MOLESKINE ® LITERARIO

Luego de ser el Sumo Pontífice de la crítica literaria lainoamericana, y ser uno de los responsables del Boom Latinoamericano gracias a su libro Los nuestros, Luis Harss desapareció a principios de los 70 y no se supo más de él. Tomás Eloy Martínez lo encuentra de casualidad y le hace una entrevista donde recuerda, entre otras cosas, aquel grupo que se llamaba a sí mismos (con una ironía que sería mal vista en los anónimos blogs contemporáneos) La Mafia y que cambió para siempre la literatura en nuestro idioma.

Dice Harss sobre el inicio de Los nuestros: "Existía la Mafia, como Fuentes, Cortázar y Vargas Llosa llamaban a su grupo de amigos; era una especie de trenza de escritores dispersos por México, París, Buenos Aires. Se leían los unos a los otros, y se admiraban. ...sa era la nueva novela latinoamericana de aquellos años. En realidad, antes no había existido en el nivel continental, como sí sucedió con los poetas. Toda esta gente vivía en el idioma más que en el país. Los unía la idea de que su país común era el idioma español, y ese idioma era un artefacto arcaico y rechinante que necesitaba ser revivido y renovado, reclamaba desesperadamente una transfusión de sangre y de vida. La Mafia, entonces. La primera punta de ese ovillo que conocí fue Cortázar. Cortázar me dijo: "¿Sabés que hay otro tipo, acá a la vuelta, que se llama Mario Vargas Llosa? Ha publicado un solo libro, no es muy conocido todavía, pero es un excelente escritor. Te lo recomiendo". Lo encontré en un cuartito oscuro y allí me senté con él ante un grabador. Y así con los otros. Los llamaba por teléfono o me presentaba en su casa, llamaba a la puerta, y decía: "Me dicen que has publicado una novela muy buena" Algunos de ellos me tuvieron que prestar sus libros. Así los fui conociendo. (...) Los autores mismos me fueron llevando de uno a otro. Cortázar, sí, me dio el envión y me aportó su criterio. Antes de escribir el capítulo sobre él, leí Rayuela y todos los cuentos que había publicado hasta ese momento. Le entregué mi texto y él hizo varias marcas. Me decía "acá está mal" o "no es así". El capítulo sobre Cortázar es el más confuso de mi libro, porque es el que escribí más a tientas. Pero desde otro punto de vista es el más completo porque tuvo la amabilidad de aclararme cada cosa que yo no entendía. De ahí pasé a Vargas Llosa, y a los demás.

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En una entrevista publicada en The Independent Martin Amis comenta la polémica sobre el Islam que lo ha tenido cabezón los últimos meses del año. Pueden ver la entrevista original en la edición virtual del diario, bajo el título "The two faces of Amis, o un resumen en castellano en Revista Ñ. También un extenso post dedicado al tema en The Literary Saloon.

Dice la nota en Ñ: "No obstante, en una entrevista publicada esta martes por el diario británico The Independent, Amis volvió a defender sus anteriores dichos. "Hay que tener en cuenta el momento en que hice (esas declaraciones). Se había descubierto la tercera conspiración yihadista en trece meses (para hacer estallar en pleno vuelo sobre el Atlántico varios aviones). Mis hijos estaban tomando ese verano vuelos transatlánticos", recuerda el escritor. "Alguien vino a verme desde Londres y me dijo que estaba prohibido incluso llevar consigo un libro en un vuelo transatlántico. Se me ocurrió que era un triunfo de las fuerzas de la estupidez, de la literalidad, de la ignorancia y la falta de sentido del humor", agrega en referencia al Islam. Según Amis, sus ataques contra los extremistas musulmanes no tienen nada de racistas: "Si fuesen protestantes anglosajones quienes hacen esas cosas, yo mismo estaría dispuesto a aceptar que se me impusieran restricciones con tal de que sirvieran para acabar con ese nivel de violencia". Para él, su propuesta de registrar preventivamente en particular a los musulmanes "no es una cuestión moral" sino una cuestión de "eficacia, algo que a uno no le gusta tener que hacer, pero cuando las cosas alcanzan cierta magnitud, no hay más remedio que planteárselo".

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Las leyes del mercado actuales dictan que un libro anónimo es invendible. Sin embargo, uno no deja de pensar que si todos los libros se publicasen de manera anónima muchas cosas cambiarían (y otras no). Algunos libros muy celebrados fueron publicados anónimamente ¿lo sabían? Yo me he sorprendido. Lo cuenta la revista Ñ.

Dice: "Los primeros lectores de Los viajes de Gulliver o de Sensatez y sentimientos, por ejemplo, tuvieron que adivinar quiénes podrían ser los autores. El anonimato no es necesariamente la ausencia de nombre literal. Con frecuencia es difícil distinguir entre un trabajo anónimo y un seudónimo. Robinson Crusoe fue publicado en 1719 sin el nombre de su autor, pero la portada rezaba "escrito por Sí Mismo", por lo que podría decirse que aparecía bajo el seudónimo Robinson Crusoe. En los nueve tomos del Dictionary of the Anonymous and Pseudonymous Literature of Great Britain(1882), hay miles de páginas con obras en inglés que fueron publicadas por primera vez sin los nombres de sus autores. ¿Por qué era tan importante permanecer en el anonimato? En el caso de The Rape of the Lock, de Pope, y Don Juan, de Byron, el efecto buscado fue provocar curiosidad y disparar conjeturas. El anonimato a veces se consiguió de manera elaborada. Jonathan Swift transcribió con la letra de otro hombre una parte de Los viajes de Gulliver y la dejó en secreto en la casa del editor Benjamin Motte. El manuscrito iba acompañado de una carta de un tal Richard Sympson, supuesto primo de Gulliver, y ofrecía el resto de los Viajes a cambio de 200 libras. Motte aceptó la oferta misteriosa y unas noches después recibió el resto del libro.

(...) Tradicionalmente, el deseo de evitar la identificación pública como autor estuvo asociado a mujeres escritoras, al menos hasta el siglo XIX. Tras la publicación anónima de su primera novela, Sensatez y sentimientos, Jane Austen visitó una biblioteca con su hermana Cassandra, quien sabía de su autoría, y su sobrina Anna, que no lo sabía. Anna encontró un ejemplar de la novela, lo dejó de lado con desprecio y exclamó, para sorpresa de sus tías: "Ah, eso deber ser basura, estoy segura desde el título".

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Mientras preparo un texto un poco más extenso sobre el Hay Festival Cartagena 2008, les dejo en este fotolog creado en las añares épocas de Bogotá39 una serie de postales del Hay Festival Cartagena 2008, para que se den una idea -muy pequeña frente a lo que realmente sucedió- de lo que pasó por allá.

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Este jueves 24 empieza el Hay Festival Cartagena 2008 y en este mismo momento me dispongo a hacer las maletas (camisas cortas, un par de pantalones, ¿habrá que llevar algo que abrigue?) para tomar un Avianca (6:10 de la mañana rumbo a Bogotá y de ahí a la caribeña Cartagena. Me encontraré ahí con algunos buenos amigos del Bogotá39; extrañaré a otros amigos del mismo grupo que no podrán ir (nos han dividido por continentes); bailaré salsa si san Ismael Rivera me lo permite (y si no, tendré que bailar nomás con el senegalés Baaba Maal), pero sobre todo escucharé lo que tienen que decir escritores de decenas de países, algunos de ellos sólo documentos en jpg en este Moleskine Literario y pronto de carne y hueso.

Si quieren saber algo del Festival, les dejo el programa extenso de actividades y también la lista completa de invitados. Los que no me pierdo (además de los compañeros de B39): Alice Walker, Kiran Desai, John Lee Anderson, Stephen Frears, Aminatta Forna, Antony Beevor, Monica Ali, Anne Enright, Peter Ho Davies, Yasser Abdel-Latif, Jorge Herralde, Juan Cruz, Ana María Moix, Homero Aridjis, Martín Kohan, Alberto Barrera Tyska,Andrés Hoyos, Héctor Abad Faciolince, Jorge Franco.

Por otra parte, estoy llevando también la cámara de fotos (muy magullada desde que mi hijo ha decidido ser fotógrafo) y mi computadora. Espero no tener problemas, como los tuve en Bogotá, para postear en este blog. Pero si los tuviera y no saben de mí en unos días, habrá que recurrir nomás a la cochina competencia (sí, en efecto, Gastón García, el de las libretas muji, irá y ya enlazó su blog, que lo hará además en tándem con Daniel Mordzinski... ¡así quien puede competir!)

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El excelente escritor argentino Eduardo Berti (finalista del Herralde con Todos los funes) tiene un blog llamado "Bértigo" en el cual está pidiendo a algunos escritores que elaboren un Top Five literario. Según el mismo Berti: "no se trata, para nada, de un ránking ni mucho menos de una lista canónica. Se trata, más bien, de cinco libros que repentinamente ellos quieran proponer y compartir con los demás". Me pidió participar y elaboré una lista de libros , cinco como piden las normas, que contiene igual número de mujeres literarias de las que me enamoré profundamente y sin esperanzas, como debe ser.

Dejo aquí tambíén la lista:

La verdadera vida de Sebastian Knight, de Vladimir Nabokov.
Ahí está Claire, tan delicada, tan olvidadiza, tan frágil. ¿Cómo no amarla intensamente? ¿Cómo no desear recoger las cosas que ha olvidado y seguirla por las calles y los pasadizos para entregárselas? ¿Cómo evitar preguntarle si ya dejó de estar resfriada, si nos acompaña a beber algo en un café, si ya no de sufre por Sebastián? A Claire, además, le han dedicado –a través de una astucia literaria de Knight- la más hermosa y triste carta de final del amor. Pavese decía que cuando una mujer inteligente quiere arreglarte la vida lo consigue a veces; pero si quiere destruírtela lo consigue siempre. Claire era de las que te arreglaba la vida. Y estoy seguro de que ella lo conseguiría siempre.

“La segunda juventud”, de Luis Loayza.
Graciela es la protagonista de ese cuento final, mi favorito en la literatura peruana, del libro Otras tardes. Alguna vez Graciela correspondió con una pequeña pasión a aquel amor limeño, mortecino y desesperado como la garúa que antes le brindó el narrador. En el cuento ya no es una chica joven, aunque sigue siendo hermosa, y se acaba de separar de un marido que es un pelotudo que juega tenis y se blanquea los dientes. Graciela es una mujer crepuscular, apacible, lúcida, con un gran sentido del humor. Para ella no habrá una segunda juventud, felizmente. Ahora Graziela es más fuerte y más intensa, más sabia que antes. Aunque se ríe con dulzura y promete nuevos encuentros es obvio que está fuera del alcance del narrador. Y está fuera del alcance también, aunque nos duela aceptarlo, de sus lectores.

El jardín de los Finzi-Contini, de Giorgio Bassani.
Si se me concediese convertirme un personaje literario, al menos por unos instantes, me gustaría ser el chico que se levanta sobre la cerca en el jardín y descubre el rostro amadísimo de Micol Finzi Contini. Micol es la vecina perpetua, no por vecina menos imposible. Me gustaría jugar tenis con ella. Me gustaría ver de reojo sus piernas, acariciar de casualidad la voluminosa cascada de su cabello rubio, sorprenderme si la atrapo mirándome con curiosidad o afecto o gracia con aquellos ojos enormes. Me gustaría estar a su lado y descubrir esa soledad inmensa de ser Micol y durante ese lapso de gracia tentar la posibilidad, la minúscula posibilidad, de conseguir que una mujer como ella, en medio de aquel jardín familiar, se enamore de mí.

Clea, de Lawrence Durrell.
No la imagino bella. Es dulce, es generosa, quizá es seria. Pasamos demasiado tiempo enamorados de Justine, perdiéndonos en su exotismo, su sensualidad, el laberinto de sus pensamientos y justificaciones, como para comprender casi al final del último tomo de El cuarteto de Alejandría, durante un ridículo accidente en medio del mar que puede tener consecuencias fatales, que la mujer a quien jamás nos resignaríamos a perder es a Clea.

Tokio blues, de Haruki Murakami.
El mundo se divide en dos: los que se enamoran de Naoko y los que se enamoran de Midori. Y yo, a pesar de las apariencias y de esta misma lista, voy por Midori. El adolescente narrador de la novela no se da cuenta de eso, y aquello es su perdición. Por mirar cómo Naoko iba arrojando los lastres de su vida en aquel pozo espectral en mitad de un bosque, hasta terminar arrojándose a sí misma, se perdió el espectáculo luminoso de las piernas de Midori expuestas por una minifalda inolvidable; de la sonrisa de Midori en lo alto de una azotea; de las conversaciones pornográficas y los chistes tontos de Midori; de los ojos chispeantes de Midori que apenas ocultan sus lentes de sol; de la capacidad para superar el dolor, la pérdida y hasta la felicidad que tiene Midori; y sobre todo se perdió ese espléndido milagro de encontrar a una chica que es capaz de mirarte a los ojos y decirte, sin verdades veladas, escondrijos ni trucos: te amo.

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John Cheever y John O’Hara y Richard Yates.:he aquí, según Rodrigo Fresán, el canon que explica a Charlie Brown, en el que tambiéna aparecen como estrellas rutilantes Salinger, Quino, Chris Ware y Daniel Clowes y Charles Burns, películas como The Royal Tenembaums y series como Seinfeld. En el suplemento "Radar", Fresán comenta la biografia de Charles Schulz en un extraordinario artículo.

Dice Fresán: "aquí ya está el germen identificable de un futuro e inmediato virus más que interesante: niños de cabeza grande que hablan con expresiones de adultos (ese insistente good ol’ ya en la primera entrega) y a los adultos no se los ve ni se los verá jamás por ninguna parte. Se habla de ellos pero han desaparecido como exterminados por una bomba atómica que sólo acaba con los mayores de la especie. Y entonces lo comprendemos: es 1950 y estos niños –los niños de Peanuts– son, culturalmente, los hijos de los personajes disfuncionales y martirizados y martinizados de John Cheever y John O’Hara y Richard Yates. Así que, tal vez, mejor no verlos junto a niños, porque los niños suelen terminar muy mal en sus relatos. Y otra cosa: uno de los niños –pero pronto sabremos que no será el único– no vacilará en reconocer y hasta intentar propagar el odio por uno de los suyos desde ese mundito en la página de historietas de un diario. Y ese mundito –el campo de béisbol, los jardines nevados, las aulas, las ventanillas de autobús, los cordones de vereda, los livings, la colonia de vacaciones, el “kiosco” de la psicoanalista, el frente al que se pasa en un aula, las camas y la casita del perro– es una jungla. (...) Los personajes de Peanuts tienen un curioso patrón de crecimiento: apenas sumaron un par de veranos e inviernos desde 1950 y los que empezaron como bebés se desarrollaron hasta alcanzar la estatura de los mayores y allí se quedaron y allí seguirán para siempre. En algún lugar entre los ocho y los diez años de edad. No importa demasiado porque los niños de Peanuts han crecido en otras partes: en los Glass de Salinger, en las pesadillas de los comics de Chris Ware y Daniel Clowes y Charles Burns, en la conciencia política de esa prima lejana que es Mafalda, en películas como The Royal Tenembaums, en series de televisión como Seinfeld, en el indestructible vínculo de ese otro niño con ese animado tigre de peluche, en todas partes y, muy especialmente, en el recuerdo de los tormentos pesados y las ligeras alegrías de nuestras propias infancias cuando la cabeza (y lo que ésta contenía) pesaba tanto más que nuestros frágiles cuerpitos.

Además, recuerda en palabras del propio Schulz el origen del comic: "Cuando yo era un niño, creía que mi rostro era algo tan soso que la gente no me reconocería si me viera en algún sitio diferente de donde solían verme. Siempre me sorprendía que cuando, de compras con mi madre por el centro de St. Paul, me encontraba con algún compañero de escuela o con una maestra, éstos supieran que era yo. Yo pensaba que mi aspecto muy común era como un disfraz perfecto. Fue esta extraña manera de pensar y sentir las cosas que inspiró el rostro redondo y común de Charlie Brown (...) durante mi infancia en el colegio no es que me odiaran porque yo no le importaba tanto a alguien como para odiarme (...) Charlie Brown tiene que ser el que sufre, porque es la caricatura de la persona común. Y la mayoría de nosotros estamos mucho más familiarizados con el fracaso que con el triunfo"

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¡Estoy feliz! O más precisamente, entusiasmado. ¡Cómo no se me ocurrió antes! Esta fotografía publicada en el Paper Cuts , el blog del NYT, acaba de resolver mi problema de espacio (vivo en un estudio de 30 mts2) Yo creo que sí me resulta. ¿Alguien conoce a un buen carpintero?

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No, no quiero decir que Guillermo Fadanelli ha tomado la justicia con sus manos ante la crítica adversa (como lo hizo un rollinga escritor peruano hace unos años en episodio de triste recordación) sino que en entrevista con ADN Cultura él se ha considerado así: un boxeador frustrado, un escritor ocioso, chico malo, camisas exóticas, editor underground y fan de John Fante. Actualmente disfruta de una beca en Berlín y su novela Malacara salió el año pasado en Anagrama.

Dice Fadanelli: "El lector siempre es un desconocido, y me intimida cuando se vuelve real. Creo que los comentarios o reacciones que despierta la novela son apostillas que completan la obra, incluso forman parte de su historia. Lo que sí me molesta es que las sociedades sean cada vez más idiotas, pero ahí encuentro una virtud: nos obligan al exilio, entendido como "conocimiento de uno mismo".

También declara: "Coincido con Malacara en que el escritor es un dios mediocre, pero eso no me ha hecho un ser desgraciado; al contrario, la literatura hace más tolerable el duro "inconveniente de haber nacido", como diría Cioran (...) mí me gusta imaginar la novela como un universo que ningún dios domina. Cómo escribir sin la pedantería del pequeño dios que crea mensajes y lleva al lector de la mano hacia una catarsis: ése, y no otro, es "el" asunto. Para mí la literatura es una extensión de la amistad, y por suerte hay una larga lista de autores que considero mis amigos, aunque no todos los libros que han escrito me interesan: Philip Roth, Thomas Bernhard, Jorge Ibargüengoitia, Rubem Fonseca, Roberto Arlt, Fernando Vallejo, entre muchos otros. Publicar -más que escribir- es un acto impúdico, sobre todo ahora que hay tanto ruido. Prefiero leer, aunque continúo escribiendo a causa de una costumbre maníaca, y porque todavía espero encontrarme en el futuro con un par de sorpresas.

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Antes de que las noticias sobre el calentamiento global y el asteroide que va a chocar con el planeta (esas cosas que sabe la NASA pero no se las dicen a nadie) nos asutaran a todos, pensar en el año 2,073 era posible. Por eso Mary Shelley, la mamá de Frankestein, en el remoto año de 1826, escribió una novela futurista y la ubicó en ese año. Se llama El último hombre y aparece traducida en España por primera vez.

Dice la nota: "Año 2073: una extraña epidemia, fruto de una guerra, avanza por el planeta hasta empezar a extinguir a la humanidad. Esta simple trama de novela futurista, bautizada además como El último hombre, no tendría quizá mucho atractivo hoy si no fuera porque fue escrita en 1826 por Mary Shelley. Muchos la consideran su novela más ambiciosa y un ejemplo típico de roman à clef. La obra, que estuvo siempre a la sombra del Frankenstein que escribió ocho años antes, aparece ahora por primera vez traducida al español por El Cobre. Amén de una crítica a la estructura social de la época, cada personaje responde al núcleo cercano de la escritora: si el narrador, Lionel Verney siente la angustiosa soledad que sufría la autora tras la muerte de su compañero, el poeta Percy Shelley; el inevitable lord Byron muda en lord Raymond, que lucha en Constantinopla por la libertad de un pueblo que no es el suyo, como hizo el autor romántico. "

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Si no hubiera subido a ese fatídico avión en 1983, que también se llevó a Manuel Scorza, este años el escritor mexicano Jorge Ibargüengoitia hubiera cumplido 80 años. En "Milenio" comentan lo que se prepara para celebrar su natalicio , que incluye una exposioción, y en "El Universal" Gonzalo Valdés Medellín escribe una columna de opinión sobre el estupendo narrador y dramaturgo. Además, en Letras Libres aparece un inédito del autor, "Isabel cantaba", presentado por Guillermo Sheridan.

Dice la nota: "Para conmemorar el 80 aniversario de su natalicio, la Coordinación Nacional de Literatura del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) preparó la exposición Los pasos de Ibargüengoitia, integrada por fotografías, documentos, libros, video y hasta sonidos de una conferencia dictada por el escritor en agosto de 1966 en el Palacio de Bellas Artes, bajo el título Los narradores ante el público.“Se trata de ofrecer una visión íntima del escritor”, contó Beatriz Castillo, curadora de la muestra, “por lo cual hasta pedimos el apoyo de su viuda Joy Laville, a quien pertenecen algunas de las fotografías, y quien ha manifestado su emoción porque al escritor se le habían organizados presentaciones de sus libros, conferencias o montajes de sus obras, pero nunca una exposición. A ella le va a dar mucho gusto ver a tantos Jorge’s juntos.”La muestra tiene el propósito de dar a conocer el entorno del escritor guanajuatense, desde su nacimiento hasta sus últimas actividades, mediante el uso de los acervos de la coordinación, que no sólo son bibliográficos o hemerográficos, sino además audiovisuales, siendo la primera ocasión en que se ofrece este panorama múltiple. (...) De entre los cuatro expedientes, con alrededor de 400 documentos o fotografías, la fonoteca cuenta con una grabación de aquella conferencia de Ibargüengoitia en la cual se preguntaba acerca de las razones de su escritura. Asimismo, se presentará el video de un programa realizado por el escritor, con el que se complemente ese acercamiento íntimo al escritor, asegura Beatriz Castillo.

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Reconozco que, pese a lo pólémico del personaje, soy un lector fanático de Peter Handke desde que leí en la universidad El miedo del portero frente al penalty, El chino del dolor y en especial Desgracia impeorable. Un gusto que, debo decir, no comparto con ninguno de mis conocidos que lo consideran denso o aburrido. Por eso, esta noticia me deja un poco desolado: Handke se plantea dejar la literatura.

Dice la nota: "El controvertido escritor austriaco Peter Handke se plantea dar por terminada su carrera literaria por considerar que ha dicho ya todo lo que tenía que decir en su vida. "Tras casi 40 años de desempeñar este maravilloso oficio, a veces pienso: has bosquejado, suavemente o con energía, todo lo que tenías que bosquejar en tu vida. Ahora es tiempo de terminar", dice Handke en una entrevista que publica la revista alemana Cicero en su edición de febrero. Handke, de 65 años, logró reconocimiento como narrador a partir de la publicación en 1979 de la novela El miedo del portero ante el penalti y como dramaturgo su obra siempre suscitó polémicas. Además, Handke colaboró intensamente, como guionista, con el cineasta Wim Wenders, en películas como Falso movimiento y Cielo sobre Berlín.

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Imitando a Pablo Neruda leyendo poesía -"para que se rían" dijo- el vitalísimo poeta chileno Gonzalo Rojas inauguró la semana de deliberaciones del Premio Casa de Las Américas en Cuba. Habló también de César Vallejo, Jorge Luis Borges y Octavio Paz. Además, se declaró "fidelista" aún. Nadie es perfecto.

Dice la nota: "El escritor llegó a Cuba el pasado sábado para inaugurar la edición 49 del Premio Casa de las Américas, que se extenderá hasta el día 31 con el concurso de unas 400 obras de 24 países en los géneros de poesía, cuento, ensayo de tema histórico-social, literatura brasileña y literatura caribeña en francés o creole."Yo tengo el Cervantes, no sirve para nada, todos los premios son inútiles, pero este premio me gusta, este premio me es", indicó el escritor sobre un concurso regional del cual ha sido jurado y donde en 1964 obtuvo mención por su poemario Fragmentos.En declaraciones confesó que no estaba seguro de escribir "poesía todos los días", aunque afirmó que: "pienso poéticamente, vivo poéticamente, apuesto mi vida a la poesía como siempre".Añadió que estar en La Habana es como el "oxígeno mismo, un oxígeno tremendo, el mismo oxígeno que se me dio aquí el primero de enero del 59", fecha del triunfo de la revolución.

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La novela de José Donoso, recuperada por Julio Ortega, Lagartijas sin cola ha sido motivo de un extensa reseña en Radar Libros, escrita por Osvaldo Aguirre. Además, entrevistan a Julio Ortega sobre el hallazgo.

Dice Julio Ortega: "Digamos, primero, que todo gran escritor es sobrevivido por sus inéditos. Hay que desconfiar, digo yo, de los narradores que lo tienen todo publicado y compiten con ellos mismos en fatigar las prensas. Pero la prueba de fuego no es la valoración misma de esos inéditos sino la trama delicada que no acaba de resolverlos. Yo he tenido la suerte de aventurarme en los manuscritos de Vallejo, de Borges, de Cortázar, pero el encuentro de este texto de Donoso es más intrigante. En todo crítico hay un personaje de Henry James, alguien que vive la novela de un manuscrito como un misterio. El hecho es que no sabemos por qué Donoso abandonó esta novela. Y su lugar en la obra es extraño, casi una fábula póstuma sobre la precariedad del artista en una época en que el escritor se ha convertido en un productor de residuos, en un agente residual.

[Respecto a si por culpa de la dictdaura no publicó el libro antes el autor] Pilar Donoso, su hija, así lo entiende y yo le creo. Pero caben otras explicaciones, y en este momento creo en varias porque dudo haya una sola. He pensado que los personajes provienen, tal vez, del entorno de amigos y que Pepe sintió que esta vez se metía demasiado con la vida de los otros. Lo hizo algunas veces, y le costó mucho. Enrique Planas, narrador peruano, me ha convencido de que la trama homosexual, que no está desarrollada aunque es un motivo explícito, puede haber sido otra causa. Y tiene razón. También es una novela emotiva, cuyo crecimiento narrativo va en contra de su decrecimiento interno, ya que se trata de una renuncia.

También dice Ortega: "(...) la novela es sobre un pintor que en un instante de lucidez entiende que no puede seguir produciendo para un mercado que dictamina su obra, su éxito o fracaso. Decide retirarse en un pueblo perdido y no pintar más. Ese gesto romántico es sin embargo polémico porque cuestiona al sistema. Pero su rebeldía no es ejemplar, es tarde también para eso. Donoso se decide por la fabulación paranoica del artista sin lugar en este mundo. Quizá la novela es inacabable por eso, no tendría sentido como un best-seller entre novelas premiadas. Es, digamos, la única novela impremiable."

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Vía The Literary Saloon me entero de que ha aparecido una nueva novela de Kenzaburo Oe en Japón, bajo el título Routashi Anaberu Rii Souke Dachitsu Mimakaritsu" ("The beautiful Annabel Lee was chilled and killed"). La novela tiene dos novedades, por lo menos: la protagonista es una mujer y, aunque por el título no lo parece, el final es feliz. La novela está inspirada, como es obvio, por el poema "Annabel Lee" de Edgar Allan Poe.

Dice la nota: "The book opens with a scene of the novelist (also the narrator of the story) being reunited with a film producer after a 30-year interval. Once they had tried to make a movie in Japan with an internationally renowned actress named Sakura commemorating the 200th anniversary of the birth of the German writer Heinrich von Kleist (1777-1811). In the process, however, it was revealed that Sakura had been sexually abused by her American guardian during the Occupation. After another scandal involving the film crew, production of the movie stopped. In Oe's new novel, the plan to make the film is given a second try on Sakura's initiative.

Dice Oe: "This is the first time I have chosen a woman to be the leading figure," Oe says. He adds that although women are the protagonists in "Ame no Ki (Rein Tsurii) o Kiku Onna-tachi" (Women listening to a 'rain tree,' 1982), "Jinsei no Shinseki" (An Echo of Heaven, 1989) and "Shizukana Seikatsu" (A Quiet Life, 1990), he used the women as mirrors to write about men. "This is the first time I decided to depict a woman," Oe says. "For the first time, I decided to write a novel with a happy ending, where someone flees from a place of suffering. A woman, wounded as a girl 30 years earlier, is healed after finally filming a movie. [The novel] ends with the woman, who is like Annabel Lee, facing a bright future. I intentionally hoped to offer up some optimism (...) I like forming grand plans and begin writing in the hope of pulling them off, but I always come upon the fact that the novel will not end unless there is a setback. If you think about it, if the leading character is watashi or boku [I], there is no way the character will succeed. This time I chose a woman as the main character and led her to a happy ending. After I finished writing, I felt that a bright outlook gained after overcoming life's difficulties is about actively accepting one's youth anew"

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Dicen que Stefan Zweig se suicidó dejando en su nota final un agradecimiento a país que lo acogió antes de su muerte: "Antes de abandonar esta vida, con pleno conocimiento, y lúcido, me urge cumplir con un último deber: dar gracias a este maravilloso país, Brasil, que tanto me ha ofrecido". Los años perdidos de Zweig en Brasil son motivos de una película: Lost Zweig

Dice la nota: "Basada en la obra Morte no Paraíso (1981) del periodista Alberto Dines, Lost Zweig es el primer testimonio que indaga en este pasaje olvidado —puede que intencionadamente— de su biografía. Son muchos los que piensanque Zweig pudo haber sido objeto de una conspiración. Al parecer, no se realizó autopsia ni se llevó a cabo una investigación sobre los hechos y, días antes de su muerte, el propio escritor hablaba de unas cartas anónimas amenazantes. Aunque no entra a analizar estas hipótesis, el director, Sylvio Back, reconstruye con detalle su ‘vida brasileña’ desde que llegó exiliado en 1941. Desde la tensión entre sus recuerdos de la Europa prehitleriana y la ilusión de que Brasil le devolviera su confianza en el mundo a las duras críticas que sufrió por la publicación de ‘Brasil: País del Futuro’; sin olvidar sus delicadas relaciones con la dictadura de Vargas."

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Más notas sobre la complejidad del negocio literario en España y América Latina. ¿Realmente es un boom o más bien una falsa alarma? Gracias a The Literary Saloon me entero de una nota en The Economist al respecto escrita a partir de las ventas en la FIL Guadalajara.

Dice la nota: "In the past five years big international publishers such as Planeta, Santillana and Random House Mondadori have bought local imprints throughout the Spanish-speaking world. This lets them market books worldwide while selling at local prices, and scout for promising writers. Deals that offer rights across several regions are becoming more common. And although the number of titles published in Spain has declined slightly for the past few years, it is growing strongly in Latin America. Five Latin American countries now have higher rates of book readership than Spain.
Even so, distribution in Latin America remains difficult. As if to underscore this, a container of books was stolen on the way to Guadalajara. Counterfeits are also a problem for publishers. Riccardo Cavallero, boss at Random House Mondadori, the leader in Spanish-language paperbacks, says that in Chile sales of pirated books can equal those of legitimate copies. There is also a wide variation between Spanish-language markets. Mexico has few bookshops—one for every 82,000 people, or an eighth of the number in Spain. And the enthusiasm at Guadalajara notwithstanding, the industry frets that readers are scarce or, sniffily, that they prefer self-help books to more elevated fiction. Novelists and poets in Latin America are often prominent public intellectuals. In Mexico writers can still benefit from generous tax breaks, stipends and government appointments. “The idea is that culture generates the nation,” says Álvaro Enrigue, a novelist. This system may produce fine literature, but the resulting work does not always have broad appeal: a well-received Mexican novel may sell only 5,000 copies worldwide, though political non-fiction can sell 100,000 and be very influential. Things are better in Argentina, by contrast. It has a bookshop for every 48,000 people, more than 2,000 public libraries, and avid readers. Its publishers produce nearly eight times as many titles as Mexico's, even with less than half the population. The economic crisis six years ago boosted local publishing by making imported books prohibitively expensive. Costs remain low there, and many companies—such as Planeta, which publishes the Spanish translations of “Harry Potter”—print books in Argentina for distribution abroad. The biggest hurdle now, says Daniel Divinsky, who publishes “Mafalda”, a children's title that has sold more than 20m copies since the 1970s, is that Argentina's creaking printing infrastructure is running at maximum capacity.

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Bajo el poco sutil nombre de "Crímenes de tinta" (que más parece el título de una serie policial de TV cutre), la policía catalana está promocionando el primer premio de literatura policial en lengua catalana. La mejor noticia es que el jurado lo conformaránn no sólo escritores sino policías ¡Eso sí que será buenísimo!

Dice la nota: "Los Mossos d'Esquadra, igual que hace la policía francesa, patrocinarán un nuevo premio de novela negra, Crímenes de Tinta, que será además el primero del género en lengua catalana y que editará el grupo RBA. El primer premio literario en catalán de novela negra, de intriga y policíaca, estará dotado con 25.000 euros y la obra tendrá que ser inédita. La novela ganadora, que se fallará el 24 de abril próximo, Día de las Esquadres, será publicada por editorial La Magrana, del grupo RBA.

Los responsables de Interior han comentado que con la creación del premio Crímenes de Tinta se retende "fomentar la creatividad literaria en lengua catalana en aquellos géneros que tratan temáticas relacionadas con los ámbitos competenciales del departamento". Al mismo tiempo, también persigue "profundizar en la integración social de los hechos policiales y aproximar la cultura y la policía, ha añadido Boada.

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Desde hace unas semanas, el suplemento "Babelia" le dedica una columna a la literatura latinoamericana. La inauguró Jorge Volpi, con un excelente artículo quiero subrayar, y ahora me invitaron a mí a participar. Se la dediqué a la pluralidad que, creo yo, es el rasgo distintivo de la literatura peruana -y universal- en la actualidad:

Actualización 21/01.- Paolo de Lima comenta en su blog el artículo y pone entre comillas el término "pluralidad". Mientras tanto, Daniel Salas en "El Gran Combo" y Gustavo Faverón en "Puente áereo" replican la posición de Paolo de Lima.

"No es necesario tener un blog de actualidad literaria, como es mi Moleskine Literario, para estar enterado de que las broncas literarias existen en todas partes y con igual intensidad -y necedad-. Basta leer cualquier biografía de escritores, cualquier historia de una época, para enterarse de peleas y más peleas. Cambian los actores, cambian los argumentos, cambia todo y lo que sea, cambia la calidad literaria y la calidad humana, pero no cambia el instinto de enfrentamiento y la necesidad de derrotar (con argumentos o sin ellos) al otro. En Perú, hace unos años se originó una bronca de agitadas consecuencias cuyo germen fue, justamente, un encuentro literario de narradores peruanos en Madrid. La discusión tuvo sobre todo aristas intrascendentes pero también cierto cuestionamiento interesante. En su parte más frívola, se discutía sobre el tamaño de la foto en los artículos en una revista de actualidad; las veces que aparecía el nombre de X o de Y en los periódicos; quién vendía más libros y quién tenía más homenajes en los colegios fiscales; quién publicaba en las editoriales "imperialistas" y quién se autopublicaba por decencia. También se rebajó el nivel a ciertos chismes -no del todo faltos de interés como souvenir literario- sobre la higiene de ciertos escritores o sacados al fresco por amarillentas reseñas escritas 25 años atrás y guardadas con celo, con la esperanza de disfrutar una cena fría. Finalmente, la frivolidad dio paso a la paranoia y se habló de "mafias literarias" organizadas con enorme cálculo y profesionalismo para evitar que ciertos escritores tuvieran éxito (aunque esas mafias no pudieron evitar ser bombardeadas con artículos de página entera en los mismos diarios acusados de "mafiosos").

En su parte más sensible, sin embargo, la br1onca literaria no carecía de interés. Se discutía, en primer lugar, sobre la necesidad absolutamente justificable de ser "reconocido" por el otro. ¿Reconocemos los escritores peruanos la existencia de los otros escritores? ¿Qué tan abarcador era aquel "punto ciego" que no nos permitía reconocernos unos a los otros? En ese sentido, se resumió la cuestión como una pelea de criollos versus andinos (aunque la versión de un crítico más agudo fue hegemónicos versus excluidos) y aunque se trató de simplificar la complejísima historia de separaciones y violencia de Perú en acusaciones con nombres propios, es innegable que no es fácil para el mundo literario peruano, eminentemente limeño, reconocer lo que sucede en ciertas regiones del país (no necesariamente andinas, por cierto).
Por otra parte, los argumentos de esta discusión que me parecieron más atractivos fueron los vinculados a la representación de la literatura peruana. El grupo de los que se consideraban a sí mismos "excluidos" reclamaba que un grupo se había arrogado para sí mismo, de manera injusta y arbitraria, la representación de Perú. Eran ellos los que se promocionaban en revistas y encuentros literarios como "escritores peruanos", solventados además por el marketing de sus editoriales transnacionales, y cabía preguntarse: ¿Con qué derecho? La propuesta de ellos, sin embargo, no era tan ingenua: lo que proponían era que la verdadera literatura peruana era la excluida. Es decir, la de ellos. Una literatura, de más está decir, vinculada a los conflictos sociales y a la descripción regionalista en contra de novelas "criollas", con sospechosa influencia norteamericana y que a veces, vade retro, ni siquiera sucedían en Perú.

La pelea por quién era el justo representante de la literatura peruana (una discusión inexistente en la época de José María Arguedas, por ejemplo, en que nadie dudaba de que él era obligatoriamente el escritor peruano y lo que se discutía era hasta qué punto podíamos permitir influencias extranjeras para no perder la peruanidad. ¿Dejábamos de ser escritores peruanos si introducíamos monólogos interiores, si mencionábamos el jazz en vez del huayno o si dividíamos la novela como Rayuela?) se ha convertido en un sinsentido actualmente. La noción misma de una literatura nacional me parece discutible, al igual que es discutible la idea de un canon único y unidireccional.
Ya es bastante complejo tratar de entender qué une a un país con una geografía tan variada, una sociedad tan dividida e incluso multilingüe como Perú. ¿Cómo podría entonces alguien decir que tal autor representa inequívocamente a la literatura peruana? La ambición por apoderarse de la totalidad de la representación literaria del país (de cualquier país, pero sobre todo de uno como Perú) es anacrónica no sólo por darle la espalda al mundo que nos tocó vivir sino, sobre todo, por ir contracorriente de la noción de antitotalitarismo con la que hemos crecido. Porque querer representar al país y convertirse en la única voz autorizada es de un absolutismo insufrible y manifiesta un deseo dictatorial sólo justificable por las nociones políticas maoístas con que se educaron algunos de esos escritores. En un mundo donde cada vez existen más libertades individuales y más minorías reconocidas, donde estamos aprendiendo a reconocer al otro por sus diferencias, y donde la literatura mundial muestra una pluralidad como nunca antes, ¿por qué alguien querría escribir la gran novela peruana o latinoamericana y silenciar a los demás?
Desterremos la palabra "tolerancia", muy del agrado de estos escritores dispuestos a tolerar con buen humor a los que consideran minorías hegemónicas o excluidas, y propongamos a cambio "pluralidad". Y en vez de pelearnos por estar falsamente unidos en torno a una obligación, hagámoslo por defender la diferencia de los demás.

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El jurado del premio Goncourt François Nourissier se ha jubilado dejando una sabrosa entrevista en Le Figaro que el suplemento "Radar Libros" resume así:

"François Nourissier, el veterano jurado y ex presidente del Goncourt que decidió alejarse por estos días del premio más castigado de Francia, explicó en una rara entrevista concedida a Le Figaro las razones de su alejamiento. “Me voy como quien no quiere la cosa. Las discusiones de la Academia demandan una energía que a esta edad, y dado mi estado de salud, ya no tengo más.” Cuando se le preguntó cuál de los jurados fue el que más lo marcó, nombró a Hervé Bazin por ser maníaco y extraño. Por su parte, el libro premiado que más lo satisfizo fue Ingrid Caven de Jean-Jacques Schuhl, un escritor “también raro”. La cosa se puso un poco más interesante cuando el periodista le preguntó de qué se arrepentía durante los treinta años que integró el Goncourt: “De no haber premiado nunca a Houellebecq. Una vez fuimos recibidos por el presidente Chirac, que me reprochó haberlo defendido a Houellebecq, un escritor inflado, según sus palabras. Yo le repliqué que no era su rol tomar partido de eso, y en ese encuentro llegué a brindar por Michel Houellebecq”. Con respecto a cómo ve el futuro del Goncourt, Nourissier se mostró optimista: “Cada año predicen su muerte y todos los años la novela premiada es sensación en todos los diarios. La academia Goncourt tiene al menos una ventaja: mantiene viva la literatura”.

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Soy un fan casi incodicional de "Seinfeld" aunque, probablemente, debería especificar que lo soy sobre todo de su co-creador Larry David. Y ese gusto es compartido con otros escritores (salvo Mario Bellatin, que es un apóstata). Alguna vez me confesó Alan Pauls que ver la serie fue muy bueno para escribir El pasado. Pero no es el único narrador argentino subyugado: Guillermo Martínez escribe brevemente sobre la serie en el especial sobre sit-coms gringas que presenta ADN cultura:

"Si bien Seinfeld se presenta a sí misma como una sitcom "sobre nada", basta mirar cualquier episodio al azar para advertir que esta "nada" nunca es menos de dos historias -desarrolladas y resueltas en media hora- siempre ingeniosas y sutilmente conectadas, más una cantidad de chistes y diálogos brillantes, más la destreza escénica y los tics extraordinarios de George, Kramer, Elaine, más esa cualidad inasible, tan infrecuente en televisión, y que podríamos llamar, en sucesivas aproximaciones, talento, clase, originalidad, gracia La serie fue a duras penas sostenida en el aire, durante cuatro temporadas, por una cantidad fiel pero minoritaria de espectadores. Finalmente "explotó" cuando la pusieron a continuación del programa líder Cheers y fue descubierta por millones. La base de la comicidad, casi siempre, es detectar detalles ínfimos de la vida cotidiana y agrandarlos hasta el absurdo con la lupa de la obsesión, de la fobia, o del entusiasmo equivocado. Sin proponerse provocar, Seinfeld llegó lejos como pocas series en cuanto a humor negro (la muerte desternillante de la novia de George), o al sexo (la apuesta sobre quién resistirá más tiempo sin masturbarse). Y posiblemente más lejos que todas en cuanto a inteligencia. "

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La muerte de Julien Gracq ha hecho recordar a muchos la figura del escritor retirado, el eremita, que muere en silencio y lejos de cualquier plataforma mediática (incluso hay pocas fotografías suyas, ni se diga de asistir a programas de TV o mantener blogs). ¿Es la figura del escritor ermitaño un dinosaurio pronto a desaparecer en tiempos mediáticos? Jesús Marchamalo, para el ABCD las letras, menciona algunos casos notables:

"A pesar de este mercado de vanidades, este escaparate de notoriedad, hay quien decide convertirse en eremita de las letras. El escritor alemán Patrick Süskind, por ejemplo, raramente concede entrevistas, ni aparece fotografiado, y ha rechazado varios premios. Tampoco Philip Roth resulta especialmente accesible. Vive en su casa de Conecticut, apenas da entrevistas -un síntoma recurrente- y se precia de no haber aparecido jamás sonriendo en una foto. Y hay quien, como Thomas Pynchon, ha hecho de su defensa de la intimidad una seña de identidad. De él se cuenta que ni siquiera sus editores lo conocen, y que destruyó documentación sobre su servicio militar y su paso por el instituto para borrar las huellas de su pasado. Aunque sin duda el personaje esquivo por definición sea Salinger, cuya última foto conocida, increpando al fotógrafo que se la hacía, dio la vuelta al mundo. Últimamente, Cormac McCarthy, autor de La carretera y No es país para viejos, también se ha pasado al bando de los huidizos. McCarthy, según su agente, no existe para los periodistas, ni existe para sus editores. Y aunque en junio de 2007, a los setenta y tres años, concedió su primera entrevista en televisión a Oprah Winfrey (tampoco es una mala elección), entiende que su escritura y su obra hablan perfectamente por sí mismas.
Pimpampum de feria. «Es cierto que todavía el escritor mantiene una aureola sacra -opina el editor Constantino Bértolo-. Provoca una curiosidad saber cómo es, qué piensa, cómo se expresa. Creo que en este sentido aún hay cierta necesidad de tocar al santo. Pero hay quienes tienen claros los límites. Hace tiempo conocí a Naipaul y, aunque tiene fama de maleducado, no se niega a participar en un diálogo sobre su obra, siempre desde el respeto. No entiende que alguien pueda ir a hablar de sus libros sin haberlos leído, o que le saque a colación otros temas que nada tienen que ver con la literatura, o que lo traten no como a un escritor sino como a un pimpampum de feria. Es perfectamente capaz de distinguir entre el autor y la obra.» En España, entre otros muchos silenciosos ilustres, Javier Marías, que es relativamente reacio a aparecer en los medios de comunicación fuera de los estrictos periodos de promoción, y Rafael Sánchez Ferlosio: no suele conceder entrevistas, ni hacer apariciones públicas, ni declaraciones. Parece que cuando el entonces director del Instituto Cervantes y hoy ministro de Cultura, César Antonio Molina, le comunicó en un acto público que pensaban poner su nombre a una biblioteca, el escurridizo Ferlosio le miró, tomó la palabra, y allí mismo le dijo que de ninguna manera.

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Kjartan Fløgstad es un escritor noruego cuya obra puede leerse traducida en Lengua de Trapo. Actualmente, está de visita en Chile (uno de los escenarios de su última novela traducida Paraíso en la tierra) y ahí lo entrevistan para la Revista de Libros de "El Mercurio" ¿Quieren saber cómo viven los escritores escandinavos? Esto dice Fløgstad:

"En general, Noruega no es Paraíso en la tierra. Sin embargo, no cabe duda de que los escritores escandinavos, y los noruegos en particular, tenemos condiciones de trabajo inigualables. El estado compra, por ejemplo, 1.000 ejemplares de cada título nuevo de literatura original y poesía traducida para distribuir a las bibliotecas populares por todo el país. Hay un sistema sofisticado de becas literarias y también un sueldo garantizado para artistas, etc. Todo esto sirve para mantener viva una cultura literaria en un país que tiene menos de 5 millones de habitantes. En los países hispanohablantes la situación es muy distinta. El castellano es un idioma universal, la versión original de una novela chilena puede tener lectores por todo el mundo. En sociedades tan pequeñas e igualitarias como las escandinavas, escribimos todos los escritores para un público culto y totalmente alfabetizado. Todavía quiero creer, o quiero tener la ilusión de que mi próxima novela puede ser leída por todos, al mismo tiempo por un embajador y un campesino; un catedrático, una profesora de escuela primaria y un obrero industrial. Es probablemente una ficción, pero quizás sea ésta la ficción más importante que los escritores -noruegos o chilenos- estamos cada día tratando de crear.

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Como regalo de fin de año, el New Yorker publicó un asombroso texto en el que se veían las sugerencias y los tijeretazos que Gordon Lish, el astuto editor, hacía al cuento "Beginners" de Raymod Carver. Ver ese texto, incluso si conocíamos la historia, era asombroso. En "Babelia", Antonio Muñoz Molina comenta el tema.

Dice: "Suele pensarse que este tono de sutil o explícita celebración llegó a la literatura de Carver en su segunda vida, según se afianzaba su amor con Tess Gallagher y su celebridad de escritor, en el tiempo demasiado breve en el que aún no sabía que iba a morirse con cincuenta años de un cáncer de pulmón. La sequedad quirúrgica de su primer estilo parecía que daba paso a una nueva complacencia en la escritura, a una riqueza mayor de pormenores y de matices. Pero en literatura todas las explicaciones claras son dudosas, y todo prestigio tiene una parte mayor o menor de malentendido. Multitudes de imitadores han venerado la inflexible austeridad expresiva de Raymond Carver y, como suele suceder, la han simplificado hasta la caricatura, pero ahora vamos sabiendo que el propio Carver no era del todo responsable de los despojamientos máximos de su estilo. En su número de fin de año The New Yorker publicó un relato inédito que se titula Beginners y que es una versión previa del que hasta ahora conocemos como De qué hablamos cuando hablamos de amor. El amigo y editor de Carver, Gordon Lish, eligió el nuevo título, pero no sólo ayudó a corregir la escritura y la trama: añadió cosas, suprimió casi la mitad del texto, cambió el final. En 1980, en una carta llena de inseguridad y de remordimiento, Carver le pidió a Lish que retirara ese cuento y alguno más del libro que iba a publicarse. Estaba agradecido al editor que lo apoyó tanto en sus años peores, temía parecer ingrato, perder su amistad: pero tampoco quería que su historia quedara desfigurada. Leídas ahora, una al lado de la otra, las dos versiones dejan una sensación desconcertante: el texto original de Carver revela honduras que se han perdido en el otro; lo que hasta hace nada nos parecía un modelo de contención en el cuento que conocíamos ahora tiene algo como de catatonia emocional y expresiva. El libro, a pesar de todo, se publicó así, y tuvo tanto éxito que cambió para siempre la carrera de Raymond Carver, quien nunca mostró en público su discrepancia con Lish, aunque rompió con él poco tiempo después. El estilo de aquellos cuentos, tan único, era en parte la invención de otro hombre. El reconocimiento público se otorgaba a alguien que era parcialmente un impostor. Pero quién no se siente así al recibir ciertos elogios; quién tiene el coraje necesario para negarse a aceptar algunas formas de admiración que intuye falsas o completamente equivocadas.

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Todos los años, amigos y alumnos míos sueñan con ir a un Safari Literario a Buenos Aires. Pero ¿Es es eso un mito o es ciertamente boyante la industria libresca en Argentina? Altos alquileres, precios bajos, pocos lectores, impuestos, excesivas novedades: un artículo de Silvina Friera nos devuelve a la complicada realidad de las librerías argentinas.

Dice la nota: "Los libreros consultados por Página/12, Skidelsky, los hermanos Fernando y Alejandro Pérez Morales, de La Boutique del Libro, y Marcelo Berstein, de Librerías Paidós, coinciden en afirmar que la subida de precios de los locales, en centros comerciales o en las principales avenidas (Corrientes, Santa Fe, Las Heras), los afecta a todos. “Una librería vende entre 1300 y 2000 pesos por metro cuadrado”, calcula Skidelsky. “En Galerías Pacífico, donde estamos nosotros y Cúspide –que está hace ocho meses sin local por estas mismas prácticas: el que tenía antes se lo dieron a Etiqueta Negra, la casa de ropa que viste a Marcelo Tinelli–, pasé de vender de 1300 pesos a 2000, pero es una circunstancia muy particular en donde de un día para otro me convertí en la única librería”, explica el dueño de Capítulo Dos. “Si en 80 metros de librería voy a vender 1500 pesos, pero en un lugar que no es el mejor del shopping, estamos hablando de una venta de 120 mil pesos mensuales. Las librerías tienen un precio de venta al público, pero después hay que realizar los descuentos. Si vendo 120 mil pesos de promedio y me queda de margen bruto 50 mil, ¿cómo hago para pagar 50 mil de alquiler y después los sueldos, las cargas sociales, los impuestos? Es imposible”, responde Skidelsky."

"“Es cierto que se publican más libros, pero esos libros duran veinte o treinta días y después son reemplazados por otros. Muy pocos son los títulos que perduran”, sostiene Alejandro Pérez Morales. “Nosotros recibimos 300 novedades mensuales, y los libros que van a la estantería, que son los que más me interesa porque el fondo, lo que tenés en la estantería es lo que más vale, son cuatro o cinco. Los demás son devueltos y los editores los terminan liquidando a precios viles. Pueden editar, si quieren, cien mil títulos, pero el asunto es cuántos de esos libros perduran. Además, que se edite más no quiere decir que se lea más”, sugiere el librero. Skidelsky subraya que la barrera de edición bajó muchísimo. “Hoy cualquiera que quiera editar puede hacerlo, y me parece que las editoriales se están entrampando porque hay servicios de novedades hasta en enero, pero no hay mercado para eso”, plantea el dueño de Capítulo Dos. “Para tener este tipo de discusiones hay que correrse del bronce, porque si no parece que hay cosas que resultan antipáticas de decir. Si uno dice que se edita demasiado, alguien te puede replicar, pero ‘cómo, ¿vos no estás a favor de la bibliodiversidad?’. Que un libro se edite para estar veinte días en una librería y después terminar en un depósito no le sirve a nadie, menos al autor que quizá estuvo trabajando tres años en escribirlo. Un país que edita como mínimo veinte mil ejemplares por año, y va terminar teniendo menos librerías y de 80 metros cuadrados, que alguien me explique cómo harán los libreros para exhibir esos libros. No hay manera. Si estudiás el caso español, ocurre que hace años que se cierran librerías independientes o se achican. En España muchos editores te cuentan que los libreros les devuelven las cajas cerradas porque no tienen ni tiempo ni espacio para exhibir las novedades.”

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El hecho que Sean Penn haya decidido usar la novela de Jon Krakauer, Hacia rutas salvajes, como principio para su nueva película no es una casualidad. En una entrevista en "El País" confiesa cómo la literatura nutre siempre su interés artístico y de qué manera el espíritu dostoyevskano matiza sus actuaciones y sus filmes.

La cubierta del libro era demasiado bonita para no sacarle provecho inmediatamente: la fotografía en blanco y negro de un autobús, en plena naturaleza, cubierto a medias por la nieve. Después el título, Hacia rutas salvajes, incrustado en mayúsculas sobre el cliché, como si las letras formaran parte del paisaje. Desde el primer vistazo, Sean Penn (Santa Mónica, 1960) sabía que llevaría a la pantalla el relato del periodista Jon Krakauer. "Se me heló la sangre en las venas. Pensaba hacer mi lectura del fin de semana, pero las imágenes vinieron con las palabras. Tenía que adaptarlo". Una afirmación de Sean Penn se subraya siempre con un cigarrillo encendido. (...)

El entorno directo de Penn es, desde siempre, ajeno al mundo del espectáculo y está formado en gran parte por escritores. Entre ellos, el dramaturgo David Rabe y Charles Bukowski, que desempeñó, hasta su muerte en 1994, el papel de padre espiritual para el actor. "Él y su mujer fueron como unos padres. Estábamos juntos muy a menudo, era en los años ochenta, y llenaron una ausencia". Añadiremos también al novelista Harry Crews, quien aparece brevemente en Extraño vínculo de sangre, y del que Penn había intentado adaptar El rey del KO, la historia de un boxeador que se queda fuera de combate, completamente solo, en las discotecas clandestinas de Nueva Orleans. "Crews es el poeta de los extremos. Su lenguaje me obsesiona", reconoce el actor. Como el de Krakauer en Hacia rutas salvajes. Primero oyó sonidos, luego murmullos. Y estos murmullos remitían a otro punto crucial del libro. El recorrido de Christopher McCandless está subrayado por sus lecturas: La llamada de la selva, de Jack London; La muerte de Iván Ilitch; Doctor Zhivago. "La idea de un viaje a través de un espacio, como a través de los libros, me seducía, puesto que así enfoco mi vida: entre libros". Elegir un libro es un comportamiento reciente en él. Antes de llegar a los 40 más bien esperaba que los libros vinieran a su encuentro. Así se montó El juramento. Buscando una novela policiaca susceptible de hacer que Jack Nicholson, la estrella de su anterior película, Cruzando la oscuridad, deseara trabajar de nuevo con él, Penn había visto cómo su productor le proponía La promesse (Albin Michel, 1990), de Friedrich Dürrenmatt. "Cada etapa de mi vida corresponde a la lectura de un libro. Empecé por Salinger, luego Dostoievski. Crimen y castigo me encantó. Los monólogos de Raskolnikov sobre la razón y la locura desempeñaron un papel decisivo en mi carrera de actor".

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A partir de un artículo de Michel Melet, titulado "¿Y cómo va la muerte del libro?" Christopher Domínguez Michael se pregunta en su blog de Letras Libres por los nuevos avances tecnológicos y su relación con el libro. Y como un nuevo pero ardiente creyente en la tecnología según propia confesión (y que además usa Mac, como debe ser) la postura del crítico mexicano es optimista.

Dice el post: "Otro mito pertinaz comentado por Melot es aquel que dice que la televisión substituyó a la lectura. No fue así. La televisión substituyó a las partidas de cartas, al jugueteo mecánico en el piano o a la observación idiota del fuego hogareño. Melot admite que las estadísticas arrojan una paradoja: cada día se lee menos pero los lectores son más numerosos. Porque la lectura se ha diversificado, ya no dominan los lectores de libros serios encuadernados, ahora acompañados por quienes leen en línea, consumen artículos y toda clase de impresos o imprimibles, una categoría nueva. Ello no quiere decir que el lector arquetípico, el lector filósofo, el lector que pintó Chardin, vaya a desaparecer porque, como Melot alega, “el mal del libro es incurable. Pero nunca lo mata.” Se publican, por supuesto, toneladas de mala literatura e, inclusive, se publican toneladas de libros estúpidos, dañinos, fanatizantes, empezando por una parte de la propaganda distribuida desde hace siglos por las letradísimas religiones del Libro durante mil quinientos, dos mil años. En la época de Cervantes o en la de Flaubert también se publicaban porquerías inenarrables que, justamente, por serlo, quedaron olvidadas y perdidas, sometidas a la crítica marxista de los ratones pero disponibles para alimentar las investigaciones sociológicas o bibliográficas en el dominio de la teoría de la percepción. Siempre ha habido, por ejemplo, libros de superación personal: antes pasaban por devocionarios o literatura beata, de edificación. Y antes de Cristo no existía esa frontera, al parecer: la filosofía era a la vez práctica y metafísica. Es más: si Sócrates o Aristóteles entraran a cualquier librería del siglo XXI y buscasen libros de su profesión, les sería más fácil acercarse, al menos en primera instancia, a los autores de superación personal que a Hegel o a Jaspers.

(...)

Decir, como se dice, que las cadenas sólo venden mierda, es una verdad a medias pues la mitad de los libros que se venden en la FNAC, en Barnes & Noble o hasta en la Gandhi son maravillosos, gracias, entre otras razones, a una revolución ya vieja y triunfante y que en su momento también suscitó la santa cólera, la revolución del libro de bolsillo. Ese tema también lo trata Melot, al rebatir el pesimismo de George Steiner, quien llegó a temer la desaparición de los hardcovers. El propio Steiner renunció a esas predicciones y ahora mira ese escenario con perplejidad pero sin indicios apocalípticos (...) La aparición del libro-consola no significa que vayan a desaparecer los libros impresos, lo mismo los que atesoramos los bibliómanos con todo el sentimentalismo del coleccionista y sus amaneramientos, mismos que comparto hasta grados patológicos. Tampoco se irán los batalladores libros de bolsillo, con la lamentable excepción de aquellos que se fabricaron en la segunda mitad del siglo XX con pulpas de papel periclitable y que, como ninguna otra cosa, amenazaron al libro de una verdadera muerte física por pulverización. El consumidor de libros ya no acepta tan fácilmente esos libros malhechos, que se desencuadernaban, brutalmente pegados, sin coser y cuyas páginas amarrilleaban en un santiamén. Yo dedico algunas horas al año a posponer la muerte irremediable de mis ejemplares, por ejemplo, de la Colección Austral y requiero de la constancia de mis caprichosos encuadernadores. Dice Melot que los profetas de la muerte del libro ya se cansarán y les sugiere cambiar de rubro y pregonar, por qué no, la futura muerte de la digitalización. Quizá, digo yo, vivimos en la época de oro del libro y educados en el arte de la deploración, nos negamos a admitirlo. En el Kindle o en sus predecesores, que en un cerrar y abrir de ojos se venderán a la salida del metro Chapultepec, se almacenarán baratijas pero también manuscritos antes limitados a los eruditos, hemerotecas enteras. Quizá el Libro que Vendrá no ha llegado y está por llegar, me digo, en plan mesiánico y blanchotiano, al mismo tiempo que corroboro que me he transformado en un progresista. Y peor todavía, también observo me he vuelto un tanto bobalicón: a veces creo que vivimos en el mejor de los mundos posibles y me atormenta, al caer la noche, creerlo. Me digo entonces que el optimismo es una fantasía defensiva. Etcétera."

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Con uds. la ingeniosa lectura que Jean Francois Fogel hace de Historia del llanto (Anagrama) de Alan Pauls. ¿Esconde Pauls en su escritorio alguna olorosa magdalena?

Dice Foguel: "Ahora, no tengo la más mínima duda: a pesar de ser un novelista argentino, Alan Pauls podría ser una autor francés ; Acabo de terminar la lectura de su Historia del llanto y su castellano construido a base de frases largas y de un uso generoso de los incisos se parece cada día más a la música de Marcel Proust. En el final de La vida descalzo, su ensayo sobre la playa, había robado (un robo vergonzante y tan inteligente que se mere un elogio eterno) una frase de Proust sobre el vínculo entre la lectura y la enfermedad. Tengo mi sospecha con relación a su historia muy personal del llanto y de la necesaria relación del llanto con el dolor. No tiene el valor de robar la famosa frase "La force qui fait le plus de fois le tour de la terre en une seconde, ce n'est pas l'électricité, c'est la douleur" (la fuerza que más veces da vuelta a la tierra en un segundo no es la electricidad sino el dolor), pero hay una música, una respiración de las emociones que pertenecen al novelista francés. Quizás no hay una frase en el libro copiada en Proust, pero todas son muy parecidas.

"Si hay algo en verdad excepcional, eso es el dolor, escribe Pauls... El dolor es lo excepcional, y por eso es lo que no se soporta." Hay que entender esta idea del dolor: no se trata de algo físico, trivial, se trata de la crueldad de la humillanción, de la vergüenza. Al contar una vida (¿autobiografía?) Pauls se ubica en detalles sentimentales, personajes cuya falsedad es obvia, momentos de pánico frente a la muerte o a la perdida del ser amado. Aun más, el texto se dedica al llanto como proceso de formación: el niño disfrazado de Superman rompe un vidrio y sufre más de descubrir que no puede ser Superman que de sus heridas. Al final, y sin decirlo nunca, Pauls demuestra cuánto son necesarias las experiencias negativas y los dolores para constituir una personalidad. Hasta tal punto que su narrador mide sus propias limitaciones en las limitaciones de su llanto. Al no conseguir lágrimas en una situación que supone lágrimas se descubre a sí mismo.

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Javier Corcobado es un cantante español de voz grave, estilo crooner podría decirse, que en sus inicios (no he escuchado sus últimos discos) fue un imitador poco solapado de Nick Cave. Obvio, al reflejo le faltaba una dimensión: la literaria. Y es que Nick Cave tiene incluso una novela interesante (Y el asno vio al ángel, editada por Pre-Textos). Y ahora me entero en "El País" que Corcobado ha publicado también y dice que, en realidad, quiere ser escritor.

Dice la nota: ""De niño siempre quise ser cantante. Ahora que lo soy, de mayor quiero ser novelista. Y de enorme éxito". A Javier Corcobado (Francfort, 1963) siempre le faltó la disciplina que exige la narrativa. En su caótica juventud el arte surgió en forma de poesía-rock visceral, violenta y desaforada. A finales de los ochenta, ya estaba calado hasta los huesos en el exceso. De lo que surgió a partir de entonces se nutre el espectáculo de esta noche en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde Corcobado revisará su repertorio atormentado en Canciones insolubles (1989-2006). "Desde el momento en el que deseo tener dominio sobre mis canciones. Desecho la democracia aplicada a una banda. No se puede tener ninguna actitud política en un grupo de rock and roll". Radicalizó sus principios y con su disco Corcobator (1999) tocó fondo. "Estaba muy solo y enfermo, y rodeado de gente enferma. Para colmo, me entró una curiosidad malsana por sentir lo que sentían las mujeres. Me vestía de mujer a diario, hasta para hacer la compra". El abismo se le apareció bajo sus pies. Con el nuevo milenio deja Madrid y se refugia en A Coruña. Se olvida del rock y descansa. Hoy, Corcobado se despierta a diario en el desierto de Almería. Allí hizo realidad su sueño: que le llamen novelista. "Los años me han traído paciencia y serenidad, fundamentales para sentarse durante nueve meses al escritorio a generar una novela, como es El amor no está en el tiempo (Tropismos, 2005)". Con una nueva historia tomando cuerpo, Corcobado ha aprendido a ordenar su caos.

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¡No puede ser! ¡Alguien ha escrito el libro que yo estaba escribiendo! Bah, una raya más al tigre, no es la primera vez que me pasa. Felizmente, tengo chimenea. Ahora solo me queda esperar que alguien me traiga el libro de España. Mientras tanto, lean la reseña de Pudor y dignidad (Lengua de Trapo) de Dag Solstad y no hagan caso al olor a papel quemado.

Dice la reseña: "Pudor y Dignidad es, literalmente, la conciencia de Elias Rukla, profesor de secundaria y personaje principal de la novela que, tras 25 años repitiendo los mismos comentarios sobre El pato salvaje de Ibsen, entenderá, de repente, su verdadero significado. Este acontecimiento le conducirá a reflexionar sobre lo que ha sido su vida, a la sombra de su gran amigo que le abandona y junto a una mujer bellísima que nunca le ha querido. Es decir, un secundario en su propia vida. Como el Doctor Relling, de la obra de Ibsen, cuya presencia “siempre había tenido problemas para entender […]. No comprendía qué pintaba Relling en esta obra” (págs. 9-10). Esta revelación significará el fin de su vida social, en el instituto como profesor y matrimonial.Con un fondo literario importante, Pudor y dignidad reflexiona sobre Ibsen y repasa las obras de autores como Mann, Kant o Hamsun. La novela, densa en sus comentarios cargados de significados, se juega en las primeras páginas que el lector tendrá que retomar de nuevo, una vez haya finalizada la lectura de la novela. Sólo así podrá entender la importancia de esa revelación que tan sólo dura un instante o, más bien, unas líneas, que a través de la obra de Ibsen, del Doctor Relling, el personaje sin vida, casi sin historia, concentrará en sus escasas frases dramáticas la carga emocional capaz de hacer tambalear la existencia del ser humano ante lo absurdo y lo trágico de su propia vida.

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En el ADN Cultura aparece una estupenda síntesis biográfica del recientemente fallecido Norman Mailer escrita por el periodista Pete Hamill. Ahí se divide la personalidad del polémico escritor en dos: Norman y Mailer. ¿A cuál de los dos leemos? ¿A cuál extrañaremos nosotros y a cuál sus amigos cercanos?

Dice la nota: "Siempre fue al menos dos: Mailer y Norman.

La distinción recordaba la manera en que el dictador cubano es llamado Castro por sus enemigos y Fidel, por aquellos que lo idolatran. Mailer era el hombre público; Norman, el escritor privado. Aunque yo era doce años más joven que él, y como periodista no era una amenaza literaria, Norman y yo fuimos amigos desde 1962, cuando nos conocimos en la pelea entre Patterson y Liston en Chicago. Fue alentador con mis ambiciones literarias y generoso a la hora de los consejos. Pero con frecuencia me encontraba incómodo en compañía de Mailer. No me gustaba la manera en que Mailer adoptaba, cuando bebía, un acento tejano, casi siempre el preludio de un súbito estallido de violencia. Su aviesa mirada azul, resplandeciente de veneno, convertía ciertos encuentros en un cúmulo de malestar. Como orador público ante auditorios grandes (contra la guerra de Vietnam, o en conferencias de prensa después de combates de box, o mientras se postulaba a alcalde de Nueva York en 1969) sus discursos digresivos y a veces obscenos deberían haber sido impropios del gran escritor. Cuando laceraba públicamente a los escritores estadounidenses contemporáneos, yo deseaba que Mailer se callara y se pusiera a escribir.

Yo quería a Norman.

En privado, Norman era elocuente, chistoso, siempre sorprendente y jamás violento. Conmigo nunca cayó en ese maldito acento tejano, tal vez porque intuía que yo no era el fiscal acusador, sino el permanente abogado defensor. Yo también era de Brooklyn, donde Norman había crecido, y él sabía algo sobre el estilo esencial de Brooklyn: no busques problemas, pero si llegan, desata todo lo que hay en ti hasta que el otro tipo esté en el suelo. Una cosa era que Mailer jugara el rol del tipo duro de Brooklyn en un cuarto lleno de críticos literarios, políticos o escritores; nunca lo intentó con alguien de Brooklyn.

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La pregunta que todos los amantes de Nabokov nos hacemos antes de bajar de la cama, mientras apagamos el ruido del despertador es: ¿Y hoy será el día en que nos darán la noticia de que van a publicar la novela inédita, y aparentemente no corregida, de Vladímir Nabokov The Original of Laura? No es una pregunta de fácil respuesta. Primero, porque el hijo de Nabokov, Dmitrii, es muy celoso con la memoria de su padre. Y segundo porque si no lo fuera, si quisiera dinero, uno tendría que decidir por dos opciones complicadas: odiarlo por no respetar el deseo de su padre, o amarlo porque nos dio un poquito más del genio. En la revista Slate, Ron Rosenbaum no se aguanta más y da vueltas en tornos al mismo eje en "Dmitri's Choice".

Dice la nota: "To burn or not to burn? It's not a question we can argue over forever. Time is running out, and the stakes are high: Dmitri's past pronouncements suggest that Laura is not merely another scrap of paper. At one point he called it "the most concentrated distillation of [my father's] creativity." Think of that: the final "distillation" of the work of perhaps the greatest, certainly the most complex, writer of the past century. Is it the "key to all mythologies"? The Jamesian "figure in the carpet"? The lens through which—should it survive—we might retrospectively refocus our vision of Nabokov's art? On the other hand, Dmitri has also said Laura "would have been a brilliant, original, and potentially totally radical book, in the literary sense very different from the rest of his oeuvre." Which is not the same as saying that it is a "distillation" in the conventional meaning of the term. It suggests a new revelation. Or perhaps Laura is both, since V.N.'s "distillation" might be an unexpected revelation as well.

Al respecto, en el blog The Literary Saloon recogen unas declaraciones de Dmitrii, en las que da una razón bastante absurda para negarse a publicar el libro (según él, quiere evitar que el manuscrito sea reseñado abusiva y distorsionadamente por los críticos que sobreinterpretaron "Lolita", a los que califica de "Lolitologists"), y le dan un jalón de orejas con justicia ¡Deja de joder, Dmitrii!: "Of all the possible reasons to do the right thing this is the worst -- and a completely ridiculous one. Nothing will ever be able to protect Nabokov and his work from the silliest interpretations and accusations, and withholding this particular ammunition would surely barely stem the flood. Get over it. "

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No son, por supuesto, ni por asomo los US$ 7 millones que le han dado a Tom Wolfe pero tampoco está mal, nada mal: ¿cuánto le pagan a un escritor en español traducido al inglés? La nota es de Publishers weekly (vía The Literary Saloon)

Dice la nota: " (...) Colchie may just be benefiting from a hot category at the moment. Riky Stock of the German Book Office said that books translated from Spanish might be part of a current trend, because she thinks “it's unrealistic to claim that just because a few titles make it to the bestseller list, translations sell well overall.” Chad Post, who heads the newly founded translation-heavy Open Letter press at the University of Rochester, said one can wield the numbers to suit. “I think books written in English sell better than translations on a book-by-book comparison. But if you want to look at it in some sort of proportional way, it may be true that a higher percentage of authors among the tiny number of translations published become household names than the percentage of American authors.” Colchie, who has been in the business since the late '70s, noted that while fewer translations are being bought, many are drawing bigger money. According to him, with the consolidation of publishing, the number of translations being published decreased, but the money remained. “I now sell fewer books in a year, but sell them for a lot more money,” he said, claiming that it's not unheard of to sell a translation for anywhere from $200,000 to $500,000."

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En entrevista con Susana Reinoso, para ADN Cultura, Fernando Vallejo habla del amor. No es, por supuesto, Cupido, pero por primera vez, casi casi estoy de acuerdo con él.

Dice Vallejo: "Ya no sé qué pensar. El término "amor" para un territorio lleno de todo tipo de gente es demasiado. Colombia es un país con gente muy buena y gente muy mala. Y hay una población ciega, necia y patriotera que piensa que la patria es una bandera, un himno y un equipo de fútbol; que se reproduce como animales, pero no respeta a los animales. Toda esa chusma a mí me produce compasión. Mis libros están llenos de palabras de amor. Por ejemplo, para mi abuela, que era de una gran bondad, o para mi perra Bruja, que me acompañó 14 años de mi vida. La puta de Babilonia (Alfaguara) está lleno de sentido del humor. Yo escribo como pienso que puedo tener un efecto más definitivo. Como vivo en un mundo hipócrita, de lo políticamente correcto, adopto la postura de hablar siempre con las palabras más precisas, con claridad, para evitar confusiones y para que no queden dudas sobre lo que sostengo.

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Desde el 2002, con un botín de 150,000 euros ofrecidos por la Fundación Lara para invertir en la promoción de la ganadora, un grupo de editores elige a la Mejor Novela del 2007. Un premio que, entre otros, ha ganado El cielo raso, de Álvaro Pombo (Anagrama); Veinte años y un día, de Jorge Semprún (Tusquets); Doctor Pasavento, de Enrique Vila-Matas (Anagrama) y Mauricio o las elecciones primarias, de Eduardo Mendoza (Seix Barral). El jurado ya se ha reunido por primera vez y entregan su shortlist:

La lista incluye: ‘Mundo maravilloso’, de Javier Calvo (Mondadori); ‘La loca de Chillán’, de Aquilino Duque (Pre-Textos); ‘El padre de Blancanieves’, de Belén Gopegui (Anagrama); ‘El corazón helado’, de Almudena Grandes (Tusquets) y ‘Los príncipes valientes’, de Javier Pérez Andújar (Tusquets). El fallo del premio se hará público el próximo 8 de abril en el transcurso de una velada literaria que se celebrará en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

La novela ganadora la elegirá un jurado compuesto por nueve personalidades estrechamente relacionadas con el mundo del libro y la cultura entre los que habrá editores, libreros, catedráticos y críticos. Lo conformarán Manuel Borrás (Editorial Pre-Textos); Miguel García (Librería Antonio Machado); Jorge Herralde (Editorial Anagrama); José Manuel Lara (Fundación José Manuel Lara); Emilio Lledó (catedrático de Historia de la Filosofía y miembro de la RAE); José María Pozuelo Yvancos (catedrático de Literatura de la Universidad de Murcia); Antonio Ramírez (librería La Central); Alfonso Santos (librería Casa del Libro) y Jesús Vigorra (crítico literario).

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Un par de reediciones y la publicación, por primera vez en castellano, de la novela Santuario de Edith Wharton (la célebre escritora de La edad de la inocencia) ha implicado un renaciomiento de la escritora en España. El ADN.es le dedica una nota y un anticipo de la novela recién publicada:

Dice la nota: " Tardó casi cuarenta años en escribir su primera novela, pero a partir de este momento no interrumpiría esta labor hasta su muerte, dejando inconclusa su última obra: Las bucaneras. Fue amiga del mencionado James -y condenada a la etiqueta de su 'discípula'-, de Hemingway o Scott Fitgerald. Trabajó para la Cruz Roja en la I Guerra Mundial y recibió la cruz de la Legión de Honor por ello. Fue la primera mujer en recibir un doctorado honoris causa en la Universidad de Yale y vivió a medio camino entre Estados Unidos y Europa para acabar asentándose en Francia, aunque nunca dejaría de pertenecer a esa elevada sociedad neoyorquina. Los volúmenes ahora rescatados permiten acercarse a sus grandes temas, a los que ella conoció tan bien: infidelidad, hipocresía y poder. Las costumbres nacionales es la historia de Undine Spragg, una mantis burguesa, ambiciosa de poder que irá encandenando maridos para conseguirlo. Ironías del destino, finalmente acabará con el primero de sus esposos aunque, con su historial de divorcios, vea frustrado su tan perseguido fin. Ethan Frome, una de sus obras más alabadas por la crítica, se centra en un sensible granjero que se verá obligado a permanecer con su déspota esposa después de intentar y fracasar en su huida. Por último, Santuario aborda esa doble moral que caracterizaba a los burgueses del momento a través de Kate Orme, que descubrirá atónita el oscuro pasado de su marido e intentara luchar para que su hijo no caiga en los mismos defectos. Tres propuestas, tres vidas, que Wharton podría haber vivido.

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Así como hace unas semanas apareció, gracias a una encuesta, el perfil del comprador de libros en España, ahora en Argentina una encuesta añade un dato más para el retrato-robot de los lectores: en una encuesta realizada por la Fundación El Libro y la Universidad de San Andrés se descubiró que la inmensa mayoría lee por placer y privilegia las novelas de ciencia ficción y policial.

Dice la nota: "Los resultados, difundidos ayer, de una encuesta realizada durante 2007 en las calles de Buenos Aires y los pasillos de la última Feria del Libro dan la razón a aquel axioma borgeano que aseguraba que hablar de "lectura obligatoria" es un contrasentido. Las cifras que arroja la investigación sobre hábitos de lectura que hicieron la Fundación El Libro y la Universidad de San Andrés confirman que el principal motivo para leer libros es "el placer". "El resultado nos sorprendió. Es una muestra interesante porque comprende a gente de diferentes edades, ocupaciones y lugares de procedencia. Además, actuamos con dos públicos distintos, gente que entrevistamos por la calle y gente que estaba en la Feria y se supone que son amantes de la lectura", explicó ayer Marta Díaz, directora de la Fundación El Libro. La encuesta fue respondida por mil personas, quinientas en la Feria y quinientas en distintos puntos de la Capital y el Gran Buenos Aires. Además del placer (38%), los principales disparadores para la lectura son "el estudio" (33%) y las "ganas de informarse" (14%). Si leer es un placer, parece que las preferencias a la hora de saciarlo apuntan hacia los libros. Un 86% de los consultados aseguró leer libros, mientras que el 80% lee diarios (en papel o por Internet) y un 75%, revistas. El género más leído es la novela, donde dominan los géneros policial y ciencia ficción. Sorprende que los populares libros de autoayuda figuren por debajo del ensayo y a la par de la poesía. ¿Los lectores mentían un poquito? Puede que sí, al menos un poquito. Díaz contaba ayer que entre las consultas bibliográficas que se realizaron en las computadoras de la última Feria, "los libros de autoayuda estaban entre los más pedidos, aunque también era muy importante la literatura infantil", que en la encuesta aparece como el género menos leído.

¿Cuánto leen los que leen? Un 43% dijo que entre uno y cinco libros al año; un 30%, entre 6 y 10. Un cuarto de los que aseguraron leer libros dijo que fueron más de 10. Según la encuesta, los grupos de edad que más leen son el de los chicos de entre 5 y 15 y luego, el que va de los 15 a los 25. Ultimos, no muy lejos, los mayores de 65.

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Y ya que mencionamos a Juan Palomo y a su papelera, en la que acaba de aparecer hoy en "El Cultural" nos cuenta sobre una nueva novela sobre el 11-S, esta vez publicada por Tusquets, y cuyo autor es el joven narrador paquistaní Mohsin Hamid.

Dice lJuan Palomo: " Si creía que del 11-S lo sabía todo, aunque sólo sea por esas imágenes que forman ya parte de la historia personal de cada uno, o por los cientos de ensayos y novelas de los grandes autores contemporáneos (de Don DeLillo a McEwan) que han desmenuzado las causas y consecuencias de la masacre, está equivocado. Faltaba ver el otro lado del espejo, la historia de los musulmanes estadounidenses que en 2001 vivían en Nueva York, y que a partir del 12-S dejaron de ser amigos y vecinos para convertirse simplemente en sospechosos y enemigos. Esa otra historia es la que narra el joven paquistaní Mohsin Hamid (1971) en su novela El fundamentalista reticente, que publicará en España Tusquets la próxima primavera, y que ha sido seleccionada por el New York Times y por Publishers Weekley como uno de los libros de 2007, quizá porque el propio autor, que estudió en Princeton y en la Harvard School y ha sido asesor financiero en NY, sabe demasiado bien de lo que habla. "

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Hace unas semanas comenté una nota de Juan Palomo en que se anunciaba que Anagrama cambiaba de distribuidora. Ahora en "El País" me entero de su nueva propuesta.

Dice la nota: "Las editoriales Planeta, Anagrama y Grup 62 han creado una empresa comercial y distribuidora de libros, Enlaces Editoriales, que iniciará su actividad el próximo 1 de febrero. El objetivo principal de Enlaces Editoriales es "crear una distribuidora más compacta, sobre todo en narrativa y no-ficción", según ha explicado el editor de Anagrama y presidente de la nueva sociedad, Jorge Herralde. Enlaces Editoriales está participada por tres sellos de Planeta -Crítica, Ariel y Paidós (50%)-, Anagrama (34%) y Grup 62 (16%), porcentajes establecidos en función de la facturación de cada grupo. La nueva comercial distribuirá los libros de Anagrama, de los sellos en español de Grup 62 (Península, Aleph, Salsa Books, Talismán y Luciérnaga), y algunos de los de Planeta (Crítica, Ariel, Paidós y Oniro), así como de las editoriales Alba y Miraguan.

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En muchos países ha surgido con fuerza –de distinto modo, con diferentes logísticas y propuestas- una corriente que propone la lectura como una obligación. Se entiende así que leer es un valor social, incluso un deber, más allá del placer o de la necesidad. Ante ello no deja de ser pertinente la pregunta sobre qué entienden por “lectura” los gobiernos o las entidades que hacen estas propuestas. Es decir: ¿se han puesto a pensar realmente la complejidad que hay detrás de la lectura? Tres buenos lectores sí se han hecho estas preguntas últimamente: el editor Constantino Bertolo en un interesante artículo titulado “Leer ¿para qué?”; el ácido John Crace en “How do you read a book?”; y Gustavo Faverón en un reciente post de Puente Aéreo titulado “Lee difícil” y que promete continuación.

Bertolo resume que existen tres rótulos comunes asociados a la lectura: la lectura como medio de entretenimiento, la lectura como conocimiento y la lectura como vehículo de cultura. Analiza los tres, desestimándolos uno por uno; es especialmente interesante la conclusión a la que llega respecto al último: “Acceder a la cultura seria, por tanto, conocer aquello que hay que conocer (la cultura como conocimientos) y sentir aquello que hay que sentir (la cultura como vida interior). Desde esta perspectiva, el encomio de la lectura en cuanto vía de acceso a la cultura lo que traduce es una doble imposición social: lo que hay que leer –sentir- en lo que se lee. La primera imposición reflejaría la pertinencia ilustrada, mientras que la segunda recogería la pertinencia romántica. Lo curioso es que el encomio general de la lectura del que venimos hablando escamotea la necesidad de pronunciarse sobre una u otra cuestión –qué leer, qué sentir- y en aras de una pretendida neutralidad deja la contestación a ambas preguntas en manos del mercado cultural, en manos de lo que hay, y su aparente no-imposición se revela así como una imposición sumamente eficaz en cuanto que tira la piedra y esconde la mano. La mano invisible”.

John Crace empieza preguntándose cómo hay que leer y se responde de inmediato: “Muy lentamente”. Luego de declarar su buen promedio de lectura (60 páginas por hora) pasa a preguntarse: ¿Por qué es necesario que el Gobierno proponga leer (y más aún aprender a leer “más rápido” como ofrecen ciertas empresas), si la mayoría de libros que se publican son pésimos? Dice Crace: “You can only imagine the government is infected with the same virus that causes nearly half the population to lie about their reading to make them look intelligent. Books are the yardstick by which most of us are found wanting. Haven't read War and Peace? You're on a cultural asbo. The problem for most of us is knowing where to start. There are more than 100,000 books published a year and - take it from me - most of them are rubbish. And you can't necessarily trust the reviews because they've probably been written by a close friend or a sworn enemy.”

Finalmente, Gustavo Faverón pone el dedo en la llaga en un aspecto vital: muchos de aquellos que promocionan la lectura como un valor que estimula la inteligencia y el pensamiento libre, al mismo tiempo desestiman la complejidad de la literatura y la rechazan. ¿Cómo se entiende eso? Dice Faverón: “(…) cabe preguntarse: ¿cuál es la lógica de cantarle alabanzas al ejercicio de la lectura como estimulante de la creatividad o de la reflexión y, al mismo tiempo, volverse un militante contra el tipo de literatura que más explícitamente se inscribe --se produce, se consume-- dentro de las esferas intelectuales de una sociedad (como, por ejemplo, la academia)? La lógica de quienes intentan esa conciliación suele sustentarse en una intuición paradójica (si es sincera o no, ya es otro asunto): primero se señala que la academia está desconectada del resto de la sociedad; que es, en la práctica, su apéndice inútil. (…) Desprecian la supuesta opacidad de sus jergas, el elitismo de sus temas, la aparente lejanía de sus preocupaciones. El único detalle en el que no reparan es éste: quizá, dado el caso de que ellos no son expertos en esas áreas, es posible que la opacidad no sea tal; es posible, para decirlo con redundancia justificable, que sólo la especialización forme especialistas. (Yo no entiendo el alemán, pero no se me ocurre por ello acusar a los alemanes de oscurantistas, presumidos o discriminadores). Pasa algo con quienes le tienen miedo a la complejidad y deciden agredirla, a veces en nombre de la libertad de consumo ("tengo derecho a preferir lo sencillo") o del puro y simple ánimo anti-intelectual: ocurre que detrás de su intento se esconde el peligro (seguramente inconsciente) de asfixiar la inteligencia de la propia sociedad al limitar y empequeñecer sus aspiraciones. Aquellos que, siendo en la práctica intelectuales (periodistas, escritores, incluso maestros), y ocupando un espacio en el circuito de construcción social del saber (la prensa, las universidades, las ONGs, internet), desprecian el intelectualismo de la academia y cualquier forma de complejidad en las artes y las humanidades, están en la práctica proponiendo su propia medianía anti-intelectual como un sucedáneo blando y melifuo de intelligentsia. No están guiando, como suelen suponer, una rebelión contra la autoridad de ninguna élite; están propugnando la dictadura del desconocimiento”.

Sí pues, tiene razón Bertolo y no basta con invitar a leer a los demás sino preguntarse: Leer ¿para qué?

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La casa frente a los Jardines de Kensington donde vivió JM Barrie, y en la cual supuestamente habría escrito Peter Pan, está en venta. ¿El valor? Simplemente 13.5 millones de dólares. Wolfe tendrá que escribir dos novelas para comprarla.

Dice la nota: "La vivienda victoriana se encuentra en Gloucester Road (centro de Londres), frente a los Jardines de Kensington, donde el escritor escocés conoció a los cinco niños que inspiraron su personaje. Con una superficie de casi 3.380 metros cuadrados, el inmueble consta de seis dormitorios, dos salas de estar, una cocina, un estudio, un baño, dos duchas, dos balcones y un jardín privado.“La casa ha causado sensación en el mercado y, aunque es única y una oportunidad increíble al margen de sus antecedentes, la historia (de Peter Pan) añade una dimensión adicional”, dijo Will Pitt, de la inmobiliaria Foxtons.“¿Quién no querría pisar la guardería de Peter Pan?”, se preguntó Pitt, sin explicar los motivos de los actuales dueños para poner a la venta la vivienda.

En los jardines de Kensington se alza, cerca de un lago, una escultura de bronce de Peter Pan tocando la flauta que hace las delicias de los numerosos turistas que vistan el parque a diario.

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Tom Wolfe ha dejado su editorial de toda la vida, Farrar, Straus & Giroux, donde publicaba desde 1965, y planea publicar su próxima novela (que trata sobre inmigrantes) Back to Blood en la editorial Little, Brown & Company. El precio del traslado: 7 millones de dólares.

Dice la nota: "Jonathan Galassi, publisher of Farrar, Straus, which has published 13 books with Mr. Wolfe, said he liked what he saw of the new novel, “Back to Blood,” which involves characters of Cuban, French, Russian and Haitian ancestry, all meeting in Miami. “We just couldn’t agree on terms,” Mr. Galassi said. A handful of publishers were allowed to see an excerpt from the new novel, and Little, Brown won the rights to publish it after an auction that ended just before Christmas. Mr. Wolfe, through a Little, Brown spokeswoman, declined a request for an interview. In a statement he did not address the subject of his shift in publishers, but said: “Two years ago when I got the idea of doing a book on immigration, people would say, ‘Oh, that’s fascinating,’ and then they would go to sleep standing up like a horse. Since then the subject has become a little more exciting, and in Miami it’s not only exciting, it’s red hot.”

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El escritor británico Sean O´Brian ganó el premio TS Eliot de poesía en Inglaterra por el poemario The Drowned Book y con eso el autor consigue, sin precedentes, por segunda vez un premio literario importante en un mismo año. El anterior fue el Forward prize for best collection con el mismo poemario. Aquí la noticia en The Guardian y una versión en castellano en el ADN.es.

Dice la nota: "En una ceremonia en Londres, la viuda del Nobel anglo-estadounidense y autor de Tierra Baldía, Valerie Eliot, anunció el triunfo de O'Brien, que recibió un cheque por 15.000 libras (unos 20.000 euros), la mayor cuantía para un premio de poesía en el Reino Unido. El jurado, que eligió el trabajo del londinense de entre diez finalistas, calificó su obra de "fiera, divertida y profundamente melancólica", con una musicalidad entre la de un tren y un paso de baile. Sean O'Brien nació en Londres en 1952 pero desde hace años vive en el norte de Inglaterra, donde imparte clase de escritura creativa en la Universidad de Newcastle. "

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En su reciente "Dietario Voluble" Enrique Vila Matas menciona una curiosa división de especies entre escritiores que propicia Pierre Michon. Al parecer, son tres especies. Habrá que ubicarse.

Dice Vila Matas: "Siempre que he hablado con Pierre Michon -las dos veces de noche y en la surrealista Nantes- ha terminado por decirme, con voz cavernosa y melancólica, que hay tres tipos de escritores: el bárbaro, del que Céline es un ejemplo indiscutible; el intelectual a lo Beckett, y un tercero en el que se combina lo mejor de ambos, Faulkner, por ejemplo. "Faulkner o Bolaño", ha precisado en las dos ocasiones. Para él, este último fue también una admirable combinación entre el bárbaro y el intelectual. Ni que decir tiene que el propio Michon pertenece a ese tercer tipo de escritor, al mundo de los detectives entre palmeras salvajes, al mundo del intelectual de puño encima de la mesa".

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Hoy en "El País" y en Revista Ñ apareció la noticia sobre el portal "Conocer al autor" al que califican como el You Tube Literario. Se trata de un portal en el que los autores comentan sus libros ante una cámara. La idea, que no deja de ser atractiva, existe ya en EEUU y Reino Unido bajo el nombre "meet the author

Dice la nota: "El portal en castellano, que integra también a los autores ingleses y estadounidenses, se puso en marcha en septiembre. El objetivo, dice Sánchez, es llegar a los 500 antes de finales de año. "Básicamente es un canal de promoción literaria, en el que el autor cuenta en un vídeo, en un máximo de dos minutos, de qué trata su última obra u otras", añade Sánchez. Cada escritor tiene su propia página, en la que recogen todo tipo de datos sobre él y la obra de que se trate, además de vínculos con portales en los que pueden adquirirse los libros. El propósito, explicó Sánchez, es que el portal sea un punto de encuentro, donde el usuario de internet y el lector puedan ver a los autores explicar frente a la cámara y a su manera qué dicen sus libros. "Creemos que es una forma muy igualitaria de márketing o promoción literaria", asegura Sánchez, quien no obstante anticipa que ya elaboraron una lista de tarifas para las editoriales en función de sus demandas. El tiempo máximo que los videos están colgados en "conoceralautor" es de un año, "mucho más tiempo del que la mayoría de obras están expuestas en las librerías", según Sánchez.

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La encuesta de Moleskine Literario esta vez ha sido entretenida. ¿Cuál ha sido la noticia literaria más relevante del 2007? He visto cuatro opciones disputarse palmo a palmo los casi 600 votos recibidos. Al final, con una llegada de fotografía, ha quedado en primer lugar (con el 14% de los votos) la excelente acogida que tuvo la traducción de Los detectives salvajes de Roberto Bolaño en EEUU. Estoy plenamente de acuerdo con los votantes: no hay mejor noticia que el éxito sin precedentes, de venta y crítica, de un latinoamericano en EEUU que no está ligado directamente al Boom de los años 60.

Muy cerca de ella, la segunda opción (13%) ha sido el evento Bogotá39, que durante casi una semana estuvo en primer lugar. Ese evento reunió a una serie de escritores latinoamericanos menores de 39 años en la capital colombiana y sus consecuencias están por evaluarse. A sólo un voto de la segunda opción, también con 13%, quedó la opción que proponía la traducción al castellano de Las Benévolas de Jonathan Littell como la noticia más destacada del año. Esa opción, luego de ir perdiendo durante semanas, tuvo una magnífica remontada en los últimos días. Y finalmente, una opción que llegó a liderar la encuesta pero finalmente quedó rezagada con el 12% la tristísima muerte de José Watanabe, un duelo insufrible que ha marcado el 2007 y que marcará la literatura peruana para siempre.

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El término "Affluenza" se ha puesto de moda a partir del libro del psicólogo Oliver James. Se trata de una gripe social, germinada en la sociedad de consumo, cuyo síntoma principal es confundir nuestros deseos con nuestras necesidades reales. Con mucho tino, Belinda Webb nos recuerda en un post en los blogs de The Guardian que los síntomas de la affluenza han sido descrito antes que Oliver James por una serie de escritores varias décadas antes. Entre ellos menciona a mi admirado Richard Yates y su muy aconsejable novela Vías Revolucionarias (en cuya versión fílmica aún no estrenada, por cierto, actuará mi adorada Kate Winslet)

Well, for starters, that master of prose Richard Yates perfectly exemplifies the frustrations of alienated labour in his 1961 novel Revolutionary Road. It portrays the stifling corporate conformity of the fifties, and centres on the deep frustrations and thwarted desires of characters Frank and April Wheeler. And Yates was only building on an earlier novel by Sloan Wilson, The Man in the Gray Flannel Suit, in which the main character has to decide whether to put sanity and his family's welbeing ahead of a high-flying yet soul-destroying career. The figure of the crumbling corporate yes man is also a main concern Arthur Miller's play Death of a Salesman and his novel, Focus. In Britain, there is George Orwell, who grappled with it through Gordon Comstock, the main character in my favourite of his novels, Keep the Aspidistra Flying. J G Ballard also brilliantly evoked the madness of alienated labour and commodity fetishism - sorry, affluenza - in his 1963 short story, The Subliminal Man. And Shakespeare, writing as he was at the dawn of capitalism as we know it, wrote much on money, not least the hypocrisies of The Merchant of Venice; which may explain why Marx was obsessed with our great playwright. I'm not saying that psychologists such as James don't serve a valuable role. That would be ludicrous. But literature, in my opinion, tells us much more. It highlights social ills and how they affect us better than any clinician could. As creative expression, often the antithesis of corporate conformity, it can help us identify those fears and feelings, and develop our own views of society. Then, of course, through awareness, it can inspire us enough to implement change. Of course, this is only possible when literature is engaged with, and not used just as escapism and pacification. When it comes to affluenza, I'd rather engage with the reading cure.

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Nadando en un mar de muerte es un ensayo publicado en EEUU y cuyo autor es el hijo de Susant Sontag. : David Rieff. Cuenta ahí los días finales de su madre y el cáncer que la agobió hasta su muerte en el 2004. Un De Profundis, como varios que he leído últimamente por cierto. ¿Habrá ahí un aprendizaje como en El año del pensamiento mágico de Didion?

Dice la nota: "Algunos ven en la muerte una transición, otros ven en ella la extinción. Sontag se formó en esta última escuela y se lo enseñó su único hijo, David Rieff. Lo que queda claro a partir de su libro -una extensión de un ensayo publicado por primera vez en 2005 en The New York Times Magazine, un año después de la muerte de su madre- es que mientras ella luchó contra el cáncer, le hizo la guerra a la mortalidad. Sontag aceptó su enfermedad, el dolor, el sufrimiento y las pérdidas horribles, todo fue tolerable para ella en tanto su conciencia permaneciera animada, viva."Para mi madre, cuyo placer en su propio cuerpo había naufragado de manera irrecuperable por su operación de cáncer de mama, la conciencia era finalmente todo lo que importaba. Creo que si le hubieran ofrecido la posibilidad de una inmortalidad que consistiera en nada más que la conciencia, es decir, en seguir sabiendo indefinidamente lo que sucedía, aun si fuera la inmortalidad de la ciencia ficción -la cabeza desmembrada del cuerpo-, la habría aceptado con alivio y gratitud, incluso hasta con ganas", escribe Rieff. Claro que una inmortalidad de conciencia separada del cuerpo, "un alma", es el consuelo de los creyentes. Y aunque Sontag lo podía imaginar, no podía creer en eso. Según su hijo, ella siguió sintiéndose "inconsolable", lo mismo que David.El escribe que su madre "fue siempre una servidora de aquello que admiraba, y estoy seguro que su admiración por la ciencia -de niña, la vida de Madame Curie fue la primera de sus modelos- y sobre todo por los médicos, la ayudaron a mantener su convicción de que en algún lugar por allí afuera había algo mejor a mano, ya fuera una nueva vida o un nuevo tratamiento médico".

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Un autor para tener en cuenta: Sir Maximilian Beerbohm presentado por Jean Francois Foguel en su blog dentro del colectivo Boomeran(g). Un libro suyo, titulado Siete hombres, ha sido traducido por Alfaguara. A ver si tenemos suerte de que Alfaguara Perú se acuerde de pedir esta apetitosa recomendación de un gourmet literario tan exquisito como Foguel.

Dice Foguel: "Tengo mucho que decir sobre Sir Maximilian Beerbohm (1872-1956), caso singular de la literatura inglesa. Su única novela, Zuleika Dobson (traducida por la casa editorial Destino), historia de una muchacha tan bella que quitaba la respiración a los estudiantes de la universidad de Oxford, hasta tal punto que todos, menos uno, se suicidaron tirándose a un río, es la obra más ligera, más fresca más inverosímil que se puede encontrar en la literatura de pura ficción. Como todos, empecé por esta novela y descubrí poco a poco los bocetos, las parodias, los artículos. El «incomparable Max» (la fórmula es de George Bernard Shaw) no tiene una obra. No quería tenerla: a los 25 años agrupó siete ensayos suyos en un libro, el primero, titulado Obras de Max Beerbohm, y anunció su voluntad de jubilarse por estar ya fuera de moda. (...) Para mí, era un hombre de tanto talento que me dediqué a traducir y conseguir la publicación en francés de su famoso cuento El hipócrita feliz. Es «un cuento de hadas para hombres cansados» como dice su subtítulo. Es la historia de un hombre que se pega una máscara (que llaman careta en ciertos países) en el rostro para esconder su maldad y, al final, su cara se transforma y se parece a la máscara. Es una metáfora de la «filosofía de la máscara» de Beerbohm: el arte, según él, incluye al arte de vivir, entonces corresponde a cada artista definir una apariencia ideal y asumirla. El otro texto clave de Beerbohm es un cuento de Siete hombres. Leer Siete hombres en español es un milagro. Alfaguara hizo un convenio con New York Review of Books para traducir unos títulos de su colección de clásicos modernos. Muy buena noticia. Cada mes, me llegan paquetes de Amazon con estos clásicos que son una maravilla. En el caso de Siete hombres, hay una joya cuya lectura es imprescindible. Es el primer cuento. Su título: "Enoch Soames". Soames es un escritor y se hace la peor pregunta: ¿Existiré para la posteridad? No voy a contar la búsqueda de la respuesta, terrible, que es la columna vertebral del cuento. Pero confirma lo que afirmaba Beerbohm: «Se puede decir mucho a favor del fracaso. Es mucho más interesante que el éxito».

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Ayer, en una rápida ceremonia de entrega de los Globos de Oro que fue más una conferencia de prensa, la película británica Atonement ganó el galardón más importante como Mejor Filme 2007. Lo interesante es que la película está basada en una de las mejores novelas en lengua inglesa, y la mejor de Ian McEwan según creo, titulada Expiación en castellano y que fue publicada por Anagrama. Como dato curioso hay que anotar que entre las candidatas estaba otra película basada en una novela célebre, en este caso de Cormac McCarthy, titulada No country for old men y filmada por los hermanos Coen.

Dice sobre la película el blogdecine "El prestigioso escritor Ian McEwan ha visto muchos de sus títulos en la gran pantalla e incluso en ocasiones ha aportado su colaboración como guionista. Los resultados han sido muy diversos, probablemente porque en muchos de ellos la capacidad innovadora del autor inglés se adecuaba poco al medio cinematográfico que, para bien o para mal, tiene una cancha para la variación menor a la que concede el número ilimitado de páginas de una novela. En el caso que nos ocupa, ‘Expiación. Más allá de la pasión’ (‘Atonement’), podemos ver las trazas que ha dejado la novela de McEwan en juegos con el paso del tiempo que sorprenden, especialmente porque, al situarnos en una historia de época, no nos imaginamos que la repetición rashomónica de una situación con otro punto de vista vaya a ocurrir. Y, aunque el efecto es impactante, quizá la validez psicológica que debería tener no se consigue, pues no vemos el hecho como algo completamente distinto y que merezca un juicio moral contrario por haberse presenciado desde más cerca.Otro de los elementos poco cinematográficos de ‘Expiación. Más allá de la pasión’ es una estructura nada aristotélica en la que los episodios narrados distan entre sí muchos años y se centran en hechos muy dispares. En el inicio de la película contemplamos cómo, en los años treinta del siglo pasado, Cecilia Tallis (Keira Knightley) está enamorada del hijo de un antiguo mayordomo, Robbie Turner (James McAvoy), lo que llena de celos a Briony (Saoirse Ronan), la acomplejada hermana pequeña de Cecilia.

Y, por desgracia, la cinta pierde fuelle cuando Briony acusa infundadamente a su cuñado de cometer una violación y éste es mandado a prisión y posteriormente a la guerra. Sin que hiciesen falta para comprender el sufrimiento que padecen los enamorados por su separación o la culpa que siente la adolescente, que ya está creciendo, por su delación, el director se explaya demasiado en minutos bélicos que no aportan nada narrativamente y en los que únicamente desea lucirse con planos virgueros. Al alejarnos tanto de la historia central, perdemos el interés por lo que estábamos contemplando y la digresión que probablemente en novela funciona perfectamente, en cine se demuestra inadecuada. ‘Expiación. Más allá de la pasión’ sigue siendo preciosa en estos minutos, pero ya no nos atrapa.

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El suplemento Ñ pasa revista a los bloggers argentinos que han terminado convertiendo sus bitácoras en valiosos libros de ensayos. Ojalá se les prenda el foquito a alguno de los editores independientes y publiquen un libro de ensayos con los valiosos textos de Gustavo Faverón en "Puente aéreo".

Dice la nota: "Este horizonte cruza a tres autores argentinos que en 2007 marcaron, con sus respectivos libros, una nueva frontera para el ensayo. En Contagiosa paranoia, de Rafael Cippolini; Ensayos bonsai, del poeta Fabián Casas y Espectáculos de realidad de Laddaga, se vislumbra una mirada generacional (autores nacidos en los 60) que hace equilibrio entre la erudición académica (entre la teoría del arte contemporáneo y las vanguardias literarias) y la erudición pop (rock, música electrónica, televisión). Una mirada, sobre todo, a la que le toca hacer equilibrio entre la palabra escrita (con sus tiempos de impresión y publicación) y la palabra virtual (capaz de pegar pensamiento y lectura en ese viaje inmediato: post). Libros de ensayo en un momento en el que la novela se pliega hacia el ensayo (Vila Matas, Coetzee, Sebald) y en el que la blogósfera ha revelado una cantera de ensayistas amateur. Al ensayo 2.0 le toca desplegar sus armas en este frente sobresaturado de escritura y pensamiento, de diarios privados-públicos que se abren hacia el infinito por sus comments y nunca terminan verdaderamente de escribirse. Estos ensayistas están, como manifestaba Laddaga al principio, cruzados por esta realidad y antes que apocalípticos o integrados habrá que recatalogarlos como anfibios (tomando prestado y ampliando al resto la palabra que usa para definirse Cippolini en su relación con Internet). "

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Un nuevo húngaro nos descubre Mercedes Monmany en el ABCD Libros: János Székely y su novela Tentación (Lumen).

Dice la reseña: "(...) una auténtica obra maestra del género de la picaresca y de las novelas antiejemplares de iniciación: Tentación, de János Székely, publicada por primera vez en 1948. Unas emocionantes aventuras, ambientadas entre los años 20 y 30 del pasado siglo, de un desenfrenado y desgarrado lirismo, entre el más puro Dickens y un encendido y ávido Turguéniev, que se abren camino sin cesar entre la tragedia y el humor, entre un loco y frenético hambre de vida y sobrevivencia y la toma de conciencia de las injusticias y de las más espantosas e insufribles desigualdades, en la etapa justo anterior al comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Un ansia de vida, de no dejarse aplastar por los aires de tétricas crisis económicas, muerte y represión que se extendían entonces por Europa, que simboliza mejor que nada el rebelde grito embriagado que lanza un grupo de cíngaros ambulantes hacia el final de esta fabulosa y desquiciada historia, basada en hechos autobiográficos (y traducida en algunos países, donde ha cosechado un tremendo éxito, con el título de Un hijo del Danubio): «¡Viva la vida, nunca moriremos!».

autor, János Székely (Budapest, 1901-Berlín, 1958), nacido en el seno de una humilde familia, guionista del cine expresionista en el Berlín de los años 20 y más tarde guionista para Ernst Lubitsch en Hollywood, en películas como Desire, protagonizada por Marlene Dietrich y Gary Cooper, enlaza con una secreta línea o tradición de algunos de los más geniales hijos descarriados de este mítico Danubio, que compartieron en su día unos miserables orígenes superados tan sólo con titánicas luchas personales. Ese es el caso del legendario poeta nacional húngaro Attila József, huérfano y vagabundo, criado en la más total indigencia, que ejercería los más diversos oficios, o del igualmente magnífico cuentista Panaït Istrati, hijo de una lavandera rumana y de un contrabandista griego. Algo que nos ilustra bastante al adentrarnos en la apasionante y descabellada lucha por la vida del pequeño héroe protagonista de Tentación, Béla. Alguien que dirá en sus recuerdos de infancia y adolescencia: «Crecí como la maleza y la mala hierba, igual de resistente"

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También gracias a The Literary Saloon me entero de esta entrevista en The New Republic al narrador Ian McEwan en la que, entre otras cosas, habla sobre los blogs. Y ¿qué creen? ¡Tampoco le gustan los energúmenos! Y después dicen que es paranoia mía nada más.

Dice McEwan: " don't read the blogs much. I don't like the tone-the rather in-your-face road-rage quality of a lot of exchange on the Internet. I don't like the threads that come out of any given piece of journalism. It seems that when people know they can't be held accountable, when they don't have eye contact, it seems to bring out a rather nasty, truculent, aggressive edge that I think slightly doesn't belong in the world of book reviewing."

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Vía "The Literary Saloon" me entero de la lista de finalistas del 2007 National Book Critics Circle Award que apareció en el blog Critical Mass. Dejo aquí la shortlist de No Ficción y Ficción.

Nonfiction


Philip Gura, American Transcendentalism, Farrar, Straus
Daniel Walker Howe, What Hath God Wrought: The Transformation of America 1815-1848, Oxford University Press
Harriet Washington, Medical Apartheid: The Dark History of Medical Experimentation on Black Americans from Colonial Times to the Present, Doubleday
Tim Weiner, Legacy of Ashes: A History of the CIA, Doubleday
Alan Weisman, The World Without Us, Thomas Dunne BKs/St. Martin’s

Fiction


Vikram Chandra, Sacred Games, HarperCollins
Junot Diaz, The Brief Wondrous Life Of Oscar Wao, Riverhead
Hisham Matar, In The Country of Men. Dial Press
Joyce Carol Oates, The Gravediggers Daughter. HarperCollins
Marianne Wiggins, The Shadow Catcher, S. & S.

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Gonzo: The Life of Hunter Thompson es una biografía oral (compuesta por varios testimonios) que intenta capturar el ritmo vital del periodista gonzo Hunter S. Thompson fallecido hace un tiempo. Para Radar Libros Rodrigo Fresán comenta en extenso esta biografía que incluye, entre otras rarezas, un prólogo -que Fresán califica ambiguamente como "sentido"- del actor Johnny Deep.

Dice la reseña: " biografías del neoperiodista Hunter S. Thompson ya había muchas. Firmadas por enemigos íntimos o amigos pasajeros. Pero Gonzo –en tándem con un también hace poco publicado coffe-table book que reúne las fotografías de Thompson– tiene varias virtudes a considerar: es la primera en contar la saga desde el disparo de largada hasta el tiro del final, y tiene el formato más conveniente para este tipo de historia, es decir, la historia de un freak: es una biografía oral en la que numerosas voces más o menos autorizadas cuentan su versión –o versiones– del asunto del individuo irrepetible. No es casual que esta variante polifónica –que ya se ocupó de las vidas y obras y muertes de gente como Edie Sedgwick, Bob Dylan, Truman Capote, Warren Zevon y The Replacements– sea la que, también, mejor le va a uno de los grandes popes del llamado New Journalism. Porque Thompson estuvo en muchas partes y conoció a muchas personas, y ninguna de ellas podrá olvidarlo jamás y más de uno daría cualquier cosa por poder borrarlo del disco duro de su memoria. De este modo, la tarea de Jann Wenner (director de Rolling Stone y compadre de la bestia en las buenas y en las malas) y de Corey Seymour (asistente editorial de la misma revista y en más de una ocasión víctima de los excesos tipográficos del monstruo) no fue la de sistematizar el caos de una existencia (Gonzo resulta del destilado de 459 páginas que en una primera versión alcanzaba las 1500) sino de imponer cierto orden cronológico a este virtual acelerador de partículas anecdóticas y emisor de fractales despachos desde un frente difuso, pero siempre ubicado exactamente donde él estaba. Y la lista de testigos (de la acusación y la defensa, unos y otros víctimas de la luminosa seducción de este voraz agujero negro) es imponente: Pat Buchanan, Jimmy Buffet, Jimmy Carter, Johnny Depp (quien también firma un sentido prólogo), Joe Eszterhas, Terry Gilliam, Anjelica Huston, Don Johnson, William Kennedy, Margot Kidder, George McGovern, Norman Mailer, Marilyn Manson, Jack Nicholson, Sean Penn, Ralph Steadman (inglés y perfecto ilustrador de las visiones infernales de Thompson y una suerte de Sancho Panza), Tom Wolfe (acaso la contraparte angélica y mejor vestida de la especie, quien define a Thompson como “el único equivalente a Mark Twain en el siglo XX”) y decenas de animales de redacción y testigos presenciales y compañeros de juerga y familiares víctimas de su poderosa onda expansiva. Alguien que –en el decir de William Kennedy, su colega en Puerto Rico– “se las arregló para convertirse en un periodista en movimiento que resultaba interesante por encima de aquello que escribía. Se puso a sí mismo en el centro de la escena y se convirtió en la historia”.

(...)

El 26 de agosto de 2005, las cenizas de Hunter S. Thompson fueron disparadas desde un cañón en lo alto de una torre que él mismo había diseñado –con la forma de un puño cerrado apretando un botón de peyote– mientras por altoparlantes se oía “Mr. Tambourine Man”, su canción favorita de su admirado Bob Dylan. Johnny Depp pagó la ceremonia y cumplió así su último deseo: volar por los aires. 280 íntimos –entre los que se contaban Bill Murray, Sean Penn y Lyle Lovett– asistieron al funeral. Steadman recordó que alguna vez le comentó a Thompson que tenía ganas de iniciar los trámites para conseguir la nacionalidad norteamericana, y que Thompson le dijo: “Voy a hacer lo imposible para impedirlo. No te mereces un destino tan terrible, Ralph”. Pero fue Bob Braudis –permisivo sheriff del lugar que en más de una ocasión permitió que Hunter S. Thompson se saliera con la suya– quien mejor resumió la cosa y cierra la última página de Gonzo con palabras justas y sentidas: “De aquí en más, cuando el teléfono suene a las cuatro de la mañana, siempre serán nada más que malas noticias”.

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Hace casi tres años, cuando Laura Restrepo vino a la Feria del Libro de Trujillo, anunció su deseo de escribir una novela sobre César Vallejo y con tal motivo viajó hasta Santiago de Chuco (en una entrevista, posteriormente, declaró: "Vallejo es de lo peruanos como ningún otro escritor es de su país. Entonces cómo entrar a un tema tan conocido y tan sentido por ellos. Así que quedó un poco aplazado el proyecto. Con lo que sí sueño es con escribir algún día una novela sobre el amor de los peruanos por Vallejo"). La peregrinación de la escritora colombiana en busca de César Vallejo también la ha conducido a París, en busca de la tumba del poeta como tantos escritores latinoamericanos lo han hecho. En "Babelia" Restrepo escribe sobre esta peregrinación.

Dice Restrepo: "La peregrinación se inicia con el mapa del cementerio en la mano, 12 el número de la división, 3 el número de la sepultura, y a partir de ahí todo es un problema, porque yace bajo una placa de mármol poco menos que a ras de suelo, gris en medio de la grisura uniforme del lugar, tan discreta y escondida, e invisible en los días de lluvia, que aún quien conozca las coordenadas se las va a ver a gatas para encontrarla. Quien sí sabe encontrar el lugar es Alejandro Calderón, también él poeta peruano del Perú, perdonen la tristeza, y ni modo que no supiera, si lo ha visitado religiosamente todos los domingos durante el cuarto de siglo que lleva viviendo en la ciudad.
-Vallejo se vino buscando a París -me dice-, y yo me vine buscando a Vallejo. Me acerco a él para matar soledades, porque en este país me he sentido dolorosamente extranjero. Sobre todo durante los diez primeros años.
-¿Y después ya no?
-Y después también, cómo crees que no, con esta cara de indio siempre eres ajeno en tierras de blancos.
Otro tanto le ocurriría a César, porque pese a su nombre de emperador romano fue indio y pobre hasta la raíz del pelo, con su traje negro rebrillado a punta de plancha, su presencia taciturna y digna, su eterno abrigo y su piel color cobre, valga decir, ya sin eufemismo: tremendo morenazo. Papito lindo, flor de poeta, indio divino, y a callar los políticamente correctos que nos salen con que debe decirse persona de color porque no es educado decir oscuro o negro. Frente a él, tan olvidado en vida y tan visitado en muerte, van desfilando mestizos, cafés con leche, negros renegros, mulatos, piel-canela, tostados, cholos, zambos, todos con el corazón en vilo y el Kleenex presto, para llorar un poco porque sí, porque no, porque su tumba es el único rincón donde podemos estar sin visa. Y que no falte declamarle, déle que déle, esos poemas suyos que él mismo compuso y que debe saberse de recontramemoria, sólo que ahora los escucha cantaditos en mexicano, llorados en peruano, declamados en colombiano, a ritmo de son cubano, susurrados en nicaragüense, en guatemalteco, en boliviano, comenzando con su "hay golpes en la vida tan fuertes, yo no sé", que para nosotros viene siendo como el padrenuestro.

En Santiago de Chuco, cuna del poeta, donde la población lo venera tanto o más que al apóstol y santo patrón, le pregunté a un indígena si podría explicarme el significado de una de las estrofas más oscuras de Trilce.
-¿Sus poemas? No siempre los entendemos -me respondió-, pero siempre nos llegan al alma.
Allá mismo, en la plaza del mercado, unas muchachas que me vieron cara de afuerana quisieron saber si conocía París, y como dije que sí, me preguntaron de qué murió él, allá tan lejos. Se quejaban de la maestra, que no había sabido explicarles en la escuela. Les dije que no era culpa de ella, porque la cosa había quedado en el misterio. "Me voy a recostar un momento porque estoy cansado", había anunciado el poeta unos días antes, y ya no se había vuelto a levantar. Indiferentes, los médicos franceses dieron su diagnóstico: de cansancio no muere nadie. "

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Hace unos años, Nicole Krauss fue la sensación literaria en EEUU por su novela Historia de amor, traducida por Salamandra. De visita en Santiago de Chile (a donde no la acompañó su también famoso esposo Jonathan Safran Foer), la escritora dio una charla dedicada a la sensación literaria de EEUU del 2007: Roberto Bolaño y la traducción de Los detectives salvajes. En la "Revista de Libros" comentan sus palabras:

Dice la nota: "Al igual que un reducido grupo de escritores, Krauss recibió la traducción de Los detectives salvajes anticipadamente y admite que caló hondo en ella. "Es un libro para muchos que creemos que la literatura es la última esperanza en nuestras vidas".Pero no se trata de un concepto libresco. De hecho, una de las razones más poderosas que Nicole Krauss identifica a la hora de explicar el efecto Bolaño reside en que va contra una tradición del escritor en su país. "Ustedes, los latinoamericanos, tienen una tradición en que los escritores están muy involucrados en la política. Nosotros, no. Alguna vez la tuvimos, pero la perdimos. En Estados Unidos la política está mucho más codificada, hay una timidez respecto de ella. En cambio, Bolaño la tiene a la mano. Philip Roth está recluido, no tiene participación en la esfera intelectual, sólo habla en sus novelas. Pynchon es otro autor totalmente aislado de la actividad política". Nicole Krauss recordó que la primera novela que se tradujo de Bolaño fue Nocturno de Chile (By Night in Chile, 2003) y se mostró sorprendida de que un libro tan político como ése, lleno de referencias locales, en su momento hubiera sido apoyado con tanto entusiasmo por la crítica norteamericana, Susan Sontag incluida. Identificada con la Generación McSweeney's (junto a su marido, Jonathan Safran Foer, Dave Eggers, Foster Wallace, Franzen, Rick Moody y otros) Nicole Krauss calibra el legado que Bolaño ofrece al gran dilema de sus contemporáneos. "Creo que hay un conflicto en mi generación entre los sentimientos y las obras intelectuales. Crecimos en un momento de gran ironía y miedo a la emoción. La crítica en Estados Unidos ha sido resistente a los sentimientos. Pero no se puede sentir sin pensar ni pensar sin sentir. Bolaño es una solución para esto. ¿Han leído algún autor más integrado en lo emocional? Él logró unir las dos cosas sin que se noten las costuras. Bolaño está lleno de sentimientos. La vida pasa galopando, viene la pérdida de la juventud, pero nunca es sentimental. Creo que cuando miremos esta época, retrospectivamente, veremos que está surgiendo un nuevo tipo de novelas en que se entremezclan lo emocional con lo intelectual"

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Pronto aparecerá en venta el nuevo libro de Martin Amis, The second plane (Jonhatan Cape), ensayos, cuentos breves y otros textos de Amis sobre el 11-S que en el contexto de peleas con Terry Eagleton adquiere mayor singularidad, y como es costumbre en los países anglosajones las reseñas ya se adelantaron. Hoy apareció una en The Observer, el suplemento de The Guardian, escrita por Tim Allan. Y antes había aparecido en The Times una reseña escrita por David Aaronovitch.

Dice Allan: "Last month, speaking to Terry Eagleton about his 'feud' with Martin Amis over the proper response of the liberal left to Islamist terrorism, I asked the professor whether he considered Amis a worthy debating opponent. He replied: 'I have no idea why we should listen to novelists on these matters any more than we should listen to window cleaners.' Among its many ambitions this book wants to put him right. As well as being a collection of the dozen or so pieces - essays, short stories, reportage - Amis has written in response to the events of 11 September and to the War on Terror, it is an argument for why a novelist's voice should be privileged on these subjects. In his introduction to the collection, Amis makes part of his case: 'If September 11 had to happen, then I am not at all sorry that it happened in my lifetime ... Geopolitics may not be my natural subject, but masculinity is. And have we ever seen the male idea in such outrageous garb as the robes, combat fatigues, suits and ties, jeans, tracksuits and medics' smocks of the Islamic radical?' Cometh the hour, cometh the Mart. Amis has a need to lay claim to big subjects in this manner - in the past he has sought to make the holocaust and the gulags part of his 'natural' territory of warped masculinity too; in each case, in Time's Arrow and Koba the Dread, he risked reimagining the extremes of historical horror with his full ironist's swagger. Few writers have put comparable effort into offering neologisms for torture techniques; Amis did so in the belief that language must be fully alive for us to comprehend the banality of industrialised death.

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No tener un "representante" durante los años del Boom han convertido a la literatura boliviana, como la ecuatoriana, en las "cenicientas" literarias hispanoamericanas. Por eso es interesante conocer qué existía en la literatura boliviana en aquellos años y qué existe ahora, más allá de Edmundo Paz Soldán que es su "autor internacional de bandera" o algo así. En Página/12 hacen un especial genial al respecto donde se comenta la presencia transformadora de Jaime Sáenz e incluso descubren a un "bukowski" boliviano.

Sobre Jaime Sáenz dicen: "Dicen los entendidos que la literatura boliviana del siglo XX tiene su punto de quiebre a partir de la obra de este misterioso escritor y poeta paceño llamado Jaime Saenz. La literatura “saenziana”, como gustan llamarla los críticos especializados, intenta recuperar el espacio ocupado por el silencio del anonimato y de la dominación. “El escritor es un místico, al igual que el alquimista. En el ejercicio de la mística encontrará la materia prima de la obra”, le gustaba decir a Saenz, durante las prolongadas tertulias que ofrecía en su casa, en los denominados Talleres Krupp, epicentro de la movida literaria boliviana avant-garde, de la década del sesenta. Con una obra poética descomunal, varios libros de cuentos y Felipe Delgado (1979), la novela de la literatura boliviana de los últimos 30 años, este hombrecillo enorme bordeó y exploró las zonas más oscuras del ser paceño. En sintonía con la deriva errática del maldito Céline: las rondas nocturnas, los delirium tremens y obviamente el alcohol hicieron que el mito de Saenz haya cobrado dimensiones monumentales dentro de las letras bolivianas. “Felipe Delgado encarna ese personaje paceño mítico del que se habla en bares y en los cafés, a tal punto que se confunde con su propio autor. A estas alturas ya nadie sabe si Jaime Saenz era Felipe Delgado o viceversa o si era Jaime Delgado o Felipe Saenz”, comenta el escritor cruceño Homero Carvalho.

Y sobre Víctor Hugo Viscarra dicen: "“Lleve este casero. El Bukowski boliviano”, me sugiere un librero mientras le doy un sorbito a un vitamínico jugo de api, en las cercanías de la Catedral de San Francisco, en uno de los tantos barrios marginales de La Paz. “Si se da una vuelta por los barcitos de mala muerte que están cerca del Cementerio General, puede encontrar ese mundo que caminó Víctor Hugo Viscarra”, agrega el hombre. Narrador del margen y dueño de un lenguaje directo que atrapa, Viscarra escribió sobre lo que conocía: el insoportable frío paceño, el singani barato, la delincuencia, la adicción a la clefa y la marginalidad. “Se podría decir que estoy demasiado emputado con mi existencia. Cada día que pasa, ni bien le estoy pescando gustito al sueño, ¡zas!, un puntapié disfrazado de negro me recuerda que tengo que levantarme y seguir caminando sin tener a dónde ir. Porque para los miserables como yo, no existe el derecho de dormir nuestro cansancio encima de una tarima del pasaje Tumusla”, escupe Viscarra en Avisos necrológicos (2005), su quinto libro de relatos. Viscarra eligió vivir en la calle hace más de tres décadas. Esas calles donde no tenía nada que perder, donde caminar la noche con un abrigo y su botellita con alcohol puro fueron construyendo su universo. “Jamás podrán decir que Víctor Hugo escribía sobre lo que no sabía, como ocurre con varios escritores borders de moda”, explica la editora Virginia Ayllón. Solo unos papeles garabateados que atesoraba en los bolsillos de su saco guardaban esas caminatas nocturnas de Viscarra. Cuando pesaban demasiado, quedaban olvidados en cualquier rincón de un boliche o junto al banco de una plaza. Lo que atesoraba Víctor Hugo no necesitaba espacio físico.

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Las noticias necrológicas literarias se han apoderado de los blogs y los diarios virtuales en estos días. En el Perú, se ha confirmado lamentablemente la muerte del poeta José Ramírez Ruíz -perteneciente al grupo Hora Zero de los años 70-, quien falleció a mediados del año pasado en un accidente de tránsito y su cuerpo fue designado como NN. Las pesquisas de sus familiares, y posteriormente la de sus amigos poetas, han hecho posible que sepamos el destino final del autor de Un par de vueltas por la realidad. En el blog Zona de Noticias hay una interesante estampa del poeta fallecido.

Mientras tanto, en España se anuncia la muerte del célebre poeta Ángel González, a quien llamaban "el poeta del compromiso". Toda España está conmocionada con la muerte de uno de sus poetas mayores, gran amigo y conocedor además de la poesía hispanoamericanda. Dice "El País": "Tuvo que irse ajustado a su ley. Discretamente. Sin hacer ruido. Manteniendo impecable el tipo y sin alarmar a sus amigos más de lo necesario ni siquiera en los dos últimos días que pasó en el hospital, junto a Susana Rivera, su compañera de tantos años. Le dio por largarse como le vino en gana, quizá vislumbrando lo que nos anunciaba en aquel poema titulado El otoño se acerca: "Se diría que aquí no pasa nada, / pero un silencio súbito ilumina el prodigio: / ha pasado / un ángel / que se llamaba luz, o fuego, o vida, / y lo perdimos para siempre".

Y finalmente, también se lamenta la pérdida del narrador venezolano Adriano González León quien en 1968 ganó el Premio Biblioteca Breve Seix Barral con la novela País portátil. Dice El Universal: "Su primer libro de cuentos se tituló "Las hogueras más altas", publicado en 1959, y nueve años después, en 1968, ganó el premio Biblioteca Breve de Seix Barral con "País Portátil", una novela que es considerada renovadora de las letras y que fue llevada al cine. No fue hasta 1995 cuando volvió a retomar el género de la novela con "Viejo", pero en el ínterin produjo una serie de cuentos, artículos y poemas que ampliaron su obra. Además, produjo el programa "Contratema", un recordado espacio de televisión en el que hablaba sobre cuestiones culturales".

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Seguro todos los que leen Moleskine Literario tienen una cosa en común: les debe fascinar, como a mí, meterse en una librería en sus viajes y vagabundear por ahí. Justo la vez pasada me comentaba Peter Elmore un paseo por la célebre City Lights. Mientras la tendencia actual es abundar en librerías virtuales, Sean Donson ha elegido para The Guardian las 10 librerías más hermosas del mundo. Aquí la lista:

1) Boekhandel Selexyz Dominicanen in Maastricht
2) El Ateneo in Buenos Aires
3) Livraria Lello in Porto
4) Secret Headquarters comic bookstore in Los Angeles
5) Borders in Glasgow
6) Scarthin's in the Peak District
6) Posada Books in Brussels
8) El lugar de la Mancha (Péndulo) in Mexico
9) Keibunsya in Kyoto
10) Hatchards in London

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Una versión muy atractiva del poemario Poeta en Nueva York ha aparecido en una edición conmorativa que viene ilustrada por el asturiano Alfredo Sánchez y que tiene, además, un prólogo -que la nota califica de imperdible- de Leonard Cohen.

Dice la nota: "La ciudad que fascinó a Lorca durante su estadía como estudiante en la Universidad de Columbia y que le inspiraría una de sus obras poéticas más famosas, es dibujada casi ochenta años después por el artista asturiano Alfredo Sánchez (1933). Ls ilustraciones de Sánchez son naïf y expresionistas. Con en lápices de color retrató a Lorca sobre una nube encima del Empire State, con letras que vuelan sobre el puente de Brooklyn en "Esa ciudad sin sueño", y con negros llorando entre paraguas en "El rey de Harlem". Poemas como "En la cabaña del Farmer" o "Huida de Nueva York" fueron representados por "el mejor ilustrador español de ciudades", según el editor Pablo Tabernero. El poeta se topó en Nueva York con la pobreza y la abundancia, Harlem y Wall Street, en un momento en el que, para Tabernero, "su sensibilidad estaba ávida de paisajes y de paisanajes más cosmopolitas".

La flamante edición se presentará el próximo 28 de enero en la Casa Hispánica de la Universidad de Columbia, donde una placa recuerda la estancia del poeta granadino en dicha universidad y donde todavía se encuentran las habitaciones que ocupó durante dos años. La tirada será nada más que de 1000 ejemplares, en español y en inglés. Tabernero explicó que la idea de hacer esta obra le surgió junto al actual Ministro de Cultura español, César Antonio Molina, cuando éste era director del Instituto Cervantes de Nueva York, y tras buscar una versión ilustrada de este libro descubrieron que todavía no se había realizado ninguna.

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Impureza es el nombre del nuevo libro del argentino Marcelo Cohen. Es una nouvelle (o "novelita" como él la llama) de 103 páginas editada por Norma y que encaja en el género de las novelas de aprendizaje. Lo entrevistan en Página12.

Dice Cohen: "La novela trata sobre cómo salir de un barrio miserable y de lo que hay en juego en la educación o en su falta; si es posible torcer un destino regimentado, sistemático, si lo que hace el sistema en las cabezas es inmutable, o si una serie de azares y sensaciones procesadas de diversas maneras cambian a la gente. Es una pregunta que me he hecho de muchas maneras distintas dentro de lo que escribo.”

También dice: "Muchos escritores nos sentimos parte de una nueva aventura de la novela que consiste en hacer “como que podemos”. Si nos metemos en la cabeza alguna de las cosas que crearon los grandes novelistas del siglo XIX y principios del XX, y todo los que nos enseñaron después los teóricos de fines del siglo XX, podemos hacer un menjunje que coloque la novela en esa plenitud en la que reaparezca el personaje, que la gente pueda hablar de los libros y no solamente de cómo están hechos los libros. No estoy hablando de una ilusión perniciosa sino de crear discusión, porque esos personajes a veces pueden ser ideas. Todavía el famoso dialoguismo de Dostoievski nos puede enseñar algo. A mí no me disgusta que la gente vuelva a hablar de los libros como si comentara chismes o problemas familiares (risas).

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Enrique Vila-Matas se refirió a él como "el arquetipo genial del artista hispano sin obras". Al parecer, uno de sus grandes méritos fue el de inventar el concepto "putrefactos" (caricaturas oníricas y decadentes) que serían canalizados por Dalí y Lorca, e incluso Buñuel, y los poemas llamados "anaglifos" (por ejemplo: El búho/el búho/la gallina/y el Pancreátor o El té/el té/la gallina/y el Teotocópuli). Hacia noviembre leí Conversaciones con Pepín Bello (editado por Anagrama el año pasado) donde el sobreviviente de aquella milagrosa época en que se juntaron Dalí, Lorca y Buñuel en la Residencia de Estudiantes de Madrid contaba anécdotas a Sardá y David Castillo sobre tan notables artistas. No dejaba de sorprenderme la lucidez de Pepín Bello, parecía inmortal. Pero ayer por la tarde Pepín Bello ha muerto.

Dice la nota: "Bello, presidente de honor de la Asociación de Amigos de la Residencia de Estudiantes, nació en Huesca en 1904. En los primeros años 20 se trasladó a Madrid, donde coincidió, en la Residencia de Estudiantes, con artistas como el director de cine Luis Buñuel, el pintor Salvador Dalí y el escritor Federico García Lorca. Muchos señalan a Bello como el aunténtico catalizador del grupo. El escritor y editor será enterrado mañana por la mañana en el cementerio de la Almudena. El ministro de Cultura, César Antonio Molina, ha asegurado que con el fallecimiento de Bello, se pierde la "memoria viva" de una época de "fructífera creación". "Bello, que fue compañero de Dalí, Lorca y Buñuel en la Residencia de Estudiantes, fue amigo de todos esos grandes artistas, y de todos ellos y de su relación fraternal habló durante sus más de cien años", ha afirmado el ministro. El director de la Real Academia Española, Víctor García de la Concha, ha elogiado también la figura de Bello, último superviviente de la Generación del 27, y ha resaltado "todo ese testimonio de complementación y clarificación de la imagen del grupo" que realizón.

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Creo que es en la película "Los productores" donde se menciona una improbable versión para Broadway de Hamlet bajo el título "Funny boy". Al parecer, la broma no les pareció mal a algunos productores reales que piensan llevar las penurias de los diarios de Anna Frank a un musical.

Dice la nota: "Diez años le ha llevado al productor ejecutivo Rafael Alvero tener lista su función, tras conseguir el aval de la fundación que lleva el nombre de esta pequeña gran protagonista, pero al fin llega a las carteleras madrileñas el musical "Ana Frank. Un canto a la vida", que será estrenado el 28 de febrero en el teatro Häagen Dazs Calderón de Madrid y que ha contado con un presupuesto de 3 millones de euros. La Fundación Ana Frank, con sede en Amsterdam (Holanda), no había apoyado ningún proyecto ajeno a la organización desde la película que Georges Stevens dirigiera en 1959 y que se llevó tres Oscar. Según dijo a un diario español el representante de la Fundación Ana Frank en España, Juan Parra, todo ha ido hacia adelante porque el proyecto "respeta la veracidad histórica y difunde las ideas de tolerancia y convivencia".

Pero, ¿es posible cantar y bailar mientras se habla de la barbarie? Para Rafael Alvero la respuesta ha sido claramente: sí. Para ello, el musical recreará dos escenarios: el angosto cobertizo en el que Ana y su familia se escondieron junto con otra familia entre julio de 1942 y agosto de 1944 -bautizado por la niña como "la casa de atrás"- y otro en el que se recreará lo que en esos momentos sucedía en las calles. Quizás lo más sorprendente sea la personificación de Kitty, nombre de la amiga imaginaria a quien Ana dirigía sus cartas, que será en este caso un personaje más de la historia, uno de carne y hueso, funcionando a modo de alter ego de la protagonista. (...) Es que este musical no se centra en el horror del Holocausto, sino en la visión alentadora y positiva que daba Ana de una realidad que distaba mucho de pronósticos optimistas. Aún así, Ana usaba la imaginación como válvula de escape y ese es un punto clave en el enfoque del musical. La protagonista será encarnada por Isabela Castillo, una cubana de diez años, que ha sido elegida entre 800 aspirantes, y que se subirá por primera vez a un escenario para meterse en la piel de la joven que escribía y soñaba desde su forzosa prisión y que moriría a la edad de 15 años en el campo de exterminio de Bergen-Belsen, a pocos días del final de la guerra. (...) Ya otros directores se acercaron a los horrores del Holocausto a través del humor y la esperanza, el más exitoso -y controvertido- fue Roberto Begnini, con su película La vida es bella. Le toca el turno ahora a la música. Que parece postular que con humor, con lágrimas o con canciones, el mensaje es: "Recordemos".

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La expansión del facebook ha sido la noticia cibernética del 2007. Pero pronto no será necesario decir: "Te voy a buscar en el facebook" sino simplemente "te voy a facebookear" Al menos eso se desprende del texto de Pierre Assouline en el que comenta que el venerable diccionario Collins ha introducido la palabra también como verbo. Assouline -lamentándose por la pérdida del idioma del desaparecido Gracq- no duda de que pronto el francés seguirá al Collins. Yo estoy seguro de que el castellano se alineará también. Bueno, mientras esto del blog está de capa caída mi nuevo chiche es el facebook. Ahora mismo pienso atacar a alguien como vampiro.

Dice Assouline: "Alors que les observateurs de la Toile s’interrogent encore sur la nature durable ou passagère du phénomène, le vénérable Collins, prestigieux éditeur anglais de dictionnaires depuis 175 ans, n’a pas pu attendre douze mois de plus pour mettre sa pérennité à l’épreuve. Il fait figurer « Facebook » comme nom et comme verbe dans l’édition 2008 de son dictionnaire d’anglais qui paraît ces jours-ci à Londres. Dans le premier cas, il est défini comme « un populaire site internet de socialisation », et dans le second comme l’action de « chercher le profil de quelqu’un sur le site ». Que le nom reprenne la marque, passe encore. Mais le verbe ! Puisque c’est dans le Collins, ce sera bientôt admis chez ses homologues français. On va pouvoir se facebooker tranquillement, sans même les précautions de l’italique ou des guillemets, et sans craindre les foudres de la commission de la langue à l’Académie. Quoique sidérante par sa rapidité, l’évolution était inévitable si l’on songe qu’avant de se rencontrer en société, les curieux et les prudents ne se renseignent plus les uns sur les autres, comme ils le faisaient autrefois, mais se googlisent. Rien n’est facile comme de repérer dans un dîner celui qui a eu juste avant le mauvais goût de concocter des fiches Wikipédia sur chacun des convives : c’est généralement le seul capable de vous sortir un détail de votre biographie, si infime, si futile et si ancien que vous l’avez vous même oublié ! Dans ces moments là, vous le zappez au mépris des règles élémentaires de la conversation, avant de l’envoyer se faire facebooker. Collins n’a pas fait dans la demie mesure puisque dans son élan, il vient également d’inclure « Poke » et « Pimp » dans sa nouvelle édition, deux termes familiers aux utilisateurs de Facebook. Le premier signifie « attirer l’attention d’un correspondant sans pour autant lui envoyer un message », le second « agrémenter sa page». Un bonheur n’arrivant jamais seul, le Collins a également intronisé le verbe « to subprime » de funeste mémoire pour autant de banquiers que de petits épargnants. Faut-il préciser qu’il désigne l’action de « prêter de l’argent à des taux prohibitifs à un client ayant un mauvais profil de crédit » ?

Maintenant que c’est dans le dictionnaire, ils ne pourront pas dire qu’ils ne savaient pas, d’autant que les premiers ont dû poker comme des fous pour subprimer les seconds comme ils l’ont fait. En attendant que tout ceci débarque dans nos propres dictionnaires sous forme de néologismes douteux et d’anglicismes légèrement abusifs, nous avons hâte de nous replonger dans Un balcon en forêt et Un beau ténébreux, ou dans En lisant en écrivant et Préférences, et nous immerger dans une qualité de français dont nous sommes déjà orphelins et nostalgiques. Ne nous reste plus alors qu’à exprimer au grand écrivain disparu notre infinie gracquitude.

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Isabel Coixet ha elegido para su primera película de gran presupuesto en EEUU la novela de Philip Roth El animal moribundo. La película ha sido seleccionada para participar del Festival de Cine de Berlín. En "El País" se citan las declaraciones de Coixet sobre la película y su relación con el libro:

Dice la nota: ""Es una película americana pero con una visión y unos sentimientos muy europeos", explicaba ayer por teléfono Isabel Coixet. "La novela tiene un esquema que parece clásico pero que ofrece un giro que hace examinar y reexaminar todos los tópicos que se producen en las relaciones entre un hombre mayor y una mujer joven", añadía la realizadora, que por primera vez ha centrado su mirada en el universo masculino. "Los hombres tienen mucho miedo y las mujeres no lo sabemos. Al compromiso, al amor, a que les quieran y a querer". Coixet propuso al estudio una serie de cambios en el guión que le presentaron. "Todo el mundo sabe que en Europa el director es el que tiene la última palabra sobre los cortes en la película, algo que no pasa en Estados Unidos. He tenido discusiones tremendas pero muy fructíferas con los productores, pero al final tengo que decir que el montaje de la película es el que yo he querido. Es verdad que me ha costado mucho conseguirlo pero ahí está".

Ha cambiado hasta el final de la novela del propio Roth, distinto también del guión inicial. "Es uno de los grandes escritores vivos del momento. Tuve con él cinco largas conversaciones en las que hablamos de muchas cosas. Tengo la sensación de que El animal moribundo tiene mucho de autobiográfico, que lo que cuenta la novela lo ha vivido el propio Roth. Entendió mi final. Roth está en la película. He sido fiel a Roth y a mí misma".

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¿Qué les puedo decir? A mí Scarlett Johanson no me gusta. No me parece sexy, no me parece inteligente, no me parece buena actriz y me da pena que Woody Allen, que ha tenido divas extraordinarias como Mia Farrow y Diane Keaton, ahora esté enamorado de esa chica. Pero eso no quiere decir que no sueñe con chicas de Hollywood. ¿Con quién sueño yo? Pues con Kate Winslet. Con ella sueño. Me fascina, me da ternura, le creo todo. Y ahora me he enterado de que será parte de la película El lector basada en el libro de Bernard Schlink (quien hizo el guión). Me parece un casting genial. Para quienes hemos leído el libro, es inexplicable que en algún momento hayan pensado en Nicole Kidman para el papel. ¡Si es obvio que es perfecto para Kate!

Dice la nota: "La actriz británica Kate Winslet podría asumir el papel protagónico en la película "Der Vorleser" ("El lector"), al que renunció la estrella australiana Nicole Kidman por estar embarazada, asegura el diario alemán "Berliner Morgenpost" en su edición de este martes y sin citar fuentes. Winslet, protagonista junto a Leonardo di Caprio en la película "Titanic" "se ajusta fenomenal al papel", dijo al mismo rotativo el alemán Bernhard Schlink, autor del libro del mismo título en el que se basa la película. Los estudios cinematográficos Babelsberg en Potsdam, ciudad vecina a Berlín, evitaron hacer comentario alguno sobre esas informaciones. Sin embargo, al conocer que la ganadora de un premio Oscar renunciaba al proyecto, una portavoz de los mismos estudios había asegurado que el papel sería cubierto por otra persona, aunque no facilitó detalles sobre las posibles candidatas. Kidman, de 40 años y madre de dos niños adoptivos de su primer matrimonio con el actor estadounidense Tom Cruise, iba a rodar este año, junto a Ralph Fiennes, la versión fílmica de la novela "Der Vorleser" ("El lector"). De hecho, tenía previsto grabar las primeras escenas a finales de mes"

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En la población española de Vitoria sí que es agradecida. Al saber que el gringo Ken Follet (autor del best-seller Los pilares de la tierra) iba a inspirarse en la reconstruida catedral de Santa María de Vitoria para Un mundo sin fin, la continuación de su exitosa novela, le hizo de inmediato una estatua. Follet presentó ayer en esa catedral su libro.

Explicó Follet: "La fundación que restaura la catedral me invitó a ver sus trabajos en el 2002, yo soy un apasionado de las cuestiones arquitectónicas y me fascinó la manera en que habían resuelto sus problemas. Lo maravilloso, y que no he visto en ningún otro lugar, es que aquí se ha permitido que el público pueda visitar el templo mientras se realizan las obras, que suponen, como ve, nada menos que levantar todo el suelo de la catedral. Estaba buscando una manera verosímil para que la catedral de Kingsbridge, en mi libro, tuviera problemas estructurales y copié literalmente los males que sufría la catedral de Santa María, es decir, que los cimientos y cascotes subterráneos que aguantan los pilares, con el paso del tiempo, se transformaban en polvo y eso podía provocar un hundimiento. ¡Claro que me ha influido Vitoria! Yo necesito ver los escenarios que describo, tener una imagen de por dónde se mueven mis personajes, he ido a ver casas medievales, el antiguo mercado… aquí y en otros sitios."

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Algo se acaba y algo empieza. El 2007 literario debió ser recordado por ser el fin de la saga de Harry Potter pero lo será, no tengo la menor duda, por ser el año del lanzamiento del Amazon Kindle. Los métodos de reproducción y marketing de libros a lo Harry Potter (que incluía camiones camuflados y cajas que se abren a una hora en punto en todos los países) son el punto final de una Era que empezó con las novelas por entregas. Ahora toca pensar en cómo se distribuirán y comercializarán los libros en el futuro.

En lo que a mí respecta, confieso que el 2007 está marcado por ser el año en que perdí a un buen amigo y un maestro, como lo consideré siempre a José Watanabe.

Hago aquí, con retraso, mi balance de fin de año. Es un balance de lo que considero lo mejor de lo que leí en el 2007, entre lo publicado este año. No pretende ser una síntesis del año sino una elección subjetiva entre mis lecturas. El pasado ha sido un año extraño para mi vida literaria pues mi falta de tiempo para redactar reseñas en Caretas y el nuevo formato de "Vano Oficio" coincidieron para que, a diferencia de otros años, no esté al día con lo que se publica en el Perú, aunque en narrativa sí traté de seguir el ritmo. Una de las cosas que me alegra es que, honestamente (¿vale de algo esa palabra en los blogs llenos de anónimos?), muchos de los libros que considero los mejores que leí entre los publicados este año fueron escritos por personas que considero amigos míos. Por eso, a las almas sensibles que se escaldan con el tema reseñismo/amiguismo les sugiero no continuar leyendo.

Narrativa peruana
Creo que este año ha sido muy parejo en cuanto a la calidad de la narrativa peruana. Una calidad promedio, sin nada descollante, con varias obras al mismo nivel. Menciono a tres que me interesaron especialmente, pero la misma correcta impresión –sin demasiado entusiasmo- que me dejaron las tres que aparecen aquí me dejaron las novelas de Alfredo Bryce Echenique, Carlos Garayar, Carlos Calderón Fajardo, Carmen Ollé y José de Piérola. En cuanto a Daniel Alarcón, me presentó un problema que no he sabido resolver: publicada en inglés en el 2006, la traducción fue del 2007. Definitivamente, sea de un año u otro, lo ubicaría entre los mejores libros del año. Finalmente, en cuanto a autores más jóvenes, este año he visto cosas malísimas (el nivel bajo ha sido muy pobre esta vez) pero también cosas interesantes en los debuts de Jeremías Gamboa, Katya Adaui y Giselle Klatic que anuncian una buena proyección; y en cuanto a algunos autores más reciorridos de los que esperaba mucho, o incluso muchísimo, como Luis Nieto Degregori, Grecia Cáceres, Claudia Ulloa, Luis Hernán Castañeda o Marco García Falcón, debo admitir (con pena) cierta frustración en mis expectativas.

1.- El susurro de la mujer ballena (Planeta) de Alonso Cueto.- Una vuelta de tuerca de Alonso sobre el tema de la reconciliación. Una novela en la que Alonso busca un registro distinto y lo consigue, aunque no sin sobresaltos. Es interesante que la parte que me parece menos lograda, como es la descripción del “ambiente limeño”, es la que más resaltaron las críticas internacionales. A mí me sedujo sobre todo el tono de suspenso, de thriller, que se mantuvo durante toda la novela, y la creación del personaje mórbido y obsesivo de Rebeca, la mujer-ballena. Es como si un personaje rotundo de Stephen King se instalara en medio de la vida de los personajes discretos, fatalistas y ligeros del habitual estilo jamesiano de Alonso. Es una mezcla arriesgada pero a Alonso le funcionó perfectamente.

2.- Algo que nunca serás (Planeta) de Guillermo Niño de Guzmán.- Siempre he creído que un cuentista tiene una cantidad limitada de errores posibles en una colección de relatos para que ésta siga siendo considerada buena. Y Guillermo agota todos sus errores en el hórrido cuento sobre Borges, de cuyo nombre no puedo acordarme. Sin embargo, quitando ese relato, en el resto de relatos Guillermo recupera esa voz melancólica, decepcionada, incluso triste a veces, y siempre a punto de caer en la desesperación (pero sin cruzar la línea jamás) que hizo de su primer libro, Caballos de medianoche, un libro excepcional. Y, por eso mismo, este libro cargado de cosas no dichas y signos no descifrados, también lo es.

2.- Un millón de soles (Alfaguara) de Jorge Eduardo Benavides.- Aunque la impronta de Mario Vargas Llosa sigue siendo notoria en las novelas de Jorge Eduardo, en esta novela el montaje vargasllosiano se justifica en una trama de ficción histórica más bien compleja que incluye un tema tan boomero como es el del dictador del que Jorge Eduardo sale bien librado gracias al don de diseñar personajes con motivaciones concretas que superan a los argumentos –siempre menos atractivos que los protagonistas- de sus novelas.

Poesía peruana.
Este año prácticamente no he leído poesía peruana última, una de las desventajas (¿o ventajas?) del nuevo formato del programa. De lo poquísimo que he leído me queda la estupenda impresión del poemario de José Miguel Herbozo Los ríos en invierno (Premio Pucop) y la buena noticia de Propios como ajenos (Peisa), la antología de Antonio Cisneros, en formato bolsillo.

Periodismo peruano
He revisado varios de los libros de este rubro y descubro cosas interesantes, pero me parece que aún no alcanzan la agudeza de autores notables como Jaime Bedoya, Luis Jochamowitz, Ricardo Uceda, Toño Angulo o Julio Villanueva Chang. Destaco, sin embargo, el excelente trabajo de investigación de David Hidalgo en Sombras de un rescate (Planeta), y la rareza de las Obras Escogidas (PUCP) de un cronista precursor como es Cabotín.

Narrativa en castellano
El 2007 dejó en claro que la narrativa latinoamericana sigue en línea ascendente. Gracias a la apuesta por ella de editoriales fuertes, haciendo una mención muy especial a Anagrama, y de editoriales independientes con mucha fuerza en Argentina, México y España, la narrativa latinoamericana empieza a recuperar el espacio que tuvo durante el Boom, pero no con divos casi milagrosos, sino con obras en diversos registros, muy dinámica, de una calidad promedio admirable. Este año he seguido especialmente la literatura argentina última y la considero entre las mejores en cualquier idioma… ¡Y eso que no he leído aún a la tía Venturini! Más que una obra en particular, debería decir que la literatura argentina en general ha sido la estrella del año. Sin embargo, destaco tres novelas no argentinas que me han parecido de altísimo nivel.

1.- El Gran Vidrio (Anagrama) de Mario Bellatin.- La evolución de la obra de Mario Bellatin es imposible de seguir para quienes se quedaron en Salón de belleza. ¡Cuántos giros y rupturas se suman a sus obras desde entonces! Para mí el giro más dramático ha sucedido con la publicación de este libro que es, al mismo tiempo, un arte poética y una novela de evolución espiritual difícil de entender si se desconoce, o se menosprecia, el inocultable lado místico de la actual obra de Mario. Es también una autobiografía falaz, si se quiere, pero al mismo tiempo una autobiografía absolutamente demoledora y honesta en la que el artista es visto con lucidez como un freak.

2.- La fiesta vigilada (Anagrama) de Antonio José Ponte.- Un compendio de cubanidad, pero también de inteligencia, reflexión, sentido del humor. La novela que todos los latinoamericanos deberían escribir o intentan hacerlo. No hay argumento, el argumento es la reflexión misma y la historia de su país. Ponte es un gran contador de historias, como lo sabemos quienes hemos leído sus cuentos, pero sobre todo un agudísimo observador y descifrador de la realidad y los objetos, solo comparable en ese sentido a Bruce Chatwin o WG Sebald. Y este libro, junto con esa joya inhallable llamada Las comidas profundas, son de lo mejor que se ha escrito en castellano en los últimos años.

3.- Palacio Quemado (Alfaguara) de Edmundo Paz Soldán.- Luego de un par de delirios cibernéticos que hacían impredecibles las tramas, aunque siempre interesantes, Edmundo consigue cumplir con su anhelo de hacer una novela política. No sólo la trama es mucho más consistente que en sus anteriores novelas (pese a una coincidencia por ahí que no me pareció del todo lograda) sino que su protagonista, y sus verosímiles contradicciones, es el personaje más convincente de toda su obra. Además, la destreza para hilvanar con lucidez la reflexión política con las evoluciones de los personajes es, al fin, un triunfo que Edmundo buscaba desde hace muchos años.

Narrativa extranjera.-
En este apartado mencionaré las obras traducidas en el 2007, aunque las ediciones originales sean de años anteriores. Debo aclarar, sin embargo, que no considero dos libros que podrían cambiar mi decisión: en primer lugar, Vida y destino, de Vasili Grossman, que para muchos es realmente el gran libro del año pero que ningún miserable amigo ha querido traerme desde España porque “pesa mucho”. Y en segundo lugar, Las benévolas, de Jonathan Litell, que estoy leyendo de manera intermitente, alternando al mismo tiempo el amor y el odio.

1.- La carretera (Mondadori) de Cormac McCarthy.- Una novela que es como la dentadura de un perro: te muerde desde la primera página y, sin evitar el dolor o la angustia, te mantiene cogido hasta el final. Genial.

2.- Delicioso suicidio en grupo (Anagrama) de Arto Paasilina.- Este año me puse al día con las tres novelas de este extraordinario escritor finés partiendo por este libro publicado en castellano el 2007: la historia de un viaje alucinante en un bus rumbo al lugar más adecuado para suicidarse. El sentido del humor –un humor negro e ingenuo al mismo tiempo, solo comparable al de Kaurismaki- no oculta sino, al contrario, revela una ternura y una compasión por el destino de estos personajes dementes notable.

3.- El mundo de los prodigios (Libros del Asteroide) de Robertson Davies.- Es la tercera parte y el cierre de la Trilogía de Deptford de Robertson Davies. Y aunque su calidad no alcanza en excelencia a El quinto en discordia (la primera parte), sin duda es una novela excepcional. Si se considera la trilogía como un solo libro, este re-descubrimiento de un autor olvidado es de lo mejor que le ha ocurrido en años a España en ediciones de autores extranjeros.

Blogs
Solo mencionaré blogs en castellano, aunque este último medio año me he dedicado a leer sobre todo blogs en otros idiomas.

1.- El blog de Jean Francois Foguel.- Este periodista francés, impenitente viajero que este año visitó Lima, tiene un blog que es absolutamente imprescindible. Leerlo es un placer no sólo por la pertinencia de sus apreciaciones sino porque siempre está conectado con noticias realmente interesantes. Es decir, no hay “chauchilla” en su blog, como sí lo hay en casi todos los demás, sino que todas sus entradas tienen un aspecto aprovechable: si no es el punto de vista sí la información. Demás está decir que Moleskine Literario tiene una deuda muy grande con él por ser una fuente inagotable de notas.

2.- Puente aéreo.- El blog de Gustavo Faverón ha asumido, por un año más, en la reflexión y el comentario de temas literarios, que terminan rebotando en los medios y generando discusión. Casi todos los temas importantes literarios (especialmente los vinculados al Perú) han merecido un post en “Puente aéreo” y siempre con las virtudes de Gustavo: informado, documentado, y sobre todo impecablemente argumentado. Lamentablemente, los comentaristas no están a la altura y terminan tergiversando cualquier tema hasta sofocarlo. Aún así, gracias a las intervenciones de Gustavo y algunos otros comentaristas contados por los dedos, desde su aparición Puente aéreo es indispensable para la formación de opinión en la literatura peruana.

3.- Linkillo.- El blog de Daniel Link es un clásico en América Latina. Arbitrario, perverso, con un agudo sentido del humor, Link ha logrado hacer de su blog una actualización casi diaria de sus contundentes reflexiones sobre literatura o arte pero, sobre todo, en un mapa de referentes que traslucen la personalidad del creador que está detrás. Para mí, Linkillo es el modelo de lo que debe ser el blog de un escritor que es, al mismo tiempo, un consumidor de arte y un pensador contemporáneo. Por otra parte, algunos de sus post (como los dedicados a la breve estancia en Berlín) son auténticas joyas literarias en cualquier formato, como las que no suelen proliferar en los blogs

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¿Y esa linda espalda de quién creen que es? Ni más ni menos que de Simone de Beauvoir, la centenaria. Descubro en el blog de Pierre Assouline esta fotografía (inédita hasta este año) publicada, en primera plana y en medio de homenajes, por la revista Le Nouvel observateur El artículo de la revista se titula, con fineza, "Simone de Beauvoir, la escandalosa". La foto, en realidad, es lo menos escandaloso en la vida de Simone. Fue tomada por un amigo de su amante, el fotógrafo Art Shay, literalmente a espaldas -y algo más- de la escritora que, sin duda, tenía no sólo un rostro precioso y una inteligencia notable sino otros atributos sospechados por muchos -me incluyo- pero recién verificados. Las feministas quieren, como reparación, una idéntica de Albert Camus (se niegan a aceptar una de Sartre).

Por cierto, un lector sugiere leer también este artículo en la prensa inglesa.

Dice Assouline: "Aujourd’hui, l’association féministe qu’elle avait fondée avec Gisèle Halimi “Choisir la cause des femmes” ne l’entend pas ainsi : elle voit une atteinte à la dignité de la femme dans cette couverture dont elle dénonce le caractère “racoleur” tout en soulignant :”“Cette photo, volée à son intimité, n’illustre en rien les écrits, la philosophie, le féminisme et la personnalité de Simone de Beauvoir. Elle choque à cet égard et démontre la volonté d’instrumentaliser à des fins purement commerciales le corps des femmes contrairement aux photos consacrées aux personnalités masculines” Il est vrai que l’on n’imagine pas Camus à poil en couverture de l’hebdomadaire dirigé par Jean Daniel. Même pas de dos. Et Sartre encore moins. Alors ? Le Nouvel observateur se justifie par la voix de son co-directeur de la rédaction Michel Labro. Tout en reconnaissant que la publication de la photo, surtout en couverture, a fait débat au sein du journal, il estime qu’elle est en accord avec l’esprit de Beauvoir et va jusqu’à y voir “un parfait hommage”. Ce qui est peut-être un peu beaucoup, même d’un certain point de vue. Il en sera éventuellement question, en filigrane, en surimpression ou en subliminal cet après-midi au réfectoire des Cordeliers, rue de l’Ecole de médecine à Paris, où se tient trois jours durant sous la direction de Julia Kristeva un grand colloque international, à l’occasion du centenaire. A 17h, Anastassia Arnold, venue tout exprès du Danemark, fera une communication sur “The Pain-trap. Simone de Beauvoir and Nelson Algren. An anatomy of love” juste avant que Philippe Sollers n’expose ses vues sur “Les amours de Beauvoir”. Il n’est pas prévu de projections de photos.

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El más grande temor que tenemos los lectores cuando vemos el paisaje vacío al final de El Principito, y el autor nos invita a imaginar que no le ha pasado nada, se ha hecho realidad: el Principito había muerto. En una exposición de cartas notables en el Museo de Cartas y Manuscritos descubrimos el certificado de defunción del Principito expedido por el mismísimo Saint Exupery. Pero al zorro no lo matarán.

Dice la nota: " Uno de los puntos fuertes de la exposición es la colección de cartas ilustradas con imágenes de El Principito que su creador, Antoine de Saint-Exupéry, dirigió a su último gran amor La mujer, una joven de 23 años, oficial del ejército francés, casada y embarazada, cuyo nombre fue mantenido en reserva, nunca correspondió la pasión de Saint-Exupéry, quien desesperado por los desaires le envió un sombrío último texto en mayo de 1944. "No hay más Principito, hoy día ni jamás. El Principito está muerto o se volvió totalmente escéptico. Un Principito escéptico no es más un Principito. Estoy resentido con usted por estropearlo", escribió. "No habrá más cartas, teléfono ni señal. No fui prudente ni pensé que arriesgara pena, pero me lastimé en el rosal cogiendo una rosa. El rosal preguntará: ¿Qué importancia tenía para usted? Ninguna, rosal, ninguna. Nada importa en la vida. No más vida. Adiós rosal", agrega. Dos meses después de escribir esto, Saint-Exupéry desapareció misteriosamente para siempre cuando pilotaba un avión sobre Francia, en una misión de reconocimiento durante la Segunda Guerra Mundial.

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Crisis de enfermos en el gremio: José Saramago está internado desde diciembre. Felizmente, al igual que Benedetti también está fuera de peligro.

Dice la nota: "Está internado aquí", se limitaron a confirmar las fuentes del sanatorio, que agregaron que no podían dar mayores detalles sobre su estado o el día en que fue ingresado, informó AFP. Según la prensa local, el escritor, de 85 años de edad, habría ingresado a mediados de diciembre aquejado de una insuficiencia respiratoria, aunque se mantiene estable y su vida no corre peligro. El autor de La caverna o El hombre duplicado vive en la localidad de Puerto del Carmen, en la isla canaria de Lanzarote, desde 1993, junto a su esposa, la periodista Pilar del Río. "

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"Una mujer con muchos hijos", así califica Silvina Frieira en Página12 a Simone de Beauvoir que hoy ía hubiese cumplico capricornianos 100 años. La mayoría de medios culturales se ocupan del onomástico, por supuesto. Por otra parte, en El País prefieren colocar opiniones enfrentadas sobre la obra de la centenaria. En el Perú, pueden revisar los textos publicados en Perú21, en el diario "El Comercio" , que trae una buena cronología, y en el diario "La República" que incluye las opiniones sobre doña Simone de dos escritoras peruanas: Rocío Silva Santisteban y Carmen Ollé.

Dice Página/12: "“El problema de la mujer siempre ha sido un problema de hombres”, dijo la escritora francesa a modo de advertencia. La novela preferida por De Beauvoir era Los mandarines, que pone en escena el antagonismo entre Sartre y Camus, y con la que ganó el prestigioso premio Goncourt en 1954. “La escribí en un momento en el que estaba verdaderamente en el fuego de la vida, yo sentía el problema del tiempo y escribí esta novela con mucha pasión”, afirmó la escritora en una entrevista publicada por Le Monde en 1978. “Mis ensayos reflejan mis opciones prácticas y mis certezas intelectuales; mis novelas, el desconcierto al que me arroja, en general como en los detalles, nuestra condición humana. Corresponden a dos dimensiones de la experiencia que no sería posible comunicar de igual modo. Tanto los unos como las otras tienen para mí igual importancia y autenticidad; no me reconozco menos en El segundo sexo que en Los mandarines, e inversamente. Si me he expresado a través de dos registros diferentes, es porque esta diversidad me resultaba necesaria”, comparaba De Beauvoir su incursión en el ensayo y la novela.

Ironías del destino mediante, la mujer que no quiso tener hijos se encuentra con miles de hijas en el mundo. De Beauvoir es venerada por las feministas, sobre todo fuera de Francia, que leen y estudian su obra. En India, según la periodista Bénédictine Manier, “las indias citan a Simone de Beauvoir en cualquier conversación sobre mujeres al cabo de diez minutos”. En el centenario de su nacimiento hay mucha tela para cortar, mucho por decir, escribir y descubrir –especialmente su literatura, tal vez desplazada de foco por sus ensayos y su militancia feminista– sobre esta gran escritora y pensadora que marcó la vida de miles de mujeres en todo el mundo.

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Hoy Gustavo Faverón ha colocado un post en "Puente aéreo" en el que comenta el tema de los blogs literarios a partir de las declaraciones de Jonathan Franzen, que coloqué ayer. Coincidentemente, leo en el suplemento "Laberinto" del diario Milenio un artículo de opinión donde Fernando Iwasaki arremete también contra los blogs, o quizá habría que decir contra ciertos blogs y ciertos comentaristas. No le falta razón al buen Fernando en irse contra esos energúmenos, como los califica, aunque seguro le daría pena saber que uno de los más prolíficos inventores de ataques e insidias anónimas en los blogger peruanos está en su lista de contactos. Si se impusiera la política de los IP que Fernando propone ¡cuántas escarapelas caerían!

Dice Iwasaki: "No me agradan los blogs porque muchas veces cobijan opiniones anónimas e insultantes que sus autores jamás suscribirían con sus nombres verdaderos, pero reconozco que también he leído en los blogs razonamientos inteligentes y originales, aunque no comparta el ideario de sus autores. ¿Cuántos blogueros habituales de Arcadi Espada han creado sus propios blogs? Muchos, y su lectura es tan amena e interesante como la del propio Arcadi. Los grandes diarios han descubierto la pólvora de los blogs y por eso animan a sus columnistas a crear un blog. En EU ya existen portales que tienen normas para que los energúmenos no degraden la discusión. Por ejemplo, cada opinión se cuelga firmada y acompañada por el IP del ordenador del blogger. ¿Cuántos blogs españoles y latinoamericanos exigirían normas así? Sospecho que muy pocos. Por eso los blogs políticos de mayor credibilidad son los anglosajones, porque una opinión sin firma, por más inteligente y razonable que sea, carece de valor (...)

¿Los columnistas de un diario tendrían menos libertad que los blogueros del mismo diario? Probablemente, porque los estudios de mercado demuestran que los lectores de papel suelen ser menos abiertos y tolerantes que los lectores digitales. Y si un columnista virtual disfruta de más libertad en el blog de su periódico, ¿en un blog personal su libertad sería absoluta? No necesariamente, porque libertad no equivale a impunidad.Dentro de nada los blogs políticos, culturales y económicos desplazarán en credibilidad a los medios de comunicación convencionales, porque todo el mundo sabe con qué intereses, ideológicos o confesionales y partidarios o empresariales, están comprometidos los principales grupos de comunicación. Hoy por hoy esos espacios son altruistas y sin ánimo de lucro, pero el día de mañana generarán sus propios ingresos y servirán para crear riqueza. Arquímedes estaría contento. "

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Parece que los franceses ya están hartos de ver a Nicolás Sarkozy en todos lados paseando del brazo de Carla Bruni. ¿Pero es que no era Francia el lugar del amor? ¿Y qué pasó con "siempre nos quedará París"? ¿Y Pepe Lepú? Parece que ya no. Yazmina Reza publicó un libro sobre el presidente figuretti cuando era candidato, muy polémico (algunos dicen que era favorable al ahora presidente y otros que era un ataque artero) y super ventas, que acaba de ser traducido al castellano y será publicado en un mes por Anagrama. Se trata de El alba la tarde o la noche y en "El País" comentan la edición.

Dice la nota: "Yasmina Reza (París, 1959), célebre autora de la multipremiada obra de teatro Arte, ultima estos días el montaje de El Dios de la masacre, que estrenará en Francia el 25 de enero. El 7 de febrero aparece en castellano, en Anagrama, El alba la tarde o la noche (sin comas por expreso deseo de la escritora), que se publicó en Francia justo antes de las últimas elecciones presidenciales y que es fruto de un año de seguimiento de la campaña del candidato Nicolas Sarkozy. "Es un libro que ha estado rodeado de un gran equívoco", decía el domingo pasado Yasmina Reza en un salón del distinguido hotel Lutetia de París. "Tuvo un eco mediático enorme y se creó una expectativa infundada, como si fuera un libro político, repleto de revelaciones, cuando es un trabajo literario, una serie de bocetos sobre un personaje y el mundo que le rodea, sobre alguien que escoge su destino, su vida, que lucha contra el tiempo". La escritora lleva razón, pero el equívoco era inevitable cuando el destino del que habla es el del presidente de la República y el personaje, Nicolas Sarkozy. Prueba de la desorientación del público es que para muchos El alba la tarde o la noche pasa por una hagiografía mientras que para otros tantos es una crítica implacable. "He recibido cartas llenas de insultos de personas que decían que había querido destruir a Sarkozy. Por ejemplo, me reprochaban que hubiese dicho que Nicolas cojea. Y la verdad es que cuando pregunté a la gente de su entorno inmediato si es que se había lesionado y porqué cojeaba, todos me negaron la evidencia: ¿Cojear? ¿Cuándo?".

A Reza la trataron de "cortesana", de "haberse vendido a la derecha" pero a Sarkozy y a buena parte de sus próximos colaboradores el libro no gustó. "Me llamó por teléfono y me lo dijo. Fue una larga conversación que no puedo hacer pública". Ella sigue reclamando que se lea el libro "como un objeto literario, un retrato de pintor, que no una fotografía. No hay ni un solo juicio de valor, no se subraya nada". El proyecto del libro nace del deseo de la propia Yasmina Reza. "Le expuse mi intención a Nicolas y aceptó, sin poner ningún límite. Allí donde iba, todo lo que veía, podía contarlo sin cortapisas. Es narcisista y egocéntrico pero nunca le ves leer lo que los periódicos publican sobre él. Lo absurdo es reducirlo a una sola faceta, presentarlo como un dictador. Puede ser tierno y atento, es inteligente y competente pero también es muchas de las cosas de que le acusan. Es un tipo multifacético. Y es un demócrata: ningún presidente francés había incluido antes en su Gobierno a miembros de la oposición".

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Con el fin de agitar las aguas apenas iniciado el año, la página del Times ha publicado la lista de los 50 escritores británicos más importantes desde 1945, es decir después de la Segunda Guerra Mundial. Encabeza la lista un poeta que no he leído: Philip Larkin (lo bueno de las listas es que uno se entera de estos nombres). Doris Lessing ocupa el quinto lugar (¿habrá ascendido por el premio?) Kingslay Amis (9) está por encima de su hijo Martin (19), que es el mejor posicionado del Dream Team. Los demás andan por el (32) Ishiguro, el (35) MacEwan, el (37) Kureishi y el (44) Barnes. Rowling aparece en el (42) por encima de Barnes y del extraordinario Bruce Chatwin (46). Mi queridísimo John Banville no aparece. The Times pide a los lectores que dejen sus comentarios. ¿Alguien sabe un buen insulto británico? Aquí la lista completa.

1. Philip Larkin
2. George Orwell
3. William Golding
4. Ted Hughes
5. Doris Lessing
6. J. R. R. Tolkien
7. V. S. Naipaul
8. Muriel Spark
9. Kingsley Amis
10. Angela Carter
11. C. S. Lewis
12. Iris Murdoch
13. Salman Rushdie
14. Ian Fleming
15. Jan Morris
16. Roald Dahl
17. Anthony Burgess
18. Mervyn Peake
19. Martin Amis
20. Anthony Powell
21. Alan Sillitoe
22. John Le Carré
23. Penelope Fitzgerald
24. Philippa Pearce
25. Barbara Pym
26. Beryl Bainbridge
27. J. G. Ballard
28. Alan Garner
29. Alasdair Gray
30. John Fowles
31. Derek Walcott
32. Kazuo Ishiguro
33. Anita Brookner
34. A. S. Byatt
35. Ian McEwan
36. Geoffrey Hill
37. Hanif Kureishi
38. Iain Banks
39. George Mackay Brown
40. A. J. P. Taylor
41. Isaiah Berlin
42. J. K. Rowling
43. Philip Pullman
44. Julian Barnes
45. Colin Thubron
46. Bruce Chatwin
47. Alice Oswald
48. Benjamin Zephaniah
49. Rosemary Sutcliff
50. Michael Moorcock

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Me entero por el último "Dietario Voluble" de Enrique Vila Matas que existe una rara avis literaria que se caracteriza por ser "anti-citas" y que "ven mal cierta erudición y dan la consigna estúpida de que "al escribir no hay que deberle nada a nadie", según explica Vila Matas. ¿Existen esos? Pues pobres almas porque citar o epigrafiar es uno de los placeres más grandes que tenemos los lectores. Cuando un autor toma prestada o robada una frase de otro, no sólo le está rindiendo un tributo sino reclamando un derecho: el derecho a que una buena frase sólo existe, y es buena, si existe alguien que la lee, la entiende y la considera como propia. Si no, esa frase está muerta. Una cita citable, en sí misma, ¿era buena o memorable antes de que los demás empezaran a citarla? No, de ningún modo. No existía. Independientemente de la intención inicial de una frase, cuando un autor la cita la está cargando de su propia personalidad; no solo la está re-creando sino que la están inventando. Por eso estoy de acuerdo con la manía de citar de Vila Matas, que hago mía además, y digo más: creo que no hay en sus novelas nada tan suyo, personal e, incluso, intrasferible como las citas de los otros.

Dice Vila Matas: "Comenta Susan Sontag en el prólogo de la singular y hoy algo extraviada novela Vudú urbano, de Edgardo Cozarinsky: "Su derroche de citas en forma de epígrafes me hace pensar en aquellos filmes de Godard que estaban sembrados de frases ajenas. En el sentido en que Godard, director cinéfilo, hacía sus filmes a partir de y sobre su enamoramiento con el cine, Cozarinsky ha hecho un libro a partir de y sobre su enamoramiento con ciertos libros". Me formé en la era de Godard. Lo que había visto en Godard y otros cineastas innovadores de los años sesenta lo asimilé con tanta naturalidad que después, cuando alguien reprochaba, por ejemplo, la incorporación de citas a mis novelas, me quedaba asustado de la ignorancia de quien censuraba aquello que para mí era lo más normal del mundo. Además, no podía olvidarme de ejemplos extremos como El libro de los amigos, de Hugo von Hofmannsthal, colección de aforismos que, junto a textos del autor, incorporaba "voces amigas": un centenar de máximas ajenas que se integraban en la visión del mundo del propio Hofmannsthal. Fernando Savater dice que las personas que no comprenden el encanto de las citas suelen ser las mismas que no entienden lo justo, equitativo y necesario de la originalidad. Porque donde se puede y se debe ser verdaderamente original es al citar. Por eso, algunos de los escritores más auténticamente originales del siglo pasado, como Walter Benjamin o Norman O. Brown, se propusieron (y el segundo llevó a cabo su proyecto en Love's Body) libros que no estuvieran compuestos más que de citas, es decir, que fuesen realmente originales... Plenamente de acuerdo con Savater cuando dice que los maniáticos anticitas están abocados a los destinos menos deseables para un escritor: el casticismo y la ocurrencia, es decir, las dos peores variantes del tópico. Citar es respirar literatura para no ahogarse entre los tópicos castizos y ocurrentes que se le vienen a uno a la pluma cuando nos empeñamos en esa vulgaridad suprema de "no deberle nada a nadie". Y es que, en el fondo, quien no cita no hace más que repetir, pero sin saberlo ni elegirlo. "Los que citamos", dice Savater, "asumimos en cambio sin ambages nuestro destino de príncipes que todo lo hemos aprendido en los libros (y ahí va otra cita disimulada, ja, ja, larvatus prodeo...)".

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Las noticias, a primera hora de la mañana, eran preocupantes: Mario Benedetti estaba internado en una clínica con síntomas de deshidratación. Felizmente, con el transcurrir del día parece que el querido escritor uruguayo está fuera de peligro.

Dice la nota: "El escritor uruguayo de 87 años ingresó en el sanatorio Impasa de la capital oriental con síntomas de deshidratación. El poeta, que reside alternativamente entre Montevideo y Madrid para evitar las bajas temperaturas debido a sus problemas de asma, se había sometido esta mañana a un control médico de rutina, pero al encontrarse algunos valores irregulares, se decidió que permaneciera internado (...) El especialista añadió que los signos vitales de Benedetti "son normales" y que el paciente "está con buen estado de ánimo, lee y recibe la visita de familiares". No obstante, aclaró que "todavía no podemos hablar del alta, porque si bien hay una mejoría no está suficientemente consolidada como para pasar a una internación convencional".

Su secretario personal, Ariel Silva, había aclarado antes que el escritor está "lo más bien" y que "ya pidió los lentes y el diario". "Tuvo una gastroenterocolitis con estos calores, es una deshidratación. El médico decidió que era preferible que estuviera controlado y se decidió internarlo para seguir los estudios aquí. Está evolucionando favorablemente", había precisado Silva. Sin embargo, el colaborador del poeta añadió que "precisa descansar y creo que se quedará unos días más (en el sanatorio)".

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Ya salió la longlist del Premio Internacional Minotauro de Literatura Fantástica y de Ciencia Ficción que premia a la mejor obra del género en castellano. La lista de latinoamericanos candidatos es extensa.

Dice la nota: "Un total de 68 escritores latinoamericanos concurren al Premio Internacional Minotauro de Literatura Fantástica y de Ciencia Ficción, que se fallará el próximo 7 de febrero, y que en su quinta edición se consolida como uno de los más prestigiosos a nivel internacional en su género. Argentina, con 36 ejemplares presentados, y México, con 21, son los dos países de América Latina con mayor representación en la convocatoria, que se cerró el pasado 5 de noviembre. Cinco finalistas, entre los que se encuentra el uruguayo Federico Fernández Giordano con su obra "El libro de Nobac" , optan a este Premio, que está dotado con 18.00 euros (26.470 dólares) . Además figuran las obras "Ángeles de Titanio" , de Klaus Gordonkraff (seudónimo) ; "Aquamarine" , de Vera Parkhutik; "Rey sátiro" , de Antonio Domínguez Leiva y "Switch in the Red" , escrita bajo el seudónimo Anónima de las 9:59. El jurado está compuesto por los escritores Fernando Delgado, Ángela Valley, Pere Matesanz, Olga Rubio, Juan Eslava Galán, Laura Falcó, y Clara Tahoces, ganadora de la última edición del Premio.

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Jonathan Franzen, más conocido como El Escritor Que Le Dijo No A Ophra, ha sido entrevistado en el Corriere della Sera por Alessandra Farkas y en el ADN cultural transcriben las opiniones contundentes del autor de Las correcciones. Son tan divertidas las opiniones que prefiero enlistar algunas:

Blogs.- "Un maldito blogger me arruinó la velada del Book Award, blandiendo un micrófono ante mi cara y ametrallándome con preguntas vulgares (...) Lamento la falta de los críticos literarios tradicionales, que actuaban como filtro para descubrir libros de verdadero valor. Es mucho mejor tener 50 inflexibles críticos de esa clase -explica- que tener 500 mil gritones incompetentes."

Michiko Kakutani.- "Es la George Bush de los críticos -ironiza- destruye todo lo que no entiende, que es la mayor parte de lo que lee. Ejerce una influencia deletérea sobre la literatura estadounidense porque es una moralista infantil y carente de sentido del humor, que ve el mundo en blanco y negro."

Philip Roth.- "También yo detesto al autor de Pastoral americana , porque de hecho no es un escritor de talento. En sus libros habla mucho de sí mismo, ya que en realidad no tiene nada más que contar (...) No es verdad, como sostiene Kakutani, que Roth sea un misógino. Exceptuando a sí mismo y a su padre, odia democráticamente a todos, hombres y mujeres, ancianos y niños. En vez de pensar de manera obsesiva en ganar el Nobel, tendría que preocuparse por escribir mejores libros."

Norman Mailer.- "Una pérdida incalculable para la literatura. Al contrario de Roth, Mailer tenía corazón y una mente generosa, apasionada, insaciable e inquisitiva. Su muerte deja un vacío imposible de llenar: ninguno tiene la estatura suficiente para reemplazarlo (...) Mailer codiciaba los deslumbrantes reflectores que habían iluminado el camino de Capote y Hemingway y eso provocó cierto elemento de distracción en su arte. Pero en su interior sabía muy bien que las grandes obras de la literatura nacen en el aislamiento creativo de una habitación, y no bajo los flashes de la vida mundana."

La "novela americana".- "No me gusta ver la palabra "americana" en un título. Ese adjetivo expresa una presunción egocéntrica y autorreferencial muy querida para alguien como Roth, que tiene el vicio de abusar del término "América" y "americano" en sus títulos. Para mí la gran novela no reconoce fronteras nacionales y nace siempre de profundas crisis personales que contribuyen a que uno pueda entender la tragedia colectiva. Como lo hace el premio Nobel Kenzaburo Oé en Una cuestión personal , una de las novelas más sublimes de la posguerra. "

Fama.- "Los europeos tienen el mito del literato ´monstruo sagrado , y conciencia de nación, al estilo de Günter Grass y Michel Houellebecq. Entre nosotros, solo se es famoso cuando se puede exigir una bolsa de dinero al editor, como es el caso de Stephen King, o un entertainer fotogénico y desenfadado que todo el país adora"

Ophra.- "La influencia, antes ilimitada, de Oprah en el mundo editorial estadounidense, está disminuyendo. La señora es un verdadero genio para manipular los medios masivos de comunicación en una nación evangélica como la nuestra, extremadamente susceptible a los líderes carismáticos que se venden como maestros religiosos"

Simpsons.- "Me gusta el hecho de que aquí (en EEUU) los escritores no se toman en serio. En Europa no habría podido prestar mi voz y mi imagen a un episodio de los Simpson, junto a Tom Wolfe, Gore Vidal, Michael Chabon y Thomas Pynchon, quien se puso una bolsa de papel en la cabeza, para ironizar así su legendaria elusividad. Nos divertimos mucho."

Actualidad literaria.- " decir verdad, recibo muchos libros buenísimos de autores jóvenes. Me gustan mucho Joshua Ferrir, nominado para el National Book Award y Charles Bock, autor de Beautiful Children . Estimo a Keith Gessen, Denis Johnson y Lydia Davis. Es cierto que las mejores obras se escriben entre los 30 y los 40 años porque a los 20 todavía falta experiencia. Mi preocupación es que los jóvenes de hoy no tienen la misma capacidad lingüística que antes, dado que nuestra cultura cada vez tiene menos que ver con la escritura".

Despertar de primavera (pieza teatral de Frank Wedekind).- "Los productores de Broadway han masacrado el original -se lamenta-. Tal como lo han hecho algunos directores teatrales europeos a los que les gusta quitar toda verdad de los clásicos, para reemplazarlas por mentiras contemporáneas"

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Rafael Gumucio hace en la Revista de Libros una exploración hombre-dentro y describe su complicado año literario 2007 que incluye una mención al Moleskine Literario. Por cierto, Rafael, más allá de las diferencias en la lectura de Sebald debo decirte que en Moleskine Literario esperamos ansiosamente la llegada de tu próxima novela. ¡Ningún niño viene sin pan bajo el brazo! Mucha suerte en el 2008.

Dice Gumucio: "Viciosamente, empecé a escribir ya no para comprender, o disfrutar, sino para enfrentarme con esos fantasmas que me mordían, pero que me acompañaban, que me saboteaban, pero al menos se preocupaban por mí. La literatura, mi literatura, la opinión de mis amigos, de mi esposa, de mis hermanos, Bolaño, la moda intercultural, los siempre tan bien portados jóvenes escritores sudamericanos, los Moleskines literarios. Envidioso, afiebrado, sordo y ciego, pasé por alto el embarazo de mi mujer, el nacimiento de mi hija, preocupado al mismo tiempo de nutrir y abortar mi propio criatura, de dar vida y matar, de mostrarme y esconderme para no admitir ese miedo a publicar, a exponerse sin máscaras, del que tanto me había burlado en mis mayores de la generación justo anterior a la mía.Incapaz de avanzar no me quedó otra que retroceder. Busqué entre mis papeles, entre mis libros, pero no encontré respuestas. (...)

Nació mi hija, aterrado por la pobreza posible volví a andar en micro. Todo un mundo que conocía, el de las calles de Santiago, el de mi propio tiempo sin apuros, sin escape, se me hizo patente. Recordé lo que sabía cuando empecé a escribir -cuando no conocía a los editores de Barcelona-: sólo yo puedo contar mi soledad en la multitud del paseo Ahumada. El verdadero trabajo literario no se mide en horas frente al computador, sino en ese enfrentamiento con esa parte de tu intimidad y la del país que es tan íntima que hasta tú desconoces, con ese temblor que seria más fácil pasar por alto, pero que cuentas, que con urgencia tienes que contar para separarlo de ti, para hacerlo objeto, mercancía, es decir olvido.Luego vino Sciascia y Lampedusa escribiendo sobre Stendhal, y Chesterton escribiendo sobre Dickens, recordándome al pasar, como si fuese lo más natural del mundo, que un buen libro es Algo que se convierte en Alguien. Un objeto que respira como una persona, una persona que sólo es querible, soportable cuando no es consistente, cuando no sabe, cuando se contradice, cuando lo intenta y no cuando lo logra. Esa persona sé, ahora al comenzar 2008, es lo que tengo que intentar ser totalmente para escribirla después. Mi novela, ésta y las que vendrán tienen que respirar antes de hablar y hablar sólo para respirar.El intento contrario, sé ahora, el escribir para ser, fue mi gran error del 2007.

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En el "Confabulario" aparece un breve homenaje a Simone de Beauvoir que incluye artículos de Charles Dantzig y Catherine Clement (sobre la pareja Sartre-Beauvoir) y trae además una nota muy atractiva: el recuerdo de la mismoa Beauvoir sobre cómo escribió su influyente El segundo sexo. El texto había sido publicado en un libro de ensayos traducido por Sudamericana.

Dice Beauvoir: " He dicho cómo fue concebido este libro: casi fortuitamente; al querer hablar de mí me di cuenta que tenía que describir la condición femenina; ante todo consideraba los mitos que los hombres han forjado de ella a través de las cosmologías, las religiones, las supersticiones, las ideologías, las literaturas. Trataba de poner orden en el cuadro, a primera vista incoherente, que se me ofrecía: en todo caso el hombre se ponía como el Sujeto y consideraba a la mujer como un objeto, como la Otra. Esta pretensión se explicaba evidentemente por circunstancias históricas; y Sartre me dijo que yo debía indicar también las bases fisiológicas. Era en Ramatuelle; hablamos de ello largamente y vacilé: no había pensado escribir una obra tan vasta. Pero, en efecto, mi estudio sobre los mitos quedaba en el aire si no se sabía qué realidad cubrían. Me sumergí pues en libros de fisiología y de historia. No me limité a compilar; hasta los científicos, y de los dos sexos, están imbuidos de prejuicios viriles y traté de recuperar, por detrás de sus interpretaciones, los hechos exactos. En historia inferí algunas ideas que no había encontrado en ninguna parte: enlacé la historia de la mujer con la de la herencia, es decir que se me apareció como un contragolpe de la evolución económica del mundo masculino. Me había puesto a mirar a las mujeres con unos ojos nuevos e iba de sorpresa en sorpresa. Es extraño y estimulante descubrir bruscamente a los cuarenta años un aspecto del mundo que hiere la vista y que uno no veía. Uno de los malentendidos que ha suscitado mi libro consiste en que se ha creído que yo negaba toda diferencia entre el hombre y la mujer: por el contrario, al escribirlo medí lo que los separa; lo que sostuve es que esas desemejanzas son de orden cultural y no natural. Me puse a contar sistemáticamente cómo se crean desde la infancia hasta la vejez; examiné las posibilidades que este mundo ofrece a las mujeres, las que les rehúsa, sus límites, sus frustraciones y sus oportunidades, sus evasiones, sus realizaciones. Así compuse el segundo volumen: La experiencia vivida. Sólo trabajé dos años en esta obra. Tenía conocimientos de sociología y psicología. Debía a mi formación universitaria eficaces métodos de trabajo: sabía clasificar y examinar rápidamente los libros, eliminar los que sólo eran plagios o fantasías; hice un inventario casi exhaustivo de todo lo que había aparecido sobre el tema en francés y en inglés; éste ha suscitado una enorme literatura pero, como en muchos otros casos, sólo cuenta un pequeño número de estos estudios. También me beneficié, sobre todo para el segundo volumen, del interés que durante años habíamos tenido Sartre y yo por la gente: mi memoria me proporcionó abundantes materiales.

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En la entrevista que le hace Juan Cruz a Joan Marsé, quien acaba de cumplir 75 años, aparece el autor más cabreado que cuando Jaime Bayly quedó finalista del Planeta en que él fue jurado. Pero dice cosas interesantes, como que está escribiendo un libro sobre su adolescencia que tiene como título provisional Aquel muchacho, esta sombra y da algunos datillos sobre cómo eligió sus títulos que siempre se agradecen.

Dice sobre dar entrevistas y el "puto país": "Ahora Marsé tiene una edad contundente, 75 años, pero aún mantiene el aspecto de un adolescente cabreado; en este momento preciso, cabreado con los obispos (sus felicitaciones de año nuevo, de su puño y letra, son caricaturas en las que los obispos hacen eslóganes sobre el valor de sus hostias), y enfadado con la vida, con los achaques del tiempo, con "este puto país". "¿Setenta y cinco años? ¡Si nací con 75 años!". Ya no va a dar más entrevistas nunca, es una decisión. "A partir de ahora", dice, "no quiero conceder más entrevistas, ni sobre este puto país, ni mucho menos sobre els bisbes, cardenales y demás ralea".

Y sobre su nueva novela: "En lo que lleva escrito, realidad y ficción se van juntando, hasta dar de sí una novela de raíz autobiográfica, como muchas de las suyas. "¿Qué va a salir? Y yo qué sé, puede salir un churro o una merina. ¡Ni el título está decidido!". Ahora está feliz, escribiendo, si le sacas de ahí y le pones delante un cuestionario o un micrófono le desvías del objetivo que en este momento tiene su vida, que es redescubrir a aquel chico de entonces. Un título hermoso. "¿Tú crees? Es provisional". Siempre tuvo títulos buenos. "No te creas, muchos me los regalaron. Por ejemplo, Si te dicen que caí es de Jaime Gil de Biedma. Le dije: 'Voy a titularla Adiós, muchachos'. Me miró y me dijo: 'Me gusta, pero parece un tango'. Y me dio ése, Si te dicen que caí. Es curioso, ha salido una edición en Italia, y la han titulado así, en español, Adiós, muchachos". Y ahí está La oscura historia de la prima Montse, bellísimo. "¡Es de Carlos Barral!". Últimas tardes con Teresa sí será suyo. "Sí, ése sí, se me ocurrió en París, una tarde, cuando estaba empezando la novela, y así siguió, hasta el final. El que no es mío tampoco es Ronda del Guinardó. Le puse Rosita y el cadáver, y todos pusieron mala cara en Seix Barral, hasta que Mario Lacruz halló ése, que le va muy bien".

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Un artículo imperdible para todos los que hacemos blogs literarios el del NYT titulado "Borges and the Foreseeable Future" en el que comentan el libro Borges 2.0 de Perla Sassón-Henry. En el suplemento Ñ comentan el artículo. ¿Acaso será cierto que Borges predijo el internet? ¿Los blogs fueron anticipados en "Funes el memorioso"?

Dice la nota: ""Jorge Luis Borges no parece un candidato probable al título de El hombre que descubrió Internet", comienza el artículo publicado este domingo por The New York Times, titulado Borges y el futuro previsible. Pero el libro Borges 2.0 de Perla Sassón-Henry, que acaba de publicarse en los Estados Unidos, le da cierto crédito, cuanto menos en haber intuido en sus ficciones la aparición de la red (...) Según su trabajo, historias como Funes el memorioso, La Biblioteca de Babel y Tlön, Uqbar, Orbis Tertius, entre otras, se han convertido en un canon entre aquellas que marcan una intersección entre las nuevas tecnologías y la literatura. El articulo de The New York Times explora algunos ejemplos de estas historias borgeanas en las que el escrtitor preanuncia el concepto de blogs o de una biblioteca universal . Además de este libro, en el transcurso de este año tendrá lugar la publicación de una colección de ensayos sobre el tema editado por la Bucknell University Press, que llevará el provocativo título de Cy-Borges."

Uno de los ejemplos del artículo están referidos a los blogs: "THEN “Two or three times he had reconstructed an entire day; he had never once erred or faltered, but each reconstruction had itself taken an entire day. ‘I, myself, alone, have more memories than all mankind since the world began,’ he said to me. ... And again, toward dawn: My memory, sir, is like a garbage heap.” “Funes” (1942)

Now.- The path from diary to blog to the frequently updated “microblog” has now descended to “life-logging.” Not content merely to record their thoughts or even daily activities, life-loggers record and preserve everything they see, hear, say and read during the day. The world-recognized early adopter is Gordon Bell, a 73-year-old computer programmer who wears an audio recorder as well as a tiny camera that snaps a picture every 60 seconds. A 2006 profile in Fast Company described Mr. Bell as at one time being “worried about filling up his hard-drive space too quickly.” He adds a gigabyte of information a month and figures that an average 72-year-old person would require one to three terabytes, “a hefty amount of storage.”

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Mientras espero que algún diario le preste atención al precioso libro de Elba Luján, Rastro, editado por Peisa, les dejo las palabras que Patricia de Souza dijo en la presentación del libro y ha publicado en su blog.

Dice De Souza: "Recuerdo la primera vez que vi a Elba: estábamos en un curso y a mí me había llamado la atención su forma cálida de comunicar, una atención delicada, porosa, inteligente. Desde entonces, empezó una amistad inmediata entre las dos. Un día me mostró un libro suyo. Estaba en pleno trabajo de recomposición y lo que más me sorprendió, fue la falta de confianza con que se presentaba cuando a mí lo que me parecía es que había ahí un trabajo de escritura: quiero decir, escritura en el sentido escriptural, labrado del texto sobre la superficie, esa cosa que emerge valientemente abriéndose paso entre los escombros de la memoria para mostrarse y hacernos oler su huella, su Rastro, como ha escrito Elba. En ese trabajo de lectura de lo que está escrito, pero que no ha sido todavía revelado, yo veo a una especie de persona invidente que se acerca al alfabeto para leer lo que está inscrito en la superficie. Ese aspecto tactil del texto me parece importante porque Elba es una intuitiva, de un olfato fino que le permite interpretar las cosas que le suceden. Es esa sensibilidad de grano fino la que marca su escritura y es por eso que la llamo escritura. Conozco el trabajo de Elba y sé que también es una forma de supervivencia, de salir a flote en medio de experiencias no siempre unidas sino más bien fragmentadas, es esa necesidad de marcar su experiencia y recuperar ese rastro. En esa búsqueda el lenguaje de Elba se deshace de sus lastres retóricos para tratar de abarcar el sentido, la memoria"

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En febrero estará viajando a Argentina Julian Barnes, y los de ADN Cultura se adelantan y le dan el alcance en su propia casa en Inglaterra. El gorro de la nota es tan apetitoso que no puedo evitar copiarlo íntegro: "Habló de sus años de niñez, cuando quería ser judío porque los mejores alumnos de su escuela, los más sofisticados y elegantes, era judíos, y anticipó los temas de la novela que está escribiendo, en la que se mezclan la ficción y las memorias familiares. Además, se refirió a la influencia que el cine de la nouvelle vague ejerció sobre él. Confesó que siempre prefirió a Truffaut a Godard y mostró con orgullo una curiosa fotografía de Borges"

Dice Barnes sobre su nueva novela: "Es una memoria de mi familia mezclada con un ensayo sobre la muerte, con una conversación con mi hermano que recorre las páginas como hilo conductor. Mi hermano dice que a él no le importaría morir, que no le gustaría, pero es un filósofo y sostiene que como no se puede hacer nada al respecto no vale la pena ni quejarse ni temerle. Yo en cambio, creo que es muy fácil temer a la muerte, aunque me libro se llame "Nothing to be frightened of". (...) mi hermano será excéntrico pero es totalmente honesto. El vive en Francia así que la mayor parte de nuestro intercambio fue por correo electrónico. Yo le dije que le iba a mostrar los borradores ni bien los tuviese listos dado que él aparecía tanto en ellos, y me respondió que los leería encantado pero que no le importaba en absoluto lo que yo dijera en esas páginas sobre él. Es más, me aclaró que si su memoria era distinta a la mía respecto a cualquier hecho que mencionase, que no le prestara ninguna atención a su opinión porque seguramente yo lo recordaba mejor que él. En general soy tremendamente supersticioso respecto a hablar de un libro antes de que esté terminado, pero como ya tengo 230 páginas listas, solo falta la lectura final y publiqué un pequeño adelanto en el New Yorker, me siento bastante confiado.

Y sobre su próximo viaje a Argentina declara: "Bueno, se bastante de fútbol, de Borges, de vino, pero en vez de meterme con clichés prefiero mostrarle uno de mis tesoros más preciados: es una foto de Borges con dos mujeres que, según la inscripción al dorso son las famosas bailarinas de tango Rosita Quiroga y Mercedes Simone. Es tan amateur la foto que a las famosas bailarinas de tango les cortaron los pies. La ví en el catálogo de un anticuario americano y supe que tenía que tenerla, porque era genial y por todo lo que admiro a Borges (...) He escrito bastante al respecto [de Borges], pero puedo resumirlo en una sola frase. Me gusta Borges porque no hay nadie como él, por su originalidad absoluta y su firme determinación de ser Borges en cada palabra que escribió".

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Muchos años después, ante el pelotón de fusilamiento, recordaré la tarde en "El Virrey" en que Edmundo Paz Soldán sacó de la repisa de arriba de los estantes un librito medio extraviado y me dijo que me lo comprara a pesar del precio. "Es de los tuyos" dijo Edmundo, a quien apenas conocía por entonces, y obviamente intrigado por esa frase decidí seguir su consejo. Se trataba de Y amanece la muerte de Jim Crace y pocas veces alguien acertó en mis gustos de manera tan rotunda. Ahora, en Emecé Argentina han publicado una nueva novela de Crace, titulada Seis y reseñada en Radar Libros; y pese a los reparos de la prensa inglesa, desde ya cruzo los dedos para que Planeta Perú la traiga. ¡Que la traiga!

Dice la reseña: "De le generación premiada y ambiguamente aplaudida de narradores británicos que alguna vez se conoció como Young British Novelists, pero que ahora ya peinan algunas canas y reciben galardones a la obra de una vida –hablamos, por supuesto, de Martin Amis, Julian Barnes, Ian McEwan y compañía–, hay un nombre que ha escapado con verdadera destreza al bronce y las mil y una entrevistas en los suplementos del mundo. Se trata de Jim Crace, que nació en 1946 en Enfield, al norte de Inglaterra, en “la última casa de Londres”, donde todo es campo hasta donde se pueda mirar. Hay, como en toda biografía, un puñado de hechos secretos y otros menos privados que arman el perfil inequívoco de una vida. Uno de esos hechos, en la vida de Crace, fue sin duda los cinco años que pasó en Sudán, una vez graduado de la universidad en Literatura Inglesa. El viaje, dicen, parece haberlo inspirado a escribir una literatura que de algún modo se puede definir como el reverso perfecto de la temática contemporánea. Historias atemporales y cartografías utópicas son algunas de las marcas particulares de una literatura que se consagra en los vértices de un realismo peculiar. The gift of stones es una novela que transcurre en una aldea en la temprana edad de piedra, y Quarantine hace lo suyo en los desiertos de Judea. Su libro más aclamado, sin embargo, es Being dead, de 1999 (hay traducción española: Y Amanece la Muerte, Ediciones B), en donde Crace narra con un detallismo pasmoso y algo claustrofóbico la desintegración de dos cuerpos asesinados en los médanos de una playa. Ahora llega a nuestras costas Seis, la última entrega de Crace. Y, fiel a la lógica impredecible de sus tramas, ahora el inglés narra la historia de un padre, y con él la historia de un amor, y de un país, y de una generación. Sucede que Crace practica el arte de narrarlo prácticamente todo (el contexto, los vericuetos psicológicos, las relaciones emocionales, los hechos puros), y en esa vorágine Seis encuentra sus mejores y sus peores páginas. La historia central es la de Felix Dern, un actor de una ciudad que no se nombra (hay quienes arriesgarían que se trata de Budapest), que ha dejado embarazada a cada mujer con la que se acostó. De este modo, en una propuesta estructural algo esquemática pero también significativa, seis son los capítulos del libro y seis son los hijos que, a su pesar, cargan la existencia de este ambiguo personaje. La prensa inglesa dijo que Seis es “una rara mezcla de oblicuidad y énfasis pesados”, “una brillante y elegante arrogancia, pero, en el fondo, no mucho más que eso”. Ahora, los lectores en castellano podrán decirlo.

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El centenario más célebre de este año es el de la escritora francesa Simone de Beauvoir, y se cumple pronto: este 8 de enero ella hubiera cumplido las tres cifras. Francia ya hace los preparativos para los homenajes. En "El País" recuerdan la figura comprometida de la escritora y su célebre esposo, Jean Paul Sartre. Y como para despejar las dudas de su influencia en la actualidad, en "Radar" de Página/12 acogen algunas columnas de opinión de varias intelectuales afines al pensamiento de la Beauvoir bajo el simpático título: "Mamá cumple 100 años".

Dice la nota en "El País": "Hoy, a través de biografías, testimonios y análisis, la "pareja libre" que simbolizaron Sartre y Beauvoir es criticada por unos y otros. No fueron tan "resistentes" como decían, no fueron tan "libres" como parecían, no tuvieron tanta razón como se creía. Es más, la Historia, la gran Historia, ha ridiculizado muchas de sus tomas de posición, buena parte de sus críticas a Camus, Aron o Merleau-Ponty. El marxismo ya no es el sistema filosófico, sino uno más entre ellos, como ese existencialismo del que ellos fueron los profetas; los países comunistas cuya revolución apoyaron con su presencia -Rusia, Cuba, China, Viet-nam- son hoy, o bien paraísos del capitalismo salvaje, o bien ejemplos ruinosos de adonde puede conducir una teoría cuando se hace caso omiso de la realidad. Jacques-Pierre Amette, en el semanario Le Point, se atreve a preguntarse si "Sartre y Beauvoir no serán los Ginger Rogers y Fred Astaire del existencialismo". Y sin embargo...

El "sin embargo" no está, exclusivamente, en los 1.200.000 ejemplares vendidos desde 1949 -sólo en francés- de El segundo sexo, libro de referencia del feminismo, ni en la influencia del mismo en la evolución de la mentalidad contemporánea. Puede que tampoco esté en la calidad e interés literario de la obra de Simone de Beauvoir, que son muy altos y necesitan de revaloración. Todos los hombres son mortales (1946) es un gran ejemplo de "novela filosófica", un género hoy mal visto, de la misma manera que lo es Los mandarines (1954), que pone en escena el antagonismo entre Sartre y Camus a través de personajes reales, que no son meros portadores de mensajes. Y Memorias de una joven formal (1958) es un libro bellísimo, aunque se toma ciertas libertades con la verdad. En ellas nos cuenta que "Sartre correspondía al deseo que formulé cuando tenía 15 años: era el doble en el que reencontraba, llevadas a la incandescencia, todas mis manías. Con él siempre podría compartirlo todo. Cuando nos separamos a principios de agosto sabía que nunca más iba a salir de mi vida". Y aprendemos que tuvo como compañeros de claustro a Maurice Merleau-Ponty y a Claude Lévi-Strauss. "Les conocía ya un poco a los dos. El primero siempre me había inspirado una lejana simpatía. El segundo me intimidaba por su flema pero se sabía servir de ella y le encontré muy divertido cuando, con voz neutra y un rostro impenetrable, expuso ante nuestro auditorio la locura de las pasiones".

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En Babelia aparece una reseña sobre el recientemente fallecido escritor francés Julien Gracq en lectura de Enrique Vila Matas, quien lo considera "el último clásico de la literatura francesa".

Dice la nota: "Le creíamos anticuado y es el más moderno de todos, es el porvenir. Julien Gracq, que murió el pasado 22 de diciembre a los 97 años, seguía viviendo en su casa natal de Saint-Florent-le-Vieil, a orillas del Loira, en austero retiro ya legendario. Cuanto más descubrimos lo muy contemporánea que es El mar de las Sirtes, más comenzamos a explicarnos las reacciones de estupor o de altivo menosprecio que pudieron provocar sus "bacterias literarias" entre los supuestos genios que triunfaban por aquellos días de 1951 -eran los tiempos modernos de Sartre y compañía- en que apareció el "anticuado" libro de Gracq y fue premiado con un Goncourt que el escritor rechazó. En El mar de las Sirtes el procedimiento narrativo acoge tendencias y tradiciones literarias que el autor absorbe y transforma, lo que le relaciona, aunque sea sólo de manera oblicua, con ciertas técnicas modernas, borgianas, por llamarlas de alguna forma. El mar de las Sirtes no sólo se alimenta de los materiales que le proporciona la vida, sino que también crece, misteriosamente, sobre otros libros. Es una novela hecha con el estilo de un espíritu nuevo que absorbe, transforma y, finalmente, restituye, con una forma inédita, la enorme materia literaria que le precede.

¿Y qué decir de la morosa espera que cruza la trama de El mar de las Sirtes y nos acerca al presentimiento terrorífico del estéril porvenir que a Occidente le espera? La novela es, de hecho, una sorprendente aproximación a lo que nos está sucediendo ahora. Es la narración de una decadencia brutal y de una angustia. Es literatura de percepción, no profética. A lo largo de El mar de las Sirtes el lector se cruzará con una sucesión de iluminaciones de estirpe rimbaudiana. Gracq muestra una especial sabiduría de percepción del futuro, como si supiera que un aspecto muy seductor de la literatura estriba en ser como un espejo que se adelanta: un espejo que, como algunos relojes, tiene la capacidad de avanzarse. Kafka fue un buen ejemplo de esto porque presintió, percibió hacia dónde evolucionaría la distancia entre Estado e individuo, máquina de poder e individuo, singularidad y colectividad, masa y ser ciudadano. El libro de Gracq no sólo se sitúa en esta corriente de escritores con espejos que se adelantan, sino que parece conocer el centro de nuestro problema actual: la situación de absoluta imposibilidad, de impotencia del individuo frente a la máquina devastadora del poder, del sistema político. Ése precisamente es el paisaje moral y literario que hace más de medio siglo prefigurara El mar de las Sirtes, donde el género novelístico es abordado como género supremo de la utopía y como instrumento idóneo para enseñorearse nuevamente de la irrealidad en una época en la que la realidad debería perder sentido. Toda esa atmósfera gracquiana alcanza su cumbre máxima cuando, en el famoso séptimo capítulo, vemos aparecer, fantasmagórico, al volcán Tängri, una montaña emergida del mar, un cono blanco y nevado flotando como una madrugada lunar sobre un tenue velo morado que parece despegarlo del horizonte. Ahí está plenamente el gran Gracq, ahí le tenemos señalando pautas y alineado con la mejor narrativa actual. A veces, sus palabras sobre el volcán, esa iluminación tan rimbaudiana, me evocan la calma y dignidad del propio Gracq y su papel de faro y de imaginario jefe de la renovación de las tendencias narrativas: "Ahí estaba, allí le teníamos. Su fría luz irradiaba como un manantial de silencio, maestro en la noche desierta". -

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Confirmando que tiene buenos dateros, o los oídos bastante afilados, Juan Palomo volvió a acertar con el ganador de un premio. Esta vez lo hizo con el Nadal, que fue para Francisco Casavella por Lo que sé de los vampiros. Como finalista quedó Eva Díaz y la novela El club de la memoria.

Dice la nota: "La obra del escritor Francisco Casavella (Barcelona, 1963) ha estado marcada por contener jirones del género picaresco, en un contexto de engaños, apatía moral y sordidez, con la que ha retratado -y, cada vez más, reflexionado- su ciudad natal y la España contemporánea. Los estragos que el estilo y la mirada de este outsider pueden causar en el siglo XVIII, a partir de las peripecias de un personaje que da vueltas por las cortes de media Europa, podrán apreciarse en la novela Lo que sé de los vampiros, con la que ayer Casavella ganó su primer gran premio: la 64ª edición y los 18.000 euros del Nadal, que convoca la editorial Destino, y que le consagra en las letras españolas. Martín de Viloalle es el personaje que decide libremente, el 2 de abril de 1767, acompañar a los jesuitas expulsados de España. Miembro de una extraña sociedad entre filosófica y estafadora, esta voz que pulula de corte en corte de media Europa no dejará de formular sobre el engaño de la condición humana, afán no muy alejado del que inspira la mayor parte de la obra de Casavella desde su debut con El triunfo (1990), premio Tigre Juan (1991). Los años y los libros han acrecentado la dureza de los personajes en un mundo ruín y la crítica social, como reflejó Quédate (1993) -otro retrato de la Barcelona marginal-, Un enano español se suicida en Las Vegas (1997, que Antonio Chavarrías llevó al cine como Volverás) y la trilogía El día del Watusi (2002-2003), sobre la España de la Transición. Esa flaca por esos submundos y su casi nula presencia en los cenáculos explican que Casavella, colaborador habitual de Babelia, suplemento cultural de este diario, tenga poco en común con autores de su generación, como Ignacio Martínez de Pisón y Martín Casariego. Su buen oído por la oralidad callejera, por otro lado, facilitó su incursión en el mundo del cine, donde ha sido guionista (en Antártida, de Manuel Huerga; Dos mujeres, de Enric Folch, y en la versión de El triunfo, de Mireia Ros) y director de un corto: Demasiado para Baxter.

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Dice la nota: "El mundo editorial emite señales de la existencia de un perfil de lector más sibarita. Hacia ese exquisito resquicio, copado hasta hace poco por pequeños editores, se han dirigido por ejemplo recientes esfuerzos de grandes como Alfaguara y su colección de Clásicos modernos en asociación con la revista The New York Review of Books. Y en esa misma dirección se encamina Backlist, el nuevo sello editorial que el Grupo Planeta pondrá en marcha en marzo. "Vamos a por la gama media-alta del lector, con sentido de biblioteca; y ello, a partir de nuevas generaciones que se interesan por los clásicos y títulos recuperados del acervo cultural literario, que tuvieron su momento y ahora se han perdido en la vorágine de las novedades", apuntan al alimón el responsable de ficción del Grupo Planeta, Adolfo García Ortega, y el director de Backlist, Daniel Cladera, tras ocho meses de trabajar en ese proyecto. La intención es continuar la estela de editoriales como Acantilado o Salamandra, pioneras en buscar ese perfil de lector, que ahora parece abundar más: Jaume Vallcorba, propietario-editor de Acantilado, constata que en los últimos años la casa, creada en 1999, "está registrando incrementos de facturación de un 40% anual". Sigrid Krauss es directora literaria de Salamandra, la firma tras los fenómenos de Márai (se han vendido 600.000 ejemplares de los libros de este autor húngaro ignorado por el público español durante décadas) o Nèmirovsky (escritora de origen judío, asesinada en Auschwitz en 1942 y de cuya recuperada novela, Suite francesa, se han colocado 80.000 copias). Reconoce que en los dos últimos años ha incrementado ventas: "Si antes, el título que menos funcionaba apenas llegaba a las 2.000 copias, ahora las dobla".

El retrato robot de estos lectores es, según Vallcorba: "Profesionales liberales o gente con ciertos estudios, por un lado, y un público joven nuevo que no sólo quiere música rock y cine". De ahí que, según el editor, "no les importe pagar 58 euros por los ensayos de Montaigne; incluso desembolsarían un 50% más". "No quieren leer en formato bolsillo; también hay un elemento fetichista, de libro bien editado con sobrecubierta", añade Ortega. Riambau pone el contrapunto: "También vendemos en grandes almacenes y es que Internet ensancha ese mercado. Y no olvidemos que los agentes primordiales para estas obras son los libreros y la prensa". Es decir, sus recomendaciones y el necesario boca-oreja.

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La importantísima revista Granta llega a su número 100 y lo celebra convocando a una enorme cantidad de estrelles literarias caseritas, empezando por William Boyd como editor invitado y con autores como Mario Vargas Llosa, Harold Pinter, Hanuf Kureishi, McEwan, Amis, Doris Lessing, Rushdie, Nicholas Shakespeare, Julian Barnes, AM Homes, etc. Aunándose a la celebración, en The Guardian le brindan un homenaje, a cargo de Simon Garfield, recordando las idas y venidas de la revista y en especial de su fundador, Bill Buford. ¡Atención, editores de futuras revistas de arte y cultura! Aquí está el verdadero modelo.

Buford then performed a clever trick. For Issue 7 he seized upon an initiative of the Book Marketing Council to promote the Best of Young British Novelists, and a whole new publishing gimmick was born. The list included Amis, McEwan, Julian Barnes, Kazuo Ishiguro and Pat Barker. This list was repeated a decade later in 1993 (Alan Hollinghurst, Hanif Kureishi and Esther Freud) and 2003 (Zadie Smith, Nicola Barker and David Mitchell), and worked for young American writers as well. To be on this first roster in 1983 promised a certain amount of attention, not least as it was the first Granta to be distributed by Penguin. Adam Mars-Jones, who holds the unique position of being on the list in 1983 and 1993 despite never producing a novel, believes it kept his literary ambitions alive. 'It certainly helped me stay marginally above freezing point,' he says. 'It extended your sell-by date.' But for all the noise surrounding the BOYBN list in 1983, it was the subsequent issues that defined new tastes. 'Dirty Realism' was a phrase that no American writer recognised until Buford invented it as another marketing ploy, grouping a previously unrelated group of writers - for issue 8 - under this meaningless title. Richard Ford recently acknowledged its importance in bringing him and other contributors - including Raymond Carver and Tobias Wolff - an eager new readership. The next issue, with John Berger and Gabriel Garcia Marquez, was hailed by the Guardian as 'a cause for congratulation,' and another cause followed a few months later - the first issue devoted to travel writing. This featured almost all the names we now regard as the masters of the genre, most of them in some absurd and compelling situation of their own making: Redmond O'Hanlon, Bruce Chatwin, James Fenton, Jonathan Raban, Martha Gellhorn, Paul Theroux and Norman Lewis. Buford regards this edition as the culmination of all he was striving for in the first three years. Or as he puts it: 'Finally I fucking did it.' What he did was shift Granta on to the axis we recognise today, as a home for long-form narrative non-fiction. The influence of the travel writing issue far exceeded its sales, which remained in the low thousands in the first few years, and only took off when Buford grasped the value of selling the magazine in the United States (although to some extent Granta's influence on both readers and writers has remained greater than its commercial success; it has always tended to sell to an influential literary elite, less snobbish than the maligned Hampstead set but perhaps no less self-contained). One mail-shot had an immediate impact. Those who received it remember an envelope with the words, 'Interested in a small magazine about writers and writing? Then throw away this envelope! Because Granta is a magazine that hates literature...'

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Como si no bastara la tristeza de la eliminación de Inglaterra para la Eurocopa 2008, además del fracaso de los clubes ingleses en la Premier League, al parecer en literatura este año británico tampoco ha sido notable. Al menos eso es lo que opina David Robson en The Telegraph (vía The Literary Saloon). Definitivamente, un año para el olvido el 2007 inglés.

Dice la nota: "But, generally, 2007 was a scrappy, inconsequential, bits-and-pieces year, of the kind that has book-lovers sobbing into their wine and asking themselves: 'Whither the Novel?' Significantly, the only time real excitement was in the air was when the final Harry Potter book was published and we all held our breaths, waiting to see if Harry would come a cropper in the final furlong. What will younger readers - and their parents - do now that J. K. Rowling has finished her magnum opus? We shall miss Hogwarts, more than we realise. Symptomatic of a genre not in crisis, but most certainly under the weather, was Diary of a Bad Year by the South African heavyweight J.M. Coetzee, an impenetrably bad book, crafted with a tortuousness that was painful to behold. It was like watching Tiger Woods go round in 165 rather than 65. Coetzee, a double Booker-winner, did use to rise above the crowd but, like others, had lost his way. The title felt like a harbinger. Things were a little better across the Atlantic, where the bleakly beautiful Exit Ghost saw Philip Roth still head and shoulders above his contemporaries. Other weighty offerings from stateside included Tree of Smoke by Denis Johnson and The Ministry of Special Cases by Nathan Englander. But even in America, not all was well. Much was expected of Falling Man by Don DeLillo, a big-hitting writer grappling with the leviathan of 9/11, but it did not feel like a major work. And the death of Norman Mailer was a sad reminder of the days when writers, good, bad or indifferent, at least exuded a certain swagger and ambition.

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Un perfil parecido el que tienen las ganadoras literarias de concursos organizados este año por dos importantes diarios argentinos: ambas mujeres, ambas poco conocidas, ambas mayores de edad (una de ellas bastante mayor) y ambas poco fashionables (aunque los esfuerzos de Página/12 por hacer de la señora Ven