacía.

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Wole Soyinka

Wole Soyinka. Foto: Cristóbal Manuel. Fuente: elpaís

Como ya comenté, el Hay Festival se ha mudado a Segovia y ahí, además de un grupo de autores del Bogotá39, está el Premio Nóbel nigeriano Wole Soyinka. En El País aparece una reseña de la presentación del autor a quien, por cierto, conocí hace muchos años (14 años, para ser exactos) en un encuentro de escritores en Mollina, España. Y descubrí entonces que detrás de un escritor activista se encuentra una persona con espléndido sentido del humor. Ojalá se haya traslucido eso en sus intervenciones en Segovia. Alfaguara publicaba entonces sus libros. ¿Aún lo hace?

Dice Soyinka: "Tienen que saber que en África es un continente plural, también nieva allí y hay cumbres como el Kilimanjaro. La situación de las mujeres, por ejemplo, es distinta en el norte que en el sur. La cultura de las viudas de Kenia es diferente que en otros países. En Liberia han elegido a una presidenta y hay zonas donde las mujeres tienen que seguir cubriéndose con un velo [...] Por cada cayuco que llega a Europa con 100 africanos que arriesgan su vida por buscar una vida mejor debería salir otra embarcación en sentido contrario que llevara europeos emprendedores a África. No tienen que mandarnos a sus criminales, sino a aventureros que busquen nuevas oportunidades. Les aseguro que si se instalan en Lagos, ya no querrán salir de allí".

También dijo: "No hay que intentar hacer de la realidad algo romántico. Todo lo negativo existe, pero también ocurren cosas positivas que no se llegan a conocer. África necesita una canal como Al Yazira que transmita al mundo una visión más equilibrada de lo que ocurre en el continente. Erradicar una enfermedad en un país no es noticia porque a los periódicos occidentales sólo les importa el sensacionalismo".

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Antonio José Ponte

Antonio José Ponte. Fuente: eldigoras.com

En la "Revista de Libros" del diario El Mercurio, Alvaro Matus entrevista al espléndido narrador cubano Antonio José Ponte, quien actualmente vive en Madrid y publicó en Anagrama la novela (o híbrido, como gusten) La fiesta vigilada.

Dice el autor sobre por qué no publica en Cuba: "Fui yo quien decidió no publicar en Cuba. Antes había recibido, por un libro de poemas, un premio que otorga anualmente un comité de críticos designados por las autoridades. Un buen día me llegó una invitación desde el extranjero, la acepté y decidí que en el futuro ningún libro mío estaría a disposición de la censura política (...) Los encargados de esa censura se me acercaron alguna vez, confesaron haber leído tal título mío publicado lejos, y parecían dispuestos a reeditarlo en Cuba sin cambiarle una palabra. Pero tanta amabilidad tiene su explicación: el Ministerio de Cultura cubano aspira a controlar toda la producción literaria, incluso la que se hace en el exilio. Me negué a estas propuestas, y yo seguí publicando reseñas y algunas traducciones en las revistas cubanas. Hasta el año 2003, cuando fui expulsado de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, y prohibieron la aparición del más mínimo texto firmado por mí. (...) Mis libros no están disponibles en Cuba, y no lamento la poca atención que han recibido dentro de Cuba. Así han de ser las cosas: desobedezco a ciertas autoridades, y tales autoridades se encargan de negarme cualquier favor. No me quejo de ello. Sería una buena ocasión para la autolástima, pero prefiero desperdiciarla. Y tampoco echaré mano al recurso, tan usado entre escritores prohibidos, de creer que un libro mío pondría en jaque al régimen que me censura. A mi modo de ver, los poderes catárticos de la literatura son mucho menores. "

Sobre la influencia de Borges y Calvino, dice: "Borges lo fue. Lo es. Al principio debió gustarme de él su imaginería; ahora aprecio el lenguaje en que escribió esas repeticiones. Soy un admirador de su arte de las variaciones, del siempre contar lo mismo y siempre engatusarnos. De Calvino no puedo decir lo mismo. Veo en él los esfuerzos de la imaginación, sus pujos. Hallo en él, como en cierto Cortázar, lo fantástico forzado."

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Carver y Tess

Raymond Carver y Tess Gallagher. Fuente: adn cultura

Tess Gallagher es la activa viuda de Raymond Carver. Ahora, ha decidido publicar un libro titulado Carver y yo, que editará Bartleby editores, en el cual reúne cartas, diarios de viaje, reflexiones y fotos del escritor. Sin lugar a dudas, es sólo el primer paso antes del inevitable libro de memorias maritales. ¿Podrá soportar el discreto Raymond el envión biográfico? Ojalá que sí. En el ADN Cultura cuentan sobre el libro y le hacen algunas preguntas a la autora.

Dice la nota: "Carver y yo es una recopilación de documentos que Tess Gallagher entrega para conocer más en profundidad la obra de Carver. Cartas, diarios de viaje de ambos, entrevistas a Carver, fotografías, entre otros. Está dividido en cuatro partes. La primera, "Excursiones", es el diario del largo viaje que hizo la pareja durante un año por Europa, en 1987, para promocionar los libros del autor: desde Seattle a París, San Quintín, Alemania, Zúrich, Roma, Londres, Escocia, Dublín y Belfast, lugares en los que se van encontrando con amigos escritores, editores, libreros, intelectuales y artistas de la época. "Me propuse entonces llevar un diario en el que registrar los nombres de las personas que conociéramos. Ray creo que lo llamaba ´grabadora con tapas . Los diarios se parecen bastante a un álbum, porque guardaba en ellos programas de teatro, recortes de periódicos, postales y fotos polaroid . Alguna vez también dibujé cosas que no podía escribir con palabras", escribe Gallagher. Junto con el diario que lleva Tess, se intercalan, en esta primera parte, notas breves que Carver le dejaba a su mujer en el viaje: "Me encantaría volver a casa. R. C. Hotel des Saints-Pères. Prometo (intentarlo) pasear todos los días, más o menos, con Tess por la playa de Port Angeles. R. C.".

Dice la viuda: "Siento que él no es para mí una figura opresiva. Soy, de verdad, más que la viuda de Raymond Carver. Ya han pasado diecinueve años desde su muerte. Mi escritura ha continuado desarrollándose durante este tiempo. Y los tópicos con los que trabajo son diversos: política, espiritualidad; tomo varias culturas, como la japonesa, la irlandesa y la española. Me gusta trabajar con ellas, las que, si bien a veces son "fantasmas" o "espíritus", todavía nos entregan mucho conocimiento y sabiduría.

Hablando del castellano, declara: "No estoy segura de qué les parece Ray a los lectores hispanohablantes, pero puedo imaginarme que les gusta su honestidad y su modo de ser cuidadoso. Pienso que él siempre respetaba a los otros, incluso cuando alguien estaba errado en su vida. También era muy sensible, pero de una forma muy moderada, de una forma que permitía acercarse a un camino que ampliara la visión del mundo, lo que lo engrandecía. "

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Cisneros en Nueva York

Antonico Cisneros en homenaje en NY. Fuente: librosperuanos

Antonio Cisneros estará en Nueva York este 4 de octubre. ¿La razón? El Instituto Cervantes le rendirá un homenaje con la colaboración de la Universidad de Brown y la Universidad de Hofstra. En esta última Universidad, además, el 1 de octubre Cisneros ofrecerá un recital bilingue. La nota completa en El Comercio.

Dice la nota: "En la mesa redonda "Antonio Cisneros: poeta en el Perú", los especialistas Julio Ortega (Universidad de Brown), Miguel Ángel Zapata (Hofstra University), Susana Reisz (City College of New York-CUNY), Peter Elmore, José Antonio Mazzotti y Eduardo Lago, director del Instituto Cervantes, harán un análisis y un balance de su poesía, de su poder y encantamiento. "Antonio Cisneros es uno de los referentes más importantes de la poesía peruana actual, junto con Carlos Germán Belli. Acá en Nueva York Cisneros es muy leído y estudiado, y esto se debe sobre todo a que su obra ha sido traducida al inglés", comenta Miguel Ángel Zapata a través de la línea telefónica. La presencia del destacado poeta peruano ha sido aprovechada por otras instituciones culturales enfocadas en la literatura hispanoamericana. Cisneros también leerá sus poemas en la Universidad de Tufts el 2 de octubre y en la Universidad de Nueva York el 5 del mismo mes."

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Kafka al checo

Kafka al checo. Fuente: letras.s5.com

¿Nadie es virtuoso en su tierra? Luego de casi 80 años de su muerte, al fin toda la obra de Franz Kafka ha sido volcado al idioma checo. El sueño de la señorita Milena se ha cumplido.

Dice la nota: "Con la publicación del decimotercer tomo de escritos y cartas de Kafka, el proyecto de traducir toda su obra ha culminado, señaló la sociedad en un comunicado emitido en la capital checa. Kafka, funcionario de seguros e hijo de un comerciante judío, dejó una obra extraordinaria escrita en alemán que abarca novelas y cuentos. Hasta 1990, el régimen en Praga no permitía su traducción porque consideraba sus visiones "demasiado reaccionarias". Después de la llamada Revolución de Terciopelo, la Sociedad Franz Kafka inició un proyecto para traducir la totalidad de su obra, que contó con un presupuesto de 360.000 euros (unos 500.000 dólares). Varios de los 13 tomos nunca antes habían sido traducidos al checo. Otros fueron traducidos nuevamente. Liderado por el reconocido germanista checo Kurt Krolop, varias de las obras de Kafka fueron traducidas por primera vez y otras fueron objeto de una traducción revisada. También antes de la llegada al poder de los comunistas en 1948, el escritor era persona non grata para los ocupantes nazis del Protectorado de Bohemia y Moravia. Hasta ahora, muchos germanistas en la República Checa han criticado que la figura de Kafka sea explotada para fines turísticos en Praga, mientras que su obra, a veces un tanto densa, es casi desconocida entre la población autóctona".

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Hijos de la violencia

Joven rondero porta, como trofeo de guerra, una bandera de Sendero Luminoso en Ayacucho, 1991. Foto: Alejandro Balaguer. Fuente: justiciaviva

El escritor Enrique Planas fue invitado a la Líber de Barcelona, que tiene como protagonista al Perú, y desde allá aprovecha para enviar algunas notas a El Comercio con las actividades más atractivas. Por ejemplo, la mesa redonda sobre "Narrativa peruana actual: Hijos de la violencia" en la que participaron Santiago Roncagliolo y Daniel Alarcón. Aquí un fragmento de la reseña de Quique Planas:

"Alarcón señaló que no haber crecido en Lima le permitió escribir sobre la violencia. "Yo viví una visión del Perú casi estática, la visión del hijo del migrante, la de la postal que conservan sus padres, un Perú de museo. Lo que sucede con los migrantes es que solo recuerdan lo bello del país y, por ello, la guerra era uno de esos temas difíciles de asimilar. En la época más cruel de la historia peruana, del 89 al 92, cuando la guerra, que se había mantenido en la provincia llegó a la ciudad y sacudió la cultura limeña, yo vivía mi adolescencia, el momento cuando los jóvenes rechazan toda la herencia de sus padres. En mi caso, dejé de hablar español y no quería saber nada del Perú. Para mí, esta novela y todo lo que he escrito hasta ahora es una recuperación de todos esos años que yo viví de espaldas al país" (...) Roncagliolo, radicado hace siete años en España, también compartió con el público catalán su experiencia frente a esta dolorosa temática literaria. "La violencia es un tema universal y siempre me ha atraído. En una novela como 'Abril rojo' encontré el escenario perfecto para ella. Entré al tema a partir de una experiencia como empleado público en la Defensoría del Pueblo. Hablé con terroristas en las cárceles, con familiares de desaparecidos, policías y otros protagonistas del conflicto. Mi historia transcurre en Ayacucho, donde hablé con quienes la habían vivido", explicó.

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Fet a Mèxic

9.28.2007
Afiche del festival. Fuente: blogfetamexic

Precedidos de un artículo de Enrique Vila Matas, los escritores mexicanos están llegando hoy a Barcelona (donde seguro se cruzarán con los peruanos que llegan a la Líber) para el día de mañana empezar con el festival literario Fet a Mèxic que organiza la escritora catalana, que vivió muchos años en el DF, Lolita Bosch. También colaboran con la colaboración de María Fernanda Álvarez, David Colmenares y Enrique Díaz Álvarez. El festival podrá seguirse además a través de un blog realizado por David Colmenares. Se trata de un encuentro entre la cultura catalana y la mexicana, un intercambio de ideas y el descubrimiento de que, al final, se parecen más de lo que creen y por lo tanto pueden surgir proyectos similares. Luego del diálogo, se presentará una antología realizada por Lolita y que lleva el mismo título del festival, que traducido al castellano significa Hecho en México. La antología saldrá con Mondadori.

Lolita Bosch ha escrito un comentario a modo de presentación en el que sostiene: "Nos conocemos mucho más de lo que parece".

Dice: "Aseguraba Carmen Martín Gaite en una entrevista que dio casi al final de sus días que lo que a ella verdaderamente le hubiera gustado es escribir un libro que nadie supiera que era suyo. Una caperucita roja, digamos. Un texto sin autor. Y esto es algo que, cada vez con más frecuencia, está comenzando a suceder en España con respecto a México. Ha ayudado mucho el cine, es innegable, y ahora se esperan las películas de Guillermo del Toro o de Alejandro González Iñárritu casi antes que las novedades cinematográficas nacionales. Pero si nos fijamos únicamente en la escritura, Antonio Ortuño acaba de sacar libro en Páginas de espuma; Julián Herbert ha sido un fenómeno con Cocaína: manual de usuario en Almuzara Editores; Debolsillo reedita El manual del distraído, de Alejandro Rossi; Martín Solares publicó primera novela en Mondadori; Álvaro Enrigue, Guadalupe Nettel, Juan Villoro, Guillermo Fadanelli, Carlos Monsiváis y Mario Bellatin son parte esencial del catálogo de Anagrama; José Eugenio Sánchez tiene su obra en Visor y Jorge Valdés Díaz-Vélez en Hiperión; Jorge Volpi, Nacho Padilla y Jordi Soler tienen en España lectores fieles que están pendientes de sus próximos libros; ha aparecido la obra poética completa de Xavier Villaurrutia y José Juan Tablada antes que en México; Tusquets, tránsito impecable, trae a Mario González Suárez, Hugo Hiriart, Gonzalo Celorio, Élmer Mendoza, Daniel Sada o Cristina Rivera Garza, entre muchos otros; los guiones de Arriaga aparecerán en Belaqva este otoño; Random House publicó el manifiesto del Crack, tiene otros libros de Fadanelli, las crónicas de Alma Guillermoprieto, saca nueva novela de Rossi y publica al novedoso Leonardo Plasencia; y RBA, Candaya, Alfaguara, Kalandraka, Media Vaca, PreTextos, Renacimiento, Laia y Planeta son otros de los sellos que editan a autores mexicanos en España. Muchos, sin distinción. Esto es lo importante. "

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El gruñón Naipaul

V.S. Naipaul. Fuente: the guardian


V.S. Naipaul ha dado una entrevista al programa de la BBC Today y, tal como estaba previsto, ha escandalizado nuevamente con sus ataques molotov contra todos los escritores habidos y por haber, menos él mismo obvio. Se quiere bastante Vidia (eso lo sabíamos por Theroux). En el blog de The Guardian aparece una corta pero contundente reseña de la conversación. Esta vez, por ejemplo, enfiló contra los pinos usuales como Charles Dickens, Henry James y Jane Austen. Chuza. Y luego, este era imprevisto, contra su amigo Anthony Powers, sobre quien ha escrito un copioso libro. Dice que en el camino de su investigación fue descubriendo que sus libros no eran muy buenos. Al final, y ya para irse sin remilgos, declaró que los profesores de los Departamentos de Literatura en Inglaterra deberían dejar sus pupitres y empezar a condudir autobuses. Aclarando, ciertamente, que eso no sería muy bueno para los autobuses. Para sí mismo, en cambio, se guardó la comparación con Tolstoi e Ibsen.

¿Hay que tomarlo en serio? se pregunta The Literary Saloon. Y la pregunta va con un argumento contundente: quien dice no leer autores contemporáneos no tiene derecho a declarar la muerte de la novela. La ignorancia, incluso la de un Nobel estupendo, es atrevida.

Opina The Literary Saloon: "We haven't heard the interview, but much as we enjoy much of his work have found it impossible to take Naipaul's pronouncements on literature seriously since that Reuters interview we mentioned a few months back (now only available here, as best we can tell), where: Naipaul, who sometimes needed assistance in walking at the event, told Reuters he had no favourites among current writers.

"I stopped reading contemporary writing with the last generation of writers, you know, the Evelyn Waugh, Graham Greene kind of generation," he said.

As we said back then: that claim (or admission) immediately disqualifies him entirely from the debate . You only get to moan about the death of the novel or the death of literature if you really can't find any life-signs -- but you have to be open to possible life-signs: you can't just shut the book(s) before even seeing what is being done in them".

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Murakami rarito

Para los gruppies: esta es la serie favorita de Murakami. Fuente: miabril.com


Lo leí en La Papelera de Juan Palomo:

Quizá porque confiesa que no es “un tipo sofisticado”, y que la mayor parte de los escritores son son unos snobs que le desprecian, el japonés Haruki Murakami acaba de desvelar uno de sus secretos más inesperados: enamorado de la cultura popular, está tan fascinado por la serie de televisión Perdidos, “que hasta compré la casa en Hawai donde se filmó la primera temporada; la única otra serie que recuerde que me haya gustado tanto fue Twin Peaks, de David Lynch. Estaba tan obsesionado con el programa que no podía esperar el capítulo siguiente”. Se le veía rarito, pero tanto...

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Novísimas en Guadalajara

Lina Meruane, de Chile. Foto: José del Valle. Fuente: la siega

Por tercer año consecutivo, o quizá es el cuarto, Julio Ortega presentará en la Feria del Libro de Guadalajara el Foro de Novísimos Escritores Latinoamericanos que yo tuve el honor de integrar en su primera convocatoria (junto con autores como Andrea Jeftanovic, Edmundo Paz Soldán, Mayra Santos Febres, Florencia Abbate, Jordi Carrión, Guadalupe Nettel y un jovencísimo Antonio Ortuño). Este año, Ortega ha decidido cambiar la dinámica usual en los congresos (el falocentrismo e incluso el medio/medio) y convocar sólo a escritoras, una decisión consecuente con la opinión que siempre ha sostenido Ortega de la importancia de las mujeres en la nueva literatura latinoamericana.
Dice la nota de prensa: "La Feria Internacional del Libro de Guadalajara dedicará el quinto Foro de Novísimos Narradores sólo a voces femeninas. “En cada una de estas ocho escritoras el cuento despliega la inteligencia de una seducción: suplantaciones, ironías, memorias, desapariciones, ceremonias, conversaciones, parábolas y visitaciones se suceden en escenarios de alta resolución, donde la calidad de lo visto y entrevisto se apodera de nuestra lectura”, dijo el coordinador del encuentro, Julio Ortega.

La asistentes serán Eunice Shade, de Guadalajara; Liliana Blue, de Durango; Imma Turbau, Girona, España; Lina Meruane, de Santiago, Chile; Mariana Henríquez, Buenos Aires, Argentina; Mayra Luna, de Tijuana; Magali Velasco Vargas, Xalapa; y Vivian Abenshushan de la Ciudad de México.

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Guillermo Martínez

Carátula de la novela. Fuente: el corte inglés

Luego del éxito de Crímenes imperceptibles (también conocida como Crímenes de Oxford), el argentino Guillermo Martínez publica en Destino una nueva novela: La muerte lenta de Luciana B. En el suplemento "El Cultural" del diario El Mundo aparece una reseña a la novela. Muy positiva. ¿Volvió a dar en el blanco Guillermo Martínez?

Dice la reseña: "He aquí una novela que conviene leer cuidadosamente, no sólo porque es algo más –bastante más– que el relato de un mero encadenamiento de acciones, sino porque constituye una extraordinaria y precisa construcción, gracias a la cual cada elemento de la obra trasciende su aparente sustancia de contenido y descubre inesperados sentidos ocultos. Como sucede en toda buena novela, la historia es únicamente el sustento material, la armazón que permite erigir un discurso sobre la naturaleza de la ficción y su relación con una realidad posible que es tan sólo, como ya apuntó Ortega, una suma de perspectivas, una entidad huidiza, inaprensible, que apenas tolera otra cosa que acercamientos incompletos y visiones amputadas. Como en su novela anterior, Los crímenes de Oxford, Guillermo Martínez (1962) ha compuesto una obra con multitud de ingredientes propios del relato de misterio, si bien al final no se aclaran los enigmas planteados, como sucede a menudo en la realidad y porque, en resumidas cuentas, el propósito del escritor no se cifraba en resolver misterios, sino en plantearlos para remitirlos luego a un estrato de significaciones diferente del que parecen mostrar las peripecias externas de la historia. El primer acierto del autor argentino es haber hecho del narrador un novelista que, de hecho, relata unas experiencias personales pero, sobre todo, incorpora y transmite relatos ajenos (...) lo importante es que habrá tenido en sus manos los materiales suficientes para reflexionar sobre el poder de la ficción –a la manera de Henry James–, sobre la verosimilitud narrativa, sobre la naturaleza insegura de nuestra percepción de la realidad y sobre las relaciones entre literatura y vida. No es un parvo botín el que se extrae de esta novela excelente, precisa como un mecanismo y de sobria y eficaz escritura."

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Vargas Llosa: la palabra justa

Mario Vargas Llosa. Foto: Cristóbal Manuel. Fuente: El País

La palabra justa es, en síntesis, el gran consejo literario de Gustave Flaubert. Y por eso, no sorprende que Mario Vargas Llosa haya usado el término para referirse ayer al trabajo literario en la Fundación Juan March. Se trata del ciclo Poética y Narrativa. Una reunión espléndida, llena de anécdotas literarias, que el diario El País resume bien.

Dice la nota: "Un silencio casi reverencial le aguardaba en la sala. Vargas Llosa arrancó con una anécdota con su colega Juan Carlos Onetti. "Tuvimos una discusión en San Francisco, donde yo le conté mi método de trabajo, que a él le espantó: disciplina y horarios como un empleado de oficina. Él contaba que escribía por impulsos, a ráfagas, en trozos de periódico, libretas, servilletas... que luego no sabía muy bien cómo armar. Así nacieron todos sus cuentos y novelas. Por lo compacto y organizados que están, parecería algo muy organizado, pero debemos creerle. Tenía un orden secreto que venía de la profundidad de su personalidad". Recordó también a Cortázar. De cuando se veían a menudo en París en 1960. Justo cuando el argentino escribía Rayuela. El método Cortázar era "sentarse ante la máquina de escribir y esperar a la inspiración". De esa forma, que parece simple, nació esa compleja y ambiciosa novela. Y llegó el turno de Vargas Llosa. Desveló que nunca ha elegido un tema. "Siempre se me ha impuesto a través de experiencias vividas. Por alguna razón que desconozco, algo se queda prendado en la memoria. Tiempo después empieza a generar un fantaseo. Si esa semilla persevera, empiezo a escribir notas en pequeñas fichas". Después configura el esqueleto, operación que le puede llevar semanas, meses, incluso años. Ejemplo: fue cuestión de semanas cuando sintió que tenía que volcar en una novela (La ciudad y los perros) su experiencia traumática vivida con 15 años en un internado militar. Su segunda novela, La casa verde, arrancó de un viaje, en 1958, por la selva amazónica, que, a pesar de durar sólo dos semanas, fue el más fértil desde el punto de vista literario, porque le inspiró otra de sus grandes novelas, Pantaleón y las visitadoras, y muchos años después, en 1980, El hablador.

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Abelardo Castillo

Abelardo Castillo. Foto: Diego Fernández Otero. Fuente: Clarín

Abelardo Castillo es un escritor argentino admirado por muchos compatriotas suyos, pero puesto en discusión por otros que lo consideran un buen escritor de segundo orden. Es un escritor que marca una línea divisoria, digamos, como lo es Fogwill también (¿podrían ser dos extremos?), entre un escritor dostoyevskiano, noctámbulo, complejo y apocalíptico -reemplazando a Sábato en el tremebundismo- y otro completamente lúdico, excéntrico, sin programa. Para los lectores no-argentinos, es cierto que es un escritor que no tiene una obra tan atractiva como la de Aira o la de Piglia, quizá una mucho más conservadora pero sí interesante y con algunas cúspides claramente identificables como El que tiene sed o El evangelio según Van Hutten. Ahora, Castillo ha publicado con Seix Barral un libro titulado Ser escritor, donde reúne ensayos y artículos sobre el oficio. Hoy aparece una entrevista que le hacen en Página12.

Sobre el oficio dice: "A medida que un escritor crece comprende no sólo la verdadera complejidad de su oficio sino sus propios límites. Entonces ciertas ideas candorosas que se tenían en la adolescencia y en la primera juventud, entre ellas la de la inmortalidad, pasan a segundo plano y te das cuenta de que escribir es inventar la literatura cada vez que te sentás a escribir. La literatura no es ni una profesión ni un oficio, es un destino, pero es un destino elegido que hay que enriquecer todos los días, lo que puede ser muy angustioso. Me he pasado la vida corrigiendo cuentos en los talleres, dando cursos o charlas sobre los géneros literarios, pero cada vez que escribo un cuento siento la misma incerteza no acerca de la forma, que se aprende a manejar con el tiempo y viene con la propia anécdota que te es revelada de algún modo, sino de su valor."

También habla sobre su experiencia en los talleres: "A todos los que vienen a mis talleres suelo decirles lo mismo: “Miren que los talleres literarios no sirven para nada”. Le sirven únicamente a aquel que va a ser escritor, vaya o no a un taller literario. Los talleres son útiles para que se encuentre un grupo más o menos de la misma generación; para que discutan, se critiquen y se lean, se intercambien libros y hagan lo mismo que hacíamos de alguna manera en las revistas literarias del ’60. La única diferencia que hay entre las revistas literarias y un taller literario es que en las revistas literarias los textos, fueran cuentos o poemas, que nos parecían buenos se publicaban. Un escritor puede llegar a ser un escritor sin necesidad de un taller literario. El mejor taller literario de un escritor es su propia biblioteca y sus propios textos sobre los que tiene que trabajar. A los que asisten a mis talleres los juzgo como pares, no me interesa que tengan veinte o treinta años y yo setenta. Si no siento que son mis pares, al punto de que pueda poner en discusión un texto mío, no hay posibilidades de que pueda dar un taller."

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La carretera

9.26.2007

Portada del libro. Fuente: Mondadori

Esta semana he estado con gripe, con una ligera pero persistente fiebre durante la noche y tembladeras en el día. Y por las noches, mirando a mi hijo dormir, tratando de evitar que la gripe lo contagie, he leído en dos noches de insomnio La carretera de Cormac McCarthy. ¿Qué les puedo decir? La conjugación de ambas situaciones (la fiebre y el niño al lado) eran el ideal para aspirar el espíritu de este libro gris, o negro y rojo como la carátula. Lo he leído como si me hablara a mí, he levantado la cabeza hacia la nuca de mi hijo dormido y me he preguntado si somos parte de los buenos, o si tenemos o no el fuego. Mi hijo, tan seguro y feliz bajo sus colchas a pesar de tener un padre con gripe y la amenaza del contagio.

No pueden dejar de leer La carretera. Ya saben, yo nunca les he recomendado nada. O sí, un poco. Pero créanme, este libro no pueden dejar de leerlo. A menos en lo que a mí concierne: chau recetas, chau convicciones sobre lo que es escribir "bien", chau trucos y florituras. Sólo una carretera, un hombre y un niño. Es una de esas lecturas impostergables. Les dejo por lo pronto con la reseña en The New York Times y también con la reseña, que está muy buena, en El Cultural de El Mundo. Y el comentario de Marcelo Figueras, conmovido como yo por esta historia extraordinaria de un padre y su hijo en un futuro post-apocalipsis. También con lo que dijo Rodrigo Fresán sobre el libro en Qué leer. Seguro él será más convincente que yo:

El gran diseñador de portadas americano Chip Kidd no tuvo dudas: letras rojas sobre fondo negro. Y eso es todo y no hace falta nada más: sangre y oscuridad y un paisaje devastado que ya se insinuaba en títulos anteriores de McCarthy, pero que aquí es el fondo y la forma y el tema. En La carretera, los Estados Unidos han dejado de ser una potencia y -fragmentados e impotentes- son ahora el sitio donde el sueño americano ha virado a pesadilla despierta. Final de línea. The end. Y está claro que no es un tema nuevo: infinidad de cómics, varios episodios de The Twiligth Zone, numerosos films paranoides de la Guerra Fría y unas cuantas novelas (joyas de la ciencia ficción, Stephen King, Bernard Malamud y la recién aparecida The Pesthouse del injustamente poco reconocido Jim Crace) han explorado la cuestión del nuevo robinsón que intenta sobrevivir al naufragio del planeta. La diferencia de La carretera -lo que amerita su escritura y justifica su lectura- es la misma que consagró a Suttree como picaresca de perdedores, a la genial y acaso insuperable Meridiano de sangre como wéstern, a la "Trilogía de la frontera" como iniciático rito de paso o a No es país para viejos como policial duro: el modo en que McCarthy fagocita géneros muy frecuentados valiéndose de un lenguaje que, por momentos, puede recordar a Melville, a Faulkner, a Hemingway e incluso, aquí, a Beckett (y en ocasiones, cierta compulsión metafísica amenaza con arrasarlo todo), pero que ya es, a esta altura, propia e inequívocamente de McCarthy. Y así -lengua de ángeles, endemoniado talento- este sombrío Apocalipsis acaba sonando a luminoso Génesis.

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Miro Gavran

Miro Gavran. Fuente: nacional.hr

Está en Argentina el escritor croata Miro Gavran, quien presentará su novela histórica Juan, el Bautista, editada por El Ateneo. Lo entrevista para La Nación, Susana Reinoso quien antes de la nota habla sobre el "pluralismo" que vive la actual literatura croata. Interesante esos primeros párrafos, porque podrían aplicarse perfectamente al Perú.

Dice Gavran: "Cada guerra deja sus huellas. Yo escribí solamente una novela sobre la guerra. Pero intenté, cuanto antes, retomar una vida normal sin sospechar que al final de la guerra, todos estamos expuestos a enriquecernos con una gran experiencia Aprendimos lo que son el gran miedo, las grandes esperanzas, la gran solidaridad y la gran desgracia. Por suerte esa guerra no duro mucho tiempo (...) hoy Croacia se parece más a un adelantado país europeo en buenas relaciones con todos sus vecinos, mirando hacia el futuro; hacia lo creativo, el arte, la educación, la cultura, el deporte. La gente joven hoy en Croacia no mira al pasado, eso no le da una mayor oportunidad para tener un mejor porvenir. Al final de cada guerra es necesario el perdón. Es lo más noble que podemos aprender del cristianismo, por mucho que hayamos vivido cosas terribles. No se puede vivir en el odio, porque eso nos impide mirar al futuro. Aún con quienes nos atacaron procuramos hoy mantener buenas relaciones".

También recuerda: "Nunca hubo tanta actividad cultural y artística como en los días de la guerra (...) Un mes después de terminada la guerra, en la libreria de la ciudad, la gente pedía tres veces más de libros en préstamo que antes del conflicto. Es muy evidente que precisaban del arte y la literatura para recuperar el coraje. En Dubrovnik, una bella ciudad milenaria [declarada como Patrimonio de la Humanidad] visitada por miles de turistas, fue cercada por infinidad de ataques. Una obra mía fue estrenada en aquel momento. Como la gente no salía de noche, el estreno fue de tarde".

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Segovia y los B39

Afiche del Hay Festival 2007 en Segovia. Fuente: hayfestival

El Hay Festival se muda, nuevamente, a Segovia. Habrá espectáculos culturales de todas las áreas pero, obvio, aquí nos interesa la literatura. Mucha poesía y también, ojo, tendrán la presencia de la "delegación europea" del Bogotá39, quienes presentarán un libro sobre el evento con cuestionario realizado por Gastón García -el sujeto de la muji- y fotos de Daniel Mordzinski, quien ha prometido mandarme fotos del evento para este Moleskine.

Dice la nota: "La palabra tomará Segovia. La ciudad en la que vivieron Antonio Machado o Maria Zambrano se convertirá durante unos días en la capital de las letras de la mano de Hay Festival, la extensión iberoamericana de la cita literaria más importante de Europa nacida hace veinte años en la localidad galesa de Hay-on-Way, que por segundo año vuelve a la villa con la que Quevedo empezó su famoso «Buscón». Los primeros artistas, como el reconocido filósofo Anthony Grayling, que hablará sobre el concepto de libertad, el argentino Alan Pauls o la artista africana Ángele Etoundi, ya se encuentran en la ciudad, a la que hoy llegarán otros, como el poeta argentino Juan Gelman o Paul Preston, que abordará en su intervención la figura de los corresponsales extranjeros durante la Guerra Civil española. Así hasta 128 escritores, editores, periodistas, filósofos y sociólogos que participarán en esta edición -el doble que en la primera-. Por delante, cuatro días (del 27 al 30) con la palabra como protagonista en medio centenar de encuentros literarios abiertos a la participación de los espectadores, porque el objetivo es «atraer al público a los autores, que haya un intercambio, una interactuación», destaca Lyndy Coocke, co-directora de Hay Festival. La iglesia de San Juan de los Caballeros, el Museo Esteban Vicente, el Palacio de Mansilla, el Palacio Episcopal, la sala Caja Segovia son algunos de los escenarios por los que pasarán figuras de las letras nacionales como Almudena Grandes -que abrirá el programa mañana, a las 13.30 horas, hablando sobre su libro, «El corazón helado», con el periodista Iñaki Gabilondo-, Javier Marías, Javier Cercas, Elvira Lindo, Antonio Gamoneda o el ministro de Cultura, César Antonio Molina, que comparten cartel con artistas internacionales, como la india Tishani Doshi, la turca Elyf Shafak, el sociólogo Michael Mafessoli, el guionista Kureishi o el dramaturgo Arnold Wesker. Novela, poesía, la creación artística, la actividad editorial, la Guerra Civil, el concepto de libertad o las mujeres corresponsales de guerra centrarán los encuentros de Hay Festival Segovia, en la que también tienen cabida las exposiciones. Una de las presencias destacadas en esta edición es la de Wole Soyinka. El dramaturgo, poeta, novelista, crítico, catedrático, actor, político y editor nigeriano, que en 1986 se convirtió en el primer africano galardonado con el Premio Nobel, estará el sábado a las 12 horas en la iglesia de San Juan de los Caballeros para hablar de su dilatada trayectoria. Poesía. Soyinka también será una de las estrellas de la gala de poesía que cerrará el festival el domingo con la presencia de los mejores poetas españoles y extranjeros. Antonio Gamoneda, César Antonio Molina, Juan Gelman (Argentina), Piedad Bonnett (Colombia), Darío Jaramillo (Colombia), Ronny Someck (Israel), Murid Barguti (Palestina) y Tishani Doshi (India) recitarán parte de su obra poética, porque la poesía es uno de los géneros protagonistas de esta edición de Hay Festival. Procedentes del proyecto «Bogotá 39» puesto en marcha en la ciudad colombiana con motivo de su Hay Festival, llegan diez de los mejores escritores iberoamericanos menores de 40 años para hablar de su creación literaria. Participarán Eduardo Halfon (Guatemala), Slavko Zupcic (Venezuela), Guadalupe Nettel (México) Karla Suárez (Cuba) o Santiago Rocangliolo (Perú).

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Libros del Asteroide premiada

Logo de la editorial

Hablando de editoriales, aquí hay una que es un paradigma y una de mis editoriales favoritas: Libros del Asteroide. No sólo hay que referirse acá a lo impecable de su catálogo (destinado sobre todo a rescatar para el castellano obras y autores extranjeros que están hundidos en las mesas de saldos de sus países), sino además la belleza (en precisa onda retro) de sus ediciones, el buen gusto preciso con que cada libro es confeccionado desde la carátula hasta el papel. Pues esta estupenda editorial ha sido premiada con uno de los Premios Qwerty, el dedicado a la Mejor Labor Editorial, promovido en Barcelona. Me uno a las felicitaciones.

Dice la nota: "El objetivo de premios Qwerty es reconocer todos los ámbitos del mundo editorial, desde las obras más significativas del año hasta la labor de distintos profesionales del libro en las categorías “Mejor labor editorial”, “Mejor tarea periodística en favor del libro” y “El mejor librero”. El jurado de esta primera edición contó con algunos de los más destacados profesionales del país entre agentes, editores, libreros y críticos literarios, entre otros. La editorial ganadora, con dos años y medio de vida, ha publicado 25 títulos traducidos de siete idiomas y más de la mitad de los libros del catálogo han sido reeditados, algunos de ellos, en varias ocasiones. Dos de estos últimos fueron finalistas en la más reciente edición del “Premi Llibreter” que otorgan los libreros de Cataluña y uno de ellos “El quinto en discordia” (El cinquè en joc) se alzó con el premio. La casa editorial tiene como objetivo publicar libros fundamentales de la literatura del Siglo XX no disponibles en castellano. Un ritmo de publicación razonable permite cuidar la edición de los libros y asegurar que las obras reciben la atención debida".

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En voz alta

El hiphopero Aztek 732 estará en festival de poesía. Fuente: abzurddasonora

En La Casa del Lago, a pies del lago de Chapultepec, se reunieron décadas atrás los escritores e intelectuales de la vanguardia mexicana. Hoy, ahí mismo será la sede de un festival de poesía bastante inusual: no sólo tendrá poetas "tradicionales", por así decirlo, sino que reunirá voces distintas que van desde los cantantes de hi hop hasta la performance o los artistas multimedia. Poesía en voz alta.07 es el nombre del evento y la nota aparece en El Universal.

Dice la nota: "(...) se trata de dar cabida a las tendencias actuales de la poesía: spoken word, hip hop, dub poetry, poesía performer, spoken video, visual poetry, poesía indígena, son, slam poetry y rap, entre otras variantes. En esta edición, el festival contará con la participación de 15 artistas de países como Argentina, Bélgica, Brasil, Estados Unidos, Japón, Gran Bretaña, Uruguay y México. Se espera una audiencia igual o mayor que la del año pasado, que en algunos encuentros alcanzó las 800 personas. (...) Participarán en esta edición artistas como el poeta uruguayo Luis Bravo, performancero e integrante del colectivo de poetas charrúa Ediciones de Uno. Del hemisferio sur se presenta también el maestro Juan Gelman, alternando con el bandonenonista César Stroscio, en un espectáculo que fusionará la poesía y el tango. Por su parte, el performancero y ex roquero brasileño Arnaldo Antunes ofrecerá una selección de su obra poética, una de las más sólidas en su país. De Gran Bretaña se presentará la poeta y performancera de origen pakistaní Shamshad Khan, y de Bélgica la poeta performer y dramaturga Gwenaëlle Stubbe, “venusina recién desembarcada” que leerá poemas de su libro Salut, salut, Marxus. El japonés Shigeru Matsui compartirá una selección de poesía tanka, ensamblada con escritura, sonido e imagen, mientras que la estadounidense Harryette Mullen transitará por las sendas de la poesía afroamericana. Su paisano, Logan Phillips, junto con el mexicano Moisés Regla, presentarán el espectáculo Verbobala, que deambula entre la literatura y el cine, el performance y la improvisación, el arte sonoro y el spoken word, en inglés y en español. México estará representando por el poeta nahuatleco Mardonio Carballo, quien alternará con el hiphopero Aztek 732. El grupo de jazz Sociedad Acústica de Capital Variable demostrará en el escenario que “la letra con música entra”, mientras que el grupo Relicario le sacará brillo a las décimas veracruzanas. Enriqueta Lunez y Roselia Jiménez interpretarán poecanto tojolabal y poesía tzotzil. El encuentro también tendrá una sesión de Slam Poetry, en la que cada poeta participan tendrá tres minutos para decir un poema propio o prestado."

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Donna León

Donna León. Fuente: Milenio

Donna León nació en EEUU, se nacionalizó italiana (vive en un palacio veneciano) pero sus libros no pueden ser traducidos a ese idioma, y sus obras son un enorme best seller sobre todo en Alemania. ¿Alguien puede entenderlo? Este viernes cumple 65 años y aparece sobre ella y su detective Brunetti, una nota al respecto en el diario mexicano Milenio con una entrevista.
Dice la nota: "Vive en un palazzo del siglo XVI restaurado en el barrio de Canareggio de Venecia. Los turistas llegan poco hasta allí, lo que es importante para Donna Leon. La habitación en la que escribe sus policiales con Brunetti como protagonista está en la cuarta planta. Sobre el escritorio hay un ordenador portátil y en los estantes algunos archivadores con artículos de diario y apuntes. “Escribir no es un trabajo para mí, sino un divertimento”, dijo la estadounidense una vez sobre sí misma. Este viernes 28 de septiembre Donna Leon cumple 65 años, y tiene previsto seguir inventando misiones para su simpático comisario Brunetti. “Sólo quería demostrar que podía escribir un libro”, dijo esta mujer de cabellos grises una vez sobre sí misma (...) Lo único que los críticos echan en cara de vez en cuando a Donna Leon es que hay demasiados clichés en sus novelas, pero seguramente es eso también lo que gusta a sus seguidores. Hasta hoy, la estadunidense se niega a que sus libros sean traducidos al italiano. “No quiero que se crea que me atrevo a juzgar al país que me acoge”, señala."

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Narradores chilenos meridionales

Chile. Fuente: Letras Libres

La revista La Siega, que dirige Luis Miguel Hermoza, trae en su número 14 un especial dedicado a los narradores chilenos, el cual titula: Narradores Chilenos Meridionales. El número viene además con una breve y prescindible introducción de Ezio Neyra, en la que dice: "A la luz de las pruebas, queda claro que en los últimos años una gran cantidad de narradores, muchos de ellos con gran nivel, ha hecho su aparición pública (...) se trata de un fenómeno que traspasa nuestras fronteras. Me pregunto qué bicho nos habrá picado, qué es lo que con tanta urgencia deseamos narrar, y hacia dónde nos llevará este deseo". Se trata de 28 narradores cuyos años de nacimiento son de un rango desde 1945 hasta 1982. Pesco de inmediato la ausencia de algunos nombres importantes de los años 90: Alberto Fuguet, Sergio Gómez, Arturo Fontaine, Gonzalo Contreras, Carlos Franz, Rafael Gumucio. ¿Una generación perdida?

La lista de los autores de Siega es ésta: Diego Zúñiga (1987) // Guido Arroyo (1986) // Esteban Catalán (1984) // Pablo Toro (1983) // Emilio Gordillo (1981) // Claudia Apablaza (1978) // Luis Valenzuela Prado (1978) // Mónica A. Ríos (1978) // Carlos Labbé (1977) // Álvaro Bisama (1975) // Roberto Contreras (1975) // Alejandro Zambra (1975) // Nona Fernández (1971) // Alejandra Costamagna (1970) // Andrea Jeftanovic (1970) // Marcelo Leonart (1970) // Lina Meruane (1970) // Jorge Baradit (1969) // Gonzalo León (1968) // Leonardo Boscarin (1967) // Luis López-Aliaga (1967) // Marcelo Simonetti (1966) // Tito Matamala (1963) // Roberto Brodsky (1957) // Pía Barros (1956) // Ramón Díaz Eterovic (1956) // Pedro Lemebel (1955) // Ricardo Gattini (1945)

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Vila Matas premiado

Enrique Vila Matas, premiado en Italia. Foto: Daniel Mordzinski. Fuente: clarín

Hace unos días mencioné de paso, en un post sobre Alberto Moravia (quien por cierto, murió un día como hoy hace 17 años), a Elsa Morante, la escritora italiana que fue su compañera. Pues en Italia existe un premio que con el nombre de Elsa Morante premia a autores extranjeros según votación de periodistas culturales. Lo han ganado autores como Ryszard Kapuscinskiy y Gore Vidal y ahora le tocó a Enrique Vila Matas, caserito de este blog. La nota es de El País.

Dice la nota: "El escritor barcelonés Enrique Vila-Matas ha sido galardonado con el premio Elsa Morante, en el apartado de Scrittori del Mondo que premia "a un gran autor extranjero", en una decisión auspiciada por los responsables de las páginas culturales de los principales diarios italianos. Según el comunicado de la editorial Anagrama, dicho jurado, presidido por la escritora Dacia Maraini, estaba formado por Nico Orenga, del diario La Stampa; Paolo Mauri, de La Repubblica; Santa Di Salvo, de Il Mattino, y Francesco Cevasco y Antonio Debenedetti, del Corriere della Sera. La entrega del premio tendrá lugar el próximo 6 de octubre en Roma y coincide en el tiempo con la publicación en Italia del libro de Vila-Matas El viajero más lento.

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Independientes

Editores independientes. Foto: Marco del Río. Fuente: La República

Las editoriales independientes peruanas deberían tomer en cuenta dos cosas:

1) tener una lógica editorial clara y definida a la hora de contratar un libro y conformar el catálogo, que no se note la arbitrariedad de los títulos y los autores en una misma colección;

2) descubrir que aunque la parte más emocionante de editar un libro es buscar la carátula, ir a la imprenta y presentarlo, el trabajo de la editorial no termina ahí: debe buscar prensa para el autor, apoyar al libro en su recorrido por librerías, estar pendiente de cualquier situación que favorezca a su autor y libro, y obviamente cumplir con el pago de los derechos de sus autores puntualmente y no hacerlo sentir un insumo que sólo sirvió para fomentar su prestigio como editor.

Por otra parte, los editores independientes peruanos deberían también entender que una editorial independiente no es una empresa pequeña que aspira a convertirse en una transnacional sino una actitud frente al oficio y la literatura. Las editoriales independientes no deberían interpretarse a sí mismas simplemente la plataforma de despegue de autores jóvenes, o de escritores que han sido desechados de otras editoriales, sino como una opción periférica, extraordinaria, excéntrica frente a las editoriales más fuertes. El hecho de que en la interesante reunión de ayer, donde varias de estas editoriales independientes se agruparon con intención de hacer proyectos en común, haya participado Peisa y Germán Coronado es sintomático. Antes de que Norma y Planeta se asentaran en Lima, y cuando Alfaguara aún no publicaba autores peruanos, Peisa era vista como la gran enemiga, la editorial oficial, la mercantilista que sólo promovía literatura light y acaparaba el mercado, a la que había que combatir. Lo sé porque cuando publiqué en 1999 un libro ahí me acusaron de "vendido" al mercado. Hoy veo a Germán Coronado muy contento en medio de los muchachos. No me parece un despropósito, solo dejo contancia de una contradicción en ellos, que ellos deben resolver.

En cuanto a Peisa, soy amigo de Germán y soy testigo de lo difícil que es para un editor peruano competir de igual a igual contra editoriales extranjeras. Muchos de sus autores han terminado recalando en esas otras editoriales. Siempre he pensado que Peisa debería abrir una colección que edite profesionalmente a autores excéntricos peruanos, latinoamericanos o traducidos, distintos a su propio catálogo y al de las transnacionales. Quizá este sea el primer paso.

Pero pongámonos de acuerdo en qué es una editorial independiente. Si aceptamos la lógica según la cual el antaño pez grande se vuelve chico cuando aparece un pez mayor que se lo traga, debemos aceptar también la lógica de que los peces más chicos aspiran un día a convertirse en un pez grande o, al menos, a venderle en un par de años su sello y su catálogo a una editorial poderosa como ocurre mucho en Europa. ¿De eso se trata ser un editor independiente? ¿Un editor independiente no es más que un especulador? No lo creo, pero a veces siento que los editores jóvenes peruanos aspiran no a obtener un oficio sino un bien o, por lo menos, un curriculum más atractivo. Si me equivoco, ellos tienen la palabra.

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Piglia & Villoro lectores

9.25.2007
A partir de Juan José Saer, Piglia y Villoro conversan sobre todo. Fuente: letraslibres

Hace unas semanas coloqué este post donde mencionaba una conversación, centrada en Juan José Saer, de Ricardo Piglia y Juan Villoro. Algunas ideas fueron rescatadas por La Nación. Ahora, encuentro toda la espléndida conversación entre esos dos escritores transcrita en Letras Libres bajo el título "Escribir es conversar". Como no puedo ser más explícito que el gorro de la presentación, cito el gorro: "Regionalismo o cosmopolitismo, realidad o ficción, novela histórica o uso de la historia en la novela, y la lectura como una forma de la creación son algunos de los temas que repasa este trepidante diálogo literario entre dos de los mejores narradores del idioma, el argentino Ricardo Piglia y el mexicano Juan Villoro." Y ahora los dejo, en extenso, con las reflexiones de ambos sobre la lectura. Pero hay mucho más:

Dice Villoro sobre la lectura: "La escritura es una exploración que no agota el sentido y, como dices, suspende el problema, le encuentra nuevos detonantes, lo expande. El otro componente del consumo de literatura es la lectura. En El último lector postulas posibilidades extremas de lectores absolutos, lectores terminales; a veces en un sentido literal, como el caso del Che Guevara, un hombre que va a morir leyendo y cuyos últimos gestos son gestos de lectura, o Don Quijote, que es el último lector de una tradición, el lector que clausura las novelas de caballería. De alguna manera, la literatura ha reclamado siempre la complicidad de este tipo de lectores, lectores que hacen mejores los libros, que sobreinterpretan en favor de los textos. Toda la escritura borgesiana, con sus falsas atribuciones y sus estrategias para traducir de manera deliberadamente falaz, representa una apropiación practicada por un lector extremo. Me parece que ahí está el ejercicio perdurable de la literatura que mencionabas. Al mismo tiempo, este tipo de lectura se opone a la circulación dominante. Sorprende la creciente proporción de libros destinados a las personas que normalmente no leen. En todas las épocas han existido libros para quienes sólo leen por excepción, casualidad, morbo o urgencia extrema; sin embargo, ahora la tendencia dominante consiste en hacer circular libros que deben cautivar a quienes normalmente no leen porque, naturalmente, son la mayoría. Es una situación enloquecida, como si los fabricantes de vino embotellaran para la gente que normalmente no bebe, o empezaran a hacer vino con sabor a chocolate o con sabor a té de hierbas, para que ésos tomaran vino. Este tipo de circulación es un fenómeno de los últimos tiempos al que tampoco somos ajenos como testigos".

Dice Piglia: "No, desde luego. Cada uno tiene su manera de afrontar la situación. Pero me parece que importa incorporar la cuestión del lector, porque lo que estamos diciendo aquí es que nosotros no confundimos lectores con clientes. No confundimos una cosa con otra. Y este plural, que es muy singular como se sabe, al mismo tiempo incluye a los escritores con los que habitualmente converso. Me parece que nosotros siempre hemos tratado de escribir para lectores interesados en la literatura, y lo que hemos logrado es descubrir hasta dónde esos lectores son mucho más amplios de lo que cualquiera de nosotros podríamos imaginar. Yo creo que ésa es una de las muy buenas lecciones de Borges. Borges siempre hablaba como si su interlocutor supiera más que él. Nunca tuvo una actitud paternalista, de tratar de ser pedagógico, ni en sus textos ni en sus relaciones personales. Siempre pensó en un lector más inteligente y más culto, y trabajó con ese estándar, y me parece que ésa es una de las tradiciones que nosotros hemos tratado siempre de reivindicar frente a una tradición más paternalista, que tiende a pensar que hay que bajar el nivel, como se dice. En este sentido me llamó la atención algo que leí en una entrevista que te hicieron en una pequeña revista (y que me dieron los estudiantes aquí, ayer), donde dices que leíste una novela, que yo también admiré mucho en su momento, De perfil, de José Agustín, y entonces pensaste que podrías escribir. Las escenas de lectura donde aparecen escritores leyendo son interesantes. Hay algunas que a mí me han marcado mucho. Por ejemplo, Borges leyendo por primera vez La divina comedia, en una pequeña edición bilingüe, en un tranvía en el que recorría toda la ciudad para llegar a la biblioteca en donde trabajaba. La imagen de ese hombre miope, inclinado sobre el libro, en un tranvía que cruza la ciudad, la experiencia de la primera lectura de La divina comedia, y el efecto que ese libro le produjo, están al mismo tiempo en el momento y en la escena misma de lo que está sucediendo en ese tranvía. Los tranvías eran lugares comodísimos para leer porque tenían una marcha tranquila, con grandes ventanales, con buena luz. En ese sentido, partiendo de los escritores, he pensado que hay –para jugar un poco al modelo de las clasificaciones– dos modos básicos de lector: a uno yo lo llamaría el lector Kafka, que se encierra, se aísla, trata que nadie lo interrumpa. Sabemos las metáforas de Kafka: “Me gustaría estar en una catacumba, en un sótano y que me dejaran la comida en la puerta para que yo pudiera caminar un poco y que después nadie me molestara.” Esa idea de “estoy ahí leyendo un libro aislado en la noche” es un modelo extraordinario donde la interrupción es el problema, la interrupción en el momento de la lectura. El otro es Joyce, que es lo que yo llamaría la lectura dispersa, el que está por la ciudad, un poco el modelo de Bloom, que anda por las librerías de viejo buscando las novelas eróticas para Molly y al mismo tiempo se encuentra con otros libros. Es decir, por un lado estaría la idea del lector que se concentra de una manera absoluta en un texto, y por otro lado estaría esta idea de la percepción distraída, “leo mientras escucho la radio y atiendo el teléfono, leo mientras contesto los mails, leo con el televisor encendido al fondo”. Yo me acuerdo siempre de situaciones en las cuales la lectura está acompañada por el ruido de la ciudad, donde la lectura no está aislada, está cortada, es intermitente, avanza a saltos, con un ritmo que se parece al de la marcha por las calles de la ciudad. Y en esta serie de imágenes de escritores que aparecen leyendo, si me permiten, voy a recordar la primera escena de lectura de mi propia vida. Que no es mi primer recuerdo, porque mi abuelo paterno muere cuando yo tengo tres años, casi cuatro, y yo tengo un recuerdo de mi abuelo, por lo tanto ése ha sido seguramente mi primer recuerdo. Pero luego hay otro recuerdo en que veo a mi padre leer. Tengo la imagen de mi padre en un sillón leyendo un libro. Entonces yo debo de tener pongamos cuatro años. Tomo un libro de la biblioteca de mi padre, un libro de tapas azules, me acuerdo. Nosotros vivíamos en Adrogué, cerca de la estación, en una calle muy tranquila, pero era una calle que, cada vez que llegaba el tren del centro de la ciudad –cada media hora, digamos–, pasaban los pasajeros que bajaban del tren delante de la puerta de casa. Entonces me senté con el libro en el umbral para que me vieran leer. Tengo la imagen de una sombra, de uno de estos pasajeros que pasaban frente a casa o de un vecino quizá, que me dice que tengo el libro al revés. Podría decir “ahí está todo”, siempre he leído los libros al revés, siempre se ha aparecido alguien que me ha dicho “ese libro está al revés”, y siempre he tratado de escribir ese libro azul. Y un día le dije a mi padre, mucho después, “¿cuál sería ese libro?” Esperaba que me dijera: “alguna novela de Stendhal”, pero me dijo, claro, irónicamente: “Sería el libro azul del peronismo.”

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Hermano Cerdo 17

Clima de cerdos. Por: Agente hormiga. Fuente: hermano cerdo

La revista virtual Hermano Cerdo llega a su número 17 (¿han contado bien? ¿tantos van?) y lo hace con una novedad: este es el último número que será ofrecido por PDF y el primero en presentarse en su forma futura: una amable página web. Bien por los cambios. Esta vez, además de las reseñas (dos a Elegía de Philip Roth y una a El huésped de Guadalupe Nettel) y de los poemas y cuentos que suelen ofrecer, ahora también entregan un antiguo ensayo de John Irving sobre Kurt Vonnegut, titulado "La estética de la accesibilidad" cuyo comienzo incluye una mención a los infatigables comisarios literarios, como los que conocemos tan bien en el Perú. Por eso y por todo no pueden dejar de leer el ensayo de Irving. Despejémonos de prejuicios.

Dice Irving: " Hacer que el trabajo del lector sea fácil es una labor difícil aunque Vonnegut siempre ha sido un incomprendido en este aspecto. En el New York Review of Books, por ejemplo, Jack Richardson llamó a Vonnegut un “escritor fácil” y -entre otros cargos- acusó a Vonnegut de no ser Voltaire. En la entrevista con Casey, Vonnegut cuenta la historia de su encuentro con Jason Epstein, el editor de Random House -a quien Vonnegut llama “un comisario cultural terriblemente poderoso”- en un coctel. Cuando fueron presentados Epstein pensó por un minuto, luego dijo, “Ciencia Ficción”, dio la vuelta y se alejó. “Sólo tenía que ubicarme, eso era todo,” dijo Vonnegut. Otros “comisarios culturales” han tratado de “ubicar” a Vonnegut por años; con mucha frecuencia, tal y como Richardson, nos cuentan lo que Vonnegut no es. No es Voltaire, por ejemplo, es posible que no tampoco sea Swift . Al menos en parte, pienso, la disponibilidad infantil de su prosa, sus superficies rápidas y fáciles de leer, son las que resultan tan problemáticas para los críticos de Vonnegut. La suposición de que aquello que es fácil de leer fue fácil de escribir es un lapsus perdonable entre no escritores, pero es revelador cuántos críticos, quienes (de alguna manera) también son escritores, han llamado “fácil” a Vonnegut. En uno de los peores artículos panorámicos escritos sobre Vonnegut (en el New York Times Book Review, disfrazado como una reseña de Slapstick), Roger Sale parecía especialmente molesto con la audiencia de Vonnegut -los “jóvenes mínimamente inteligentes”, los llamaba. “Creo que Vonnegut me sería menos molesto de no ser porque una de mis mayores tareas es intentar proponer preguntas difíciles para los jóvenes semi-letrados,” dice el sufrido señor Sale, esclavizado en las trincheras de la ignorancia. Hay algo autocomplaciente en esta crítica; estos son los comentarios de un crítico que quiere una obra que lo necesite -que requiera ser explicada, tal vez. “Nada puede ser más fácil,” nos asegura Sale respecto de la escritura de Vonnegut. Por otro lado, Sale nos dice, leer a Thomas Pynchon “requiere resistencia, determinación e inteligencia enloquecida” . Más alabanzas propias - Sale no es un lector fácil, tenemos que reconocerle eso. Y pese a la invitación de Sale a comparar, no es mi deseo atacar a Thomas Pynchon, un escritor tan serio con respecto a su trabajo como Vonnegut lo es con respecto del suyo; diría, sin embargo, que hay bastantes “personas serias que toman la ficción seriamente” (como Sale nos llama) que piensan que el tipo de escritura de Pynchon es la más fácil de escribir. Y la más difícil de leer: una confrontación con ideas y lenguaje donde nosotros, los lectores, ponemos buena parte del esfuerzo; donde el escritor, tal vez, no se ha esforzado lo suficiente para ser más legible."

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El Booker y las ventas

La shortlist del Booker en apuros de ventas. Fuente: telegraph.co.uk

Ya apareció la shortlist del Booker y, desde luego, el multi favorito Ian McEwan y On Chesil Beach sigue ahí. Eso no es sorprendente. Lo que sí ha sorprendido a muchos es que, fuera de McEwan, quien ya superó las 100,000 copias de su libro, las ventas de los demás de la lista son paupérrimas, al nivel de best seller peruano digamos. ¿Crisis del mundo editorial? ¿Ya nadie compra ficciones en el mundo? ¿Ha dejado de tener interés para los lectores el Booker? Las cifras son elocuentes. La nota es de Nigel Reynolds en Telegraph.co.uk

Dice Reynolds: "While McEwan's novella, On Chesil Beach, has been a runaway commercial success, selling more than 100,000 copies, one of his rivals for the prize, Animal's People, loosely based on the Bhopal chemical plant explosion, by the Indian author Indra Sinha, had sold just 231 copies in this country by mid-August, 10 days after its sales were supposedly given a major boost by being longlisted. Nicola Barker's Darkmans had sold only 499 copies. Anne Enright's The Gathering had fared a little better with sales of 834 sales, Mister Pip had sales of 880 and of McEwan's rivals, only Pakistani author Mohsin Hamid's The Reluctant Fundamentalist broke the four-figure barrier, with 1,519 readers buying it (...) The Man Booker organisers denied that readers' apparent indifference demonstrated dwindling interest in the prize, first launched in 1969. Ion Trewin, the administrator, defended the selection of barely known authors and forecast that sales would pick quickly once the shortlist was known. He said: "One of the joys of this prize is identifying talent for the future. "It is a strong list and if we had six well-known names every year we would be criticised for not encouraging new talent. And just because you are a well-known name, it does not mean that you produce your best work every year." Four winners in the past 10 years - Yann Martel, DBC Pierre, Kiran Desai and Arundhati Roy - were unkown before their victories, he said.

La shortlist incluye a las siguientes novelas:

Darkmans, by Nicola Barker

On Chesil Beach, by Ian McEwan

Mister Pip, by Lloyd Jones

Animal's People, by Indra Sinha

The Reluctant Fundamentalist, by Mohsin Hamid

The Gathering, by Anne Enright Liam.

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El F-11, Arde Bogotá

Afiche del Festival. Fuente: blog f-11

El F-11 se creó el año pasado en Colombia para celebrar los 10 años de la revista El Malpensante y este año, más cuajado, se espera la llegada de una veintena de escritores, algunos de ellos auténticas celebridades del llamado Nuevo Periodismo, además de intelectuales dedicados al activismo cultural. Aquí les dejo el enlace con la programación del evento. Además, la página de la revista dedicada al Arde Bogotá F-11

Entre los asistentes están: Gay Talese, considerado el padre del Nuevo Periodismo; Ulrich Schreiber, actual director del Festival de Literatura de Berlín al que asistí este año; Philipp Blom, historiador alemán, autor de la extraordinaria historia de la Enciclopedia publicada por Anagrama; el fotógrafo Ruven Afanador, los periodistas Alberto Anaut, Jorge Lanata y Vicente Verdú; el novelista y editor Alberto Ruy-Sánchez, el cineasta Luis Ospina, los escritores Héctor Abad Faciolince, Andrés Burgos, Eugenio Montejo y Octavio Escobar, Karl Troller, Fanny Mickey, Simón Vélez, Alberto Barrera Tizka y, obviamente, nuestro queridísimo Julio Villanueva Chang.

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Polvo seré mas...

Aquí, en Ciudad Real, yacen los restos de Quevedo. Fuente: abc.es

... esto es, al final, lo único que queda de los escritores y sus médulas que han gloriosamente ardido. ¿O no?

Dice la nota: "Los huesos del escritor Francisco de Quevedo, que ya han sido analizados, corresponden a los dos fémures, una clavícula, un húmero y seis vértebras. El fémur derecho fue decisivo para la identificación, ya que estaba visiblemente torsionado como consecuencia de su artrósis, lo que se relacionó con su reconocida cojera. Tres siglos y medio después de su muerte, la cojera de Quevedo le ha delatado."

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Sergio Ramírez en Buenos Aires

Sergio Ramírez en Buenos Aires. Fuente: página12

Para quienes leímos comics (en esa época se llamaban "chistes") en la editorial Novaro el nombre de Charles Atlas y su método de Tensión Dinámica nos resulta familiar (así como también la perturbadora frase "yo era un alfeñique de 44 kilos"). Pero para los más jóvenes no y por eso el título de uno de las primeras libros de relatos de Sergio Ramírez, que acaba de ser reeditado en Argentina por la editorial El Andariego, no les diga nada: Charles Atlas también muere. Ramírez estuvo en Buenos Aires para comentar su novela y ahí es entrevistado por Página12.

Con respecto al tema de sus cuentos, la enajenación cultural, dice: "La enajenación cultural desborda las fronteras de un país y se vuelve una actitud latinoamericana de las clases sociales que tienen la ansiedad, o la ambición, de una legitimidad que sólo consiguen a través de sus propios ejemplos paradigmáticos, sociales y culturales. Si no fuera así, la revista Hola no tendría tantos lectores. La gente ve en la aristocracia, en las personas que tienen mucho dinero, sus propios paradigmas (...) Quizás el mundo es más global ahora y como el juego de las imágenes es más directo, las grandes figuras paradigmáticas se han vuelto de consumo más real, no sólo para la gente de más recursos y más informada. Lo prueba el fenómeno en masa que generó la muerte de Diana de Gales; muchos se sentían identificados con el personaje. Al fin y al cabo en Nicaragua, pero también en muchos países latinoamericanos, muchos querrían ser súbditos de la reina de Inglaterra".

También habla, a la distancia, cómo ve esos primeros cuentos: "Los temas que uno elige cuando es muy joven vuelven a repetirse siempre, por lo menos en mi caso siento que es así. Este tema de mi asombro, de mi curiosidad irónica frente al fenómeno de querer ser como los extranjeros es una cuestión que nunca me abandonó. A fines de los ’90, cuando se dio el fenómeno de Diana de Gales, escribí un cuento precisamente sobre el impacto que provocó en Nicaragua, ya no en las altas esferas sociales sino en la gente que amaneció siguiendo los funerales. Entonces escribí ese cuento de un hombre que ha perdido a su mujer. Ella, que le era infiel, se fue con el jefe y se mató en un accidente, y el marido está recordando frente a la televisión todo lo que a él mismo le había ocurrido".

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Lorenzo Silva en Lima

Lorenzo Silva. Fuente: Perú21

Como lo comenté hace una semana, Lorenzo Silva estuvo en Lima y dio una conferencia, además de un taller, en el Centro Cultural de España. Hoy aparece entrevistado en Perú21 por Gonzalo Pajares y ahí confiesa que la literatura española de su generación está influida por el Boom Latinoamericano.

Dice Silva: "Cuando yo pienso en referentes novelísticos, en español, como lector y como escritor, me vienen a la mente más nombres latinoamericanos que españoles. Es más fácil lograr consensos sobre grandes autores latinoamericanos que españoles. Claro, no todos seguimos a los mismos. Hay el bando de García Márquez, de Vargas Llosa. Somos hijos de muchas cosas. Entre ellas, del boom latinoamericano. Eso sí, escribimos desde nuestra realidad."

También se refiere a los premios literarios: "Los premios son siempre un azar. Uno no elige ni a los 'rivales' ni a los 'jueces'. Esto hay que tenerlo claro. Yo, por ejemplo, que gané el Nadal en 2000, en otras circunstancias pude no ser premiado. Sin embargo, es claro que son una carta de presentación ante el público, ante alguna editorial y hasta ante la prensa. En cuanto a la venta, creo que a cualquier escritor le agrada que sus historias sean compartidas por muchas personas. La satisfacción de crear una historia 'universal' -y de mover fibras íntimas- es muy grande".

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Reseñas en Letras Libres

9.24.2007
Man reading alone. Fuente: alberto fuguet blog

Como lo he dicho antes, lo mejor de la revista Letras Libres siempre me parecen las reseñas. Es un placer leer reseñas literarias no sólo inteligentes y argumentadas sino extensas, como si el número de palabras no fuera una limitación (aunque seguro es solo una impresión). En el número de setiembre, aparecen algunas reseñas que recomiendo leer: Valeria Luiselli escribe sobre El enigma de París de Pablo de Santis (que en la sumas y restas no sale bien parado); Rafael Lemus escribe sobre El capital de las ruinas de Samuel Beckett; Christopher Domínguez Michael escribe sobre el libro de Eduardo Lorenco, Pessoa Revisitado.

Por otra parte, Esther Andradi escribe sobre El olvido que seremos, las memorias de Héctor Abad sobre su padre; Eduardo Moga comenta la antología de Severo Sarduy Arqueología de la piel; Luis Felipe Novelí comenta el exitoso libro Cuentos de Firozsha Baag, del escritor hindú Rohinton Mistry; y finalmente el infaltable Rodrigo Fresán da cuenta de Sin respiro, la última novela traducida de William Boyd.

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Domingo de Ramos

Domingo de Ramos en el bar Pizelli. Foto: Melissa Merino. Fuente: La República

La mejor definición de la poesía de Domingo de Ramos me la dio José Watanabe, quien lo admiraba mucho. Me dijo que la poesía de Domingo le parecía "despeinada", en contra del excesivo celo formal de una poesía moldeada pero sin nada que decir. Domingo de Ramos, poeta vinculado al grupo Kloaka de los 80, alimentaba el mito del poeta alcohólico y sin compromisos, al que se le podía ver bebiendo en los recitales y, una vez terminados éstos, durante la noche y toda la madrugada. Era el paradigma de poeta underground, y ese ritmo callejero lo traspolaba a su propia obra. Pero no más. Una enfermedad (Polineuritis) lo ha mantenido en cama por semanas, con un dolor intenso, y una vez de pie alejado del alcohol. Ahora él y su obra ingresan a una etapa más reflexiva. Lo entrevistan en la sección "Contracorriente" de El Comercio en una nota en la que, además, se citan poemas inéditos.

Dice la nota: ""El dolor te inutiliza, te animaliza, te pone elemental. El dolor es nada noble. Te produce una total infecundidad, ya no perteneces al ser humano, sino a la más primitiva animalidad", nos convence. Piseli se ha convertido en su refugio. Es un bar pequeño donde antes bebía cerveza y ahora toma agua sin prisa. Espacio de charlas ensimismadas o a gritos en que se somete, además, a un sentimiento encontrado. Por un lado dice darse cuenta de que no es alcohólico, que puede evitar el alcohol ("por supuesto, fea manera de comprobarlo"). Por otro lado, le produce nostalgia, conflictos internos. Con pesar en el rostro, el poeta Domingo de Ramos dice estar con la salud "entre comillas resquebrajada". (...) Su conciencia afirma que la enfermedad es producto de la cantidad de alcohol que ha bebido en su vida. Los nervios de los pies no obedecen y, si no se hace tratar, esto probablemente llegue a degenerar en una gangrena. Después de haber publicado ocho libros, de haber ganado el premio Copé en poesía y el premio Carlos Oquendo de Amat por poesía erótica en el 2002, de haber sido invitado a participar en diferentes encuentros de poesía en Francia, España, Alemania, Chile, Finlandia, entre otros países, Domingo afirma haber cambiado mucho. No puede beber. Ha modificado sus costumbres, su vida cotidiana. Sus amigos continúan y sus enemigos también. "Ya escribo otras cosas, más reflexivo, casi filosófico y más cercano a la muerte que a la vida". El baño del bar está cerca y no son pocos los que lo interrumpen. Cinco y media de la tarde y ya a algunos les cuesta entenderse. "Yo creo que la enfermedad es la coronación de toda una vida autodestructiva que he tenido. A partir de la enfermedad, esta vida que he seguido se detiene y yo me detengo, pero ya es muy tarde, porque la autodestrucción que he emprendido no se va a detener fácilmente. Está dejando huellas profundas, ese es el problema. El proceso autodestructivo, al cual me he metido durante 20 años, ha culminado en este mal".

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Claudio Magris último

Carátula del libro de Magris. Fuente: Anagrama


Tan solo 67 páginas le han bastado -¿acaso se necesitan más?- a Claudio Magris para escribir esta despedida a su esposa, la escritora Marisa Madieri, fallecida hace unos años, en este libro titulado Así que Usted comprenderá que hoy publica Anagrama. Como El año del pensamiento mágico de Joan Didion, como Patrimonio de Philip Roth, como otros muchos libros que expían el sentimiento de dolor ante la muerte, este libro de Magris viene a formar parte de esos exquisitos bonus track de los que hablaba Fuguet. Y si es tan bueno como sus anteriores libros, o como afirma reseña en ABCD Letras que publica Mercedes Monmany, sin duda estamos ante un libro conmovedor e imprescindible.

Pd.- Como un lector apunta, en "Babelia" Cecilia Dreymüller da una versión radicalmente distinta sobre el mismo libro, en una reseña que titula "Incomprensible" y culmina así: "Resulta por ello tan degradante esta imagen de una Eurídice chafardera, y tan bochornosa la figura del ególatra poeta, que se recomienda encarecidamente no asociarlos con Madieri y Magris. Mejor un piadoso olvido (especialmente sobre las vulgaridades del texto) y quedémonos con el Claudio Magris elegante y perspicaz de El Danubio, Microcosmos, Otro mar". Como no he leído el libro de Magris, no puedo opinar antes dos lecturas tan diferentes. Habrá que leerlo.

Dice la reseña: "Cuando falleció la esposa del escritor y teólogo católico C. S. Lewis, este reputado profesor de Oxford escribiría uno de los más bellos monólogos que existen sobre el amor en pareja y sobre el desgarro terrible de la ausencia del ser amado. La pequeña obra (A Grief Observed; Una pena en observación, Anagrama), magníficamente traducida en nuestro país por Carmen Martín Gaite, comenzaba así: «Nadie me había dicho nunca que la pena se viviese como miedo. El mismo mariposeo en el estómago, la misma inquietud, los bostezos». Con esa misma intención, o inspiración, el escritor italiano Claudio Magris, diez años después del fallecimiento de su esposa, la escritora Marisa Madieri, exquisita autora de un impactante libro, Verde agua (Minúscula), reflexiona sobre la pérdida trágica de su ser querido. Como siempre sucede en el caso de este gran y original ensayista y narrador de nuestros días (cuyo nombre suena cada vez más insistentemente para un posible Nobel no muy lejano), la reflexión pone en juego muchos más temas, de carácter filosófico y trascendente, que lo que podría ser el puro, literal y catártico ejercicio autobiográfico sobre el motivo único de la muerte y la ausencia. O sobre ese amor interrumpido que rememora la convivencia, llena de claroscuros, pero con no menos pasión y sensualidad alimentada día tras día, de un matrimonio que se rompió de repente de forma no voluntaria, sino forzada, violenta, intolerable. Trascendiéndolo mucho más, el bellísimo y turbador pequeño monólogo, narrado desde un incierto Más Allá, que es Así que Usted comprenderá, rinde homenaje a la fortaleza de la figura de la mujer, de ciertas mujeres. A ese género de mujer fuerte y enamorada que guía y protege con mano firme a un marido célebre, custodiado incluso más allá de la muerte. Un compañero de camino al que se le evitan sin cesar los sinsabores de la más cruda «verdad»; ésa para la que la mujer fuerte, que jamás se engaña, duda de que aún, como los que no han acabado nunca de crecer, esté preparado. Una «Musa» y compañera de creador caprichoso, vacilante, egoísta, neurótico, muchas veces fatuo, al que ella devuelve siempre y sin contemplaciones a la «realidad», a su auténtica y más feroz identidad, que muy pocos saben leer: «Contigo sé quién soy», le dirá el poeta a esta Musa, en la que no sólo se inspira, sino que muchas veces incluso vampiriza sin piedad."

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Mailer ahora cree en Dios

Norman Mailer. Foto: Arthur Schatz/Time Life Pictures/Getty Images. Fuente: academy of achievement

Uno de los más grandes escépticos y ateos de la literatura norteamericana, el atronador Norman Mailer, confiesa que a su edad ha empezado a creer en Dios. Y también en el Diablo. Por ahora, está esperando las reacciones en Alemania a su novela El castillo en el bosque, que recrea los primeros años y la adolescencia de Adolfo Hitler. Mailer está convencido de que serán atroces.

Dice la nota: "El escritor estadounidense Norman Mailer (”Los desnudos y los muertos”) fue conocido durante mucho tiempo como marxista y ateo. A los 84 años y con problemas de salud, el maestro de la literatura estadounidense se encontró, sin embargo, con la fe. “Mi relación con la religión es interna y personal”, dijo Mailer a dpa durante una entrevista en su residencia ubicada junto a la playa en la Bahía de Cape Cod, estado de Massachusetts. “Creo que Dios existe. En mi época de ateo me parecía muy difícil encontrar una explicación filosófica para el hecho de que el ser humano haya surgido ex nihilo (de la nada). Por lo tanto, tiene sentido creer en un creador”.

Sobre su nueva novela, dice la nota: "A la pregunta de si al escribir sintió compasión por el joven Hitler, Mailer responde: “Sí, la sentí. Es un niño y quería entender cómo se sentía de niño”. En Alemania, en los países de habla alemana y en algunas otras partes de Europa ese punto de vista es desaprobado, comenta. Allí se prefiere barrer el pasado de Hitler bajo la alfombra, “como una familia con un asesino entre sus miembros, sobre el que no habla”. Esa postura no es sana, subraya Mailer, porque no profundiza en las raíces del mal. “Me parecería bastante más difícil de creer que existe un Dios que simplemente acepta el Mal, filosóficamente hablando”. En Estados Unidos, Mailer hizo furor con su novela sobre el joven Hitler, pero en Alemania espera duras críticas para el libro.

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Johanna Schopenhauer

Carátula de la novela. Fuente: Periférica

Una de las anécdotas más conocidas sobre la vida del filósofo Arthur Schopenhauer es que Johan Wolfgang Goethe anticipó, cuando él era aún un niño, que iba a ser muy conocido. Su madre, la célebre escritora y recurrente asistente a tertulias literarias de Weimar, Johanna, le dijo que eso era imposible: no podía haber dos genios en la familia. La relación entre hijo y madre siempre fue tirante y terminó definitivamente en una pelea en la que Johanna arrojó a la calle a Arthur, quien le gritó: "Algún día tú sólo serás conocida por ser mi madre". Y ese día llegó muy rápido. La fama de su hijo ha eclipsado la obra de Johanna, a quien se le consideraba entonces un best-seller. ¿Era buena escritora? Los lectores que no sabemos alemán podremos despejar las dudas ahora gracias al rescate que Periférica ha hecho de una de sus novelas más famosas, La nieve. A ver si además de megalómana era buena escritora.

Dice la contratapa: "Un salón burgués en la Alemania de principios del XIX: el de la condesa Cölestine. Ante los allí reunidos, un auditorio ávido de historias románticas y terribles al mismo tiempo, un pintor ya anciano, a quien todos llaman el maestro Hubert, comienza a narrar su vida y la de su mejor amigo, así como la pasión de éste por una joven misteriosa a la que conoce cerca del Mont Blanc. La nieve, inédita hasta hoy en castellano, es una de las principales novelas de una figura fascinante, y muy singular, de la literatura alemana: la escritora Johanna Schopenhauer, madre del filósofo Arthur Schopenhauer. Amiga de Goethe y muy popular en su época, Johanna trasladó a esta novela, que publicamos con una introducción y un posfacio esclarecedores de Luis Fernando Moreno Claros, su famoso salón de Weimar, al que acudían los más destacados intelectuales, entre ellos el conocido autor de Fausto. Recreó ese ambiente cálido y ajeno a las inclemencias del tiempo para llevar a sus lectores hasta los nevados Alpes, hasta la historia de amor de Viktor y Marie, una historia «de época» pero construida y narrada con innegable buen oficio.

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Javier Marías: no más novelas

Javier Marías rodeado de su nueva novela. Fuente: el país

Hoy lunes empezó la venta en España de la nueva novela de Javier Marías, Veneno y sombra y adiós, que finaliza su trilogía Tu rostro mañana. En el diario "El País" aparece una nueva entrevista al autor, quien confiesa algo que resulta una noticia bomba: no piensa volver a escribir una novela. ¿Será eso posible? ¿O simplemente es producto del cansancio ante un proyecto tan ambicioso?

Por lo pronto, les dejo este adelanto de la novela en Boomerang.

Dice la nota: "Javier Marías pone fin con Veneno y sombra y adiós a una "ambiciosa" obra que pretende abarcar todos los temas que interesan al ser humano y que supone su adiós temporal a la escritura de novelas. "Me estoy despidiendo de la novela, como género, pero probablemente seguiré escribiendo cuentos", ha confesado hoy el autor, "exhausto" por haber completado una obra, que ronda las 1600 páginas. "No veo ninguna historia en perspectiva, y en estos momentos no puedo ni imaginar la creación de un mundo distinto al de esta novela", ha confesado el autor, que reconoce que "ha sido un gran esfuerzo mental", sobre todo teniendo en cuenta que no utiliza ordenadores y define su trilogía como una obra que "aspira" a hablar de temas que interesan a cualquiera de nosotros como el amor, el comportamiento humano, la memoria, el tiempo de guerra, el tiempo de paz, el olvido, el veneno o la traición. En este sentido, ha subrayado que en el mercado editorial actual, copado de novelas históricas y novelas sobre la guerra civil, "no existen demasiados novelas que hablen sobre nuestro tiempo" y en ese aspecto, Veneno y sombra y adiós sí refleja una época que, según apuntan dos de los personajes de la novela, el padre del narrador, alter ego del padre de Marías, y Peter Wheeler que refleja a sir Peter Russell, un hispanista de Oxford, buen amigo del novelista, está llena de "tontuna generalizada y de decadencia".


Actualización 25/09.- Hoy aparece una nota en ABC sobre la publicación, en la que Marías afirma: "Hay escritores que alternan cursilería y una gran zafiedad".

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Katya Adaui

Katya Adaui. Fuente: Matalamanga

Aunque de manera tímida, la narrativa escrita por mujeres empieza a asomar en las editoriales jóvenes. Un motivo de orgullo para mí es que dos de las autoras mejor tratadas por la crítica, y que despierta mayor entusiasmo en los lectores, han sido alumnas mías: Claudia Ulloa, en los años 90 en el Museo de Arte y luego con un grupo que se reunía en mi casa, y Susanne Noltenius, quien estudió con Alonso Cueto y conmigo en la Escuela de Narrativa de la CCPUCP. Ambas fueron editadas por Estruendo Mudo. Ahora, a esa lista se suma un tercer nombre, el de Katya Adaui, actualmente alumna de la Escuela y quien ha publicado con Matalamanga un libro de título espléndido: Un accidente llamado familia. ¿Todas las familias felices lo son iguales y las infelices lo son cada una a su manera? Ayer, Francisco Melgar hizo una reseña en El Comercio a la primera colección de relatos de Katya.

Dice la reseña: "Katya Adaui, todavía recordada por su faceta de narradora de noticias en Canal N, acaba de irrumpir en el mundo de la literatura con "Un accidente llamado familia", libro de cuentos presentado por el Grupo Editorial Matalamanga en el que Katya examina con candor y nostalgia las marcas que la vida deja en los diversos componentes de una familia que la autora no duda en llamar "accidente". Se trata de 17 relatos que no temen mostrar las heridas que a veces se abren a vista y paciencia de los seres que más queremos, y que examinan con honestidad esos breves momentos que componen nuestra cotidianidad y que no siempre nos ayudan a conocernos mejor, sino más bien a sumergirnos de forma más profunda en ese mar misterioso que es nuestra existencia.

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Sandor Marai

9.23.2007
Sandor Marai en Budapest. Fuente: adn cultura

La publicación en castellano de El último encuentro de Sandor Marai desató una inusiatada fiebre por el escritor húngaro que una década antes, olvidado y en el exilio, se había suicidado en Estados Unidos. El comienzo de su éxito se dio en 1999 (se había matado en el 89) de la mano de un editor con una erudición y un olfato como Roberto Calasso. En castellano, es Salamandra la que tuvo el buen tino de traducir su obra y conseguir así éxitos enormes con todos sus títulos, incluyendo sus primeras novelas. El narrador argentino Leopoldo Brizuela ha escrito para ADN Cultura una detallada biografía de Marai que nos conduce por sus escenarios vitales y por sus afectos, y obviamente también por la compleja escritura de sus obras.

Dice Brizuela: "Hay un misterio en las novelas de Sándor Márai, en el silencio de sus personajes, en la oscura motivación de sus acciones y sus reposos tensos, en las sombras de esos escenarios opulentos y decadentes, ya para siempre perdidos. Ese misterio empezó a conquistar a millones de lectores en todo el mundo desde 1999 (diez años después del suicidio del autor y a medio siglo de su partida de Hungría), a la vez como un presagio y una clave del horror que pronto estallaría. Algo parecido pasa con su vida. Los recuerdos de su familia, que lo concibió y lo crió como la flor de una estirpe y una clase social; sus prematuras memorias; los infinitos testimonios dejados por la prensa y la crítica, que durante al menos veinte años lo reflejaron según el molde del "escritor exitoso"; y por fin, las miles y miles de páginas de los diarios personales que llevaron, durante décadas y décadas, él y su esposa; todo ese material revela, por contraste, un itinerario irreducible a cualquier esquema o mote, empezando por el que él mismo eligió ponerse: el de burgués. ¿Quién era Sándor (Alejandro) Márai?, se pregunta el lector de sus relatos, perplejo ante la reserva de sus biografías, intuyendo que en él hubo alguien capaz de mirar a los ojos la tragedia y de sobrevivir a ella. "Pero ¿qué puede responderse con palabras?", replica uno de los personajes de su novela El último encuentro. "¿Y de qué vale, en todo caso, una respuesta dada en palabras y no en la moneda de una vida entera." Así, mientras dure nuestra pasión por su literatura, quizá no nos quede otro remedio que narrarnos una y otra vez la historia de Sándor Márai, dispuestos a corregirla cuando un nuevo dato invalide el esbozo anterior; guiados apenas por la esperanza de recibir, en su moneda, el pago a la templanza que exige su lectura. "

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John Updike

John Updike en el Hay Festival 2004. Fuente: bbc.co.uk

La novela Terrorista de John Updike es una de las novedades de esta temporada literaria en España. Y poco a poco los ejemplares de Tusquets están llegando a las librerías hispanoamericanas. La Revista de Libros se deja seducir por el ingreso y publica una entrevista a Updike realizada por Louis Witt para "El Cultural". En la entrevista quedan claras las motivaciones políticas que llevaron a Upidke a escribir la novela. Y también las literarias. Y en especial sobre el 11-S y su importancia en la literatura norteamericana actual.

Dice: "La literatura produce modelos de seres humanos vivos que no tienen por qué estar de acuerdo con nosotros y pueden incluso ser nuestros enemigos. D. H. Lawrence dijo que la ambición de la literatura debía ser extender nuestras preocupaciones, y eso es lo que estoy intentando hacer, aquí y en otros libros anteriores. El ser humano debe mantener la tensión entre sus deseos y sus sueños, entre la realidad social que le rodea y sus obligaciones para con el prójimo. Y esta tensión no siempre llega a buen puerto y puede suponer un trauma para la condición humana."

También responde a la pregunta sobre si el 11-S es un punto de inflexión en la literatura norteamericana: "Bueno, se ha podido exagerar mucho, pero nunca habíamos tenido tres mil muertos en una gran ciudad, con explosiones y con semejante caos. No habíamos visto tanta violencia en nuestra tierra desde la guerra civil. Así que, en ese sentido, sí que cambió las cosas. Ha cambiado el modo en que nos acercamos a los aeropuertos y a los edificios. Pero sí que es una exageración. Ya había terroristas antes, y había secuestradores, pero lo que en realidad ha cambiado para mí es el dolor constante que me producen los titulares desde Irak, Israel y Palestina, las bombas y el inagotable baño de sangre de la insurgencia iraquí. Me entristece que en un mundo que tiene tantas cosas positivas surjan conflictos tan irreconciliables y brote tanta sangre. Un novelista no puede dar respuestas políticas, pero sí describir el mundo que ve. Y Terrorista es mi visión de una cierta parte de América, de una América, esperemos, distinta. "

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Nicholas Mosley

Carátula de la novela en Siruela. Fuente: siruela

¿Quién no ha rondado un libro en una librería por años, esperando que baje de precio, que lo pongan en saldos, que aparezca la edición de bolsillo? A todos nos ha pasado. Son libros a los que nos cuesta acceder, y por eso los disfrutamos más. Juan Forn comenta la historia que le ocurrió con uno de esos libros, titulado Monstruos de buenas esperanzas, cuyo autor es un desconocido en lengua castellana: Nicholas Mosley. El libro fue editado por Siruela y Forn recién lo pudo adquirir hace un mes y leer su más de 600 páginas.

"Monstruos relata la historia de Max Ackerman y Eleanor Anders, él un estudiante de física y biología en Cambridge y ella una estudiante de medicina y filosofía en Heidelberg, que se conocen en un encuentro de juventudes en la frontera entre Alemania y Suiza a principios de los años '20. Se ven una sola vez, durante unas pocas horas, pero la intensidad del encuentro es tal que, diez años después, la segunda vez que se ven, Max ayuda a Eleanor a salir de la Alemania nazi y le salva la vida (en el tercer encuentro entre ambos, durante la Guerra Civil Española, será Eleanor quien salve la vida de Max, prisionero de las tropas franquistas, y a esa altura del libro él viene de estar un año trabajando como físico en la Unión Soviética y ella un tiempo equivalente estudiando las costumbres de una tribu del desierto africano). La estructura del libro es simple: capítulos alternados en los cuales Max le cuenta a Eleanor y Eleanor le cuenta a Max lo que fue sucediéndole externa e internamente antes y después de verse por primera, por segunda y por tercera vez. El tono del libro es el de esas conversaciones íntimas en la cama entre dos personas que se buscaron sin saberlo toda la vida y por fin están juntas. La magia del libro es que Eleanor y Max no están juntos: el mundo en que viven, tan empeñado en autodestruirse, se lo impide."

También cuenta sobre el autor: "Mosley tenía sesenta y siete años cuando publicó, en 1990, Monstruos de buenas esperanzas y ganó inesperadamente el Premio Whitbread (para muchos, el premio literario de Inglaterra, por encima del Booker). Hasta entonces y desde entonces, ninguna de sus novelas logró despertar interés similar. Hace unos años, Mosley se retiró públicamente del jurado del Premio Booker, asqueado del flagrante desinterés de sus colegas por "cualquier novela que tuviese el menor contacto con el aspecto espiritual del ser humano". A. N. Wilson resume así la actitud mayoritaria entre críticos y escritores británicos hacia Mosley: "Todos dicen que lo admiran pero nadie lo lee".

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Sergio Chejfec

Sergio Chejfec. Foto: Diego Sandstede. Fuente: adn cultura

Debo reconocer que no había oído hablar del argentino Sergio Chejfec hasta que Mario Bellatin me lo mencionó como uno de los autores que asistiría a la bienal de Mérida. Me lo mencionó un par de veces por email, además, por lo que no dudé en escribir su nombre en una Moleskine que tengo preparada con autores y obras que conseguiré en un (improbable) viaje próximo a Buenos Aires. Y es así que me encuentro ahora con una entrevista en ADN Cultura a Sergio Chejfec que me despierta aún más la curiosidad. Actualmente vive en Nueva York y lo edita Alfaguara. A pesar de eso, no me hago ilusiones de que sus libros lleguen a Lima. Habrá que viajar.

Habla el autor sobre su última obra: "Cuando empecé a escribir la novela [Baroni: un viaje], la concebí como una especie de ensayo narrativo que iba a tener alrededor de veinte páginas. Después las cosas cambiaron y me di cuenta de que me interesaba trabajar con otros materiales. El relato se fue expandiendo. Y advertí también que podía incluir las impresiones más arbitrarias y subjetivas respecto de Venezuela y del paisaje venezolano. Entonces lo que iba a ser un ensayo narrativo terminó siendo un relato ensayístico, en el que Baroni es la primera figura pero, a la vez, es una suerte de excusa para hablar sobre estética, sobre Venezuela y sobre algunos personajes de ese país que son para mí sumamente emblemáticos y enigmáticos".

Habla también de cómo se ve, desde fuera, la literatura argentina: "Creo que Saer, Aira, Héctor Libertella, la recuperación crítica de Osvaldo Lamborghini, todo eso impactó en términos de actitud. Se volvió a la idea de que no es necesario contar con demasiados protocolos y autorizaciones simbólicas para hacer literatura. Es un modo de escribir que aparece sin pedir permiso".

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La leyenda Bolaño

Roberto Bolaño en carátula de revista Ñ. Fuente: clarín

Copio textualmente la entrada al artículo que la revista Ñ, del diario Clarín, ha escrito sobre Roberto Bolaño: "Muerto a los 50 años en el 2003, premio Rómulo Gallegos -el nobel latinoamericano- el chileno Roberto Bolaño es a la vez escritor de culto y venta asegurada. Para algunos, el mayor y el más contemporáneo de América Latina, equivalente a Cortázar, a Borges; para otros, aburrido e intrascendente". El artículo de Héctor Pavón repasa su biografía, algunas de sus peleas literarias con compatriotas, y busca representar cómo Roberto Bolaño se ha convertido en una leyenda de la literatura latinoamericana, no sólo en los fueros internos sino también en el mundo anglosajón a través de las traducciones. Además, recoge algunas opiniones a favor y en contra de su obra. En la nota también se menciona el Bogotá39 y dice que ahí los escritores reunidos "reconocieron su magisterio". Debo decir que no es exacato eso, más bien fue un nombre polémico a la hora de hablar de literatura latinoamericana. Algunos lo admiraban, en especial los más jóvenes (que lo leyeron en la secundaria) y otros lo veían con cierta distancia, como un buen escritor pero sin mayor influencia en su propia obra (la mayoría de la cual fue escrita antes de que Bolaño se diera a conocer con el premio Herralde en 1999). Como sea, hay Roberto Bolaño para rato.

Concluye Pavón: "Todavía hay que dejar reposar su literatura para poder discernir si la obra de Bolaño sobrevivirá al paso del tiempo y a la de sus lectores fans que califican su obra entera como magistral, casi sin matices, todas en el mismo nivel de calidad. Muchos de sus nuevos y jóvenes lectores se asoman con ansias de investigar sobre su vida, y también muchos se desilusionan al encontrar una vida breve donde la intensidad está puesta en la literatura que superó ampliamente a su vida real. Hoy la única discusión posible gira en torno a las altas calificaciones que generan sus libros. La única pregunta que se permite hacer en esta iglesia pagana es si Bolaño es genial o extraordinario. En la última entrevista que dio Bolaño, a la periodista Mónica Maristain de la revista Playboy de México, puso en aviso a los obsecuentes. Ella le preguntó: "¿Qué dice de los que piensan que Los detectives salvajes es la gran novela mexicana de la contemporaneidad?". El contestó: "Lo dicen por lástima, me ven decaído o desmayándome en las plazas públicas y no se les ocurre nada mejor que una mentira piadosa, que por lo demás es lo más indicado en estos casos y ni siquiera es pecado venial".

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Vila Matas por Fresán

Enrique Vila Matas. Foto: Daniel Mordzinski. Fuente: Radar Libros

Como ya lo he comentado, apareció el esperado libro de relatos de Enrique Vila Matas, Exploradores del abismo, en Anagrama, y en Radar Libros le dedican la nota central con un largo y detallado artículo de Rodrigo Fresán, a manera de reseña y homenaje, quien dice con absoluta lucidez que el autor es: "uno de esos raros y admirables fenómenos que empiezan y terminan en sí mismos".

Dice la reseña: " Vila-Matas intuía que se acercaba a un punto de inflexión, a una curva peligrosa en su método. Una necesidad de un cambio de aire y de abrir –o volver a abrir– algunas ventanas en esa vivienda que viene construyendo y ampliando desde hace casi tres décadas y media. Al menos, algo de eso se percibe en Exploradores del abismo, donde el doctor Vila-Matas se autodiagnostica un retorno al cuento como posible cura entendiendo la renovada práctica del texto breve como terapia alternativa para producir o recuperar a ese otro borgeano y escapar al "tempo moroso" de la novela. A un nuevo comienzo que funcione como coartada y punto de fuga y que, de algún modo, no se haga cargo de ciertas conductas anteriores."

Luego aclara: "Anunciado todo esto, queda averiguar –con la lectura de Exploradores del abismo– si Vila-Matas ha cambiado o si ha conseguido corporizar un doble que camina con paso diferente en nuevas direcciones. La respuesta es sí y no. Y está bien que así sea. No, porque a esta altura de la expedición –marca de los verdaderamente grandes– ya hay un Estilo Vila-Matas imposible de extirparle al ADN de este escritor. Hay un ritmo, un tono, una melancolía y un humor a los que sólo podría renunciarse con el silencio y la desaparición y –como queda demostrado en Doctor Pasavento, cuyo título de trabajo fue, no en vano, Doctor Pynchon– ni siquiera así: porque, por más que declare su admiración por la sencillez de lo poco y nada que pasa o deja de pasar en los cuentos de Raymond Carver, a Vila-Matas le seguirían sucediendo cosas vila-matasianas; porque es inevitable derecho de los verdaderos maestros el provocar que el mundo y las personas que lo rodean muten forma y modales ante la radiación de un apellido convertido en adjetivo calificativo. Sí, porque en Exploradores del abismo decide, por primera vez, reconocer ese influjo y, de algún modo, de frente o desde las laterales de ciertas tramas, dar explicaciones sin pedir disculpas pero sí preocupado por establecer exactamente qué fue lo que lo llevó a hacer lo que hizo, que lo lleva a deshacer lo que ya no quiere hacer y de qué manera le gustaría rehacerse (...) ¿Es ahora Vila-Matas un narrador de "historias de personas normales, normalísimas"? Me temo que no porque –por suerte para el lector– la idea que tiene Vila-Matas de lo normal, bueno, nunca podrá ser... normal. ¿Ha conseguido Vila-Matas ser otro? No del todo. Problemas de ser único. Tampoco creo que ésa haya sido nunca la idea y lo siento –la verdad que no lo siento en absoluto– por todos aquellos que esperan de él la gran novela sobre la Guerra Civil o sobre la Transición."

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Sobre Levrero

Así dio la noticia de su muerte el diario Brecha. Fuente: librosdemanda.com

Mauro Libertella reseña en "Radar Libros" el libro del uruguayo Mario Levrero Dejen todo en mis manos, editado por Mondadori. "Resignación y perseverancia" son las dos palabras, aparentemente contradictorias, que resume la poética de Levrero según Libertella.

Dice la reseña: "Si alguien nos pidiera dos palabras que resuman la poética de Levrero, diríamos, en un intento imposible: resignación y perseverancia. Sí, tal vez suenan contradictorias, pero los libros de Levrero parecen jugar, de distintas maneras, con la idea de que todo está perdido, pero igual, o justamente por eso, hay que seguir. Y no importa el final –que en Dejen todo en mis manos es algo predecible–, porque lo que sustenta su literatura es la aceptación de un pesimismo que, de tan arraigado, impulsa que las cosas avancen. Todo está mal pero debe seguir, sería una frase posible. Otra atmósfera que rodea y define los libros de Levrero es la de la intimidad y lo cotidiano. Una intimidad obsesiva, repetitiva, neurótica. Por eso la literatura del uruguayo es altamente subjetiva, marcada por una voz bien personal, y muchos lectores han manifestado la sensación siempre alucinante de que, al leer sus libros, sienten que lo conocen. Por lo demás, Dejen todo en mis manos es un libro rápido, y en pocas páginas sucede de todo. La velocidad del libro, sin embargo, choca con la pesadez del personaje narrador (un rioplatense lento, parsimonioso) y le confiere al libro un extraño registro del discurrir de la trama. Es como si el libro se estuviera escribiendo al mismo tiempo que la acción sucede, unos segundos después o incluso unos segundos antes. Y el único lenguaje al que podía recurrir el narrador para armar este tipo de relato era a un lenguaje que no obstruya; una lengua despojada que no esté por arriba de la trama. O, en otras palabras, el lenguaje de Levrero.

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Michel Tournier

Michel Tournier. Fuente: dvdtoile

Me gusta cuando la palabra "artesano" se cruza con la palabra "escritor". En el suplemento Laberinto del diario mexicano Milenio aparece una nota sobre el escritor francés Michel Tournier (autor de la fantástica novela El Rey de los Alisos) y los comienzos de su oficio como traductor. Muy interesante.
Dice la nota: "Con desgana y algo de fastidio, llevaba a cabo los encargos editoriales, ignorando que el quehacer de traductor iba a germinar una destreza narrativa que, años más tarde, lo convertiría en un esteta, en un escritor de plenitudes. El oficio, entonces, se forjó a través del instinto y la paciencia, porque como escribiría décadas después, “el traductor sólo es la mitad del escritor, lo que hay en el escritor de más humildemente artesano. Haciendo traducciones, el aprendiz de escritor no solamente adquiere el dominio de su propia lengua, aprende también la paciencia, ciertamente, el esfuerzo ingrato llevado a cabo concienzudamente, sin esperanzas de dinero, ni de gloria. Es una escuela de virtud literaria”.Quizá es por ello que en vez de traductor, Tournier se transfiguró en un médium. Después de una serie de experimentos para concebir el tono y el temperamento de los autores extranjeros, descubrió la fórmula perfecta para reproducirlos en su lengua nativa. El proceso consistió en buscar a un narrador francés que tuviera una afinidad, incluso lejana, con el prosista que debía de transcribir. Entonces se impregnaba del artista paralelo antes de ponerse a trabajar, esforzándose para poner al extranjero no sólo en francés, sino en Flaubert, en Balzac, en Maupassant o en Renan".

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Recuerdo de Grace Paley

Grace Paley leyendo sus obras en Brooklyn. Fuente: bookishlove

La narradora argentina Luisa Valenzuela recuerda a dos compañeras de ruta, lamentablemente muertas recientemente: la antropóloga Carol Feldman y la escritora Grace Paley. La nota aparece en el suplemento ADN Cultura.

Así recuerda Valenzuela a Paley: "Había conocido a Grace Paley allá por el año 72, cuando el Fondo Nacional de las Artes me otorgó una beca para investigar la literatura norteamericana. El tema era fijo, mi único juego de cintura fue la posibilidad de encararlo a mi antojo. Elegí centrarme en las literaturas marginales, y dadas las ya entonces fuertes presiones del mercado, los cuentistas me parecieron dignos de estudio, junto con los escritores en spanglish . Me centré en dos nombres entonces casi secretos, pero que iban camino a convertirse en figuras de culto: Donald Barthelme y Grace Paley. No sé dónde estarán esos textos, no recuerdo casi nada de las entrevistas, pero la amistad con Grace perduró a lo largo de años y de ausencias porque ella, como Carol Feldman, supo ser especialista en su cultivo a la distancia, y en cada reencuentro era como si nunca nos hubiéramos dejado de ver. Con Grace compartimos unos días en Jerusalén, durante un congreso de escritoras. Allí pude admirarla en todo su esplendor cuando desde su escaso metro cincuenta defendía como fiera y con enorme sonrisa los principios feministas contra miembros de un kibbutz que se la querían comer viva. Así era Grace, más allá de sus libros. O mejor dicho, junto a ellos, porque su activismo y su literatura formaban un solo bloque. De esa misma pasta indómita era también Carol Feldman. Ahora que lo pienso, había un extraño parecido físico entre ambas, si bien Carol era mucho más joven. Pequeñitas y de insospechada fuerza, de enruladas melenas canosas que desafiaban el peine, sostenidas por una pasión que las volvía enormes. Y enormes siguen siendo, porque su amor por los otros y su lucha por despertar conciencias perduran en sus publicaciones y en todos sus discípulos. "Escribimos porque el mundo es un lugar frío. Alguien debe calentarlo", decía Grace Paley. Seres como ella y Carol Feldman nos lo hicieron y hacen más habitable. "

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Volpi en Argentina

Jorge Volpi. Fuente: noticias gipuzkoa

Jorge Volpi se encuentra en Argentina para presentar su última novela, No serás la tierra, editada por Alfaguara. Con tal motivo, aparece hoy una entrevista en el diario Clarín titulada: "Nace el intelectual que no se asume como vanguardia social". Por otra parte, en el ADN Cultura se publica un estupendo artículo titulado: "Informe sobre Falsarios" donde se refiere con la ironía que usa siempre en sus novelas (que puede desconcertar a quien no las ha leído) a los escritores-escorpiones y en especial a su veneno, tan contagioso y por ello mismo, peligroso para una especie humana que cree tener todas las respuestas.

Dice a Clarín sobre la literatura hispanoamericana: "Yo decía que existe el eligro de que se acabe la literatura latinoamericana, en el sentido de que compartimos el mismo idioma, pero muy pocos lectores y escritores latinoamericanos están al tanto de lo que están haciendo sus colegas. Es algo típico de la globalización: es muy fácil tener la información que surge del centro o de los centros, en este caso el mundo de habla inglesa y de España, mientras que es muy difícil el contacto entre periferias."

Mientras tanto, en un Informe sobre Falsarios, dice: "Cómo surgieron estas bestias, cómo evolucionó su especie, cómo llegaron a multiplicarse a escala geométrica? Difícil responderlo. Las leyendas abundan y nuestros especialistas aún no han sido capaces de capturar un solo ejemplar vivo. Una misión proclamó hace tiempo su éxito: el individuo -un embustero de amplia fama- llegó hasta el laboratorio pero no resistió ni dos minutos la densidad de nuestra atmósfera: como marcan los procedimientos, hubo que devolver su cadáver a la Tierra. ¿Por qué hacen lo que hacen? ¿Qué impulsa a una raza inteligente a dotarse de falsedades cotidianas, a tramar historias inconcebibles, a regodearse en las mentiras? ¿Y por qué alguien querría consagrar sus días a tan estúpida tarea? A nosotros nos cuesta imaginar lo que sería vivir maquinando fantasías con el único deseo de contaminar al mayor número posible de personas. La modestia no es uno de sus rasgos: los infames se piensan elegidos, creen que sus ideas deben contaminar mente tras mente y no dudan en llamarse "geniales". ¿Cuál es su provecho? ¿Qué buscan, por qué perseveran con sus densas artimañas? Los autores del informe incluyen una casuística tan amplia que resulta inútil. Unos lo hacen por dinero -debilidad humana-, pero otros se creen instrumentos de los dioses, defensores del "arte" o la "poesía", o son solitarios incurables: sujetos que no toleran el azar que gobierna las estrellas y buscan sustituirlo con el orden natural sus patrañas. Los humanos poseen millares de gigantescos receptáculos, densos panales donde se acumula la escoria producida por aquéllos: otros se introducen en sus celdas, fagocitan sus odiosos huevecillos y se contaminan para siempre. Nada detiene su ambición o su certeza: se piensan cimas del proceso evolutivo, héroes que subvierten las reglas físicas más elementales. Para ellos no existen límites de tiempo ni de espacio, se pasean con desfachatez por las sombras y el futuro, desafían las fronteras y se ufanan encarnando multitudes. Cuando se sienten en peligro, se fingen locos -enfermos involuntarios- o de plano acaban espectacularmente con su suerte. Y entonces el resto de los humanos los venera, les consagra mausoleos y les confía la inmortalidad sólo por acomodar bien que mal unas cuantas frases y palabras. "

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Bonus Track

No heroics, please, un bonus track infaltable de Carver. Fuente: amazon

En su columna de La Revista de Libros, Alberto Fuguet habla sobre los "bonus track", esos textos de ciertos autores que parecen ser obras menores, que deberían empalidecer frente a su obra principal y tener sentido sólo para los fanáticos o gruppies, y sin embargo amenazan con perdurar más que los textos vertebrales. Entre los libros que menciona está Prosas apátridas, de Julio Ramón Ribeyro, de quien cita un fragmento.

Dice Fuguet: "Revisando mi biblioteca capto que muchos de mis libros favoritos son, en rigor, Bonus Tracks: desde El derrumbe de Scott Fitzgerald, a No Heroics, Please de Carver. Tal como se titula la nueva publicación de Truman Capote, el leer cartas de escritores (algo que terminó con los e-mails) puede ser un placer fugaz. Ahí tenemos las cartas de Octavio Paz, de Naipaul, del propio Kafka a su padre. Manuel Puig murió muy joven, pero los dos recientes volúmenes de sus cartas (Querida familia) sólo pueden ser entendidos como la más extendida de sus novelas. Una novela tan, tan Puig que a veces casi parece una parodia. Prefiero y digiero mejor los ensayos de Kundera que sus novelas. Esto me ha pasado con muchos escritores jóvenes norteamericanos: no he podido leer su inflada (meta) ficción y me he quedado con gusto a poco con ciertas rarezas o pequeñeces de Rick Moody, David Foster Wallace, Jonathan Lethem y Jonathan Franzen (Cómo estar solo perfectamente podría ser leído como un notable libro de cuentos). ¿Cómo se clasifica esa elegía llamada Mi madre: in memoriam, de Richard Ford?Donde realmente el término Bonus Track se aplica es en un libro como Borges, de Bioy Casares. No sólo queda claro que tenía muchas páginas guardadas sino que este explosivo, maldadoso e interminable libro sobre una amistad literaria corre el riesgo de transformarse en uno de los textos más importantes de Bioy. Tal como le sucedió a Cheever con sus Diarios. A veces aquello que te sobró, que no quisiste publicar, que se te fue, es aquello por lo cual te van a recordar."

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Auster decepciona

Paul Auster besa a Sophie. Fuente: el mundo

Se presentó en el Festival de Cine de San Sebastián la película de Paul Auster La vida interior de Martín Frost. Y al parecer, las reacciones no han sido buenas. Era obvio, después de la enorme expectativa creada por la película, que la crítica tome distancias. Como sea, yo la veré. No sólo porque es una película sobre escritores, una película hecha además por mi ídolo Paul sino por la hermosa Sophie. Definitivamente, me gusta esa familia.

Dice la nota: "Auster explica 'La vida interior de Martin Frost' como "una historia acerca de un hombre que escribe una historia acerca de un hombre que escribe una historia... y la historia dentro de la historia". Una trama laberíntica -que no terminó de agradar a la crítica- donde un escritor, encerrado en una casa alejada del mundo, se despierta un día al lado de una misteriosa mujer de quien no sabe nada y a la que acaba amando terriblemente, sin darse cuenta de que ella es la musa de su relato, que irá desfalleciendo a medida que éste concluya. Todas las constantes de la literatura de Auster se plasman en este su segundo largometraje como director en solitario, tras 'Lulu on the Bridge', en 1988; realizada tres años después de prestar su guión a Wayne Wag para rodar la premiada 'Smoke', en 1995; y luego, además de escribir el guión, codirigir con Wang 'Blue in the face'. "He querido plasmar un enfoque poético sobre el proceso creativo", dijo Auster a la prensa tras la proyección, donde explicó que el guión fue escrito en 1999 y concebido como "una pequeña obra de cámara". Al igual que en su literatura, Auster combina escenas dramáticas con golpes de humor y así, mientras a la pareja protagonista, David Thewlis e Iréne Jacob les corresponde el tono dramático, son su hija, la actriz y cantante Sophie Auster, y el actor Michael Imperioli, los encargados de aportar la carga humorística. "Muestro cómo piensa un escritor y aunque realmente no ocurre nada, los acontecimientos son cada vez más absurdos", cuenta Auster, quien se encarga de poner su voz en off en la narración, y que desvela que, finalmente, "todo sucede en la mente del autor". De ahí el título, 'La vida íntima de Martin Frost', un personaje al que usa para "examinar el amor y la pasión".

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Kozer en Chile

José Kozer. Fuente: lahabanaelegante

Cuando estaba en la universidad, el nombre del poeta cubano José Kozer era una suerte de código secreto para diferenciar en los talleres de poesía quiénes estaban enterados de algo y quiénes no sabían nada. Absoluta arbitrariedad de adolescentes, obvio, pero de todos modos Kózer era un buen nombre para dejar caer en una conversación. Para quienes siguen la pista del poeta les dejo aquí esta nota en la "Revista de Libros" de El Mercurio.

Dice la nota: "En 1990, un editor de Islas Canarias publicó Donde oscilan los seres en sus proporciones, del poeta cubano José Kozer. Pero el libro en realidad nunca circuló, ya que se inundaron las bodegas donde estaban almacenados los ejemplares. Por eso que la nueva edición que sacará Ediciones del Temple equivale, en la práctica, a la publicación de un inédito. Merecido regalo para este sello chileno que cumple diez años, y que los celebrará con el lanzamiento de este libro de poemas, el próximo viernes 28 de septiembre, a las 19.30 horas, en El Observatorio de Lastarria (Villavicencio 395). A la presentación, a cargo de Armando Roa y Andrés Ajens, asistirá José Kozer, invitado a Chile como escritor residente por la Universidad del Desarrollo. "El poeta neobarroco más importante después del fallecido Néstor Perlongher", al decir de David Bustos (Premio Municipal de Poesía 2007)."

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El padre de Sherlock

Carátula de la novela. Fuente: editorial anagrama

No estoy seguro de si este artículo de Peter Elmore, publicado en El Dominical, es de la semana pasado o de este semana. Pero en todo caso, lo dejo aquí porque es una lectura inteligente de una novela estupenda que no dejo de recomendar: Arthur & George de Julian Barnes.

Dice la reseña: "En Arthur & George, la historia se despliega a través de un metódico narrador omnisciente. Su tono sobrio y su escrupulosa dicción sugieren el ideal de estilo que primó en el siglo XIX británico, pero una impostación sutil de la voz narrativa delata que el horizonte moral e histórico de Julian Barnes no es el de la época en la que sitúa la trama. Por su parte, el Conan Doyle de Arthur & George no se distancia de su tiempo. Así, por ejemplo, sus ímpetus de reformador o su interés en el espiritismo se reconcilian fácilmente con la pasión por el cambio y el deseo de controlar lo desconocido que caracterizan al progresismo decimonónico. Más aún, si Barnes modula y moldea su relación con Conan Doyle, de modo que el autor contemporáneo no se proyecta en el autor del siglo XIX, lo mismo no le sucede al padre de Sherlock Holmes con su vástago literario. Algunos de los pasajes más penetrantes de Arthur &George son, precisamente, los que examinan el enredado cordón umbilical que ata a Conan Doyle con su detective: "A Sir Arthur lo había influído demasiado su propia creación", piensa Edalji, después de que Conan Doyle cree haber descubierto (de modo verosímil, pero no infalible) quién fue el autor de los anónimos y las mutilaciones. Es la observación más aguda de un personaje que, literal y figuradamente, rara vez ve con claridad. Erudita y amena, la escritura de Julian Barnes no es menos brillante en Arthur & George que en El loro de Flaubert, la otra cima de una obra narrativa y ensayística a la que distinguen la curiosidad intelectual, la ironía inteligente y la voluntad de explorar los modos en que conocemos (o creemos conocer) la verdad de los hechos y el sentido de la existencia.

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Adam Zagajewski

9.22.2007
Adam Zagajewski. Fuente: goest.de

Uno de los libros que conseguí en ese furtivo viaje madrileño fue En la belleza ajena, del polaco Adam Zagajewski, editado por Pre-Textos. Aún no he tenido tiempo para leerlo, pero le he dado una ojeada antes de escribir esto y estoy absolutamente seducido. Lo separaré para un momento especial. Por lo pronto, les dejo la reseña de Luis Antonio de Villena que apareció hoy en Babelia sobre una nueva antología de su obra poética, esta vez por El Acantilado, y que lleva el título encantador de Antenas.

Dice la reseña: " Especialistas aparte, ocurre lo de siempre: los poetas extranjeros nos suelen llegar tarde, sino post mórtem, a no ser que medie algún evento de resonancia mundial, como el Nobel. De ahí lo novedoso -en el ámbito polaco- del caso de Adam Zagajewski (nacido en 1945), traducido y conocido entre nosotros desde hace tres o cuatro años a través de las ediciones de Pre-Textos y Acantilado. Quizás el haber sido un exiliado del régimen comunista -desde 1982 vivió fuera de Polonia, adonde regresó en 2002, al menos de visita- sea un factor que contribuya a esa universalidad. Su patria se cerraba pero se abría lo demás (...) En su concepción la poesía nos salva los momentos mejores, por lo que los libros de Zagajewski suelen tener algo de dietario: viajes, encuentros, pensamientos, recuerdos, todo ello se nos da en un tono coloquialmente culto, que busca la sorpresa y el pensamiento lírico, pero que no desdeña la cotidianeidad, lo consuetudinario. Por ello su poesía puede ser de celebración y elegiaca a un tiempo, o detenerse tanto en una memoria como en un momento de amor. Antenas, su libro más reciente (aquí se incluye además una antología de su libro anterior, Regreso, centrado en su retorno a Polonia), puede ir desde la bella yuxtaposición de imágenes de Antenas en la lluvia hasta, por dos veces, la evocación de El viejo Marx o un análisis de Siracusa, la ciudad siciliana, y una evocación -casi una oda- de las Grandes naves, bajeles o transatlánticos que surcaron el mar y que nos suenan a mito o leyenda. El mejor Zagajewski se acerca al cántico o al apunte atinado, fino. El menos conseguido (es lo normal en esta estética de lo inmediato) suele parecer la nota de un diario, mera remembranza. Pero la idea subyacente de salvar la vida, reviviendo en el poema lo más fértil de ella, sin descuidar el arte, no da malos resultados, como saben algunos poetas españoles de ahora mismo no muy lejanos a ese estilo. (Zurbarán, por ejemplo, es uno de los meros poemas-apunte). "La vida normal ansía", concluye otro poema. Sin duda el "resplandor" en que lo puede transformar la poesía..."

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Sergio Pitol anuncia novela

Sergio Pitol. Fuente: este país

El extraordinario escritor mexicano Sergio Pitol, ganador del premio Cervantes, luego de varios años dedicado a la llamada "literatura de autoficción", ahora anuncia que prepara una nueva novela. Así lo cuenta el diario "Milenio" de México. Dice que está muy adelantado, que no puede decir nada pero cree que le está saliendo bien, y ya tiene título: El premio de las mujeres.

Dice la nota: "Sergio Pitol Demeneghi, reveló que el ícono de la mujer envuelve su inspiración para este libro, del que no quizo adelantar más detalles, solo que “va perfecto, todavía no se puede decir, pero creo que me estaba saliendo bien”.

Además, se menciona el reciente libro Victorio Ferri se hizo mago en Viena de Daniel Medina sobre la obra de Pitol: "Al hablar del libro “Victorio Ferri se hizo mago en Viena”, de Daniel Medina, que habla de su vida y obra, el cual fue presentado en la Feria Internacional de Libro Universitario, que se lleva a cabo del 22 al 30 de septiembre aquí, afirmó que se trata de un trabajo “bellísimo”. En él se encuentra un compendió de traducciones, participaciones de grandes escritores amigos suyos como el español Enrique Vila Matas y los mexicanos Margo Glantz, Carlos Monsiváis, Juan Villoro y Agustín del Moral. En el volúmen se hace ver a Pitol (1933) como un mago que desde Viena, Austria, encantó a miles de lectores con sus grandes obras literarias. También habla de su tránsito por Europa, donde vivió en Praga, Belgrado, Varsovia, Roma, París, Budapest, Moscú y Barcelona, asi como en Pekín, China. Ciudades en las que desplegó, además, un trabajo diplomático. El volumen compila, asimismo, 50 fotografías que documenta su vida y reflexiones de unos 12 grandes críticos de literatura y escritores de todo el mundo."

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Daniel Alarcón

Daniel Alarcón firmando autógrafos en Berkeley. Fuente: universidad de california

Daniel Alarcón, cuya novela Radio Ciudad Perdida apareceré dentro de unas semanas en España, aparece dos veces hoy en el suplemento Babelia de El País. En primer lugar, es entrevistado por Winston Manrique sobre la novela en una nota titulada dramáticamente: "Antes la gente desaparecía por problemas políticos y ahora, por motivos económicos". Y en segundo lugar, Ernesto Ayala-Dip hace una reseña de Radio Ciudad Perdida, que como se sabe fue editada por Alfaguara.

Sostiene Daniel en la entrevista: "No quise escribir una novela con ideologías o de las políticas fallidas que acaban estallando en una guerra. Estos libros ya se han escrito. Para mi generación las ideologías tienen menos vigencia y queremos gobiernos no corruptos que se ocupen de la gente y sus problemas y necesidades. Lo que uno nota cuando habla con la gente de Perú es que sus recuerdos son terribles. Quise escribir ese tipo de novela que llevaba lo político a un escenario familiar, a un ámbito más privado. Originalmente eso es lo que hace un novelista, yo no estoy escribiendo ni teoría política ni análisis sociológico; escribo una novela y mi intención es conmover, no llegar a la gente con doctrinas o dogmas"

Sobre sus influencias, reclama: "Los textos que más me han influido no son peruanos o latinoamericanos; mi herencia literaria es rusa. No tengo clara una posición al respecto. Tuve la suerte de que no me inculcaron una idea rígida de lo que es una nación. Los escritores, como cualquier creador, se nutren de diversas fuentes y esperan llegar a todos."

Mientras tanto, Ernesto Ayala-Dip explica en su reseña: "Así que con estos datos también podemos afirmar que esta novela es susceptible de interpretación política. Pero no a la manera en que en Europa suele concebirse dicha cuestión (no a la manera en que el imaginario progresista ha interpretado, con toda la buena intención, algunos periodos trágicos). Tampoco a la manera en que definió en 1969 Carlos Fuentes el concepto de compromiso en la ficción en los países americanos en La nueva novela hispanoamericana. Lo que Alarcón pone sobre el tapete no es nada más ni nada menos que el maniqueísmo con que se ha solventado una cuestión en la que todas las partes han intervenido con el mismo grado de responsabilidad moral, política y criminal. Daniel Alarcón ha escrito una novela comprometida. Sin duda. Pero alejada de ese criterio del compromiso político según el cual los culpables son tan evidentes que no hace falta investigar por si hubiera otros que también lo fueron. Para esta operación, es decir para cambiar de paradigma ético e ideológico, Alarcón llevó a cabo su empresa con una sorprendente madurez narrativa. Representó una tragedia colectiva sin orillar la pena individual. No blandió las típicas siluetas novelísticas tras las cuales se solía representar a los culpables y a los inocentes. Tampoco hizo caso de la llamada fácil a la blandenguería estilística que el material con el que trabajaba podía conducirlo (...) Hablemos de la escritura. Radio Ciudad Perdida fue escrita en inglés. Comprensible en alguien que llegó a Estados Unidos a los tres años. Sin embargo, la novela apenas acusa la versión. El texto parece haberse acabado en la mesa del traductor. Y eso se agradece, así la novela de Alarcón mantiene vivo el espíritu lingüístico original con que, no nos cabe ninguna duda, fue concebida.

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Daniel Link en Mérida

Daniel Link postea desde Mérida. Fuente: dialógica

Como dije antes, Daniel Link está en la bienal de Mérida y aunque acepta que es imposible escribir algo sobre ella después de El Congreso de Literatura de César Aira, de alguna de sus andanzas nos enteramos por su blog "Linkillo". Dice, por ejemplo: "Mérida es, para mí, como Córdoba, lo que no es poco decir: postales superpuestas. Anoche, la fiesta se extendió hasta las 4 de la madrugada. Fue una vil estrategia de Bellatin, ese monstruo, para mermar mi audiencia de esta mañana". La ponencia del día siguiente, que Bellatin no pudo frustrar, debía ser, según pedido expreso de los organizadores: "Una ponencia donde exprese sus puntos de vista en torno al impacto que los Premios Herralde y la reciente designación de los 39 mejores escritores hispanoamericanos menores de 39 años tienen en la difusión de la literatura hispanoamericana en el contexto de la lengua". ¡Qué tal pedido! ¡Pobre Link! Felizmente, en este enlace coloca la ponencia para que podamos leer cómo salió, con gran estilo, airoso del encargo. Y me alegra que en ella, además de Aira, se levanta imponente y central en nuestra literatura contemporánea la presencia de Mario Bellatin, ese monstruo.

Dice sobre Bogotá39: "Hay diferencias entre la constelación propuesta por Ladagga [autor de Espectáculos de realidad. Ensayo sobre la narrativa latinoamericana de las últimas dos décadas] y la que propusieron los tres jurados colombianos (Piedad Bonnett, Héctor Abad Faciolince y Óscar Collazos) que eligieron el grupo de 39: la primera es etaria (ninguno de los que considera Ladagga como fundamentales en su pespectiva tiene menos de cuarenta años), la segunda es conceptual: no sabemos a qué aspira la literatura que definen el grupo de los 39. Yo, que conozco algunos de los nombres propios incluidos en esa lista (pero otros no), podría reconocer razonablemente a los autores chilenos allí incluidos (Álvaro Bisama y Alejandro Zambra) como participando de la contemporaneidad que puede deducirse del libro de Ladagga, pero en cambio, no podría decir lo mismo de los argentinos Gonzalo Garcés, Pedro Mairal y Andrés Neuman, de cuyas obras no puedo formular una sóla crítica, pero que carecen de toda posibilidad y todo deseo de colocación en relación con nuestro presente (quiero decir: el presente estético que Laddaga define limpiamente para nosotros, con nosotros). Tampoco encuentro en la nómina colombiana a un escritor mexicano menor de 39 cuya obra sigo con impaciencia, Epigmenio León (también conocido como Nicoménicus) Pero no importa si el grupo de Bogotá es verdaderamente representativo o no (yo carezco de elementos para un juicio semejante). Lo que importa es que sería imposible definir, a partir de ese mero conjunto de nombres, hacia dónde va la literatura latinoamericana, salvo en un dato esencial: va hacia la latinoamericanización, entendida como la unidad no sintética de sus contradicciones, una excentricidad (una elipse con dos centros lingüísticos, un territorio descentrado y que, por eso mismo, ya no puede ser pensado como periférico).

Sobre los premios Herralde dice: "Si los premios que otorgan las grandes editoriales forman al mismo tiempo parte de su dispositivo de exploración de las tendencias actuales de una(s) literatura(s) y de su dispositivo de mercadotecnia (es decir: una estrategia completa de formación de público), el análisis de los nombres incluidos en la colección “Narativas hispánicas” revela la presencia de aquéllos nombres que Ladagga consideraba centrales en su análisis del presente latinoamericano (al menos, los hispanoparlantes): Mario Bellatin y César Aira. Lo curioso es que esos escritores no fueron ni ganadores ni finalistas del Premio Herralde, sino que llegan al catálogo de Anagrama por otras vías: son el resultado de la colisión entre las singulares políticas de publicación de esos dos autores y los intereses de editorial Anagrama: el conflicto entre lo global y lo local resuelto en forma de libro".

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Javier Marías publica

Javier Marías. Foto: Jordi Socías. Fuente: El País

Cuando estaba en la FNAC de Madrid hace una semanas, junto a Marcos Giralt Torrente, buscando los dvd en oferta (no más de 14 euros por dvd, decidí, y no fue fácil), vi que a Marcos se le acercaba un hombre muy bajo que me daba la espalda. Seguí en lo mío y mientras esperaba a pagar el insuficiente botín me comentó que aquel hombre era Javier Marías. ¿Cómo? ¿No que Marías era un madrileño invisible? Lo es si uno quiere encontrárselo en un bar o en la presentación de un libro, pero al parecer no deja de ir a la FNAC a ver si encuentra alguna nueva película (seguro sin fijarse, ay, en el precio como uno) pues es un compulsivo cinéfilo. Me gusta tanto la anécdota de un Marías huraño comprando dvds y escurriéndose para verlos en su casa (no sé a quién me recuerda) que casi, casi, estoy tentado a darle una nueva oportunidad a la trilogía Tu rostro mañana que este lunes se cierra en España (y en Octubre en Hispanoamérica) con la publicación del último tomo: 'Veneno y sombra y adiós'. Vamos a ver si me animo. Al respecto lo entrevista Juan Cruz para El País.

En la entrevista habla del protagonista, Jacobo Deza: " Jacobo, en realidad, nació hace dieciocho años. Es el narrador de Todas las almas. Y aunque esta última novela se puede leer independientemente de Todas las almas, no deja de ser el mismo personaje con muchos más años. ¿El chispazo? Ésta es una cuestión delicada; hace algunos años no hubiera podido abordarla en público porque una de las personas claves de la historia vivía aún, era sir Peter Russell. Un gran amigo mío. Era profesor, catedrático, un gran hispanista de la Universidad de Oxford. Y aunque a él no le gustaba hablar de eso, trabajó para el servicio secreto durante la guerra. Y la verdad es que tengo conocimiento directo, de primera mano, de algunas cosas relacionadas con el servicio secreto inglés. Recuerdo que sir Peter Russell decía que nunca contaría en vida nada de lo que había hecho o dejado de hacer porque no estaba dispuesto a ser pasto de dominicales. ¡Y aquí estoy, hablando de eso para un dominical! Además me dijo, y eso está reflejado en la novela, en el personaje que le corresponde, que oficialmente no tenía autorización para contar lo que había hecho setenta años atrás. Evidentemente, a partir de estos datos que conozco se produce una fabulación por mi parte. Y luego hay otro elemento que, en mis últimas seis novelas, aparece constantemente, y es un narrador que ha renunciado a su propia voz. Es un intérprete de vidas, un espía que tiene una cierta facultad para saber qué se puede esperar de las personas, sobre todo de las más cercanas, que son las que más daño nos pueden hacer."

También declara: "(...) la primera frase del primer volumen [dice]: "¿No debería uno contar nunca nada?" Y a medida que avanzó el libro me fui dando cuenta de que en él hablaba de todo, como en éste. Es lo que yo decía: la ambición del libro la va imponiendo el propio libro, mientras se hace. Me di cuenta de que es un libro que aspira a hablar de todo. Se habla de la guerra, de los tiempos de paz, de la violencia de género, del miedo, del Estado, y del patriotismo, si me apura. También es una novela amorosa, sobre la añoranza, sobre la culpa. Y fue haciéndose así, tal como se lee. Yo no trabajo con ordenador. Todo lo que hay está en mi cabeza. Hay algunas citas, de Eliot, de Rilke, que funcionan como un fondo musical; ésas no me las sabía, había que buscarlas, me di cuenta de que mi memoria no daba tanto de sí."

Y sobre cómo se siente con respecto a España hoy dice: "Yo no me siento muy cómodo en este país. Me he sentido un poco extranjero, como si fuera un falso español, y yo nací en Chamberí. De niño viví en Estados Unidos, pero siempre me he sentido un poco ajeno. A veces me desespero. Hay una mala leche excesiva, una saña, una zafiedad. Hay a menudo una especie de odio a lo inteligente, y a lo reflexionado, y a lo sentido. Hay una difícil aceptación de lo distinto. Ahora, por ejemplo, me he quedado un poco estupefacto: ha muerto un futbolista, Antonio Puerta, muy joven; una muerte terrible, está claro, todos estamos de acuerdo. Pero que los telediarios abran con esa noticia un día, y otro, y otro; que se haya criticado al Barcelona porque ha sido el único equipo normal, que se ha puesto el uniforme del luto, pero que no haya cancelado el partido? Hay una especie de mandamiento: alguien dice "esto tiene que ser así", y todo el mundo a cumplir. Éste es un país con una enorme vocación totalitaria, que todo sea como alguien quiere que sea."


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Poniatowska y los ricos

Elena Poniatowska. Fuente: talcualdigital

En Página12, Silvina Freira entrevista a la reciente ganadora del premio Rómulo Gallegos, Elena Poniatowska. Y aunque no dice nada sobre sus coqueterías chavistas, no es necesario porque la demagogia de Elenita está marcada desde el título de la nota: "Los ricos siempre tienen quien escriba su biografía". Ella debe saber bien lo que dice porque, de no haber mediado inconvenientes, su padre hubiera sido Rey de Polonia y ella su ilustre heredera. Por cierto, hablando de realeza y amanuenses: ¿Sabrá Elena que a su admirado Hugo Chávez (según me enteré en el blog de Linkillo) lo llaman "El Emperador"?

Dice Poniatowska sobre su novela El tren pasa primero: "Los ricos siempre tienen amanuenses, tienen quienes escriban sus biografías, le pagan a un escritor más o menos bueno para que escriba sobre sus vidas. Pero sobre los héroes populares se escribe muy poco. Un día le pregunté a un estudiante si sabía quién era Demetrio Vallejo: “Ni idea”, me contestó despectivamente. Entonces pensé que no era justo ni con Vallejo ni conmigo misma. Yo tenía dos chicos chiquitos y había ido muchas veces a la cárcel a entrevistarlo y pensé que no podía tirar por la borda todo ese esfuerzo. Aunque para escribir la novela no utilicé mucho del material de las entrevistas, sobre todo esas partes en donde Vallejo echaba muchos de esos discursos de la vieja izquierda que para mí son soporíferos. Decidí escribir una novela sobre el movimiento ferrocarrilero, pero inventando la historia y los personajes con libertad."

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Agustín Fernández Mallo

Agustín Fernández Mallo. Fuente: infomania.com

El autor de Nocilla dream, el español Agustín Fernández Mallo, uno de los miembros más destacados de su generación, está en la bienal de Mérida para presentar su libro y desde ahí habla sobre la tradición literaria y su peso en los autores jóvenes. Para quienes no tienen idea del autor, hay que decir que su obra tuvo tanto éxito que ahora se califica como Generación Nocilla (una suerte de manjarblanco o dulce de leche que comían los niños españoles en los 70) a todos esos autores que, como los McOndos de los años 90 en Hispanoamérica (y que tan subestimados han sido por la crítica en España, en especial Alberto Fuguet, sin sospechar que una década después sus autores harían lo mismo), no temen integrar elementos pop, muchos de ellos norteamericanos, en su lenguaje y en sus referentes. En "El Comercio" aparece una nota al respecto:

Dice la nota: "Sorprende que, en medio de los debates en torno de la identidad de la literatura hispanoamericana que convoca el certamen literario venezolano, un autor como Fernández Mallo reivindique la literatura norteamericana, que --según él-- está a años luz de lo que se hace en Europa actualmente. Hasta el momento, Fernández Mallo había publicado varios poemarios, por lo que "Nocilla Dream" es su primera incursión en la narrativa. Sin embargo, el escritor español considera que esta novela es un poema extenso, "ya que participa de todo lo que considero el hálito poético", por lo que la entiende como un paso natural en su carrera como autor. "Como cuando tomas vino en la comida, se te termina el vino y comienzas a tomar un gin tonic", explica Fernández Mallo, quien ya tiene preparadas otras dos novelas, que publicará en el 2008 y que forman la trilogía Proyecto Nocilla. La crítica especializada ha destacado la frescura de "Nocilla Dream", una narración fuertemente influida por la música pop, el cine 'underground' norteamericano, la física y la televisión. "Lo que creo que he hecho, en definitiva, es abrir una puerta que estaba ahí. Y decir, señores, vamos a ver qué pasa. No tengamos miedo de investigar", dijo Fernández Mallo en una entrevista en Mérida, con motivo de su participación en la Bienal Picón Salas. "Me interesa mucho la literatura norteamericana. Los norteamericanos, como carecen de pasado, pueden experimentar más libremente, sin tener el prejuicio de decir 'cómo voy a poner a Borges a hablar con Bart Simpson'", argumentó el escritor español. "

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McLiam Wilson

9.21.2007
McLian Wilson en Argentina. Foto: Hernán Zenteno. Fuente: La Nación.

McLiam Wilson es el nombre de un autor británico, nacido en Irlanda del Norte, seleccionado por Granta entre los Mejores Novelistas Británicos de la década, quien acaba de ver traducida su novela Eureka street por la editorial Tusquets. Wilson llegó a Buenos Aires invitado a una conferencia en el Malba y ahí lo atrapó Susana Reinoso quien se ha visto indudablemente seducida por el autor, a quien califica de "agradable, guapo y con un sentido del humor que honra en su narrativa". Apenas llegue a Lima la novela le echaré una ojeada, a ver si es tan guapo, digo tan buen escritor, como dice Susana. La nota es del diario La Nación.

Wilson se refiere a Belfast, la ciudad protagónica de su novela satírica: "Solía pensar que cuanto más lejos estaba de un lugar mejor podía escribir sobre él. Sobre Belfast yo lo hice en una forma muy sentimental y romántica, pero también como una forma de condena. No creo que hubiera podido escribir Eureka Street fuera de Belfast, porque es una novela muy social, con formas muy típicas de hablar en los personajes y era necesario llenarse de las cosas que la gente frecuentaba. Fui llevando un diario de la ciudad, hasta que me retiré al campo a darle forma. Allí nació Belfast como personaje, y dejó de ser una ciudad".

Por otra parte, el autor se define como un escritor visual. "Creo que mi vista funciona, confio en ese sentido. Para mí relatar lo que veo es algo muy simple de hacer. Soy bastante tonto, no sé mucho de nada. Si escribo lo que veo, soy sincero. Y muchos de los escritores que me gustan hacen lo mismo: escriben sobre lo que ven y lo que oyen. Pero aún así, memoria e imaginación juegan un rol. Y también es cierto que uno escribe sobre lo que lee. Uno siempre es más lector que escritor. Porque he leído miles de libros pero sólo he escrito cuatro. Todos esos libros se agolpan en mi mente cuando escribo. Es una sensación muy linda, como si estuvieras en un club".

También habla de su conocimiento de la literatura del idioma: "[leyó a] los más importantes autores hispanoamericanos. Borges, por ejemplo, está muy bien traducido. La novela mas importante del mundo está escrita en español. Y se mantuvo viva gracias a los ingleses durante más de cien años. El Quijote es completamente dominante en la narrativa moderna".

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Ariel Magnus premiado

El premiado Ariel Magnus. Fuente: Página12

Poco a poco, sin demasiada bulla, el Premio Internacional de Novela La otra orilla de la editorial Norma va ganando prestigio. Ojalá siga adelante, porque Norma es una editorial sumamente curiosa y errática, que ha tenido bastantes colaboradores de talento y distintos giros en su vida editorial, como lo prueba su catálogo en el cual se pueden encontrar joyas un poco extravidas, como Marca de agua de Joseph Brodsky, los cuentos de La punta de Charles D´Ambrosio, las obras de Bufalino (incluyendo su pensamientos malpensantes) y un no tan largo, pero sí atractivo, etc. Los dos ganadores anteriores del premio (el español Marco Schwartz y el argentino Horacio Vásquez Rial) pasaron un poco desapercibidos, injustamente según acotan quienes han leído las obras ganadoras. Esta vez el jurado tan disímil (Santiago Gamboa, la española Nuria Amat y César Aira) escogió como ganador de los 30mil dólares al argentino Ariel Magnus por una novela titulada Un chino en bicicleta. Les dejo la nota en Clarín y en Página12. Espero tener la novela para leerla. Es una promesa (ya adelanté, además, que últimamente estoy bastante gruppie de los referentes chinos).

En "Clarín" encontramos un resumen de la novela: "Se trata de una novela disparatada en la que se suceden predicciones apocalípticas, fuegos artificiales y una gran mayoría de chinos que no andan en bicicleta. Un chino en bicicleta cuenta la historia de Ramiro Valestra, un joven porteño que es secuestrado por un tal Li, presunto pirómano, después de declarar como testigo en el juicio que lo condenó por haber incendiado once locales de la ciudad. A partir de ahí, se inicia un forzado exilio hacia el interior del barrio chino. Desde Colombia, el ganador recordaba ayer el llamado con el que le avisaron del premio. "La señora que me lo comunicó lo hizo con una bonita frase: 'Este es el llamado que más me gusta hacer en el año'. En mi caso fue uno de los que más gustaron (y me sorprendieron) en la vida". La novela, recuerda Magnus, se le apareció en el mismo lugar en que comienza la acción: en un baño. "Luego de escuchar cómo sentenciaban a (el pirómano de las mueblerías) Fosforito, me pregunté qué pasaría si de pronto él me secuestrara y me llevara al barrio chino para encontrar al verdadero culpable de los incendios de los locales".

Mientras tanto, en Página12 se lee: "Magnus señaló que la novela intenta encarar todos los clichés sobre los chinos, los buenos y los malos. “Es como un viaje a nuestra idea de la China, desde Lito Ming, el primer actor chino de Argentina, hasta los minimercados que supuestamente apagan las heladeras por la noche, pasando por algunas canciones para nenes con chinitos y chinitas, las enseñanzas de Confucio y Felices Juntos, el film de Won-Kar-Wai”, enumeró el escritor, que nació en Buenos Aires en 1975. El jurado no ahorró elogios para la novela. Gamboa subrayó el tono divertido, preciso y conmovedor de “la historia de una amistad en una Buenos Aires recién fundada para la literatura: la de su comunidad china”. Aira la definió como una “fábula de aprendizaje en la cual proliferan las aventuras, los chinos, y las mil caras de la más feliz de las pasiones argentinas: la amistad”."

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Ajoblanco en Mérida

Libro de José Ribas sobre los años 70 y Ajoblanco. Fuente: elcultural

La presencia del fundador de la mítica revista española Ajoblanco, José Ribas, en la bienal de Mérida no ha pasado despaercibida en los medios. Al parecer, al igual que para muchos escritores españoles con los que he conversado hace poco, la literatura hispanoamericana actual tiene para ellos una versatilidad y fuerza distinta a la española, lo que les llama la atención. ¿Se habrán dormido los escritores españoles actuales en sus laureles? ¿Se vienen los indios again?
Dice la nota: "El periodista y escritor español José Ribas, fundador de la revista Ajoblanco, destacó la “efervescencia” de América Latina en contraste con una Europa “anestesiada” durante la Bienal de Literatura Picón Salas, en Venezuela. Ajoblanco, una de las revistas míticas de la contracultura española de los años 70 y 80, estuvo en el mercado de 1974 a 1999 –con una interrupción de 1980 a 1984–, llegó a vender 120 mil ejemplares al mes y convocó a escritores como Quim Monzó, Luis Racionero y Jesús Ferrero. Ribas, que presentó en ese encuentro latinoamericano su libro de memorias Los 70 a destajo, señaló: “América bulle. Si puede aparecer algo nuevo, aparecerá en América Latina, en Africa”. “Europa está dormida, anestesiada por el consumismo, por el mercado”, manifestó el escritor barcelonés. “El motivo del libro era narrar la historia desde la gente que la protagonizó en la calle, y no desde la gente que la pactó, que es quien siempre ha escrito la transición española”, señaló Ribas, quien estuvo preparando el libro durante siete años en Cataluña. "

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Jeremías Gamboa entrevistado

Jeremías Gamboa hoy por partida doble. Fuente: Expreso.

El periodista y recién estrenado narrador Jeremías Gamboa, autor del libro de cuentos Punto de fuga (Alfaguara), ha sido entrevistado hoy por el diario Expreso y también en el diario El Comercio. Además, aprovecho la oportunidad para enlazar la página de opinión que el lunes Alonso Cueto escribió sobre los relatos de Jeremías.

Dice en "Expreso" sobre sus cuentos: "Creo que lo que escribo es sobre los pliegues de lo cotidiano que tienen la promesa de un sentido mayor. Por eso esas historias que veo, siento, vivo o leo me interesan como literatura en un momento. Hay cierta cotidianidad que me promete de manera intuitiva un sentido y eso, a lo que tú le llamas reflexión, se convierte en un cuento y, a veces, hay un asomo de lo sobrenatural. Es lo que me gusta del libro, no llega a ser fantástico. Es una especie de cotidianidad, de realismo, que algunos amigos míos han llamado delirante, como que la realidad se delira un poco."

Mientras tanto, en "El Comercio" destacan su oficio de periodista y su particular modo de asumir el realismo literario: "Gamboa, quien dejó el periodismo para seguir estudios de Literatura en la Universidad de Colorado, en Boulder, EE.UU., no ha olvidado sus obsesiones de reportero urbano al momento de contar historias. Más bien esta experiencia lo ha nutrido visiblemente: "Cuando era cronista de 'Somos', no sé por qué tenía una fascinación por lo esperpéntico. Recorría mucho la ciudad, con una necesidad de camuflarme con el propósito de entrar en los lugares y recoger información y, a la vez, tomar distancia de esta realidad para poder describirla. Eran espacios de la ciudad donde uno se podía sentir como un extraño. Algo que caracteriza este libro es que los personajes se ubican en espacios que les resultan como de otro planeta", señala. Una lectura superficial podría ubicar cada cuento dentro de una muy peruana tradición realista. Sin embargo, en "Punto de fuga", este realismo se presenta sutilmente distorsionado. "Yo partí del modelo de Vargas Llosa, como todos los que escribimos en el Perú --aclara Gamboa--. Leer más tarde a Bolaño o Carver me descubrió cómo llevar lo realista a un registro más paródico o delirante. Yo quiero narrar lo cotidiano, pero desde su aspecto más extraño. Me interesa ver cómo en lo cotidiano hay un pliegue y, al revelarlo, el sentido de la realidad puede hacerse más denso"


Actualización 22/07.- Hoy en "La República" Pedro Escribano le hace una nueva entrevista a Jeremías Gamboa.

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Brasileños

9.20.2007
Daniel Galera, de quien acaban de traducir su exitosa Manos de caballo. Fuente: Digestivo cultural

Tiene razón Diego Erlan en decir que resulta un poco absurdo que la música brasileña sea tan conocida y admirada en América Latina, pero desconozcamos casi todo de su literatura. Siempre la literatura brasileña ha sido el gran misterio de Latinoamérica; pero basta leer algunos autores para descubrir, como la punta de un iceberg, que esconden maravillas no descubiertas. Ahora en Argentina deciden publicar una antología titulado Terriblemente felices (Emecé) sobre narradores brasileños actuales. Allí participan Roca Reiners Terron, Marcelino Freire y también otros destacados como Sergio Sant' Anna y Luiz Ruffato. Además, algunas editoriales alternativas apuestan por ellos: Manos de caballo (Interzona), de Daniel Galera y Dos hermanos (Beatriz Viterbo), de Milton Hatoum. Este último, junto a Galera y Ruffato, se encuentra en Buenos Aires para el mes cultural del Brasil y Clarín los entrevista.

Dice la nota: "Milton Hatoum entiende que el idioma sea una dificultad para ambos países, pero no un problema: "A veces no sé si Brasil es una isla o la isla es la Argentina. Porque hablamos un perfecto portuñol. Se habla mucho de integración, pero creo que los libros hacen el diálogo entre las culturas". El gran tema de su novela Dos hermanos es la búsqueda de la identidad. Y el autor entiende que los orígenes son plurales. No así el origen de su libro, que estuvo marcado por Esaú y Jacob (1904), de Machado de Assís, un autor que considera inspirador para los escritores contemporáneos. "En la actualidad hay voces, estilos y autores que intentan encontrar su voz narrativa", dice Hatoum. Uno de ellos, sin duda, es Daniel Galera, que con una prosa vertiginosa, minuciosa y urbana recrea la ciudad donde nació, Porto Alegre. "Intenté convertir a la ciudad en una especie de mapa geográfico de la psicología del personaje", explica Galera. Y el mayor desafío de su generación, dice, fue conseguir destacar en una escena superpoblada. La narrativa de Luiz Ruffato también plantea el tema de la identidad. Su condición de hijo de agricultores sin tierra determinó sus preocupaciones como escritor. Cuando comenzó a escribir se sorprendió al no encontrar personajes proletarios en la historia de la literatura de su país, pródiga en representar a la elite. Dice por e-mail: "Conocía bastante bien los deseos y ambiciones de la clase media baja, siempre desplazada, rostros anónimos que caminan por las ciudades soñando una vida mejor. Ese es mi universo".

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Paul Auster cineasta

Paul Auster y su bellísima hija Sophie, quien colabora en el film. Fuente: paulauster.co.uk


Para quienes hemos leído El libro de las ilusiones, de Paul Auster, el título "La vida interior de Martin Frost" nos resulta conocido. Era una de las películas del huraño Hector Mann. Aunque antes fue un relato de 30 páginas, proyecto de un guión que hizo por encargo pero no se filmó. Auster ha decidido convertir esa película imaginaria en un objeto real y ha filmado una película con ese título (cuyo guión ha sido publicado por Anagrama recientemente). Ahora se encuentra en España para promocionarla en el Festival de cine de San Sebastián, del cual es Presidente del jurado. En "El Cultural" lo entrevistan sobre las estrechas relaciones -sobre todo en un autor como Auster- entre literatura y cine.

Aclara que se considera un escritor, no un director: "(...) yo me considero sobre todo novelista. El cine es un lenguaje que me gusta probar de vez en cuando, pero mi trabajo es escribir. Dicho esto, sí suelo establecer lazos más profundos con los libros. En primer lugar, por una cuestión puramente temporal. Leer una novela de 600 páginas lleva un tiempo muy superior a ver cualquier película. Imagine eso trasladado a un fime,¿cuánto duraría? ¿20 horas? No creo que haya nadie capaz de aguantar tanto tiempo delante de una pantalla. Yo no, desde luego. Hay más diferencias. Una ya la he apuntado. En un libro puedes sumergirte, leerlo a tu gusto, volver atrás y al principio, hacer con él lo que quieras y dedicarle todo el tiempo que necesitas a la reflexión mientras lo lees. Una película te obliga a estar alerta porque es ella la que viene a ti, no al revés. Para mí, es un placer muy sensual, muy directo, que por otra parte también soy capaz de percibir leyendo. Finalmente, creo que el cine es dramático y la literatura narrativa (...) El cine es una extensión de mi trabajo como escritor. Y es una faceta con la que disfruto muchísimo. Entre otras cosas porque mi ocupación habitual es muy solitaria. Me encanta el ambiente del rodaje, la camaradería que al final se crea, trabajar con los actores, estar rodeado de personas. Esa parte de trabajo en equipo es quizá la que más echo de menos cuando escribo. "

Hablando de cinefilia, declara: "En literatura el ritmo lo marcas tú como lector, y es posible detenerte en una parte que te intriga especialmente. Pero en cine estás sometido a un tempo que te dicta el director, por lo que hay que ver varias veces una película (si es buena, claro) para poder apreciarla al cien por cien. A lo largo de los años hay determinados filmes con los que he establecido una relación de intimidad. Vuelvo a ellos una y otra vez y nunca me canso".

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Kiran Desai

Kiran Desai. Fuente: Reuters. El País

En "El Cultural" de El Mundo aparece hoy una reseña de la novela de la angloindia Kiran Desai, El legado de la pérdida, ganadora del último premio Booker (para sorpresa de muchos) y recién traducida por la editorial Salamandra. La reseña es de Germán Gullón. Además, aprovecho la reseña para comentar que el fin de semana pasado en "Babelia" tiene como tema central una entrevista a Kiran Desai (y también a la escritora estadounidense Claire Messud) titulado "Las voces de la rabia". Asimismo, también aparece una reseña de Jesús Aguado al Legado de la pérdida.

Desai sostiene en la entrevista: "En el Reino Unido están acostumbrados a un retrato más dulce de la India, como el que hice en mi primera novela, así que ésta era difícil de publicar allí. Al fin, la lectura que han hecho, tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, se ha centrado en el tema de la inmigración. Un asunto que presenta el lado más cínico de un país. La rabia que genera la inmigración estalla en todas partes. En la India han entendido el libro desde su propio contexto. Su foco de atención es otro completamente distinto, es el de los que sienten esa rabia."

También dice: "No escribo sobre el presente porque no podría sostener la trama. Para hablar de vergüenza y rabia necesitaba volver atrás varias generaciones. V. S. Naipaul sólo en uno de sus libros trata sobre su vida en el Reino Unido, el país donde lleva viviendo casi toda la vida."

Sobre la novela Germán Gullón dice: "La novela no resulta una pieza trágica, como muestra la delicadeza con que presenta a los personajes, incluso con humor en muchas ocasiones, pues siempre busca su perfil, que los veamos moverse, hablar, sin aplastarlos ideológicamente. Los nepalíes que aparecen como opresores y terroristas, y que componen la mayoría de la población de Kalimpong, una ciudad de 60.000 habitantes, protestaron por la manera en que aparecen representados.Kiran Desai dijo en una entrevista que a diferencia de Ayaan Hirsi Ali, que achaca los problemas actuales al fundamentalismo islámico, ella cree que la pobreza resulta un problema aún mayor. El legado de la pérdida, en fin, ofrece un perfecto ejemplo de cómo una novela puede elevar un tema, el de la emigración, del terreno de la política al del arte, ofreciendo una imagen espléndida de nuestro mundo pluricultural."

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Quijote road movie

Cartel promocional de Don Quijote en versión moderna road movie. Fuente: El País

En las definiciones sobre los que es un "clásico" debería estar incluida una proyección: "obra que será sometida a multiples descontextualizaciones, tergiversaciones, manipulaciones, contemporanizaciones y torciones, y sin embargo seguirá viviendo". Miren nomás lo que le han hecho a nuestro querido Quijote de la Mancha en Inglaterra. ¡Baila al ritmo de Like a Prayer de Maddonna!

Dice la nota en "El País": "Don Quijote ya no cabalga a lomos de Rocinante, sino que hace autostop para salir a "deshacer entuertos", habla inglés y hasta baila al ritmo de Madonna, según una obra teatral que promete causar sensación en el Reino Unido. Acompañado, cómo no, de su fiel escudero Sancho Panza, el ingenioso hidalgo vuelve a las andadas en el escenario del West Yorkshire Playhouse de la ciudad de Leeds (norte de Inglaterra), uno de los teatros más activos y vanguardistas de este país. Alonso Quijano ha cambiado las áridas llanuras de La Mancha por la verde campiña inglesa bajo la batuta de dos grandes innovadores del teatro español, el director Josep Galindo y el dramaturgo Pablo Ley, que ya triunfaron en 2004 en el Playhouse con una aclamada versión de Homenaje a Cataluña de George Orwell (1903-1950). Titulada Don Quixote, la función, que se estrena este sábado y entretendrá al público hasta el 20 de octubre, rompe con "una tradición hecha de clichés" sobre el hidalgo soñador, pero guarda un "respeto absoluto" hacia el texto cervantino, comenta Ley. "Lo que hemos intentado -explica el dramaturgo- es mantener el espíritu del Quijote (la comedia, los personajes...) para llevarlo después hacia la contemporaneidad (...) Al igual que en la novela de Cervantes, Don Quijote enloquece leyendo libros de caballería que, ahora en pleno siglo XXI, escupe una máquina expendedora de Coca-cola, y lucha contra gigantes que ya no son molinos de viento, sino meros ventiladores convencionales. El ingenioso hidalgo también decide armarse caballero medieval en una venta que le parece un castillo, pero que en 2007 se ha tornado en un bar de carretera donde sensuales señoritas de compañía tientan al héroe cervantino, si bien él aún suspira por Dulcinea del Toboso".

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Stephen King 60

Stepehn King, el rey del terror, en un cameo cinematográfico. Fuente: zona de terror

El diario La República levanta hoy la noticia de los 60 años recién cumplidos de Stephen King. Los celebraré leyendo La zona muerta, una novela que finalmente conseguí y que me han recomendado mucho. Además, haré una encuesta sobre Stephen King, un escritor odiado y amado alternativamente. ¿Ha llegado el momento de reconciliarse con King ahora que cumple 60 años? ¿Ha dejado de ser en el imaginario sólo un vendededor de chorizos literarios para convertirse en un sujeto que sabe su oficio? ¿Puede King convertirse en un nombre respetado ahora que los llamado sub-géneros literarios ya no son "sub"?

Dice la nota: "La obra de Stephen King se nutre de los más ocultos miedos humanos. "Los miedos que revelo son los miedos de todos", ha dicho el escritor. Además de definir sus libros como "el equivalente literario de un Big Mac con su porción grande de papas fritas", para responder a sus detractores, los escritores "serios", entre los que se halla Harold Bloom. La muerte, lo desconocido, lo insondable de la mente humana son algunos de los ingredientes de la fórmula King para hacer best-sellers. Y en no pocas ocasiones estos han sido llevados a la imagen. Nightmares & Dreamscapes, una serie de televisión por cable, asusta cada noche a millones de espectadores. Y el maestro ha prometido seguir aterrorizando. En su web oficial se anuncia la aparición de una nueva novela, Duma key, para comienzos del 2008. Así que, fanáticos, habrá terror para rato."

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Vasili Grossman

9.19.2007
Vasili Grossman, reportero en plena Guerra Mundial (1945). Fuente: wikipedia

Me imagino que es éste el tipo de novelas que Alberto Fuguet comentó que jamás leería. La edición de Vida y Destino, el clásico del escritor ruso Vasili Grossman (aquí un artículo en Letras Libres para que se enteren quén es) que acaba de reeditar Galaxia Gutemberg- Círculo de Lectores, tiene el angélico número de 1,111 páginas. Era una reedición muy esperada por quienes leyeron la primera traducción en Seix Barral y la biografía que, sobre Grossman, publicó Antony Beevor. Pese a los consejos de Alberto, sugiero tomar vuelo y aventurarse en la lectura: quienes lo han leído dicen que está a la altura de Guerra y paz de Leon Tolstoi. Es un libro que cambia la vida a sus lectores, dicen también. El libro definitivo (¿es que acaso eso existe?) sobre la Segunda Guerra Mundial, enfocado en la batalla de Stalingrado. Hace unos días lo presentaron en España el filósofo Xavier Antich y los novelistas Antonio Muñoz Molina y Luis Mateo Díez acompañaron al editor Joan Tarrida y a la traductora Marta Rebón. El diario ABC comenta la presentación.

Dice la nota: "Díez piensa que Grossman se vincula con las tradiciones de Guerra y paz de Tolstoi y de Los hermanos Karamázov, Crimen y castigo o Los demonios de Dostoievski; pero también, con la de Chéjov. «Muestra con la mirada lo grande y lo pequeño. Compagina la idea de la bondad que justifica lo mejor que somos, con la idea del Bien, que justifican los sistemas totalitarios. Y es que Grossman se fija en los seres humanos. Así, en la novela dice un comisario político: «La Historia ha salido de los libros para colarse en la vida de las personas». Grossman narra con la épica tolstoiana y con la de la retaguardia traicionada».

Coincidió Muñoz Molina en esa triple filiación. «Con Tolstoi, comparte la idea de novela como mecanismo que abarca el mundo entero, lo público y lo privado, con una visión poliédrica de la vida. Para saber algo del sentimiento de culpa de la víctima y el modo en el que el totalitarismo la convierte en colaboradora del verdugo, hay que ir a Dostoievski. Pero Grossman asume la democracia de Chéjov, porque el totalitarismo tiende a la negación de la vida humana concreta. Y ese espacio es antitotalitario por definición, porque el relato de la experiencia humana lo desafía». Muñoz Molina concluyó con una terrible cita de Primo Levi: «Todo testimonio de un superviviente está fatalmente limitado, porque éste no ha bajado al fondo, simplemente, porque puede darlo; mientras que el que llegó al fondo, no. Grossman traspasa ese límite con la ficción, porque llega a la cámara de gas y sólo la ficción puede dar cuenta de eso. El hombre que escribió las grandes crónicas periodísticas de Stalingrado, tuvo que volver a allí con la ficción. Escribe la novela sabiendo que era imposible su publicación, y muere convencido de que se ha perdido para siempre».


Actualización.- Hoy apareció en el suplemento El Cultural de El Mundo una reseña sobre la novela de Grossman a cargo de Rafael Narbona. Además, un adelanto.

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No sólo tortillas de patatas

Tortilla española. Obra de Juan Rosco. Fuente: poesíavisual

Hace unas semanas, un amigo me preguntó si había posteado o, aunque sea, leído un texto de Enrique Vila Matas en la que hablaba muy duramente sobre la literatura española. Le dije que probablemente, pero no llegaba a ubicarlo. El insistía y, para más detalles, me dijo: "es aquel en el que comenta que en una Feria del Libro de Frankfurt, en la que participó España hace unos años, lo que más visitantes tenía era el de las tortillas con cebolla". Entonces supe que no lo había comentado, me llamó de inmediato la atención (sobre todo porque mi amigo insistía en que en ese artículo Vila Matas les sacaba la madre -sin nombres propios- a muchos escritores españoles de su generación) y traté de ubicarlo. Y finalmente lo encontré, no en la edición de El País sino recogido en este blog: Bitácora almendrón. Se titula -de manera notable- "Situarse en el mundo". El artículo es duro, en efecto, sumamente honesto, sin concesiones. Estupendo. Les destruye la ilusión a muchos escritores españoles de que ellos, por lo menos en hispanoamérica, son tan conocidos como lo son en España. Un artículo urgente que sirve también para los escritores hispanoamericanos y, por consiguiente, peruanos. Hay que leerlo y releerlo.

Dice Vila Matas: "El gran problema que tienen los escritores españoles de hoy es su visibilidad internacional. En mi caso particular, creo o imagino que ese problema lo he roto de fuera hacia dentro, trabajando contra el superficial canon nacional que algunos críticos crearon en los años ochenta. En vista de que no encajaba en esa narrativa nueva española (donde se jaleaba el casticismo y el rechazo de todo experimentalismo), opté por escribir una literatura no nacional española. Y así Portugal, Francia, México o Argentina se acercaron a mi obra mucho antes de que ésta fuera mínimamente aceptada por mis conciudadanos. Me inscribí en una tradición literaria híbrida en la que cabían el italo-germánico Claudio Magris y el anglo-alemán W. G. Sebald, franceses excéntricos como Perec y Roussel, mexicanos como Sergio Pitol, argentinos como Ricardo Piglia, César Aira o el inefable Borges, españoles como Juan Benet y Javier Marías. Lo hablaba, el otro día, con José María Pozuelo Yvancos. El gran reto, hoy, de la literatura española (que es también, por supuesto, el de la catalana, precisamente en puertas de Frankfurt) consiste en situarse en el mundo. ¿Por qué no tenemos visibilidad internacional? La respuesta nos lleva a un elemento contradictorio: los hispanoamericanos más visibles son los que publican en editoriales españolas. En Estados Unidos entra con más fuerza un autor, por ejemplo, mexicano que un español (y si entra alguien español no es lo mejor de cada casa, sino un narrador de historias bañadas en kétchup, no aptas para lectores literarios europeos)

(...)

Hay que romper esa invisibilidad. Mi experiencia personal me indica que he tenido que viajar a muy diversos países y padecer de cerca el desconocimiento de la literatura española en casi todas partes. Sólo cinco o seis nombres de escritores en lengua española -best sellers casuales aparte- son realmente conocidos por el público literario europeo. El referéndum más cruel lo pasan los escritores españoles en Hispanoamérica, donde, a diferencia de Europa, sólo dos o tres escritores -más bien los más alejados del tradicional realismo hispánico y de la prosa barroca que huele a tortilla de cebolla pasada por Frankfurt- interesan. Si comienzan por no interesar en Hispanoamérica, ¿cómo van a interesar al mundo? Los 101 escritores catalanes que acuden a Frankfurt podrían comenzar a tomar nota de esto, pues quizás les convenga no caer en el mismo pozo en el que han caído numerosos escritores españoles."

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Encuentro peruano en Burdeos

Mario Vargas Llosa estará en Burdeos. Foto: Cristobal Manuel/ El País. Fuente: Santillana

Un nuevo encuentro con escritores peruanos. Con motivo de los 50 años de la amistad entre Lima y Burdeos, el Instituto Cervantes de esta ciudad francesa ha diseñado un homenaje a la literatura peruana que es un auténtico lujo. La fecha inaugural tendrá como protagonista, el 21 de septiembre, ni más ni menos que a Mario Vargas Llosa (quien acaba de batir el récord de doctorados honoris causa, con el número 40 en su haber). Luego, el 25 de septiembre habrá una mesa redonda entre Fernando Iwasaki, Jorge Eduardo Benavides y Ricardo Sumalavia (quien actualmente reside en Burdeos) sobre la Literatura Peruana Actual. Y cerrando el ciclo, Alfredo Bryce Echenique participará de "La escritura de mis libros" en una conversación con Jean-Marie Saint-Lu, el 4 de octubre.

Además, habrá dos exposiciones: una pictórica de Herman Braun Vega (que va del 19 de septiembre al 2 de octubre) y la Exposición Qhapaq Ñan : el gran camino de los Incas, que irá del 22 de septiembre al 4 de octubre.

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Piedad Bonnett presenta

Autora y carátula del libro. Fuente: El Tiempo

Mi compañera de idioma en "Literaturas del Mundo" en el Festival Literario de Berlín, la escritoria colombiana Piedad Bonnett, presenta hoy en Bogotá, a las 7:30 pm, su última novela Siempre fue invierno, editada por Alfaguara. En la revista EsKpe de "El Tiempo" colocan algunos fragmentos de anticipo de la obra y además la contratapa del libro. ¡Suerte a Piedad! Y espero que pronto Alfaguara Perú no sólo traiga al libro a Lima, eso por descontado, sino también a la autora.

La contratapa de la novela dice: "Angel, quien siendo niño llegó a un barrio obrero de la capital huyendo de la violencia, se enfrenta, como estudiante de medicina de una universidad sacudida por fuertes protestas estudiantiles, con graves dilemas éticos y políticos que le hacen sentir que es un cobarde. Años después, cuando el azar termina por involucrarlo en una relación sentimental con Franca, una joven de distinta condición social que acaba de huir de un matrimonio opresivo, su vida toma un rumbo impredecible, que lo va a llevar a situaciones límite. En esta novela, a través de palabras precisas y hechos vertiginosos, la autora nos hace reflexionar sobre el resentimiento, el deseo de poseer, la cobardía, el riesgo de los juegos provocadores y la oscura circunstancia política que sirve de marco a esta historia".

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Perú en Líber

Carlos Germán Belli encabeza la delegación peruana en Líber 2007. Fuente: chilepoesía

Dentro de unas semanas el Perú participará, como País Invitado de Honor, en la Líber 2007 que se llevará a cabo en Barcelona. La Líber es, específicamente, una feria de libreros y editores, por lo que la participación de Perú reviste una especial importancia: es el signo de un interés creciente por la literatura peruana y, al mismo tiempo, una ocasión para que la industria del libro en el Perú comparta experiencias con el primer mundo. La presencia de decenas de escritores, la mayoría de ellos radicados en Europa o EEUU, servirá para darle a la participación peruana un interés especial. En el blog Zona de noticias de Paolo de Lima encuentro el programa que ha preparado la delegación peruana. Asimismo, el nombre de los autores que participarán en el evento:

La lista incluye a los poetas, narradores, cronistas y críticos literarios peruanos Daniel Alarcón, Toño Angulo Daneri, Leyla Bartet, Carlos Germán Belli, Jorge Eduardo Benavides, Arturo Corcuera, Alonso Cueto, Rocío Ferreira, Isaac Goldemberg, Fernando Iwasaki, Carlos Meneses, Carmen Ollé, Enrique Planas, Santiago Roncagliolo, Teresa Ruiz Rosas, Carlos Thorne, Carlos Torres Rotondo y Gabriela Wiener. Compartirán mesa con algunos de los autores peruanos los escritores Mario Campaña (ecuatoriano), Edmundo Paz Soldán (boliviano), Cristina Peri Rossi (uruguaya) y Pedro Zarraluki (catalán). La programación también incluye la proyección de películas y cortos de Fabrizio Aguilar, Joel Calero, Claudia Llosa, Jorge Marroquín y W. Jörg Förster, Eduardo Mendoza De Echave, Josué Mendéz, Daniel Rodríguez, Matías Vega Novel y Álvaro Velarde

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Plátano verde recomienda

Natalia Moret, la apuesta de Plátano Verde en Mérida. Fuente: plátanoverde

A pesar de que los muchachos de la revista venezolana Plátano verde se pasan media vida denigrando a este modesto blogcito, yo los quiero. Los quiero porque los recuerdo como compañeros en la bienal de Mérida, cuando uno de ellos quiso enseñarme a bailar salsa con éxito nulo. No era, desde luego, aquel joven platanito tan buen maestro ni tan estupendo bailarín como Rodrigo Blanco, de Re-Lectura; pero el alumno tampoco ayudaba. Como sea, pese a que odian Moleskine Literario yo siempre leo Plátano verde y acepto sus recomendaciones. Por ejemplo, ahora que los muchachos se van a Mérida nuevamente leo el especial dedicado al encuentro y descubro además la recomendación de dos escritoras argentinas, quienes irán también a la bienal de Mérida, y a quienes pienso seguirles desde ya la pista porque los platanitos me han convencido.

Una de ellas es una poeta que lleva un blog underground -incluso a los under-babanos la palabra les horripila- que está genial pese a la cantidad de anuncios de movidas que lleva (y me angustian tanto como un concierto de salsa en Mérida). Se trata de Natalia Moret y su blog si no se puede sacarse. La otra es una narradora argentina que ha publicado dos libros en la editorial Cuenco de Plata y que ya antes, leyendo las reseñas, me llamó la atención. Su nombre es Fernada García Lao y los títulos de sus novelas: Muerta de hambre (una novela con gordas, como la de Alonso Cueto) y la nouvelle La perfecta otra cosa. Ya tengo un contacto en Buenos Aires y conseguiré pronto los libros de Fernanda. Y si son tan buenos como parecen, tendré algo más que agradecerle (fuera de las clases inútiles de salsa) a esos descarados de Plátano Verde.

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Patricia Suárez premiada

Patricia Suárez, ganadora del premio Eñe, en Madrid. Fuente: El País.

Con el relato Anna Magnani (nombre de una actriz italiana de rostro duro, por cierto, musa del neorrealismo italiano) la argentina Patricia Suárez ganó el premio Cosecha Eñe 2007. Hoy la entrevistan a propósito en El País. Tendré que leer el cuento para saber por qué se llama "Anna Magnani". La entrevista no lo aclara y me quedé intrigado.

Suárez cuenta cómo se le ocurrió la historia: "Es el resultado de charlas telefónicas a altas horas nocturnas con mis amigas que tienen ex y a las que les hablo de los míos también. En realidad, quería hablar de que hace 50 años una no tenía tres matrimonios a lo largo de su vida. Y en cambio ahora el contrato matrimonial está tan asentado en el amor que cuando éste se termina se termina el matrimonio. Hablo de que todo en esta época pasa muy rápido: me interesan mucho las personas que son víctimas de las situaciones o de su propia confusión."

También habla sobre la literatura argentina actual: "Hay una necesidad de experimentar y de romper con cánones oficiales de escritura para llegar a algún punto. Los jóvenes están en una búsqueda de su propia voz y esta búsqueda se publica. A lo mejor antes esto no sucedía. En este momento hay una proliferación de editoriales pequeñas y mayor posibilidad de publicar. También se lee más literatura argentina que hace unos años"

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Los nuevos clásicos

Roberto Bolaño, un nombre que se reitera en las listas. Ilustración: Loredano. Fuente: El País

Hace varios meses me pidieron de la revista Qué Pasa una lista de mis siete clásicos contemporáneos, libros escritos a partir de 1970. Entregué mi lista (la colgué en el blog además, recuerdo) y no supe más de ella hasta hoy, que un lector me facilita el link donde puedo encontrar la nota de la revista. La lista tiene más diferencias que similitudes, obvio, porque no es fácil buscar "clásicos" tan contemporáneos (finalmente, ¿qué es un clásico?) pero mantiene el interés porque puede ser una buena guía para aquellos que siempre están buscando que les recomienden libros. Algunos nombres se repiten, desde luego: Roberto Bolaño es el más acudido, igual que Philiph Roth, JM Coetzee y Gabriel García Márquez. Y también por ahí hay un par de menciones a Georges Perec, WG Sebald y Alfredo Bryce Echenique. Cada uno debió escoger siete libros, en orden de importancia, y explicar sólo el primero. Les dejo aquí la lista de los primeros de cada lista y quiénes lo propusieron.

Gonzalo Garcés: El teatro de Sabatth de Philip Roth (1995)

Rafael Gumucio: La Lengua Absuelta de Elías Canetti (1977)

Pablo Illanes: La conjura de los necios de John Kennedy Toole (1980)

Iván Thays: Los emigrados de WG Sebald (1996)

Ricardo Silva: Catedral de Raymond Carver (1983)

Antonio Ungar: 2666 de Roberto Bolaño (2004)

Martín Solares. Todos los caballos hermosos de Cormac McCarthy (1992)

Juan José Rodríguez: Terra Nostra de Carlos Fuentes (1975)

Alvaro Bisama: From Hell de Alan Moore y Eddie Campbell. (1988-1998)

Rodrigo Hasbún: Desgracia de JM Coetzee (1999)

Daniel Alarcón: El Emperador de Ryszard Kapuscinski (1978)

Fabrizio Mejía: Los detectives salvajes de Roberto Bolaño (1998)

Ena Lucía Portella: American Psycho de Bret Easton Ellis (1991)

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Jorge Salazar

Jorge Salazar. Fuente: la república

Me entero por La República que mi estimado amigo Jorge Salazar, autor de La medianoche del japonés y de una serie de libros sobre crónicas policiales, se encuentra internado. Desde Moleskine Literario hago votos por su prontísima recuperación.

Dice la nota: "Jorge Salazar, el reconocido escritor y periodista, se encuentra muy grave de salud en el Hospital Loayza de Lima. Días atrás fue internado de emergencia en el citado hospital por insuficiencia cardiaca, cuyo diagnóstico arrojó la necesidad de colocarle una válvula especial. Esperamos que la fortaleza de Coco, como así lo llaman sus amigos, supere estos duros momentos. Coco Salazar pertenece a esa estirpe de periodistas peruanos que se formaron allí donde ocurre la noticia. No son pocos los reconocimientos que ha tenido su trabajo. En 1969 publica "Una visión del Perú", ensayo con el que ganó el Premio De Gius de los Países Bajos. En 1980 obtuvo el premio Casa de las Américas por su novela La ópera de los fantasmas. Ha publicado Poggi: la verdad del caso (1987), La medianoche del japonés (1992) y Los papeles de Damasco (2006), entre otros. También tiene el premio Gourmand World Cookbook Awards 2006, por Crónicas gastronómicas, publicadas en el 2005

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La máquina de poner títulos

9.18.2007
La asombrosa máquina para poner títulos exitosos.

Les dejo aquí el úiltimo chiche electrónico para los escritores, que me llega vía el blog indispensable de Jean Francoise Foguel como siempre: la asombrosa máquina para poner títulos. En realidad, no es que ponga títulos sino que te dice qué posibilidades de éxito tienen tus títulos. La he probado y, en el mejor de los caso, mis títulos tendrían sólo 20% de probabilidades de éxito. Así que es sumamente acertada, como verán.

Se llama TITLESCORE y sólo acepta títulos en inglés (en inglés "norteamericano" acota Foguel).

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Más Rubenfeld

Jed Rubenfeld. Foto: Peter Mahakian. Fuente: Juillard.edu

La belleza de Berlín y la estupenda compañía (Karla Suárez, Guadalupe Nettel, Edmundo Paz Soldán, Santiago Roncagliolo y Rosa, Ignacio Padilla, Amir Valle) hicieron que fuera imposible para mí terminar el libro, que había empezado en el primer desayuno berlinés, de Jed Rubenfeld. Lo tengo pendiente. Y más ahora que en El País aparece un artículo de Jacinto Antón donde comenta el enormísimo suceso que está ocasionando la novela La interpretación del asesinato, editada por Anagrama en España. Me falta tiempo para leer todo lo que quiero, ¿se los he dicho antes? ¿Les pasa a uds.?

Les dejo aquí la página sobre la novela.

Dice la nota: "La interpretación del asesinato, una rara, por lo feliz, mezcla de thriller, psicoanálisis e historia (historia del mismo psicoanálisis y del Nueva York de principios de siglo, con su arquitectura, su vida social, sus pecados y corruptelas), es poco menos que la novela de la temporada. Llega avalada por los 700.000 ejemplares vendidos en el Reino Unido y el millón en toda Europa. Su autor, un hombre atractivo de 48 años, con un aire que le sentaría muy bien a Hamlet (de hecho, ayer, al presentar su libro en Barcelona, explicó que lo encarnó en sus días de estudiante en la Julliard School), lleva el éxito con modestia no exenta de cierto estupor. Dijo que escribió la novela a instancias de su mujer tras el éxito de su último libro sobre leyes, "del que se vendieron seis ejemplares, cuatro en el ámbito de la familia" (ese humor irónico de Rubenfeld es palpable en la novela y proporciona muy buenos ratos). Escribir ficción, descubrió, "es mucho más divertido". En su excursión al Nueva York de 1909, el autor se enamoró de la ciudad y la época. "He querido que lo mismo le sucediera al lector, que participara de la vida de la ciudad en ese periodo". La visita de Freud, Jung y Ferenczi a Nueva York es rigurosamente histórica, como muchas de las conversaciones y vicisitudes que se narran, incluida la conspiración contra Freud de una capa influyente de la medicina de EE UU. "Muchos especialistas me han preguntado cómo he podido capturar la voz de Freud con tanta autenticidad. El secreto es que no he inventado casi nada". El retrato de Freud es fascinante y atractivo, casi entrañable. No así el de Jung, que aparece bastante ridiculizado. "Soy consciente de que lo maltrato, y cada semana recibo e-mails recordándomelo", suspiró. "Era una persona muy compleja, inteligente y perspicaz, pero hay verdades acerca de él que sus seguidores prefieren olvidar".

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Clarice Lispector

Clarice Lispector en graffiti, en exposición brasileña. Fuente: curiosidarte

Como comenté antes, la editorial Adriana Hidalgo ha publicado la biografía Clarice, sobre Clarice Lispector, de la investigadora Battella Gotlib. En entrevista con Página12, Gotlib habla de su fascinación por Lispector, de la huella que ha dejado ella en otras autoras, de las influencias que tuvo asimismo Clarice (Katherine Mansfield la más notable). La nota empieza con una anécdota referida por la mismca Lispector: " Una amiga mía quiso retratar a una bahiana y ella no se dejó: ‘Usted no retratará mi alma’". ¿Habrá podido Gotlib retratar el alma huraña de Clarice?

Dice Gotlib: "Lo más difícil de enfrentar en la literatura de Clarice es la desarticulación de los cánones. Leerla es un encuentro con lo desconocido y eso atemoriza a las personas. Pero lo que siempre me interesó de Clarice fue la percepción que ella tenía respecto de las relaciones familiares. Publicó los cuentos de Lazos de familia, justamente después de separarse de su marido. Ella misma se sorprendía con los textos que escribía y tenía conciencia de lo que había hecho después de que alguien le hacía una observación (...) [Además, rescato de ella] La pasión según G. H. y La hora de la estrella. La pasión... porque no era casual que escribiera esa novela una mujer que estaba sola y que, como decimos en portugués, tuvo que “engullirse un sapo”. Aunque hay muchos sentidos posibles en esa escritura, todos encarnan una alteridad, otra forma de ver la realidad diferente de lo anterior. Abrirse a esa alteridad no digo que fuera la gran lección, porque ella no quería enseñar a nadie, pero es la gran clave para percibir la literatura de Clarice. La hora de la estrella es un puñetazo en el estómago porque muestra de una manera muy directa la pobreza que reina en Brasil, y la convivencia muy difícil entre los que tienen y no tienen, muy distinto al trabajo de los novelistas de los años ’30 que hicieron literatura social."

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Luis Gusmán x 2

Luis Gusmán envuelto en pieles. Fuente: Radar Libros

Tanto la revista Ñ de Clarín como el Radar Libros de Página12 coinciden en entrevistar a Luis Gusmán a raíz de su nueva novela, El peletero (Edhasa). En la revista Ñ titulan el artículo "Esto no es literatura panfletaria" mientras que en Radar Libros le dedican la nota central: "Sobre la piel". A ver si llega a Lima esta novela, o cualquiera ya que estamos, de Luis Gusmán.

En Ñ dice Guido Carelli: "En tiempos de Botnia y asambleístas, en épocas de puentes cortados y cuando la platea global asiste con entusiasmo, convicción y morbo a la seguidilla de huracanes con nombres de protagonistas de telenovelas caribeñas, no puede ni pasará desapercibido el nuevo libro de Luis Gusmán. El peletero desafía los embates mediáticos de Hollywood, las películas de Al Gore y hasta las (falsas) promesas de una indignada Nicole Neumann, al tiempo que narra la historia de un vendedor de pieles amenazado por la opinión doxa y la irrupción de los tejidos sintéticos. Landa, el hombre en cuestión, con ayuda de su nuevo amigo Hueso, deberá sortear la cruzada de Greenpeace, de su hijo y del mundo que cambia a favor de los derechos de los animales y que pone en jaque inexorablemente el universo y la identidad del protagonista. "Me parece que el peletero también podría ser una buena metáfora del escritor, un personaje en extinción", revela el autor que, sin abandonar su tono apagado, defiende con vehemencia y argumentos la paradoja de la historia."

También en ese suplemento declara sobre el oficio de escribir: "Yo siempre pienso que es más fácil hablar y escribir sobre el libro de los otros, y que si uno no siente que lo que escribe es verdadero, más vale escribir sobre otros libros. Yo creo que el peletero -para mí- es verdadero. Para mí encarna algo entre la mitología y la carne del escritor, como decía Barthes en esa metáfora tan visceral sobre la mitología del escritor. Por otra parte hay gente que no sabe si va a haber otro libro. Uno siempre se hace a la idea de que un escritor va a escribir para siempre y Rimbaud dejó de escribir, al igual que Salinger. Escribir implica una continuidad que obliga a que siempre tengas que seguir escribiendo. Supongo que como decía el negro (Osvaldo) Lamborghini, uno escribe porque no puede dejar de escribir. Pero para contestar más concretamente a la pregunta, ahora quisiera hacer un cambio de registro."

Mientras que en Radar Libros, Gusmán dice al respecto: "El escritor como un oficio en extinción. Cada vez tiene que presentarse más, y acompañar su obra. Uno busca siempre los intersticios, porque te permiten moverte. Pero desde que empecé a publicar, el lugar del escritor fue cambiando. En los sesenta, setenta, cuando hacíamos Literal, había una lucha estética ideológica muy fuerte contra el realismo simplista, contra el populismo. Las lecturas de Sarduy, de Barthes. Y eso fue confundido por la lectura de la época que pensaba que nosotros leíamos eso para aplicarlo a la literatura. Y basta leer a Osvaldo Lamborghini para darte cuenta de que era imposible que a ese tipo le cambiaras el estilo. Pero me parece que desde entonces hasta ahora las cosas han ido cambiando, y uno ha tratado de usar lo que Joyce llamaba las armas del artista: el exilio, la astucia y el silencio. Cuando él pasa del Ulises al Finnegans Wake dice que hay un momento en que la trama continuada, el lenguaje, no transmitían más, estaba saturada."

Y respecto a cómo surgió la idea de la nueva novela dice: "Surgió de una peletería que está a la vuelta de mi consultorio, en donde leí un cartel que decía "Su antigua piel tiene valor. Refórmelo y cámbiela por otra". Y yo pensé "como si fuera tan fácil". De ahí me empezó a surgir una idea de la novela, que no quería que fuera de ninguna manera poetizante. Por eso le puse El peletero. Me gustaba Antigua piel, pero me sonaba demasiado poetizante. Porque no se trataba de Cambio de piel de Carlos Fuentes o Con distinta piel de Dylan Thomas. Se trata de algo más despojado."

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Traducciones peruanas

Friedrich Hölderlin traducido en el Perú. Fuente: lauffen and neckar

En su columna Inquisiciones, Abelardo Oquendo habla sobre las traducciones en el Perú. ¿Eso existe? Sí, existe, y es un camino que pueden empezar a transitar las editoriales jóvenes o independientes para salir de su circuito local y empezar a convertirse lo que otras editoriales similares (pienso en Sexto Piso, por ejemplo, en Periférica, o varias argentinas) se han convertido.

Dice: "Lo que es habitual en países con una industria editorial activa llama la atención en un medio como el nuestro, donde los peruanos escriben y editan casi exclusivamente para los peruanos. Por eso tiene sentido anotar que, de un tiempo a esta parte, empieza a ser menos infrecuente entre nosotros la aparición de libros de autores de lenguas extranjeras traducidos y publicados en el país. Son dos los sellos editoriales a los que podría atribuírseles este cambio: uno, de carácter privado, es Nido de Cuervos, empeñoso difusor de la poesía escrita en idiomas de difícil acceso; el otro es institucional: la Pontificia Universidad Católica del Perú, a través sobre todo de un par de colecciones: Orientalia, de su Centro de Estudios Orientales, y El Manantial Oculto, que auspicia su Rector. De los 60 títulos que lleva publicados El Manantial Oculto 38 han sido traducidos del francés, del italiano, del inglés, del sánscrito, del griego antiguo y moderno, del latín, del alemán, del sueco y del ruso, en su gran mayoría por peruanos. Sus tres más recientes títulos son una buena muestra de esta variedad: Hiperión o el eremita en Grecia, de Friedrich Hölderlin, es una traducción del alemán debida a Julio Aramayo; peruano como este último es Camilo Fernández Cozman, traductor de La Inmaculada Concepción, de André Breton y Paul Elouard, que viene en edición bilingüe; y español y ruso son los traductores de la versión a nuestra lengua de El cantar de las huestes de Ígor, poema épico eslavo del siglo XII, también en edición bilingüe. (...) Por pequeña que sea todavía, esta actividad es ya un indicador cultural positivo."

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Satisfaction

El salvaje Mick Jagger en la selva peruana. Fuente: Periférica

Mi estimado Julián Rodríguez, escritor y miembro de Periférica, envía a sus contactos un email entusiasmado sobre la acogida en prensa que está teniendo en España la publicación del libro de Sergio Galarza y Cucho Peñaloza Los Rolling Stones en Perú. Cito textualmente su feliz comentario para que vean que los Rolling aún pueden dar Satisfacción.

Dice Julián: "Excelente noticia: nuestro primer título de la rentrée, LOS ROLLING STONES EN PERÚ, que presentaremos en público el próximo 28 de septiembre en la FNAC de Callao, Madrid, está alcanzando un éxito de difusión que está sorprendiendo a todos: esta semana pasada, después de que Sergio Galarza fuera entrevistado en los programas culturales más importantes de la radio española, los dos principales programas generalistas, en la Cadena Ser y en Radio Nacional de España, con millones de oyentes, recomendaban vivamente el libro que firma junto a Cucho Peñaloza.Y ¡40 periódicos! españoles de difusión nacional o regional reproducían estos últimos días diferentes entrevistas con Galarza, nuestra nota de prensa o sus propias reseñas... Amén de otros tantos de América Latina: Argentina, Brasil, Perú, Uruguay...De todos estos países nos van llegando pedidos de este título y solicitudes para contactar con los autores de un modo que está a punto de desbordarnos. Aquí, en este correo, hacemos un poco de resumen (breve) de lo que está siendo la difusión de este libro, que va a continuar, al menos, dos o tres semanas más. (Muy pronto comenzarán a aparecer reseñas en los suplementos nacionales y en las revistas de música y literatura.) Gracias a todos."

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Lorenzo Silva en Lima

Lorenzo Silva. Fuente: instituto cervantes

El Centro Cultural de España ha tenido mucha actividad literaria últimamente, con la presencia de autores como Marcos Giralt Torrente y Eduardo Lago (además de otros, que ahora mismo se me escapan, aunque me parece recordar que vino Nicolás Casariego y Juan Bonilla). Ahora el turno es de Lorenzo Silva, ganador del Primavera 2004 (Carta blanca), el Nadal en el 2000 (El alquimista impaciente) y finalista del mismo premio en 1997 con una novela de titulo estupendo La flaqueza del bolchevique, que fue llevada al cine por Manuel Martín Cuenca y contó con la guapa nínfula mayor María Valverde como protagonista. Hoy a las 8:00 pm, Lorenzo Silva dictará la conferencia: “La novela en español de hoy (o las orillas lejanas)”. Comenta Javier Arévalo. Moderador, Ricardo Ramón Jarne. Ingreso libre. Auditorio del Centro Cultural de España. Natalio Sánchez 181, Santa Beatriz. Como adelanto, el diario "El Peruano" le ha hecho una entrevista:

Lorenzo Silva se defiende de su fama de "escritor policial": "Cuando te mueves en un género tan definido, parece que es lo único que haces. De alrededor de 20 libros que he publicado sólo cinco son policiales. Mi interés va por la novela como una exploración de la realidad. No me atrae la fantasía ni la evasión de la realidad, sino crear ficciones que ayuden a penetrar en las capas profundas de la realidad. Así llego a la novela policíaca (...) Sí [hay prejuicios contra el género policial] Diría que de dos tipos. Por un lado, el negativo, que considera que por su popularidad y capacidad de entretener no sería alta literatura. También uno positivo: los amantes incondicionales que creen que las novelas policiales son lo máximo. Me encuentro en un punto intermedio. Me interesa un libro o un autor, no un género. Pero tampoco creo que por ser de un género una novela es menos valiosa ".

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Kis, Borges, Brodsky

9.17.2007
Carátula de la edición norteramericana de la novela.

Aunque Joseph Brodsky, en el prólogo al libro Una tumba para Boris Davidovich del serbio Danilo Kis (Acantilado), piensa que la acusación de "plagio" de Borges que pesó sobre este libro fue una forma de ridiculizar literariamente lo que no podían censurar políticamente, sin lugar a dudas existen muchas correspondencias entre Borges y Kis. La novela es un recuento de biografías imaginadas (a lo Marcel Schwob, un referente de ambos sin duda), aunque a Kis le preocupan las alegorías políticas y el humor negro que a Borges no le atraía. La prosa, sin duda, es bella y precisa en ambos casos. En la contratapa del libro, Acantilado ofrece publicar toda la obra de Kis. ¿Será cierto? Parece que no, porque mi ejemplar es la segunda edición (2007, la primera fue del 2006) y hasta ahora nada nuevo aparece del extraordinario narrador (aunque en Martáfora leí Laúd y Cicatrices, sus relatos póstumos) .

Joseph Brodsky en el prólogo dice algo sobre esta novela, centrándose en el lenguaje, que me parece admirable. Es un párrafo que me devuelve la alicaída fe en la literatura, luego de tantos viajes y encuentros literarios. Dice:
"Lo último que podemos decir de Una tumba para Boris Davidovich es que logra la comprensión estética allí donde la ética fracasa. Por supuesto, en un siglo tan agitado como el nuestro, el dominio del lenguaje apenas puede considerarse una garantía, pero al menos funda la posibilidad de una respuesta sin la cual los hombres están obligados a seguir siendo esclavos de su propia experiencia. Con este libro, Danilo Kis da a entender que la literatura es el único medio capaz de conocer aquellos fenómenos cuya magnitud, de lo contrario, adormece nuestros sentidos y escapa a nuestra comprensión".

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Vila Matas espía a Banville

Enrique Vila Matas, espía en Mantua. Fuente: festivaletteratura

El "Dietario voluble" de Enrique Vila Matas de este fin de semana estuvo genial. Comenta un encuentro literario en Mantua, el famoso Festivaletteratura, (entre los participantes de este año estaban Wole Soyinka y Orhan Pamuk, Jonathan Coe, Frank McCourt, Erri di Luca, John Berger, David Grossman y John Banville), hace un breve apunte borgiano y describe una entrevista con el representante del Tiempo Lento que podría ser un cuento suyo. Pero me atra especialmente su espionaje a John Banville, un escritor al que admiro mucho y que este retrato de Vila Matas lo hace más entrañable.

Cuenta: "Espiar en Mantua al maestro de las falsas identidades, espiar a John Banville, es algo que nunca había pensado que haría. El primer día, le vi tomando una cerveza, sentado en una terraza con una señora que parecía su esposa. Y el segundo -confirmando que lleva doble vida- sentado en la misma terraza con una segunda esposa. También pude ver que mi admirado Banville -más bajito de lo que le imaginaba, pero estaba su sombrero panamá para remediarlo- se moría de risa viendo pasar a dos ceremoniosos carabinieri con traje de gala. Y deduje que era muy evidente que le fascinaban toda clase de disfraces y de imposturas. Le estuve observando con la máxima discreción, pero me pareció que se daba cuenta. No en vano, él era el único de los escritores invitados a Mantua que se esforzaba por pasar desapercibido, es más, por ir casi de incógnito, por ser lo más parecido que puede haber a un hombre anónimo. Tal vez por eso, Banville vigilaba a su alrededor y parecía imitar a Alex Vander, personaje de su novela Shroud (Imposturas), aquel farsante que a su paso por las calles de una ciudad italiana de provincias -una cojera cómica y el bastón y el sombrero ocupando el lugar del garrote y la máscara de Arlequín- recordaba la commedia dell'arte: "Siempre sospeché que acabaría así, como un marginado, recorriendo las calles secundarias de alguna ciudad anónima, hablando solo y observado por los transeúntes". Banville me recordó a Alex Vander, pero también a Moses Herzog, personaje de Philip Roth. Y es que intuí, viéndole moverse tan intenso y pasivo, que su temperamento era de una inocencia tan extraordinaria como su sofisticación: un loco cuyo odio destilaba comedia, un erudito en un mundo traicionero, y a pesar de todo, aún a la deriva en la gran piscina del amor de la infancia, la confianza y la excitación por todas las cosas. Un genio con doble vida, divirtiéndose en su errancia."

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Libros recibidos

Llámame Brooklyn de Edauardo Lago. Fuente: Literaturas.com

Quiero hacer acuse de haber recibido una serie de libros, y agradecer mucho a los lectores de Moleskine Literario que generosamente me los han enviado. En primer lugar, Adriana Bertorelli me envió desde Venezuela su poemario Música de Rockola, editado por Editorial Criteria, en el 2005. Adriana, además, participa del estrambótico blog de Los hermanos Chang, un proyecto de revista de ficción interactiva que espero un día poder comentar más ampliamente.

Asimismo, quiero agradecer a Pedro Moreno-Vásquez quien leyó mi exagerado pedido de auxilio para no caer en las garras de Amazon y evitar pedir, entre otros libros, el de Ernesto Quiñónez Chango´s fire. Muy amablemente, me envió el libro en su versión inglesa y ahora me siento un poco más aliviado porque mi número de tarjeta no está aún flotando en el cyberespacio. A ver si es el Alarcón ecuatoriano.

Finalmente, un enormísimo agradecimiento y un gran abrazo para Aída Bardales, editora de la revista Críticas, quien desde Nueva York escuchó mi lamento por no haber podido asistir a la conferencia de Eduardo Lago y, lo que es peor, no tener acceso al libro Llámame Brooklyn, que tan buena impresión ha causado en un par de amigos lectores en quienes confío mucho. A través de Guadalupe Diego, Aída me envió un ejemplar de la novela de Lagos que espero leer apenas termine Una tumba para Boris Davidovich.

En fin, sólo reitero las gracias a estos lectores de Moleskine Literario que contribuyen a que mi claustrofobia libresca limeña sea menos dura.

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Premios franceses

Carátula de la versión francesa de El síndrome de Ulises, de Santiago Gamboa, en la primera lista del Medicis a Novela Extranjera. Fuente: Amazon.fr

Empieza la temporada de premios literarios franceses. Ya salieron las primeras listas del Goncourt, del Renaudot, del Medicis, del Femina. Además, gracias al blog de Jean Francoise Foguel me entero de este blog dedicado exclusivamente a los premios literarios franceses, en el que han hecho una tabla donde se colocan los autores mencionados y a cuántos premios postulan. El único autor que está en las cuatro listas, por ejemplo, es Giles Leroy con Alabama Song (publicado por Mercure de France). Y en tres de las listas aparece Oliver Adam y su éxito A l'abri de rien. También aparecen en las listas, desde luego, autores más célebres en castellano como Philippe Claudel, Pierre Assouline o Amélie Nothomb. En ninguno de los premios se perfila un claro ganador.

Veamos, sin embargo, alguno de los mencionados en los premios de Novela Extranjera, que me interesan especialmente. En el Femina están Alessandro Baricco y Cette histoire-là (Editions Gallimard) y Joan Didion con L'année de la pensée magique (Grasset & Fasquelle) y mi adorado Arto Paasilinna con Le Bestial Serviteur du pasteur Huuskonen (Denoël). En cuanto al Medicis de Novela Extranjera, destacan: Ismaïl Kadaré Hamlet, le prince impossible; William-T Vollmann con Central Europe; y el colombiano Santiago Gamboa con Le syndrome d'Ulysse (Editions Métailié)

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Despluman a Woody Allen

La pulposa Scarlette y Woody Allen. Algo no anda bien. Fuente: blog de cine

Woody Allen ya no es el mismo, aunque nos duela confesrarlo, aunque tratemos de sumarle puntos tramposos a sus películas, aunque le perdonemos que haya cambiado a musas más evanescentes por la terrenal Scarlette Johanson. Y a Nueva York por París, Londres o Barcelona, hay que decirlo, ciudades hermosas que en sus cintas parecen fotografiadas como el resultado de una capitulación o la versión alternativa de un perfume caro. Mi última esperanza es que sus cuentos de Pura Anarquía (Tusquets) sean tan buenos como los de Cómo acabar de una vez por todas con la cultura o Sin Plumas. Pero Rodrigo Fresán, en el suplemento Radar, acaba de exterminar esa esperanza. Ahora Woody Allen es realmente una criatura sin plumas.
Dice Fresán: "(...) lo que ocurre es que los comediantes tienen fecha de vencimiento. Lo que fue gracioso a principios del siglo XX casi seguramente no lo será a principios del XXI. El caso de Woody Allen es todavía más grave porque –a pesar de venir de la nutrida tradición stand-up judía– lo suyo empieza y termina en sí mismo, en su figura y genio. Y su material funciona mejor durante cierta edad y en determinadas coordenadas socioculturales para un público que necesita identificarse con sus dilemas y su, sí, humor que alguna vez produjo la más que convincente ilusión de estar dotado de una universalidad casi shakespeareana. Así, en algún momento de toda vida, todos fuimos o quisimos ser Woody Allen. Pero me temo que no es un deseo que dure para siempre. Los intentos del mismo Allen por woodyzarse en alter egos más jóvenes pero igual de tartamudos –ya sean John Cusack o Kenneth Branagh o Will Ferrell o Jason Biggs– consiguieron resultados más bien pobres. Lo que hace pensar que Woody Allen –producto perfecto y antiheroico, culto divertido, psicoanalizado y neurótico, tipo lejos de ser un galán de cine pero que aún así conquistaba a mujeres deseables en la vida real– cumplió a la perfección hasta que alcanzó la perfección. Y, se sabe, una vez que se alcanza la perfección no es sencillo mantenerla y sólo queda iniciar el más o menos lento, más o menos pronunciado, camino de bajada. Woody Allen se encuentra allí ahora, y nadie puede culparlo de ello. Sí se puede, en cambio, precisar que, rumbo al inevitable crepúsculo, Woody Allen ha elegido la estrategia más fácil y acaso la menos elegante: la repetición de un modelo (pensar en la respetable Match-Point como en una relectura “para jóvenes” de la mucho más profunda y lograda Crímenes y pecados o en la insufrible tontería de Scoop como en un torpe calco de aquella agradable Misterioso asesinato en Manhattan) y la pereza de quien sabe que puede confiar en la marca registrada en la que se ha convertido

(...) los breves bosquejos que componen Pura anarquía –engañosamente anunciado como el primero que escribe en más de un cuarto de siglo cuando en realidad se trata de dieciocho piezas sueltas aparecidas a lo largo de los años en las páginas de The New Yorker donde, seguro, se asimilan mucho mejor en dosis homeopáticas ubicadas entre un relato de John Updike y una crítica de cine de Anthony Lane– apelan una y otra vez a un mismo mecanismo. Una repetida coreografía proyectada sobre diferentes paisajes que pueden tener que ver con la New Age, la industria del cine y la estupidez de Hollywood, las intrigas gastronómicas o la fe como corporación. A saber: el narrador se encuentra con alguien (generalmente con un apellido como Popkin o Pincus o Peplum o Pepkin o Pinchuk), este alguien le ofrece un trabajo, el trabajo se lleva a cabo con pésimos resultados y el narrador se despide del lector con alguna frase más insensata que divertida. ".

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"Es correcto ser villanos"

Alberto Moravia y su esposa, Elsa Morante, en los años 40. Fuente: Moravia e Roma

Los personajes de Alberto Moravia siempre transitan en la delgada línea que separa el escepticismo del cinismo. Siempre. Incluso los peores, incluso los más buenos, todos están estacionados en ese limbo. Moravia es un gran observador de su tiempo, pero un observador descreído. Asumió banderas ideológicas, cierto, porque era lo que debía hacer. Pero se adelantó a su tiempo en el modo de responder al compromiso. Todo esto, que son sólo algunas ideas que tengo sobre Moravia desde que leí de joven una entrevista suya en Playboy y lo admiré profundamente, las he confirmado en estas cartas (tres, entre 1933 y 1947) que envía al intelectual Nicola Chiaromonte y que publica el suplemento Confabulario. Nota mental: hay que releer a Moravia. Cito aquí un estupendo párrafo de la última:

"Debo decirte, en este punto, una cosa que acaso te parecerá inmoral: de mis desaventuras políticas, de mi fuga a las montañas, de mi vida entre los campesinos aterrorizados del frente de Garigliano, he extraído la profunda convicción de que, así como están las cosas, hay muy poco qué hacer y será mucho si logramos salvar el pellejo. En otros términos, será necesario hacer de la necesidad virtud y ya que los intelectuales no son fuertes, deben ser astutos, so pena la vida. Éste es un mundo de locos sanguinarios e innobles que evalúan al intelectual como propagandista; o bien, como un cuerpo que debe ponerse al lado de los otros, listo para ser masacrado a la primera oportunidad. Éste es un mundo en el que las cosas son las que guían el pensamiento y no el pensamiento las cosas. Éste es un mundo donde todos son maquiavélicos, desde las naciones hasta los santos, y el intelectual, si quiere salvar lo que lleva consigo, también debe ser, compatiblemente con sus premisas, maquiavélico. ¿Qué pretendo con esto? Lo que trato de decir es que, en un mundo como éste, es correcto ser villanos. Desde el momento en el que alguien me apunta un revolver en la nuca, yo estoy autorizado a utilizar con él todos los medios, incluidos los más desleales y más feroces. En otras palabras, este alguien, que además es el mundo de hoy, ya no me interesa, está perdido para mí".

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Mérida será una fiesta

Afiche del encuentro en Mérida. Fuente: Letralia

Ya llega la VII Bienal de Literatura Mariano Picón Salas en Mérida, Venezuela. Mañana empieza este encuentro literario que es uno de los más singulares y entrañables del castellano. Hasta ahí han viajado no sólo escritores notables sino también el recordado Diómedes Cordero, actualmente en España aunque aún vinculado a la bienal, un personaje inolvidable para todos los que hemos viajado a Mérida al igual que Gregory Zambrano. Porque, eso está claro, el temple de un encuentro, el espíritu, está signado por sus organizadores. Si estos son estupendas personas, no hay forma de que salga mal. Y en Mérida, a pesar del calor y la piscina que todo el tiempo invitan a renunciar a hablar de libros, las cosas funcionan. Seguro los lectores de César Aira recordarán el encuentro de Mérida porque ahí se originó una de sus mejores novelas, El congreso de Literatura. Ciertamente, todo el congreso parece una novela de Aira en la que todo puede salir mal a cada segundo pero al final todo sale bien. Además, tanto Gregory como Diómedes, y los demás organizadores, tienen el orgullo de ser "descubridores de estrellas" y para muchos el paso por Mérida es como un amuleto. Además de Aira, pasaron por ahí en los últimos años -entre otros- Vila Matas, Alan Pauls, Marcos Giralt, Alberto Barrera, Juan Villoro y por supuesto el gran Ednodio Quinteros (¡a descubrirlo ya!)

Esta vez los invitados extranjeros serán Mario Bellatin, Daniel Alarcón, Daniel Link (me muero de curiosidad por saber qué dirá Linkillo de Mérida), Jordi Carrión, Pedro Serrano y también he leído por ahí, aunque no aparecen en el programa, que irán Juan Villoro y Alejandro Zambra. Además, habrá homenajes a Eugenio Montejo y la crítica Jean Franco.

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Baricco en Colombia

Alessandro Baricco en Medellín. Foto: Javier Agudelo. Fuente: EL TIEMPO

El escritor italiano Alessandro Baricco se encuentra en Medellín. La pregunta que surge de inmediato es: ¿por qué la Cámara Peruana del Libro no hizo las gestiones suficientes para traerlo a la FIL Lima, siendo Italia el país Invitado de Honor? Porque si se ha animado a ir hasta Colombia, seguro lo hubiera hecho a Lima. Era cuestión de coordinar. En "El Tiempo" comentan con entusiasmo esta visita.

Dice Baricco sobre la literatura latinoamericana: "En Italia hay un gran amor por los autores de esta parte del mundo. Cuando tenía 20 años, amé muchísimo a Borges y a García Márquez, y no en particular por Cien años de soledad, sino por toda su obra. También me gusta Cortázar y Osvaldo Soriano".

También dio un alcance sobre el oficio: "Hay que trabajar pulido, construir una novela es como levantar una catedral, necesitas tiempo y es algo laborioso. El escritor debe tener gran conciencia del detalle".

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